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Biographie des spanischen Malers Joan Miro - Geschichte

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Joan Miro Biografie


Joan Miro Ferra war ein einflussreicher Maler, Bildhauer, Keramiker und Grafiker des 20. Jahrhunderts, der 1893 in der katalanischen Region Spanien in der Nähe von Barcelona geboren wurde. Er begann schon als kleiner Junge zu zeichnen und besuchte später eine Handelsschule sowie die La Lonja School of Fine Arts. An der letzteren Schule wurde er von zwei Lehrern ermutigt, einer ermutigte ihn, den Geist der primitiven katalanischen Kunst wiederzubeleben und ihn mit modernen Entdeckungen und Techniken zu kombinieren. (Dies war zu Beginn des 20. Jahrhunderts, als die moderne Kunst in Europa gerade erst begann und das kreative Klima energisch und fortschrittlich war.) Als Jugendlicher war er der reichen Folklore Kataloniens ausgesetzt, die später seine Bilder, wie zum Beispiel, wie er ganz natürliche Formen als Wesen sah, einschließlich Kieselsteinen und Bäumen. Bei Besuchen im Museum von Katalonien in Barcelona wurde er auch mit kompletten Innenräumen von Kirchen des 9. bis 12. Jahrhunderts mit Fresken konfrontiert, mit ihrer relativ groben Ausführung und ihrer einfachen, flachen und cartoonartigen Bildsprache. Sie verwendeten auch Primärfarben, alle stark in Schwarz umrandet, mit einem dunkel schattierten Umfeld, sowie die ebenfalls moderne Behandlung des Raumes als ebene Fläche statt der traditionellen Illusion von Tiefe in einem Bild (Perspektive usw.). All diese Elemente sind in Miros Werk zu sehen, ebenso wie die Verwendung von Maßstabsunterschieden, bei denen eine Form unverhältnismäßig größer ist als andere, eine Methode, die oft von Kindern verwendet wird, wenn sie die für sie wichtigsten Objekte zu den größten Objekten der Welt machen Bild.

Nach 3 Jahren Wirtschaftsschule nahm Miro eine Stelle als Buchhalter in einer Drogerie an, eine Position, die seine Eltern für ihn wählten. Dort war er überarbeitet, erkrankte schwer und drohte einem »Nervenzusammenbruch«, gefolgt von einem Typhus-Anfall. Seine Eltern brachten ihn dann zu ihrem neuen Landgut Montroig in einem abgelegenen Dorf in Katalonien. Sein Gesundheitszustand veranlasste seine Eltern, ihm zu erlauben, das zu tun, was er am meisten wollte - malen. Er besuchte die Akademie Gali in Barcelona (eine freigeistige Akademie mit dem Einfluss zeitgenössischer ausländischer Maler, wo auch Interesse an Literatur und Musik bestand). Der individuelle Ausdruck wurde gefördert. Miro lernte auch das Zeichnen allein durch den Tastsinn und nicht durch das Sehen. Zu dieser Zeit (um 1915) begann Dada, und Miro begann, avantgardistische surrealistische Dichter wie Apollinaire und Pierre Reverdy zu lesen. Er lernte Josep Llorens y Artigas kennen, der ein lebenslanger Freund werden sollte und mit dem er in den kommenden Jahren bei Töpferprojekten zusammenarbeiten sollte. Miro wurde auch vom Fauvismus (insbesondere Henri Matisse) und Kubismus beeinflusst, der in den frühen Jahren des 20. Jahrhunderts begann, und malte zunächst Stillleben. (Spanien hat eine historische Tradition mystischer Stillleben, die alltägliche Gegenstände mit unheimlicher Beleuchtung gegen totale Schwärze kombinieren.) Von 1915 bis 1918 malte er Akte, dann Porträts, dann Landschaften. An diesem Punkt begann er, die Formen zu "geometrischen" und verwendete Farben unabhängig von ihrer lokalen Farbe (wie die Fauves, die helle Farben verwendeten, die in der Natur nicht zu sehen waren). Er begann auch nach Zeichen und Symbolen zu suchen, um Menschen und Tiere in Spannung oder Bewegung darzustellen. Seine beiden größten Einflüsse in seiner Jugend waren Paul Cezanne, Manet, Claude Monet und Vincent van Gogh. Die Galerie Dalmau in Barcelona war ein Treffpunkt für ausländische Besucher. Hier traf Miro Francis Picabia, einen dadaistischen Maler. Miros Werk hatte eine Zeit der freien Ausdruckskraft durchgemacht, die er nun beschloss, etwas zu straffen und bis 1921-22 Landschaften zu malen. Sein bekanntestes Werk aus dieser Zeit ist The Farm, eine Ansicht des elterlichen Hofes. Die in dieser Zeit geleistete Arbeit zeigt minutiöse Details mit der Präzision eines naiven primitiven Malers. Zu dieser Zeit und sein ganzes Leben lang wurde er von seinem katalanischen Erbe beeinflusst, wie der verzierten katalanischen Keramik und den katalanischen Wandgemälden, die in den 1920er Jahren restauriert und in flachen Mustern im Volksstil gemalt wurden. Zu dieser Zeit wurde er auch vom Surrealismus beeinflusst (der in den 1920er Jahren begann), und seine Arbeit nahm nun ein eher karges Aussehen an (auf das Wesentliche reduziert).

1919 unternahm er seine erste Reise nach Paris und besuchte Picasso in seinem Atelier. Auch die Maler Francis Picabia, Salvador Dali, Antoni Tapies und der Architekt Antoni Gaudi wurden in Katalonien geboren. Obwohl Picasso in Malaga in der andalusischen Region Spanien geboren wurde, wurde er von der katalanischen Kunst beeinflusst. In Miros Leben gab es drei wichtige Orte: Montroig (in Katalonien), Barcelona und Paris. (Katalonien liegt im Nordosten Spaniens, in der Nähe von Frankreich, und die katalanische Kultur ist der Kultur Südfrankreichs sehr ähnlich. Das katalanische Volk war schon immer ein sehr unabhängiges Volk, das an seiner Sprache und seinen Traditionen festhielt.) One ein Jahr später besuchte er erneut Paris und traf die surrealistischen Dichter Pierre Reverdy und Tristan Tzara. Zu dieser Zeit besuchte er die erste Dada-Demonstration in Paris. Und schließlich zog er nach Paris, zu einer aufregenden Zeit für junge Künstler, die eine unterstützende Freundschaft teilten. Im Jahr 1923 gab es eine große Veränderung in Miros Kunst, hin zu mehr zeichenähnlichen Formen (d. h. wie Hieroglyphen), geometrischen Formen und allgemeinem Rhythmus. Mit The Harlequin's Carnival von 1924-25 gab es auch eine Bewegung in Richtung einer umfassenderen Komposition. Diese Gesamtkomposition wurde später von Jackson Pollock, Robert Motherwell, Mark Rothko und anderen Modernisten verwendet, anstatt einen Brennpunkt wie in der traditionellen Malerei zu verwenden, umfasste die Komposition die gesamte Bildfläche an allen Stellen gleichermaßen. Zu seinen Formen gehörten Katzen, Schmetterlinge, Schaufensterpuppen und katalanische Bauern, und seine Bilder waren visuell bewegt. Der Surrealismus begann zu dieser Zeit, als der Schriftsteller Andre Breton das Surrealistische Manifest herausgab. Surrealismus sollte eine Verschmelzung von Realität und Traum sein, eine Art "Super"-Realität. Breton fühlte, dass Miros Arbeit eine Unschuld und Freiheit an sich hatte. Miro zeigte seine Arbeiten in surrealistischen Ausstellungen und wurde vor allem von den surrealistischen Dichtern beeinflusst, die in ihrem Bestreben, das Unbewusste anzuzapfen, Spiele wie die "erlesene Leiche" spielten, um Gedichte zu verfassen. Exquisite Leiche war eine Technik, bei der ein Wörterbuch in einer Gruppe von Dichtern herumgereicht wurde, von denen jeder zufällig ein Wort auswählte. Welche Worte auch immer auftauchten, sie organisierten sie in einem Gedicht, so entstand der Ausdruck "erlesene Leiche". Sie verwendeten auch die Techniken des psychischen Automatismus (wie freie Assoziation) und "systematische Sinnesstörung". Miro und andere Maler (wie Andre Masson) entwickelten einen Weg, diese Techniken auf ihr visuelles Medium zu übertragen, indem sie ihre Träume und visuelle freie Assoziation nutzten. Miro malte etwa 100 Gemälde aus seinen Träumen zu dieser Zeit, dies war seine surrealistischste Zeit. In Zusammenarbeit mit Dichtern illustrierte er auch surrealistische Gedichte. Ein anderes von den Dadaisten eingeführtes Konzept war das Element des Zufalls oder des Zufalls in der Kunst. Sie begannen mit einem Spritzer Flüssigkeit und fügten ihn dann hinzu, um ein Gemälde zu machen. "Der Maler arbeitet wie der Dichter erst das Wort, dann der Gedanke" ist ein Zitat, das zu beschreiben versucht, wie Künstler und Dichter ein konkretes Bild oder Wort sehen oder denken können, bevor sie die Idee oder "Symbolik" dahinter formuliert haben . Zu dieser Zeit wurde Miro von der Arbeit von Francis Picabia und Giorgio de Chirico beeinflusst. Obwohl er mit den Surrealisten ausstellte und mit vielen von ihnen befreundet war, unterwarf er sich ihrer Bewegung nie ganz und unterzeichnete das Surrealistische Manifest nicht, vielleicht wegen der radikalen politischen Aktivitäten der Surrealisten, die sich auch sehr für die Psychologische Ideen von Sigmund Freud und Jung.

In den Jahren 1927 und 1928 malte Miro Figuren aus der katalanischen Volkskunst. 1928 begann er, Bilder auf der Grundlage von Postkarten einiger niederländischer Innenräume zu malen, die er in Holland von Malern wie Jan Steen gesehen hatte. Die Bilder, aus denen er arbeitete, waren voller Formen. Er vereinfachte die Formen nach und nach und reduzierte das Bild stark, indem er geometrische Unterteilungen und geschwungene Bewegungen in den Kompositionen verwendete. Zu dieser Zeit entfernte er sich weiter von seinen Ausgangspunkten und begann, ungewöhnliche Quellen wie einen Dieselmotor, beeinflusst vom surrealistischen Denken, zu verwenden. Von 1928 bis 1929 schuf er in Paris eine Reihe von Collagen, die er Max Ernst, Rene Magritte, Paul Eluard und Jean Arp näher hatte, war also stärker von den Werken dieser surrealistischen Maler und eines Dichters beeinflusst. Vor allem Max Ernst ist für seine Collagen bekannt. In der surrealistischen Kunst gab es zwei Tendenzen: die gegenständlichen Bilder von Dali und Magritte und die abstrakteren Bilder von Masson und Miro, obwohl beide von surrealistischen Ideen der Anti-Logik und des Unterbewusstseins beeinflusst waren und Dalis und Magrittes Bilder, obwohl sie in a . gemalt wurden hochrealistisch, stellen Objekte und Szenen dar, die in der rationalen Welt nicht vorkommen, wie etwa ein Zug, der durch einen Kamin in einen Raum fährt, oder schmelzende Uhren. 1929 hatte Miro die erste Phase seines künstlerischen Schaffens abgeschlossen und er begann seine Arbeit in den folgenden 10 Jahren, die für ihn finanziell und künstlerisch schwierig waren, zu hinterfragen und neu zu bewerten. Er begann mit Materialien zu experimentieren - er fertigte Papierscolles und Collagen an, verwendete Bilder von gewöhnlichen Gegenständen wie Haushaltsutensilien, Maschinen und echten Nägeln, Schnüren usw. Diese Zeit des Experimentierens half ihm, alle verbleibenden traditionellen Praktiken aufzugeben und die üblichen Gewohnheiten von Arbeiten. Durch die Verwendung von Objekten ohne Bedeutung können sich Künstler auf die abstrakten Qualitäten von Objekten konzentrieren und nicht auf die damit verbundenen Bedeutungen oder Emotionen, was dem Betrachter mehr formale Freiheit ermöglicht, und der Betrachter ist auch weniger in der Lage, den Bildern wörtliche Bedeutungen zuzuordnen. Diese "neutralen" Sujets mit geringem ästhetischem Wert oder Bedeutung lenken die Aufmerksamkeit vom Sujet und hin zu den Formen und Inhalten des Bildes. Nachdem Miro diese Collagen erstellt hatte, machte er ein Gemälde der Collage – indem er ein flaches Collagenbild auf die ebenso flache Leinwand überträgt. Diese Gemälde aus den Collagen sind sehr raffinierte und stark grafische Bilder, und obwohl sie kein identifizierbares Thema enthalten, enthalten die Gemälde Inhalt oder Bedeutung. Obwohl Miro oft als abstrakter Maler bezeichnet wird, hielt er es selbst für nicht – er empfand es sogar als Beleidigung, sein Werk abstrakt zu nennen, da er behauptete, dass jede Form in seinen Bildern auf etwas in der Außenwelt beruhte, nur vereinfacht in seine charakteristischen biomorphen Formen und geschwungenen Linien. In den 1930er Jahren waren Konflikte auf der ganzen Welt aktiv, insbesondere der Spanische Bürgerkrieg und der Beginn des Zweiten Weltkriegs. Während des spanischen Bürgerkriegs ereigneten sich viele Gräueltaten, die von Francos faschistischen Kräften verursacht wurden, wie Picasso in seiner berühmten Guernica darstellt. Obwohl Miro kein politischer Künstler war, zeigen seine Formen in dieser Zeit eine gewisse Brutalität, mit Verzerrungen und grellen Farben. Er schuf ein Wandgemälde für den spanischen Pavillon auf der Pariser Weltausstellung von 1937 mit dem Titel The Reaper.

In den Jahren 1940 und '41 begann er seine bekannte Serie von 22 Konstellationen, die aus schwarzen Punkten bestehen, die Sterne auf weißem Grund darstellen, mit Gouache und verdünntem Öl auf Papier. Dies sind sehr komplizierte Arbeiten, bei denen jeder Teil der Leinwand aktiviert ist. Die sorgfältig platzierten Punkte erzeugen ein "springendes" oder "tanzendes" Bewegungsgefühl, sogar ein "Verbinde die Punkte"-Gefühl. Sie erinnern an das Spätwerk Piet Mondrians, als er den amerikanischen Jazz entdeckte - Broadway Boogie-Woogie von 1947, der die gleiche visuelle Bewegung und eine kühle, tänzerische Qualität der kleinen Quadrate hat. Miros Arbeit tendiert jedoch zu mehr kosmischem Bewusstsein – dies sind Sterne und nicht nur abstrahierte Punkte (gemalte Poesie).

Miro hielt sich während des Zweiten Weltkriegs in Spanien auf, seine Arbeit ist von Nacht, Musik und Sternen beeinflusst. Seine Formen wurden noch abstrahierter, und er verwendete in seinen Arbeiten eine Reihe von Techniken, zum Beispiel wenn sich Linien kreuzten, gab es einen Spritzer Primärfarbe, wenn Rot und Schwarz sich überlappen und Gelb ist. Er gab den Werken stimmungsvolle Titel wie The Beautiful Bird Revealing the Unknown to a Pair of Lovers. 1942 begann er sein Interesse für Gravur und Keramik (mit seinem Freund Artigas, einem hochqualifizierten Töpfer), und 1944 kehrte er zur Malerei zurück und fügte seinen Bildern nun eine kalligrafische Qualität hinzu. Durch seine Retrospektive 1941 im Museum of Modern Art in New York und seine Anwesenheit bei der International Surrealist Exhibition von 1947 in Paris, organisiert von Marcel Duchamp und Andre Breton, begann er inzwischen internationale Berühmtheit zu erlangen. In diesem Jahr wurde er eingeladen, einen Wandgemäldeauftrag für ein 9 Meter langes Hotel in Cincinnati, Ohio, zu verfertigen. 1950 und '51 schuf er ein weiteres Wandbild für das Graduate Center in Harvard, das aus locker quadratischen Farbblöcken in Kombination mit schwarzen Linien und kleinen reinen Farbflächen bestand. Diese Elemente bilden cartoonartige Figuren. (Dieses Wandgemälde wurde später durch Miros Keramikwandbild ersetzt.) In den 1940er Jahren malte er auch einige "Strichmännchen", und in den 1950er Jahren enthielten seine Bilder Formen, die fast wie primitive Piktogramme waren. In seinen Gemälden berühren die Formen oft nicht die Ränder der Bildfläche – die meisten haben einen gleichmäßigen Abstand von den Rändern, wobei vielleicht ein kleines Element den Rand der Leinwand oben oder anderswo berührt. Auch seine Hintergründe sind jetzt eher gesprenkelt als flache Farbflächen, was den Bildern mehr visuelle Tiefe verleiht. Obwohl er die Kanten nicht vollständig berührt, gelingt es seinen Formen zu dieser Zeit immer noch, eine Gesamtkomposition zu haben. In dieser Zeit begann er auch, Keramik zu malen. Nach dem Krieg, zurückgezogen, verbrachte er Zeit mit den Künstlerfreunden Marcel Duchamp, Alexander Calder und Yves Tanguy in New York. Beeinflusst wurde er von seiner Zeit in Amerika, insbesondere vom Leben in der City of New York, das aus grellen Lichtern und einer Art sensorischen Bombardement bestand, das manchmal stressig war. 1948 kehrte er nach Paris zurück und hatte mehrere Ausstellungen. Einige seiner Werke sind jetzt sorgfältig komponiert und ausgeführt, andere sind bewusst spontan und experimentell. In den frühen 1950er Jahren begann er, diese beiden Tendenzen in seinem Werk zu verschmelzen, mit einem malerischen Hintergrund, linearen Schwarz-Weiß-Formen und reinen Farbakzenten. In den 1950er Jahren entwickelte er einen völlig neuen Ansatz, indem er die Malmethoden des primitiven Menschen verwendete und bemalte und geschnitzte Formen schuf. Zu dieser Zeit ließ er sich seinen Lebenstraum vom "großen Atelier" verwirklichen und umgab sich mit all den Gegenständen, die er über Jahre auf Spaziergängen gesammelt hatte, wie polierte Steine, Treibholz, Muscheln, Hufeisen, landwirtschaftliche Geräte, usw. Dies spiegelte auch das surrealistische Interesse an besonderen, magischen Objekten wie Talismane wider. Ihre einfachen Formen förderten die einfachen Formen in seinem Werk. Von 1945 bis '50 hatte er kleine Figuren in Ton geschnitzt, wie primitive Fruchtbarkeitsgöttinnen, und einfache Vasen mit Vogel- und Kopfformen. Zwischen 1954 und 1960 produzierte er mit Hilfe von Josep Llorens y Artigas, der seine Kreationen mit technischem Know-how versorgte, seine größte Keramikproduktion. Sie hatten einen sehr großen Ofen für Miro, um seine immer größeren Keramikformen zu backen, die er in Einzelteilen schuf, um sie nach dem Brennen wieder zu verbinden. Sie wollten keramische Werke herstellen, die nicht einfach auf Keramik übertragene Gemälde waren, sondern in Bezug auf das keramische Medium selbst. Ihr großes Projekt war es, Miros Kunstobjekte auf das keramische Medium umzuwandeln. Sie begannen mit großen Steinblöcken, die von natürlichen Felsformationen in der Landschaft vorgeschlagen wurden, und machten dann kleine Kiesel- und Eiformen. Sie stellten Vasen, Schalen und Schalen her und fügten diesen Formen hinzu, um Gegenstände ohne praktischen Nutzen herzustellen. Schließlich schuf er ganz erfundene Formen. Sie entwickelten einen hoch entwickelten Glasurprozess, bei dem 3 bis 8 Brände für jedes Stück verwendet wurden. Aufgrund der Unvorhersehbarkeit eines Ofens können Teile auseinanderfallen oder unerwartete Ergebnisse bringen. Die Verwendung der Raku-Keramikmethode, das Backen mit einem Holzfeuer, erzeugt Effekte, die bei Gas- oder Elektroöfen nicht zu sehen sind. Miro lernte diese Launen des Brennofens weitgehend zu beherrschen, und es entstanden 232 Stücke, die er 1956 für eine Ausstellung in der Galerie Maeght nach Paris schickte. Die Wirkung dieser Ausstellung in der Galerie war stark und hatte eine starke Wirkung auf den Betrachter - seine primitiven Formen standen und saßen überall, wie ein paläolithischer Wald. Zu dieser Zeit fertigte Miro auch seine erste Bronzeskulptur. 1955 erhielt er den Auftrag, den Neubau der UNESCO in Paris zu dekorieren, und fertigte einen keramischen Entwurf an, der dem Entwurf des Gebäudes entsprach. Für dieses Projekt besichtigten er und Artigas die Höhlenmalereien von Altamira und romanische Fresken im Museum von Barcelona sowie die Dekorationen des Architekten Gaudí. Für diese Arbeit wurde Miro 1958 mit dem Guggenheim-Preis ausgezeichnet.

1959 kehrte er wieder zur Malerei zurück, und seine Arbeit wurde nun von seinen Erfahrungen in anderen Medien geprägt. 1962 malte er Mural Painting III, ein äußerst sparsames Bild mit einer einfarbigen gelb-orangen Oberfläche, mit zwei kleinen schwarzen Punkten und drei unregelmäßigen Linien, ein sparsames, malerisches Bild. In den 1960er Jahren widmete er sich verstärkt den Medien Druckgrafik, Keramik, Wandmalerei und Skulptur. Ein Grund für sein Interesse an diesen anderen Medien war die Zusammenarbeit mit anderen Menschen und nicht die einsame Tätigkeit der Malerei. Auch die Produktion vieler Bilder und nicht nur eines Originals in der Druckgrafik reizte ihn.

Miros Einfluss auf die Kunst des späteren 20. Jahrhunderts ist groß. Einige Künstler, die von ihm beeinflusst wurden, sind Robert Motherwell, Alexander Calder, Arshile Gorky, Jackson Pollock, Willem de Kooning, Mark Rothko und ausdrucksstarke abstrakte Maler. Vielleicht war Matisse der ursprüngliche Farbfeldmaler, und vielleicht war Miros Verwendung eines großen Farbfelds auf Matisses Einfluss zurückzuführen. Spätere Maler, die das Farbfeld verwenden, sind Helen Frankenthaler, Jules Olitski und Morris Louis. Miros riesige Farbfelder führten auch die Idee ein, dass "leerer" Raum in der Malerei genauso wertvoll ist wie besetzter Raum. Hier ist ein Miro-Zitat von 1958 von Künstlern des Twentieth-Century on Art:

Das Schauspiel des Himmels überwältigt mich. Ich bin überwältigt, wenn ich an einem riesigen Himmel die Mondsichel oder die Sonne sehe. Dort, in meinen Bildern, winzige Formen in riesigen leeren Räumen. Leere Räume, leere Horizonte, leere Ebenen – alles, was kahl ist, hat mich immer sehr beeindruckt.”

Seine charakteristische biomorphe Form beeinflusste auch die Abstraktion des 20. Jahrhunderts mit Alexander Calder und anderen. Miro hatte einen einzigartigen Platz zwischen Surrealismus und Abstraktem Expressionismus und beeinflusste die New Yorker Malerschule in den 1940er und 50er Jahren. Im Laufe seines Lebens arbeitete Miro in verschiedenen Druckverfahren, darunter Gravur, Lithographie und Radierung sowie die Verwendung von Schablonen (Pochoir genannt). Er erklärte, dass die Druckgrafik seine Bilder reicher machte und ihm neue Ideen für seine Arbeit gab. 1967 wurde Miro mit Carborundum (Siliziumkarbid-Gravur) vertraut gemacht, indem er diese Technik mit anderen Druckverfahren kombinierte, und konnte Bilder erzeugen, die den ursprünglichen Qualitäten der Malerei Konkurrenz machten. Er erforschte die Carborundum-Aquatinta für den Rest seines Lebens, und 1970 veranstaltete das Museum of Modern Art in New York eine Ausstellung, die speziell diesen Drucken gewidmet war. In seinen späteren Jahren verbrachte er die meiste Zeit mit Radierungen, großformatigen Aquatinta und Buchillustrationen. Viele seiner Arbeiten befinden sich im Guggenheim and Museum of Modern Art in New York. In den 1970er Jahren erhielt er weiterhin große Anerkennung und hatte bedeutende Ausstellungen im Musee National d'Art Moderne und anderen bedeutenden Kunstinstitutionen in Europa und Amerika. 1980 verlieh König Juan Carlos von Spanien Miro die Goldmedaille für Schöne Künste. 1983, im Jahr seines 90. Geburtstags (und seines Todes), gab es Geburtstagsfeiern für ihn in New York und Barcelona.

1972 wurde in Barcelona die Fundacio Joan Miro, die Joan Miro Foundation legal gegründet. Das Museum wurde 1976 mit einer Sammlung von Miros Zeichnungen eröffnet. Dort wird eine große Auswahl von Miros Gemälden, Skulpturen, Textilien und Druckgrafiken sowie Ausstellungen anderer moderner und zeitgenössischer Künstler ausgestellt. Im Buch Maler über Malerei, Miro wird in einem Interview von 1947 zitiert und sagt, dass seine Lieblingsschulen der Malerei die Höhlenmaler sind – die Primitiven. Er behauptete einmal, dass die Kunst seit dem Zeitalter der Höhlenmalerei nichts anderes als degeneriert sei. Auch Odilon Redon, Paul Klee und Wassily Kandinsky gefielen ihm wegen ihres „Esprits“. Für Künstler der "reinen" Malerei bevorzugte er Pablo Picasso und Henri Matisse und hielt beide Standpunkte für wichtig. Er fügte hinzu, dass die Richtung der Malerei darin bestehen sollte, "die Quellen des menschlichen Gefühls wiederzuentdecken". Er erklärte auch, dass er keinen Unterschied zwischen Malerei und Poesie mache und dass Malerei "wie Liebe machen - es ist ein Blutaustausch, eine totale Umarmung - rücksichtslos und wehrlos". Er sagte, sein Ziel sei es, der Malerei zu helfen, über die Staffelei hinauszugehen, ihre Grenzen zu überschreiten, um zuerst eine körperliche Empfindung und dann eine große Wirkung auf die Psyche des Betrachters zu erzeugen. Er hielt die reine Abstraktion für absurd und leer. Wie Gaudi war Miro von der katalanischen Sprache fasziniert, die er in seinem Testament verlangte, dass seine Beerdigung im katalanischen Stil mit dem Nachruf in katalanischer Sprache abgehalten wird.

Miros Bilder, die aus seiner Erinnerung, dem Unbewussten, Träumen und transformativen Kunstprozessen der Moderne entstanden, sind kindlich, unschuldig und raffiniert zugleich. Seine beiden Existenzpole Katalonien und Paris spiegeln diese Kombination von ländlich und kosmopolitisch wider. Seine Formen (Geschöpfe wie Menschen, Vögel, Insekten und Tiere) sind skurril und ausdrucksstark sowie erfinderisch. Die letztendliche Bedeutung all seiner abstrahierten Realitäten ist vielleicht nicht bekannt, aber man kann mit Sicherheit sagen, dass sie alle eine Bedeutung für ihn hatten, in seiner Kindheit, in seinen Träumen und in seinem Leben.


NORD-SUD, 1917

Nord-Süd, 1917, von Joan Miró. Foto: Sammlung Maeght, Paris

Der 24-jährige Miró sehnt sich danach, Barcelona nach Paris zu verlassen

Miró schuf dieses Gemälde 1917, als er in seiner Heimat Barcelona lebte und davon träumte, nach Paris zu ziehen. Er befand sich im letzten Jahr seines Wehrdienstes als Soldat, Spanien war nicht am Ersten Weltkrieg beteiligt, und er war frustriert, dass die Kämpfe in Frankreich seine Ambitionen, sich der Pariser Avantgarde anzuschließen, auf Eis gelegt hatten. Nach einer Phase der Depression hatte er die Geschäftskarriere aufgegeben, die sein Vater für ihn geplant hatte, und hatte die letzten vier Jahre, wenn er nicht in Uniform war, Vollzeit malen verbracht spürte, dass das Leben bereits an ihm vorbeizog.

Die Präsenz in seinem Gemälde der Zeitschrift Nord-Süd – in diesem Jahr in Paris unter anderem von dem Dichter Guillaume Apollinaire gegründet – deutet sowohl auf diese Angst als auch auf die Verbundenheit mit den Freiheitsidealen der Zeitschrift hin. Der Vogel im Käfig dahinter steht vor einer offenen Tür, ist aber noch nicht geflogen: "Ich muss dir sagen", schrieb Miró 1917 an seinen Freund und Malerkollegen EC Ricart, "dass ich, wenn ich noch viel länger in Barcelona leben muss, wird von der Atmosphäre erstickt – so geizig und so ein Rückstau (künstlerisch).“

Miró war vor allem im Geiste des Augenblicks verzweifelt, Teil eines -ismus zu sein, oder besser, einen zu schaffen. Der Impressionismus sei tot, schlug er vor: "Nieder mit weinenden Sonnenuntergängen in Kanariengelb. Nieder mit all dem, was von Heulsuse gemacht wurde!" Er rechnete bereits mit dem Untergang von Kubismus, Futurismus und Fauvismus (wobei gerade letzterer seine Malerei hier stark beeinflusst). Die Schere ist offen, um die Verbindung zu Vergangenheit und Gegenwart, zu Katalonien (dargestellt in der charakteristischen Vase) und zu Goethe-artigen Übergangsriten zu brechen. Aber seine Hoffnungen, diesen neuen Stil, diese neue Art des Malens zu finden, schienen jenseits seiner und im Norden zu liegen.

Zwei Jahre später fand sich Miró immer noch irrsinnigerweise in diesem Schwebezustand wieder und fand neue Qualen in der Abreise seiner Freunde: "Ricart muss Ihnen gesagt haben", schrieb er im August 1919 an JF Rafols, "dass er entschlossen ist, nach Paris zu gehen ein paar Monate. Ich habe Angst, dass er sich erschrecken wird, wenn er nicht merkt, dass das Leben in Paris teuer ist, wenn er es nicht schafft, mit einem guten monatlichen Taschengeld dorthin zu gehen. Ich gehe auf jeden Fall Ende November. Du musst gehen dort als Kämpfer und nicht als Zuschauer des Kampfes, wenn man etwas unternehmen will."

Als Miró es 1920 schließlich nach Paris schaffte, besuchte er Picasso, den er nie kennengelernt hatte, dessen Mutter aber eine Freundin der Familie in Barcelona war. Picasso kümmerte sich um ihn, kaufte ein Gemälde, das Miró ihm zeigte, und half ihm in die radikale Gesellschaft, von der er geträumt hatte. Innerhalb eines Jahres erhielt Mirós winziges Atelier in der Rue Blomet regelmäßig Besuch von seinen neuen Freunden: dem Dichter Paul Éluard, dem Dramatiker Antonin Artaud und dem Künstler Tristan Tzara. Sud hatte seinen Weg nach Nord gefunden.


Joan Miró: Biografie, Werke, Ausstellungen

Joan Miró hat es nie nach Vorschrift gespielt. Als Künstler lebte und arbeitete er mit den bedeutendsten Kreativen seiner Zeit und war offen für den Einfluss aller Bewegungen, Kunstwerke, Schulen und Manifeste. Aber seine Arbeit hebt sich auf subtile Weise von der seiner Zeitgenossen ab und folgt immer einer eigenen einzigartigen und persönlichen Entwicklung. Durch ständige Kreativität und sein Interesse an allen möglichen künstlerischen Techniken hat Miró ein großes, vielseitiges und stimmiges Vermächtnis hinterlassen.

Die persönlichste aller Avantgarde-Kunst des 20. Jahrhunderts

Foto von Joan Miró von Man Ray (1933). Von www.museoreinasofia.es

Joan Miró hat es nie nach Vorschrift gespielt. Als Künstler lebte und arbeitete er mit den bedeutendsten Kreativen seiner Zeit und war offen für den Einfluss aller Bewegungen, Kunstwerke, Schulen und Manifeste. Aber seine Arbeit hebt sich auf subtile Weise von der seiner Zeitgenossen ab und folgt immer einer eigenen einzigartigen und persönlichen Entwicklung. Durch ständige Kreativität und sein Interesse an allen möglichen künstlerischen Techniken hat Miró ein großes, vielseitiges und stimmiges Vermächtnis hinterlassen. Heute gilt er als einer der wichtigsten Künstler des 20. Während seiner neunzig Lebensjahre lebte und arbeitete Miró in Barcelona, ​​Mallorca, Paris und New York und seine tiefe Liebe zur Heimat, insbesondere zu Barcelona und der Insel Mallorca, blieb im Mittelpunkt seiner Arbeit, durchdrungen von den anderen Landschaften das hat sein Leben geprägt.

"Femme, oiseau, étolie (Hommage an Pablo Picasso)", 1966-1973. Von www.museoreinasofia.es

Die Liebe zur Kunst und das Entdecken der Moderne

Joan Miró i Ferrà wurde 1893 in Barcelona geboren, als sich das 19. Jahrhundert dem Ende zuneigte und das 20. Jahrhundert einen besorgniserregenden Wandel in der Gesellschaft, Kultur und künstlerischen Praxis ankündigte. Mirós künstlerische Berufung wurde wahrscheinlich durch die Berufe seiner Familie untermauert – sein Vater war Goldschmied und Uhrmacher, sein Großvater ein mallorquinischer Tischler. Die ersten bekannten Zeichnungen von Miró stammen aus dem Jahr 1901, als er gerade 8 Jahre alt war. Während seiner Studienzeit kombiniert er Betriebswirtschaftslehre mit Kunstwissenschaften und beginnt 1910 als Buchhalter bei einem Pharmaunternehmen zu arbeiten, aber seine künstlerische Veranlagung rebelliert gegen den Stillstand der Zahlenverarbeitung und er tritt zurück. Ungefähr zur gleichen Zeit erkrankt er an Typhus und lebt zum ersten Mal in Mont-Roig, in einem Landhaus seiner Eltern, und das umliegende katalanische Tiefland wird für immer in seinem Herzen und in seiner Erinnerung bleiben und wird zum Protagonist in vielen seiner Werke.

"Sirurana, el camí" (1917). Reina-Sofia-Museum, Madrid. Von www.museoreinasofia.es

Die Rekonvaleszenz gibt Miró Zeit, über seine Zukunft nachzudenken, und dann beschließt er, sein Leben der Malerei zu widmen und schreibt sich an der Francesc Gali School of Art ein, wo er zum ersten Mal mit dem Kreis der katalanischen Künstler in Kontakt kommt, die später seine Freunde werden , Kollegen und Kunsthändler. Dies sind Jahre der Leidenschaft und Jugend, des Malens von Live-Modellen und des Teilens von Ateliers mit anderen Künstlern. Es sind auch Jahre der Entdeckungen: Dadaistische Kunst und avantgardistische katalanische und französische Publikationen wecken das Interesse des jungen Miró.

Die Pariser Jahre

In den frühen 1920er Jahren und nach seiner ersten Ausstellung in den Dalmau Galleries seines Freundes und ersten Händlers Josep Dalmau zieht Miró nach Paris, wo er im Atelier von Pablo Gargallo arbeitet. In seinen freien Monaten kehrt er nach Mont-Roig zurück, das neben Paris, Barelona und New York den Kern seiner Arbeit bildet. Es waren aufregende Jahre, in denen er unter anderem Picasso, André Masson, Ernest Hemingway, André Breton und Paul Éluard kennenlernte. Miró arbeitet an Projekten, die über die bloße Malerei hinausgehen, wie seine Zusammenarbeit mit Max Ernst an den Kostümen und Inszenierungen für das Ballett "Romeo und Julia". Zu dieser Zeit kreiert er auch sein erstes " Spanische Tänzer" (1928), dadaistisch inspirierte Collagen, die sein späteres Werk prägen werden. Ab 1930 zeigt Miró ein wachsendes Interesse an anderen Disziplinen wie dem Flachrelief und der Bildhauerei, die in den folgenden Jahren stärker in den Vordergrund treten werden als seine Malerei, die er jedoch nie ganz aufgibt.

"Spanische Tänzerin I" (1928). Reina-Sofia-Museum, Madrid. Von www.museoreinasofia.es

Collagen, Objekte und Wandbilder

Joan Miró arbeitet an dem Wandbild "The Reaper" (1937). Von www.20minutos.es

Ab 1931 fügt Miró, der seine Zeit zwischen Mont-Roig, Paris und Barcelona aufteilt, einen weiteren neuen und faszinierenden Ort hinzu - New York, wo Pierre Matisse, Sohn des französischen fauvistischen Malers und Graveurs Henri, sein Vertreter sein wird. In diesen Jahren erweitert Miró zunehmend das Spektrum der für seine Arbeit verwendeten Disziplinen, indem er Radierungen, Collagen, Assemblagen und Malereien auf Masonit schafft. Der Ausbruch des spanischen Bürgerkriegs zwingt ihn zusammen mit seiner Familie, nach Paris zu ziehen, wo er sich der republikanischen Sache verpflichtet, indem er 1937 ein großes Wandgemälde malt.The Reaper (katalanischer Bauer im Aufstand)", für den spanischen Pavillon auf der diesjährigen Internationalen Expo. Das Wandbild ist seitdem verschwunden und es sind nur noch Schwarz-Weiß-Fotografien erhalten geblieben.

Eine Leidenschaft für Skulptur

"Personen" (1974) aus der Ausstellung Joan Miró: Skulpturen, organisiert vom Centro Botin de Santander im Jahr 2018. Von ABC

Ab den 1920er Jahren widmet Miró einen Großteil seiner Zeit der Bildhauerei. Seine dreidimensionalen Arbeiten wurden von seiner erklärten Leidenschaft für "Objekte" inspiriert, so dass er Hunderte davon in seinem Atelier lagerte. In den 1940er Jahren goss der Künstler seine ersten Bronzen und begann mit unterschiedlichen Materialien und Medien zu experimentieren. Bis zu seinem Lebensende entwickelte Miró seine Arbeiten zur Skulptur und stellte ein riesiges Portfolio zusammen. In den 1960er Jahren riet ihm Alberto Giacometti, einige seiner Bronzen zu malen, ein Vorschlag, der zu einigen großartigen Werken führte, wie zum Beispiel "Persönlichkeit" (1967). Neben Bronzen und bemalten Figuren arbeitete Miró auch mit Marmor und keramikverkleidetem Beton. Seine letzte monumentale Skulptur "Dona und Ocell" (1987), ist ein schönes Beispiel für seine Beherrschung der Materialien.

Internationale Kunst, die weiterlebt

Ab den 1950er Jahren festigt Miró seinen internationalen Ruf und sein Ruhm beginnt sich weltweit zu verbreiten. Er lässt sich endgültig in Palma de Pallorca nieder, wo er in Zusammenarbeit mit dem Keramiker Josep Llorens Artigas seine ersten Keramikarbeiten fertigt. Diese Technik wird er in riesigen Wandgemälden anwenden, die noch heute in zahlreichen Großstädten zu sehen und zu bewundern sind, beispielsweise im UNESCO-Hauptquartier in Paris (Gewinner des Internationaler Guggenheim-Preis), Harvard University und Flughafen Barcelona, ​​um nur einige zu nennen. 1975 wird die Miró-Stiftung in Barcelona eingeweiht, die mit der Verwaltung und Verbreitung des Nachlasses des Künstlers beauftragt ist. Miró arbeitete für den Rest seines Lebens weiter und starb 1983 im Alter von neunzig Jahren, weithin als einer der größten Künstler des 20. Jahrhunderts angesehen.

Wandgemälde "Der Mond" (1958) in Zusammenarbeit mit Josep Llorens Artigas am Hauptsitz der UNESCO in Paris. Von www.unesco.org

AUSSTELLUNGEN

Hommage an Miró (1974)

Diese Ausstellung im Grand Palais in Paris war die letzte Retrospektive seines Schaffens zu Mirós Lebzeiten. Über vierzig Jahre später, im Jahr 2018, eröffnete das Grand Palais eine weitere große Ausstellung, die dem Künstler gewidmet war. "Miró, die Farbe der Träume", mit mehr als 150 seiner Werke.

Miró und das Objekt (2016)

Das Ziel dieser vom CaixaForum Madrid organisierten Ausstellung war es, durch Objekte neue Facetten von Mirós Universum zu erkunden: ihre Poetik, ihre Ausdrucksmöglichkeiten und die "Seele", die Miro immer in ihnen finden konnte. Die Ausstellung wurde in Madrid eröffnet, nachdem sie erstmals in der Miró-Stiftung in Barcelona gezeigt wurde und umfasst die lange künstlerische Periode von den 1920er bis in die 1970er Jahre. Einige der ausgestellten Werke (zum Beispiel "Die Spielzeuge", 1924) wurden zum ersten Mal in Spanien gesehen.

Miró, die Farbe der Träume (2018-19)

Wie oben erwähnt, ehrt diese Ausstellung im Grand Palais das Werk und die Figur von Joan Miró vierundvierzig Jahre nach der vorherigen Retrospektive in den 1970er Jahren. Sein persönlicher Freund und Kurator der Ausstellung, Jean Luis Prat, kommentierte damals: „Miró war wahrscheinlich tief betroffen von 50 Jahren Geschichte, die von zwei Weltkriegen geprägt war. Diese gewaltigen Ereignisse und die Fragen, die er an die Menschen, an sich selbst und an seine Heimat stellte, haben seine Arbeit geprägt."

Geburt der Welt – MoMA (2019)

Anfang 2019 organisierte das Museum of Modern Art in New York (MoMA) eine große Ausstellung des Künstlers mit Schlüsselstücken aus seiner großartigen Sammlung und mehreren exklusiven Leihgaben. Im Mittelpunkt der Ausstellung steht das Gemälde "Die Geburt der Welt". Die Ausstellung umfasste knapp 60 Öle auf Leinwand, Zeichnungen auf Papier, Kupferstiche, Bildbände und Objekte.

"Miro". Jacques Dupin, 1961

Ständig überarbeitet, aktualisiert und überarbeitet, ist die Monographie von Jacques Dupin Anfang der 1960er Jahre eine unverzichtbare Lektüre für jeden, der alles über unseren katalanischen Künstler wissen möchte. Der Biograf vollendete das Buch mit Mirós Werk in den folgenden zwei verbleibenden Jahrzehnten seines Lebens, dank der hervorragenden Beziehungen, die er zu Mirós Familie unterhielt, und dem beispiellosen Zugang zu Arbeiten von Historikern, Kuratoren und Kunstexperten. 1993 erschien eine weitere überarbeitete Ausgabe, die bis heute als einer der grundlegendsten Texte zu Leben und Werk von Joan Miró gilt.

"Miro". Janis Nerz, 1999

Der Taschen-Verlag, der Maßstab für Kunst- und Künstlermonographien, veröffentlichte 1999 eine Biographie von Joan Miró von Janis Mink. Mit Hunderten von Illustrationen und großartiger Liebe zum Detail deckt das Buch die fast 70-jährige Laufbahn des Künstlers ab - von seinen automatischen Zeichnungen im surrealistischen Stil bis hin zu den aus Objekten konstruierten Assemblage-Skulpturen. Das Buch achtet darauf, Mirós Eigenheiten als nicht klassifizierbarer Künstler und Figur zu respektieren, die sich einer Einordnung in Kategorien, Trends oder Schulen widersetzten.

„Joan Miró. Der Weg zur Kunst“. Pilar Cabañas, 2013

Über das Leben und Werk von Joan Miró ist viel geschrieben worden, aber dennoch gelang es Pilar Cabañas 2013, das Werk der Künstlerin in einem ganz neuen Licht zu betrachten und ein Buch zu schreiben, das für ihr Verständnis unerlässlich ist. Ausgehend von den Prinzipien, die Mirós Werk bestimmen, liefert uns die Autorin Leitlinien für das Verständnis des Mannes als Mensch und als Künstler. Cabañas befasst sich unter anderem mit Themen wie dem, was seine Kreativität antreibt, der Begründung seiner Kunst und der Erforschung von Traurigkeit, Einsamkeit und Schmerz in seiner Arbeit. Mit Miró als Ausgangspunkt führt uns Cabañas durch die Kunst im Allgemeinen als Weg zur Transzendenz und zur Essenz der Menschheit. Der Text wird durch die Beteiligung von Ignacio Llamas bereichert, der die Edition gestaltet hat.


Inhalt

Miró wurde in eine Goldschmied- und Uhrmacherfamilie hineingeboren und wuchs im Barri Gòtic-Viertel von Barcelona auf. [6] Die Miró Nachname weist auf mögliche jüdische Wurzeln hin (in Bezug auf marrano oder umgekehrt zum Christentum konvertierte iberische Juden). [7] [8] Sein Vater war Miquel Miró Adzerias und seine Mutter war Dolors Ferrà. [9] Er begann im Alter von sieben Jahren mit dem Zeichenunterricht an einer Privatschule in der Carrer del Regomir 13, einem mittelalterlichen Herrenhaus. Zum Entsetzen seines Vaters schrieb er sich 1907 an der Akademie der bildenden Künste in La Llotja ein. Er studierte am Cercle Artístic de Sant Lluc [10] und hatte 1918 seine erste Einzelausstellung in den Galeries Dalmau, [11] wo seine Arbeit wurde lächerlich gemacht und verunstaltet.[12] Inspiriert von Fauve- und Kubismus-Ausstellungen in Barcelona und im Ausland fühlte sich Miró von der Kunstszene angezogen, die sich in Montparnasse versammelte und 1920 nach Paris zog, seine Sommer aber weiterhin in Katalonien verbrachte. [6] [13] [14] [15]

Karriere Bearbeiten

Miró besuchte zunächst eine Handelsschule sowie eine Kunstschule. Als Jugendlicher begann er seine berufliche Laufbahn als Angestellter, verließ aber nach einem Nervenzusammenbruch die Geschäftswelt komplett zugunsten der Kunst. [18] Seine frühe Kunst, wie die der ähnlich beeinflussten Fauves und Kubisten, wurde von Vincent van Gogh und Paul Cézanne inspiriert. Die Ähnlichkeit von Mirós Werk mit dem der Mittelgeneration der Avantgarde hat die Gelehrten dazu veranlasst, diese Zeit als seine katalanisch-fauvistische Zeit zu bezeichnen. [19]

Einige Jahre nach Mirós Einzelausstellung in Barcelona im Jahr 1918 [11] ließ er sich in Paris nieder, wo er eine Reihe von Gemälden fertigstellte, die er auf dem Sommerhaus und der Farm seiner Eltern in Mont-roig del Camp begonnen hatte. Ein solches Gemälde, Der Bauernhof, zeigte einen Übergang zu einer individuelleren Malweise und gewissen nationalistischen Qualitäten. Ernest Hemingway, der das Stück später kaufte, verglich die künstlerische Leistung mit der von James Joyce Ulysses und beschrieb es mit den Worten: "Es enthält alles, was Sie über Spanien fühlen, wenn Sie dort sind, und alles, was Sie fühlen, wenn Sie weg sind und nicht dorthin gehen können. Niemand sonst ist in der Lage, diese beiden sehr gegensätzlichen Dinge zu malen." [20] Miró kehrte jährlich nach Mont-roig zurück und entwickelte eine Symbolik und einen Nationalismus, die ihn während seiner gesamten Karriere begleiten sollten. Zwei von Mirós ersten als surrealistisch eingestuften Werken, Katalanische Landschaft (Der Jäger) und Das gepflügte Feld, [21] verwenden die Symbolsprache, die die Kunst des nächsten Jahrzehnts dominieren sollte. [22]

Josep Dalmau arrangierte 1921 Mirós erste Pariser Einzelausstellung in der Galerie la Licorne. [13] [23] [24]

1924 schloss sich Miró der surrealistischen Gruppe an. Der bereits symbolische und poetische Charakter von Mirós Werk sowie die ihr innewohnenden Dualitäten und Widersprüche passen gut in den Kontext des von der Gruppe vertretenen traumartigen Automatismus. Ein Großteil von Mirós Werk verlor den überladenen chaotischen Mangel an Fokus, der seine Arbeit bisher definiert hatte, und er experimentierte mit Collagen und dem Malprozess innerhalb seiner Arbeit, um den Rahmen abzulehnen, den die traditionelle Malerei bot. Diese antagonistische Haltung gegenüber der Malerei manifestierte sich, als Miró 1924 in einem Brief an den Dichterfreund Michel Leiris sein Werk mehrdeutig als "x" bezeichnete. [25] Die Gemälde, die aus dieser Zeit stammten, wurden schließlich Mirós Traumbilder genannt.

Miró hat das Thema jedoch nicht ganz aufgegeben. Trotz der surrealistischen automatischen Techniken, die er in den 1920er Jahren intensiv einsetzte, zeigen Skizzen, dass seine Arbeit oft das Ergebnis eines methodischen Prozesses war. Mirós Werk tauchte selten in die Ungegenständlichkeit ein und bewahrte eine symbolische, schematische Sprache. Dies war vielleicht am deutlichsten in den wiederholten Kopf eines katalanischen Bauern Serie von 1924 bis 1925. 1926 arbeitete er mit Max Ernst an Entwürfen für den Ballettimpresario Sergej Diaghilew. Mit Mirós Hilfe leistete Ernst Pionierarbeit in der Technik des gratulation, bei dem man Pigment auf eine Leinwand streicht und es dann wegkratzt. [26] [ Zitat benötigt ]

Miró kehrte zu einer eher gegenständlichen Malerei zurück mit Die niederländischen Innenräume von 1928. Angefertigt nach Werken von Hendrik Martenszoon Sorgh und Jan Steen als Postkartenreproduktionen, zeigen die Gemälde den Einfluss einer Hollandreise des Künstlers. [27] Diese Gemälde haben mehr gemeinsam mit Bebautes Feld oder Harlekin-Karneval als bei den minimalistischen Traumbildern ein paar Jahre zuvor.

Am 12. Oktober 1929 heiratete Miró Pilar Juncosa in Palma (Mallorca). Ihre Tochter, María Dolores Miró, wurde am 17. Juli 1930 geboren. 1931 eröffnete Pierre Matisse eine Kunstgalerie in New York City. Die Pierre Matisse Gallery (die bis zu Matisses Tod 1989 existierte) wurde zu einem einflussreichen Teil der modernen Kunstbewegung in Amerika. Von Anfang an vertrat Matisse Joan Miró und führte seine Arbeiten auf dem US-amerikanischen Markt ein, indem er häufig Mirós Arbeiten in New York ausstellte. [28] [29]

Bis zum Ausbruch des Spanischen Bürgerkriegs kehrte Miró gewöhnlich im Sommer nach Spanien zurück. Als der Krieg begann, konnte er nicht nach Hause zurückkehren. Anders als viele seiner surrealistischen Zeitgenossen hatte Miró in seinem Werk bisher lieber auf explizit politische Kommentare verzichtet. Obwohl ein Gefühl von (katalanischem) Nationalismus seine frühesten surrealen Landschaften durchdrang und Kopf eines katalanischen Bauern, erst die republikanische Regierung Spaniens beauftragte ihn, das Wandbild zu malen Der Schnitter, für den Pavillon der Spanischen Republikaner auf der Pariser Ausstellung 1937, dass Mirós Werk eine politisch aufgeladene Bedeutung annahm. [30]

Im Jahr 1939, als die deutsche Invasion in Frankreich drohte, zog Miró nach Varengeville in der Normandie und am 20 Regel. [31] In Varengeville, Palma und Mont-roig schuf Miró zwischen 1940 und 1941 die dreiundzwanzig Gouache-Serien Konstellationen. Sich um die himmlische Symbolik drehen, Konstellationen brachte dem Künstler Lob von André Breton ein, der siebzehn Jahre später eine Reihe von Gedichten schrieb, die nach Mirós Reihe benannt und von ihr inspiriert wurden. [32] Merkmale dieser Arbeit zeigten einen sich verlagernden Fokus auf die Themen Frauen, Vögel und Mond, die seine Ikonographie für den Rest seiner Karriere dominieren sollten.

Shuzo Takiguchi veröffentlichte 1940 die erste Monografie über Miró. 1948–49 lebte Miró in Barcelona und reiste häufig nach Paris, um in den Mourlot Studios und im Atelier Lacourière an Drucktechniken zu arbeiten. Er entwickelte eine enge Beziehung zu Fernand Mourlot, die zur Produktion von über tausend verschiedenen lithografischen Editionen führte.

1959 bat André Breton Miró, Spanien in zu vertreten Die Hommage an den Surrealismus Ausstellung neben Enrique Tábara, Salvador Dalí und Eugenio Granell. Miró schuf eine Reihe von Skulpturen und Keramiken für den Garten der Maeght-Stiftung in Saint-Paul-de-Vence, Frankreich, die 1964 fertiggestellt wurde.

1974 schuf Miró zusammen mit dem katalanischen Künstler Josep Royo einen Wandteppich für das World Trade Center in New York City. Er hatte sich zunächst geweigert, einen Wandteppich anzufertigen, dann erlernte er das Handwerk von Royo und die beiden Künstler schufen gemeinsam mehrere Werke. Seine Wandteppich des World Trade Centers wurde im Gebäude ausgestellt [33] und war eines der teuersten Kunstwerke, die während der Anschläge vom 11. September verloren gingen. [34] [35]

1977 stellten Miró und Royo einen Wandteppich fertig, der in der National Gallery of Art in Washington DC ausgestellt werden sollte. [36] [37]

1981 wurde Mirós Die Sonne, der Mond und ein Stern—später umbenannt Mirós Chicago– wurde enthüllt. Diese große Mixed-Media-Skulptur befindet sich im Freien in der Innenstadt von Loop in Chicago, gegenüber einer anderen großen öffentlichen Skulptur, dem Chicago Picasso. Miró hatte ein Bronzemodell von Die Sonne, der Mond und ein Stern 1967. Die Maquette befindet sich heute im Milwaukee Art Museum.

Spätes Leben und Tod Bearbeiten

1979 promovierte Miró honoris causa von der Universität Barcelona. Der an Herzversagen erkrankte Künstler starb am 25. Dezember 1983 in seinem Haus in Palma (Mallorca). [38] Später wurde er auf dem Friedhof Montjuïc in Barcelona beigesetzt.

Psychische Gesundheit Bearbeiten

Durch die Analyse persönlicher Texte von Joan Miró wurde festgestellt, dass er im Laufe seines Lebens mehrere Episoden von Depressionen erlebt hat. [39] Seine erste Depression erlebte er 1911 mit 18 Jahren. [40] Ein Großteil der Literatur bezieht sich darauf, als ob es ein kleiner Rückschlag in seinem Leben wäre, obwohl es viel mehr zu sein schien. [41] Miro selbst sagte: „Ich war demoralisiert und litt an einer schweren Depression. Ich wurde wirklich krank und blieb drei Monate im Bett.“ [42]

Es gibt einen klaren Zusammenhang zwischen seiner psychischen Gesundheit und seiner Malerei, da er die Malerei als eine Art und Weise nutzte, mit seinen Depressionsepisoden umzugehen. Es machte ihn angeblich sogar ruhiger und seine Gedanken weniger dunkel. Joan Miró sagte, dass er ohne zu malen „sehr deprimiert, düster wurde und ich „schwarze Ideen“ bekomme, und ich weiß nicht, was ich mit mir anfangen soll“. [43]

Der Einfluss seines Geisteszustandes ist in seiner Malerei sehr gut sichtbar Karneval des Harlekins. Er versuchte, das Chaos, das er erlebte, in seinem Kopf zu malen, die Verzweiflung, dieses Chaos hinter sich zu lassen und den dadurch entstandenen Schmerz. Miró malte hier das Symbol der Leiter, das auch nach diesem Gemälde in mehreren anderen Gemälden zu sehen ist. Es soll Flucht symbolisieren. [44]

Der Zusammenhang zwischen Kreativität und psychischen Erkrankungen ist sehr gut untersucht. [45] Kreative Menschen haben ein höheres Risiko, an einer manisch-depressiven Krankheit oder Schizophrenie zu leiden, sowie eine höhere Chance, diese genetisch zu übertragen. [46] Obwohl wir wissen, dass Miró an episodischer Depression litt, ist es ungewiss, ob er auch manische Episoden erlebte, die oft als bipolare Störung bezeichnet werden. [47]

Frühfauvist Bearbeiten

Zu seinen frühmodernistischen Werken gehören Porträt von Vincent Nubiola (1917), Siurana (der Weg), Nord-Süd (1917) und Gemälde von Toledo. Diese Werke zeigen den Einfluss von Cézanne und füllen die Leinwand mit einer farbigen Oberfläche und einer malerischeren Behandlung als der Hard-Edge-Stil der meisten seiner späteren Werke. In Nord-Süd, die gleichnamige Literaturzeitung, erscheint im Stillleben, ein kompositorisches Mittel, das in kubistischen Kompositionen üblich ist, aber auch ein Hinweis auf die literarischen und avantgardistischen Interessen des Malers. [48]

Magischer Realismus Bearbeiten

Ab 1920 entwickelt Miró einen sehr präzisen Stil, der jedes Element isoliert und detailliert herausgreift und in einer bewussten Komposition anordnet. Diese Werke, einschließlich Haus mit Palme (1918), Akt mit Spiegel (1919), Pferd, Pfeife und rote Blume (1920), und Der Tisch – Stillleben mit Kaninchen (1920) zeigen den deutlichen Einfluss des Kubismus, wenn auch in zurückhaltender Weise, der nur auf einen Teil des Themas angewendet wird. Zum Beispiel, Die Frau des Bauern (1922–23), ist realistisch, aber einige Abschnitte sind stilisiert oder deformiert, wie die Behandlung der Füße der Frau, die vergrößert und abgeflacht sind. [49]

Der Höhepunkt dieses Stils war Der Bauernhof (1921–22). Die abgebildete ländliche katalanische Szene wird durch eine französische Avantgarde-Zeitung in der Mitte ergänzt, die zeigt, wie Miró dieses Werk durch die modernistischen Theorien verändert sieht, denen er in Paris ausgesetzt war. Die Konzentration auf jedes Element als gleich wichtig war ein wichtiger Schritt, um für jedes Element ein Bildzeichen zu generieren. Der Hintergrund ist flach oder in einfachen Bereichen gemustert, wodurch die Trennung von Figur und Grund hervorgehoben wird, die in seinem reifen Stil wichtig werden würde.

Miró unternahm viele Versuche, dieses Werk zu fördern, aber seine surrealistischen Kollegen fanden es zu realistisch und scheinbar konventionell, und so wandte er sich bald einem explizit surrealistischen Ansatz zu. [50]

Früher Surrealismus Bearbeiten

1922 erforschte Miró in mindestens einem Gemälde den abstrahierten, stark kolorierten Surrealismus. [51] Ab dem Sommer 1923 begann Miró in Mont-roig mit einer Reihe von Gemälden, in denen abstrakte Bildzeichen und nicht die realistischen Darstellungen, die in The Farm verwendet werden, vorherrschen. In Das gepflügte Feld, Katalanische Landschaft (Der Jäger) und Pastoral (1923–24) suggerieren diese flachen Formen und Linien (meist schwarz oder stark gefärbt) die Motive, manchmal recht kryptisch. Zum Katalanische Landschaft (Der Jäger), stellt Miró den Jäger mit einer Kombination von Zeichen dar: ein Dreieck für den Kopf, geschwungene Linien für den Schnurrbart, eckige Linien für den Körper. Diese Arbeit ist so verschlüsselt, dass Miró später eine genaue Erklärung der verwendeten Zeichen lieferte. [52]

Surrealistische Bildsprache Bearbeiten

Bis Mitte der 1920er Jahre entwickelte Miró die bildliche Gebärdensprache, die für den Rest seiner Karriere von zentraler Bedeutung sein sollte. In Harlekin-Karneval (1924–25) gibt es eine deutliche Fortsetzung der mit . begonnenen Linie Das gepflügte Feld. Aber in späteren Werken, wie z Das Glück, meine Brünette zu lieben (1925) und Malerei (Fratellini) (1927) gibt es weit weniger Vordergrundfiguren, und die verbleibenden sind vereinfacht.

Bald darauf begann auch Miró seine Spanische Tänzerin Reihe von Werken. Diese einfachen Collagen waren wie ein konzeptioneller Kontrapunkt zu seinen Gemälden. In Spanische Tänzerin (1928) kombiniert er einen Kork, eine Feder und eine Hutnadel auf ein leeres Blatt Papier. [50]

Livres d'Artiste Bearbeiten

Miró schuf über 250 illustrierte Bücher. [53] Diese wurden als "Livres d'Artiste" bekannt. Ein solches Werk wurde 1974 auf Drängen der Witwe des französischen Dichters Robert Desnos mit dem Titel Les pénalités de l'enfer ou les nouvelles Hébrides ("Die Strafen der Hölle oder die Neuen Hebriden"). Es war ein Satz von 25 Lithographien, fünf in Schwarz und die anderen in Farbe.

2006 wurde das Buch in "Joan Miró, Illustrated Books" im Vero Beach Museum of Art ausgestellt. Ein Kritiker sagte, es sei "ein besonders starkes Set, nicht nur wegen der reichen Bildsprache, sondern auch wegen der Geschichte hinter der Entstehung des Buches. Die Lithographien sind lange, schmale Vertikalen und obwohl sie Mirós vertraute Formen zeigen, gibt es eine ungewöhnliche Betonung der Textur. " Der Kritiker fuhr fort: „Ich fühlte mich sofort von diesen vier Drucken angezogen, von einer emotionalen Üppigkeit, die im Gegensatz zu den kühlen Oberflächen von so vielen von Mirós Arbeiten steht. Ihre Eindringlichkeit ist, glaube ich, noch größer, wenn man liest, wie sie entstanden sind.“ Der Künstler lernte 1925 Desnos kennen und freundete sich mit ihm an, dem vielleicht beliebtesten und einflussreichsten surrealistischen Schriftsteller livre d'artiste. Diese Pläne wurden wegen des Spanischen Bürgerkriegs und des Zweiten Weltkriegs auf Eis gelegt. Desnos' kühne Kritik an letzterem führte zu seiner Inhaftierung in Auschwitz, und er starb im Alter von 45 Jahren kurz nach seiner Entlassung 1945. Fast drei Jahrzehnte später machte sich Miró auf Anregung von Desnos' Witwe daran, das Manuskript des Dichters zu illustrieren. Es war sein erstes Prosawerk, das 1922 in Marokko entstand, aber bis zu dieser posthumen Zusammenarbeit unveröffentlicht blieb." [ Dieses Zitat braucht ein Zitat ]

In Paris entwickelte er unter dem Einfluss von Dichtern und Schriftstellern seinen einzigartigen Stil: organische Formen und abgeflachte Bildflächen mit scharfer Linie. Wegen seines Interesses an Automatismus und der Verwendung sexueller Symbole (z. B. Ovoide mit von ihnen ausgehenden Wellenlinien) allgemein als Surrealist angesehen, wurde Mirós Stil in unterschiedlichem Maße vom Surrealismus und Dada beeinflusst [18], dennoch lehnte er die Mitgliedschaft ab in jeder künstlerischen Bewegung in den europäischen Zwischenkriegsjahren. André Breton bezeichnete ihn als "den surrealistischsten von uns allen". Miró gestand, eines seiner berühmtesten Werke zu schaffen, Harlekin-Karneval, unter ähnlichen Umständen:

Wie habe ich mir meine Zeichnungen und meine Ideen zum Malen ausgedacht? Nun, ich kam nachts nach Hause in mein Pariser Atelier in der Rue Blomet, ich ging zu Bett, und manchmal hatte ich kein Abendessen. Ich sah Dinge und schrieb sie in ein Notizbuch. Ich sah Formen an der Decke. [54]

Mirós surrealistische Ursprünge entwickelten sich wie alle spanischen surrealistischen und magischen Realisten aus "Repression", insbesondere aufgrund seiner katalanischen Ethnizität, die vom Franco-Regime besonders verfolgt wurde. Auch Joan Miró war sich auf seinen Reisen der haitianischen Voodoo-Kunst und der kubanischen Santería-Religion bewusst, bevor er ins Exil ging. Dies führte zu seinem charakteristischen Kunststil. [ Zitat benötigt ]

Experimenteller Stil Bearbeiten

Joan Miró gehörte zu den ersten Künstlern, die das automatische Zeichnen entwickelt haben, um bisherige etablierte Techniken der Malerei rückgängig zu machen und damit mit André Masson den Beginn des Surrealismus als Kunstrichtung zu repräsentieren. Miró entschied sich jedoch, kein offizielles Mitglied der Surrealisten zu werden, um mit anderen künstlerischen Stilen experimentieren zu können, ohne seine Position innerhalb der Gruppe zu beeinträchtigen. Er verfolgte seine eigenen Interessen in der Kunstwelt, die von automatischer Zeichnung und Surrealismus bis hin zu Expressionismus, lyrischer Abstraktion und Farbfeldmalerei reichten. Vierdimensionale Malerei war eine von Miró vorgeschlagene theoretische Art der Malerei, in der die Malerei ihre Zweidimensionalität und sogar die Dreidimensionalität der Skulptur transzendiert. [ Zitat benötigt ] [55]

Mirós oft zitiertes Interesse an der Ermordung der Malerei leitet sich aus einer Abneigung gegen die bürgerliche Kunst ab, die seiner Meinung nach als Mittel zur Förderung der Propaganda und der kulturellen Identität der Reichen verwendet wurde. Konkret reagierte Miró auf diese Weise auf den Kubismus, der zum Zeitpunkt seines Zitats in Frankreich zu einer etablierten Kunstform geworden war. Er wird mit den Worten "Ich werde ihre Gitarre zerbrechen" zitiert, die sich auf Picassos Gemälde beziehen, mit der Absicht, die Popularität und Aneignung von Picassos Kunst durch die Politik anzugreifen. [56]

Das Schauspiel des Himmels überwältigt mich. Ich bin überwältigt, wenn ich an einem riesigen Himmel die Mondsichel oder die Sonne sehe. Dort, in meinen Bildern, winzige Formen in riesigen leeren Räumen. Leere Räume, leere Horizonte, leere Ebenen – alles, was kahl ist, hat mich immer sehr beeindruckt. —Joan Miró, 1958, zitiert in Künstler des 20. Jahrhunderts über Kunst

In einem Interview mit dem Biografen Walter Erben drückt Miró seine Abneigung gegen Kunstkritiker aus: "Es geht ihnen mehr darum, Philosophen zu sein als alles andere. Sie bilden sich eine vorgefasste Meinung, dann betrachten sie das Kunstwerk Mantel, um ihre ausgemergelten philosophischen Systeme zu hüllen." [57]

In den letzten Jahrzehnten seines Lebens beschleunigte Miró seine Arbeit in verschiedenen Medien und produzierte Hunderte von Keramiken, darunter die Wand des Mondes und Sonnenwand im UNESCO-Gebäude in Paris. Er fertigte auch temporäre Fensterbilder (auf Glas) für eine Ausstellung an. In den letzten Jahren seines Lebens schrieb Miró seine radikalsten und am wenigsten bekannten Ideen und erforschte die Möglichkeiten der Gasskulptur und der vierdimensionalen Malerei.

In den 1960er Jahren war Miró in vielen Salonausstellungen der Maeght Foundation vertreten, die auch Werke von Marc Chagall, Giacometti, Brach, Cesar, Ubac und Tal-Coat umfassten.

Die großen Retrospektiven, die Miró im Alter in Städten wie New York (1972), London (1972), Saint-Paul-de-Vence (1973) und Paris (1974) gewidmet waren, waren ein gutes Zeichen für die internationale Anerkennung, die ihm zuteil wurde im letzten halben Jahrhundert stetig gewachsen, fanden posthum weitere große Retrospektiven statt. Politische Veränderungen in seinem Heimatland führten 1978 zur ersten vollständigen Ausstellung seiner Malerei und Grafik im Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía in Madrid. 1993, im Jahr seines hundertsten Geburtstags, fanden mehrere Ausstellungen statt, darunter die bekanntesten in der Fundació Joan Miró, Barcelona, ​​dem Museum of Modern Art, New York, dem Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid, und die Galerie Lelong, Paris. [58] Im Jahr 2011 wurde eine weitere Retrospektive von der Tate Modern, London, veranstaltet und reiste zur Fundació Joan Miró und der National Gallery of Art, Washington, D.C.. Joan Miró, Druckgrafik, Fundación Joan Miró (2013). Und zwei Ausstellungen im Jahr 2014, Miró: Von der Erde zum Himmel in der Albertina und Meisterwerke aus dem Kunsthaus Zürich, Nationales Kunstzentrum, Tokio.

Ausstellungen mit dem Titel Joan Miró: Instinkt & Vorstellungskraft und "Miró: The Experience of Seeing" fanden vom 22. März bis 28. Juni 2015 im Denver Art Museum und vom 30. September 2015 bis 10. Januar 2016 im McNay Art Museum statt und zeigten Werke von Miró zwischen 1963 und 1981 , Leihgabe des Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía in Madrid. [59] [60] [61] [62] [63]

Im Frühjahr 2019 wurde das Museum of Modern Art, New York, eröffnet Joan Miró: Geburt der Welt. [64] Die bis Juli 2019 laufende Ausstellung zeigt 60 Arbeiten aus den Anfängen von Mirós Karriere, einschließlich des Einflusses der Weltkriege. Die Ausstellung zeigt 60-Fuß-Leinwände sowie kleinere 8-Fuß-Gemälde, und die Einflüsse reichen vom Kubismus bis zur Abstraktion. [65]

Miró hatte einen bedeutenden Einfluss auf die Kunst des späten 20. Jahrhunderts, insbesondere auf die amerikanischen abstrakten Expressionisten, darunter: Motherwell, Calder, Gorky, Pollock, Matta und Rothko, während seine lyrischen Abstraktionen [66] und Farbfeldmalereien Vorläufer davon waren Stil von Künstlern wie Helen Frankenthaler, Olitski und Louis und anderen. [67] Seine Arbeit hat auch moderne Designer beeinflusst, darunter Paul Rand [68] und Lucienne Day, [69] [ selbstveröffentlichte Quelle? ] und beeinflusste neuere Maler wie Julian Hatton. [70]

Eine von Man Rays Fotografien aus den 1930er Jahren, Miró mit Seil, zeigt den Maler mit einem an einer Wand befestigten Seil und wurde in der surrealistischen Einzelausgabe veröffentlicht Minotaure.

2002 veröffentlichte der amerikanische Perkussionist und Komponist Bobby Previte das Album Die 23 Sternbilder von Joan Miró auf Tzadik Records. Inspiriert von Mirós Konstellationen Serie komponierte Previte eine Reihe kurzer Stücke (keine länger als etwa 3 Minuten), um der geringen Größe von Mirós Gemälden zu entsprechen. Privetes Kompositionen für ein Ensemble von bis zu zehn Musikern wurden von Kritikern als „unkonventionell leicht, ätherisch und traumhaft“ beschrieben. [71]

1954 erhielt er den Druckgrafikpreis der Biennale Venedig, 1958 den Guggenheim International Award. [18] [72]

1981 gründete das Rathaus von Palma (Mallorca) die Fundació Pilar und Joan Miró auf Mallorca, untergebracht in den vier Studios, die Miró dafür gestiftet hatte. [73]

Im Oktober 2018 eröffnete das Grand Palais in Paris die bis dahin größte Retrospektive des Künstlers. Die Ausstellung umfasste fast 150 Werke und wurde von Jean Louis Prat kuratiert. [74]

Heute werden Mirós Gemälde bei einer US-Auktion für den La Caresse des étoiles (1938) am 6. Mai 2008 den seinerzeit höchsten für eines seiner Werke gezahlten Betrag. [75] Im Jahr 2012 Malerei-Gedicht ("le corps de ma brune puisque je l'aime comme ma chatte habillée en vert Salade comme de la grêle c'est pareil") (1925) wurde bei Christie's London für 26,6 Millionen US-Dollar verkauft. [76] Später in diesem Jahr bei Sotheby's in London, Peinture (Etoile Bleue) (1927) brachte mit Gebühren fast 23,6 Millionen Pfund ein, mehr als das Doppelte dessen, was es 2007 bei einer Pariser Auktion verkauft hatte, und einen Rekordpreis für den Künstler bei einer Auktion. [77] [78] Am 21. Juni 2017 wurde die Arbeit Femme et Oiseaux (1940), einer seiner Konstellationen, verkauft bei Sotheby's London für 24.571.250 GBP. [79]

"Les Fusains": 22, rue Tourlaque, 18. Arrondissement von Paris, wo sich Miró 1927 niederließ.


JOAN MIRÓ

Joan Miró i Ferrà (20. April 1893 – 25. Dezember 1983) war ein spanischer Maler, Bildhauer und Keramiker, geboren in Barcelona. Obwohl seine Arbeit routinemäßig mit dem Surrealismus in Verbindung gebracht wird, hat Miró die Themen in seiner Arbeit nicht vollständig aufgegeben. Trotz der surrealistischen automatischen Techniken, die er ausgiebig einsetzte, deuten Skizzen aus seiner Atelierarbeit darauf hin, dass seine fertigen Gemälde oft das Ergebnis eines methodischen Prozesses waren. Mirós Werk tauchte selten jemals wirklich in die Ungegenständlichkeit ein. Sein Werk ist geprägt von einer symbolischen, schematischen künstlerischen Sprache. Er teilte eine besondere Gemeinsamkeit mit Surrealisten, Miró äußerte jedoch Verachtung für konventionelle Malmethoden als Mittel zur Unterstützung der bürgerlichen Gesellschaft. Er erklärte bekanntermaßen eine "Malerei ermordet", um die visuellen Elemente klassischer Malstile zu stören.

Miro verließ 1939 Paris nach Varengeville-sur-Mer in der Normandie, und hier entstand ein wichtiges neues Werk – eine Reihe von 23 Gouachen, die als Konstellationen bekannt wurden. Sie gehören zu den am kompliziertesten konstruierten Werken des Künstlers und erforschen Ideen, die mit regenerativen Prozessen in der Natur verbunden sind. Stark von den Wirren des Zweiten Weltkriegs beeinflusst, scheint seine Arbeit die fragile, vergängliche Qualität des Daseins zu reflektieren. Jedes Stück von Constellation stellt einen Moment dar, einen Mikrokosmos des Lebens: eingefangen in schwerelos schwebender Animation. 1945 wurden die Constellations für eine Pierre Matisse-Ausstellung in NYC aus Europa geschmuggelt. Andre Breton war sofort von der Serie inspiriert und schrieb seine letzten poetischen Werke. 1959 wurden unter der Leitung des Pochoir-Meisters Daniel Jacomet 22 der ursprünglich 23 Gouache-Konstellationen zu 350 Pochoir-Suiten verarbeitet.

Die Konstellationen inspirierten direkt die aufstrebenden amerikanischen Maler des Abstrakten Expressionismus, die zu dieser Zeit versuchten, den Zwängen des sozialen Realismus und des Regionalismus zu entkommen. Darüber hinaus ist Miros Einfluss auf die moderne Kunst nicht zu leugnen. Künstlerische Meister wie Robert Motherwell, Alexander Calder, Arshile Gorky, Jackson Pollock, Roberto Matta und Mark Rothko zitieren ihn als inspirierend. Es war vielleicht der amerikanische Maler Robert Motherwell, der seine Ansichten über die Bedeutung von Miró und seinem Werk am lebhaftesten zum Ausdruck brachte: „Ich mag alles an Miró – sein klares Gesicht, seine Bescheidenheit, seine ironisch-kantige Zurückhaltung als Person, seine ständige harte Arbeit, seine mediterrane Sensibilität und andere Qualitäten, die sich in einem ständig wachsenden Werk manifestieren, das für mich das bewegendste und schönste ist, das derzeit in Europa gemacht wird. Ein sensibles Gleichgewicht zwischen Natur und Werk des Menschen, fast verloren in der zeitgenössischen Kunst, durchdringt Mirós Kunst, so dass sein Werk, so originell, dass kaum jemand eine Vorstellung davon hat, wie originell uns sofort in die Tiefe schlägt.“


Joan Miro Biografie

Der Maler Joan Miró wurde 1893 in Barcelona geboren und starb 1983 auf Mallorca. Er schuf Werke in verschiedenen Stilrichtungen und unter Verwendung verschiedenster Materialien, die meisten hatten jedoch einen surrealistischen Beigeschmack. Auf diese Weise ist er am besten in Erinnerung geblieben, obwohl er seine Werke lieber als individualistisch betrachtete und nicht unbedingt in eine bestimmte Kategorie fallen würde.

Schon in der Grundschule zeigte er eine Leidenschaft für die Kunst und besuchte Zeichenkurse. 1907 schrieb er sich an der Schule für Industrielle und Schöne Künste (Llotja) in Barcelona ein und studierte dort bis 1910. 1912 erholte sich Miró von einem Typhus-Anfall und beschloss, dass er seiner Liebe zur Malerei folgen und keine Karriere machen wollte Bilanzierung, die er zu verfolgen versucht hatte. Er verbrachte 3 Jahre an einer Kunstschule von Francesc Galí und studierte Lebenskunst am Cercle Artístic de Sant Lluc. Seine erste Einzelausstellung fand 1918 statt und seine Werke zeigten eine Reihe von Einflüssen. Dazu gehörten die leuchtenden Farben des Fauvismus, kubistische Formen, katalanische Kunst und römische Fresken.

Miró’s Frau, Vogel, Stern (Hommage an Pablo Picasso)

1920 besuchte er zum ersten Mal Paris und lernte Picasso kennen. Dies ist wahrscheinlich einer der Hauptgründe, warum sich sein Stil nach diesem Zeitpunkt änderte und Miró begann, sich auf surrealere Gemälde zu konzentrieren. Er beschloss, nach Paris zu ziehen und veranstaltete dort 1921 seine erste Einzelausstellung. Er teilte seine Zeit zwischen Spanien und Frankreich auf und traf und arbeitete mit vielen der surrealistischen Künstler und Dichter dieser Zeit zusammen. Ernest Hemingway gehörte in dieser Zeit zu Mirós Kunden. Er kaufte ein Gemälde, das Kubismus mit Surrealismus mischte, „The Farm“. 1926 erhielten Miró und sein Freund Max Ernst den Auftrag, Bühnenbilder und Kostüme für das Ballett „Romeo und Julia“ zu entwerfen, das in Paris von den Ballets Russes aufgeführt wurde.

Um diese Zeit begann sich auch Miró für Objektcollagen zu interessieren. Der erste, den er produzierte, war der „Spanische Tänzer“. Er entfernte sich für eine Weile von der Malerei und konzentrierte sich auf Skulpturen. Er experimentierte jedoch auch mit einer Vielzahl anderer künstlerischer Formen, darunter Lithographie, Gravur und Malerei auf Kupfer. Er heiratete 1929 und seine Tochter wurde im folgenden Jahr geboren. Miró beschloss dann, mehr Zeit in Spanien zu verbringen, bis ihn der Ausbruch des Spanischen Bürgerkriegs 1936 zwang, seine Familie nach Paris zurückzubringen. Sie blieben dort bis 1940, als sie nach Spanien zurückkehrten. Miró lernte und experimentierte weiterhin mit verschiedenen Materialien und Kunstarten, konzentrierte sich jedoch auf seine keramischen Arbeiten.

Miró’s The Farm

In den späten 1950er Jahren begann Miró mit der Produktion von Auftragsarbeiten, insbesondere Wandgemälden und großen Außenskulpturen für Orte auf der ganzen Welt. 1972 wurde ein Gebäude zur Unterbringung der Fundació Joan Miró, Centre d’Estudis d’Art Contemporani (The Joan Miró Foundation, Zentrum für das Studium der zeitgenössischen Kunst) in Auftrag gegeben. Es wurde 1975 der Öffentlichkeit zugänglich gemacht und beherbergt die größte Sammlung von Mirós Werken. Dies ist bei weitem die größte Sammlung der Welt, nicht überraschend, denn Miró selbst hat die überwiegende Mehrheit der Stücke vor seinem Tod gespendet. Es umfasst 240 Gemälde, 175 Skulpturen, 9 Textilien, 4 Keramiken, die fast vollständige Grafik und rund 8.000 Zeichnungen. Weitere Beispiele von Mirós Werk finden sich in Museen und an Orten auf der ganzen Welt.


Joan Miró - Biografie und Vermächtnis

Joan Miró wurde 1893 in Spanien in eine Handwerkerfamilie geboren. Sein Vater Miguel war Uhrmacher und Goldschmied, seine Mutter die Tochter eines Tischlers. Vielleicht im Einklang mit dem künstlerischen Beruf seiner Familie, zeigte Miró schon in jungen Jahren eine starke Liebe zum Zeichnen, die nicht besonders zu Akademikern neigte, er sagte, er sei "ein sehr armer Schüler. Ruhig, eher schweigsam und ein Träumer".

Im Jahr 1907, im Alter von 14 Jahren, begann Miró ein Studium der Landschafts- und Dekorationskunst an der Schule für Industrielle und Schöne Künste (Llotja) in Barcelona. Gleichzeitig besuchte er auf Geheiß seiner Eltern, die eine praktischere Laufbahn einschlagen wollten, die Handelsschule. Er begann als Angestellter zu arbeiten und erlebte aufgrund der ständigen Anforderungen seines Studiums einen Nervenzusammenbruch, gefolgt von einem schweren Typhus. Seine Familie kaufte Montroig, einen Bauernhof auf dem Land außerhalb von Barcelona, ​​als Ort, an dem Miró sich erholen konnte, und als er sich erholte, widmete er sich ganz der Kunst und gab seine kommerziellen Aktivitäten auf.

Frühtraining

1912 schrieb sich Miró an einer Kunstakademie in Barcelona ein, wo er über moderne Kunstbewegungen und zeitgenössische katalanische Dichter lernte. Die Poesie sollte ihn ein Leben lang beeinflussen, wie er später sagte: "Ich mache keinen Unterschied zwischen Malerei und Poesie", indem er seine Arbeit als implizit metaphorisch betrachtete, die Ähnlichkeit mit der objektiven Realität hervorrief, während sie sich außerhalb davon hielt. Im Rahmen seines Studiums ließ sein Lehrer Francisco Galí den jungen Künstler, manchmal mit verbundenen Augen, durch Berührung zeichnen, um ein räumliches Verständnis von Objekten zu fördern und sich dabei auf die Intuition zu verlassen. Miró ist auch mit dem Cercle Artístic de Sant Lluc verbunden, einer Künstlergruppe, zu deren Mitgliedern der renommierte Architekt Antoni Gaudí gehörte. Zwischen 1912 und 1920 malte Miró Stillleben, Porträts, Akte und Landschaften in einem Stil, der von einigen Gelehrten als katalanischer Fauvismus bezeichnet wird. Beeinflusst von Vincent van Gogh, Paul Cézanne und den kräftigen, leuchtenden Farben der französischen Fauve-Maler, griff er auch auf seine katalanischen Wurzeln zurück und nannte sich "internationaler Katalane".

Reifezeit

Mirós erste Einzelausstellung in Barcelona im Jahr 1918 war eine totale Katastrophe, seine Werke wurden von Kritikern und Publikum verspottet und es wurde kein einziges Werk verkauft. Völlig enttäuscht und auf der Suche nach einer belebenden und aufgeschlosseneren Kunstwelt ging er 1920 nach Paris, wo er eine Reihe von Künstlern traf, darunter Max Jacob, Pablo Picasso, André Masson und Tristan Tzara. Doch erst dreieinhalb Monate später, als er nach Hause auf die Farm Montroig ging, konnte er malen und sagte: "Ich habe sofort angefangen zu malen, wie Kinder in Tränen ausbrechen." Um das Gleichgewicht zwischen seiner katalanischen Inspiration und der Pariser Kunstwelt zu wahren, lebte er in den folgenden zehn Jahren einen Teil des Jahres in Paris und kehrte jeden Sommer nach Montroig zurück, wie er sagte: "Paris und das Land bis ich sterbe". ." Aufgrund finanzieller Not war sein Leben in Paris zunächst schwierig. Später beschrieb er diese mageren, frühen Jahre und scherzte: "Wie habe ich mir meine Zeichnungen und meine Ideen zum Malen ausgedacht? Nun, ich kam nachts nach Hause in mein Pariser Atelier in der Rue Blomet, ging ins Bett und manchmal hatte ich kein Abendessen gehabt." Es scheint jedoch, dass körperliche Entbehrung die Vorstellungskraft des jungen Miró belebt hat. "Ich habe Dinge gesehen", erklärte er, "und ich habe sie in ein Notizbuch geschrieben. Ich habe Formen an der Decke gesehen."

1921 hatte er seine erste Einzelausstellung in Paris und stellte 1922 im Salon d'Automne aus, während er mit vielen der führenden dadaistischen und surrealistischen Künstler zusammenarbeitete. Er freundete sich mit dem surrealistischen Schriftsteller und Führer André Breton an und bildete eine langjährige Beziehung. Die Surrealisten waren in den 1920er Jahren in Paris am aktivsten, nachdem sie sich 1924 mit der Veröffentlichung ihres surrealistischen Manifests formell zusammengeschlossen hatten. Ihre Mitglieder, angeführt von Breton, förderten den "reinen psychischen Automatismus", ein Konzept, zu dem Miró aus seiner eigenen Geschichte des unbewussten Zeichnens durch Berührung und Intuition eine Affinität verspürte. Er nahm 1925 an der ersten surrealistischen Ausstellung teil, weigerte sich jedoch, wie der Kunsthistoriker Stanley Meisler feststellte, "beharrlich, irgendein surrealistisches Manifest zu unterzeichnen, insbesondere diejenigen, die den "psychischen Automatismus" rühmten. Er weigerte sich einfach zu glauben, dass ein Gemälde aus einem Traum entstehen könnte." Seine zunehmend biomorphe, rätselhafte und innovative Kunst, wie sie in der Harlekin-Karneval (1924-25), ein Werk, das er in einer "Halluzination des Hungers" gemalt hatte, war ebenfalls sorgfältig geplant, zunächst auf einem Rasterhintergrund komponiert. Gleichzeitig erforschte er auch fast abstrakte Behandlungen, indem er seine biomorphen Formen zu schematischen Formen, Bildzeichen und visuellen Gesten vereinfachte, wie in seinem Gemälde (1927), wo drei mehrdeutige Formen und schematische Linien vor einem leeren blauen Hintergrund dargestellt sind.

Miró heiratete Pilar Juncosa im Jahr 1929, und ihr einziges Kind Dolores wurde 1931 geboren. Als seine Kunst sowohl in Frankreich als auch in den Vereinigten Staaten ausgestellt und verkauft wurde, begann seine Karriere zu florieren, obwohl die wirtschaftliche Stabilität durch die Auswirkungen unterbrochen wurde der globalen Depression. 1932 konnten sie seine Familie in Paris nicht mehr ernähren und zogen nach Barcelona. Es folgten Jahre der Zerrüttung, als er 1936 bei einem Besuch in Paris mit seiner Familie gefangen war und nicht nach Spanien zurückkehren konnte, wo der Bürgerkrieg ausgebrochen war. 1939 floh er vor der drohenden deutschen Invasion in die Normandie und 1941 nach Mallorca, wo er sagte: "Ich war sehr pessimistisch. Ich fühlte, dass alles verloren war." Er wandte sich dem Malen kleiner Arbeiten auf Papier zu, die er betitelte: Konstellationen (1939-41), von denen er sagte: "Als ich die Konstellationen Ich hatte das echte Gefühl, im Geheimen zu arbeiten. Aber es war eine Befreiung für mich. Ich habe aufgehört, über die Tragödie um mich herum nachzudenken."

Ironischerweise erhielt Miró, während er sich auf Mallorca versteckte und den Nachnamen seiner Frau benutzte, um der Aufmerksamkeit der Regierung Francos zu entgehen, seine erste Retrospektive im New Yorker Museum of Modern Art unter großem Beifall. Als unmittelbar nach Kriegsende Konstellationen auch in New York gezeigt wurde, wuchs sein Bekanntheitsgrad in Amerika weiter, was 1947 zu einem groß angelegten Wandgemäldeauftrag in Cincinnati führte. Gegenständliche Kunst signalisierte einen großen Wandel in der künstlerischen Produktion sowohl in den USA als auch in Europa. Trotz der Anerkennung für seine Gemälde erforschte er weiterhin neue Medien, wandte sich in der Zusammenarbeit mit Joseph Llorens Artigas der Keramik und Mitte der 1940er Jahre der Bildhauerei zu.

In den 1950er Jahren begann Miró erneut, seine Zeit zwischen Spanien und Frankreich aufzuteilen. Eine große Ausstellung seiner Werke fand in der Gallerie Maeght in Paris und anschließend 1953 in der Pierre Matisse Gallery in New York statt. Von 1954-58 beschäftigte er sich jedoch fast ausschließlich mit Druckgrafik und Keramik, darunter zwei keramische Wandmalereien für die UNESCO Gebäude in Paris. 1959 nahm er zusammen mit Salvador Dalí, Enrique Tabara und Eugenio Granell an Hommage an den Surrealismus, eine Ausstellung in Spanien, organisiert von André Breton. Die 1960er Jahre waren für Miró eine produktive und abenteuerliche Zeit, als er das große abstrakte Triptychon malte Blau (1961) und arbeitete intensiv in der Bildhauerei, wobei er in einigen Fällen einige seiner älteren Werke überarbeitete und neu interpretierte. Obwohl er die Essenz seines Stils nie verändert hat, wird sein späteres Werk als reifer, destillierter und in Bezug auf die Form verfeinert anerkannt.

Spätzeit und Tod

Als Miró älter wurde, erhielt er weiterhin viele Auszeichnungen und öffentliche Aufträge. Er ging immer wieder neue Wege und sagte: "Mich interessieren die jungen Leute und nicht die alten Dodos. Wenn ich weiterarbeite, dann für das Jahr 2000 und für die Menschen von morgen." 1974 erhielt er den Auftrag, einen Wandteppich für das New Yorker World Trade Center zu erstellen, der seine Leistungen als international renommierter Künstler sowie seinen Platz in der Populärkultur demonstriert. 1979 erhielt er die Ehrendoktorwürde der Universität Barcelona. Miró starb 1983 in seinem Haus, ein Jahr nach seinem Abschluss Frau und Vogel, eine große öffentliche Skulptur für die Stadt Barcelona. Das Werk war gewissermaßen der Höhepunkt einer produktiven Karriere, die für die Entwicklung der modernen Kunst so tiefgreifend war.

Das Erbe von Joan Miró

Miró sagte einmal berühmt: "Ich möchte die Malerei ermorden." Zusammen mit anderen dadaistischen und surrealistischen Künstlern wie Jean Arp und Yves Tanguy erforschte er die Möglichkeit, ein völlig neues visuelles Vokabular für die Kunst zu schaffen, das außerhalb der objektiven Welt existieren könnte, aber nicht von ihr getrennt. Seine einzigartige künstlerische Sprache verwendet oft biomorphe Formen, die im Rahmen der Objektivität bleiben und gleichzeitig Formen der reinen Erfindung sind. Ausdrucksstark und bedeutungsvoll durch ihre Gegenüberstellung mit anderen Formen und die Farbgebung des Künstlers wurden sie zu immer abstrakteren Bildzeichen. Seine Erforschung aller Medien und innovativen Techniken gaben seiner Arbeit einen Vorsprung - gleichzeitig neu und doch sofort als Miró erkennbar.

Was der Kunstkritiker Ryan Steadman Mirós "persönliche Form der Abstraktion" nannte, prägte seinen langjährigen engen Freund Alexander Calder und die Abstrakten Expressionisten Jackson Pollock, Robert Motherwell, Arshile Gorky und William Baziotes sowie die Farbfeldmaler Mark Rothko und Barnett Newman. Helen Frankenthaler schrieb auch Mirós Einfluss auf die Entwicklung ihres Stils der Post-Painterly Abstraction zu. In jüngerer Zeit hat seine Arbeit die Designer Paul Rand, Lucienne Day und Julian Hatton sowie die zeitgenössischen Künstler Josh Smith und Chris Martin beeinflusst.

Bis heute ist Mirós freizügiger künstlerischer Ausdruck ein Impulsgeber für sich entwickelnde Künstler und Kunstbewegungen.


Kritischer Erfolg

Getreu ihrem Charakter, den sie während ihrer langen Amtszeit als Spitzensportlerin entwickelt hatte, zeigte Mitchell eine Zähigkeit, die ihr Vater als undamenhaft verunglimpft hätte, die jedoch für das Milieu, in dem sie operierte, wesentlich gewesen sein könnte. Mitchell trank, rauchte, fluchte und hing in Bars herum, und obwohl diese Einstellung einer High-Society-Lady in Chicago nicht angemessen war, diente Mitchell diese Einstellung gut: Sie war eine von einer Handvoll weiblicher Mitglieder des Eighth Street Club, einer ikonischen Gruppierung von Downtown-Künstler im New York der 1950er Jahre.

Der erste Hinweis auf kritischen Erfolg kam 1957, als Mitchell in ArtNews’s vorgestellt wurde. Malt ein Bild“-Spalte. „Mitchell Paints a Picture“, geschrieben vom prominenten Kritiker Irving Sandler, porträtierte den Künstler für das große Magazin.

1961 veranstaltete die Russell Mitchell Gallery die erste große Ausstellung von Mitchells Werken, und 1972 wurde sie mit ihrer ersten großen Museumsausstellung im Everson Museum of Art in Syracuse, NY, ausgezeichnet. Kurz darauf, 1974, erhielt sie eine Ausstellung im New Yorker Whitney Museum und festigte damit ihr Vermächtnis.

Das letzte Jahrzehnt von Mitchells Leben sah anhaltenden kritischen Erfolg. Joan Mitchell, eine lebenslange Raucherin, starb 1992 im Alter von 67 Jahren in Paris an Lungenkrebs.


Wichtige Kunst von Joan Miró

Der Bauernhof (1920-21)

Eine dramatisch geneigte Bildebene gibt den Blick in die masia oder "Familienbauernhof" mit Tieren, landwirtschaftlichen Geräten, Pflanzen und Beweisen menschlicher Aktivität. Miró erklärte: "Der Bauernhof war ein Lebenslauf meines ganzen Lebens auf dem Land. Ich wollte alles, was ich an dem Land liebe, auf diese Leinwand bringen – vom riesigen Baum bis zur winzigen Schnecke." Die Intensität des Sehens und die fast wahnsinnige Liebe zum Detail verleihen der Arbeit die Qualität einer eidetischen Erinnerung, die im Traum neu konfiguriert wurde, und präfiguriert sein späteres surrealistisches Werk.

Wie die Kunstkritikerin Laura Cummings schrieb, "bekommt jedes Wesen seinen eigenen autonomen Raum im Bild, separat gelobt, aber durch reimende Formen verbunden", aufgrund des "quasi-kubistischen Raums, aufrecht geneigt und vermutlich weil Miró das blühende Aufwärtswachstum feiert". von zu Hause."

Die Arbeit illustriert wichtige Innovationen, die für den Künstler charakteristisch sind, da sie verschiedene abstrahierte Elemente enthält, wie den schwarzen Kreis, in dem sich der Eukalyptusbaum in der Mitte erhebt, Symbole wie die beiden Leitern, eine mit einer darauf stehenden Ziege und die andere mit einem Hahn. Darüber hinaus haben, wie Cummings feststellt, in „seiner neuen Art zu malen. Objekte ein Doppelleben als Buchstaben – das E einer Kiste, das A einer Leiter, das O von Rad, Eimer und Sonne – und alles ist gleichzeitig in der Szene und auf seine Oberfläche geschrieben. Der Bauernhof ist Bild und Gedicht zugleich."

Der Künstler betrachtete dieses Werk als eines seiner wichtigsten und markierte einen Wendepunkt. Obwohl die Arbeit eine Reihe von Einflüssen widerspiegelte, darunter katalanische Volkskunst, ein romanisches Hierarchiegefühl, bei dem die Größe Bedeutung widerspiegelt, und ein kubistisches Vokabular, widersetzte sich das Werk der Festlegung eines Stils, der den rastlosen und ikonoklastischen Ansatz des Künstlers veranschaulicht.

Nach Abschluss der Arbeit hatte Miró Mühe, auf einem Pariser Markt für moderne Kunst, der den Kubismus bevorzugte, einen Käufer zu finden. Ein Händler schlug vor, es in mehrere kleinere Gemälde zu schneiden, um den Verkauf zu erleichtern. Glücklicherweise hatte sich der Künstler mit dem Schriftsteller Ernest Hemingway angefreundet, der damals ein Unbekannter war, und nach stundenlanger Arbeit trafen sich die beiden zu Boxsitzungen, um sich zu entspannen. Hemingway war entschlossen zu kaufen Der Bauernhof und nachdem er sich Geld geliehen und als Lebensmittelkaufmann gearbeitet hatte, konnte er es kaufen und sein ganzes Leben lang behalten. Wie er schrieb: "Ich würde es gegen kein Bild der Welt eintauschen. Es enthält alles, was Sie für Spanien empfinden, wenn Sie dort sind, und alles, was Sie fühlen, wenn Sie weg sind und nicht dorthin gehen können."

Harlekin-Karneval (1924-25)

Dieses Gemälde zeigt eine festliche und überfüllte Szene, in der quixotische Biomorphe in eine lebhafte Feier verwickelt zu sein scheinen. Jede Form ruft Ähnlichkeiten hervor und weist sie zurück, wie in der Mitte links der Harlekin, identifiziert durch die schwarz-weißen Karos der Tracht der Italiener commedia dell'arte's Aktienfigur, hat einen Korpus, der wie eine verzerrte Gitarre geformt ist. Die Katze, unten rechts, steht wie im Tanz auf den Hinterbeinen, ihre "Arme" zur Szene ausgestreckt, während sich ihr rot-gelbes Gesicht zum Betrachter dreht. Auf dem Tisch liegt ein gelb-schwarzer Fisch, links wachsen aus der Leiter ein Ohr und ein Auge, an der Wand erscheinen Musiknoten, in der Mitte kreuzen sich schwarz-weiße schlangenartige Röhren, und viele der Formen sind durch dünne . verbunden scrollende Linien, während die schwarz-gelbe Kreatur, die in der unteren Mitte tanzt, einen Faden greift, der sich bis zu den Schnurrhaaren der Katze erstreckt. Der Betrachter ist gefangen in dieser imaginierten Welt, fasziniert von der Dissonanz zwischen Identifikation und Bedeutung.

Als frühes Beispiel für die Hinwendung des Künstlers zum Surrealismus war diese Arbeit auch Vorreiter für seine Verwendung biomorpher Formen, da die meisten Objekte an lebende Organismen erinnern. Er erklärte einige der symbolischen Bedeutungen des Gemäldes, indem er sagte, dass das schwarze Dreieck den Eiffelturm symbolisierte und die Leiter sowohl für die Erhebung als auch für das Ausweichen stünde. Doch das Verschmelzen und Verschmelzen von Formen kippt die Gewissheiten der bewussten Welt, auch die der Kunst, wie der Künstler sagte: "Mich interessiert nur die anonyme Kunst, die dem kollektiven Unbewussten entspringt." Miró wollte sich nie auf einen bestimmten künstlerischen Stil einlassen und strebte danach, ästhetische Hierarchien umzukippen. In dieser Arbeit schuf er seine eigene Bildsprache. Wie die Kunstkritikerin Laura Cummings schrieb: „Als Miró 1983 im Alter von 90 Jahren starb, wurde er lange als letzter Star der Moderne geschätzt. Seine Bildsprache war einzigartig, sofort erkennbar und wurde – zu Recht – nicht mehr als ein katalanischer Dialekt des Surrealismus."

Hund bellt den Mond an (1926)

In einer kargen Landschaft, die sowohl surrealistisch als auch humorvoll karikaturhaft ist, aufgeteilt zwischen satter Schokoladenerde und schwarzem Nachthimmel, bellt ein skurril verzerrter Hund, in leuchtenden Farben dargestellt, den Mond über ihm an. Links ragt eine weiß-gelbe Leiter mit roten Sprossen in den Himmel. Die Verzerrungen des Mondes und des Hundes, zusammen mit der Unwahrscheinlichkeit der Leiter, schaffen ein Spielgefühl, bei dem alles beides ist ist und ist nicht wie es scheint, während das Weiß, Rot und Gelb, das für die vier Formen verwendet wird, ein mysteriöses Gefühl der Verbindung zwischen ihnen erzeugt.

Wie die Kunstkritikerin Laura Cummings schrieb: "Auf dem Boden bellt ein buntes Lebewesen mit so etwas wie Pfoten und Kiefer den Mond mit all der Energie an, die in seiner straff gefederten Form steckt. Der Mond ist nicht ganz immun gegen diese absurde Darstellung: Er hat eine bemaltes Herz. Aber es trägt auch eine satirische rote Nase.“ Doch der weite Raum, gefüllt mit dem dunklen Hintergrund, ruft auch ein Gefühl von tiefer Einsamkeit und Mysterium hervor, wie die Kunstkritikerin Judith Flanders schrieb: „In seiner besten Form, in Werken wie Hund bellt den Mond an, erschuf er eine geheimnisvoll schwebende, unverankerte Welt, in der sein Standard-Symbollexikon - hier die Leiter, die nicht nur Individualität und Flucht symbolisiert, sondern auch Vergeblichkeit und einen Ausgang in die Leere des Todes - mächtig wird."

In der Zeit vor dieser Arbeit hatte der Künstler angefangen, manchmal Wörter in seine Bilder einzufügen, und schuf so, was er "Malgedichte" nannte. Die ursprüngliche Skizze enthielt die Antwort des Mondes auf den Hund auf Katalanisch: "Weißt du, es ist mir scheißegal." Obwohl Miró den Text aus dem Gemälde weggelassen hat, bleibt ein Gefühl der impliziten Kommunikation, erzeugt durch das Beharren des Hundes, seinen Körper, der sich mit seiner ungehörten Stimme hebt, und durch den Mond, der sich visuell ablehnend abwendet. Wie Cummings feststellte, wurde das berühmte Werk "als Werk des Surrealismus" gleichermaßen als persönliches Manifest interpretiert. Hier ist der junge Künstler als Welpe, der versucht, seine Stimme in der internationalen Avantgarde zu finden. Die schöne Leiter muss also seine sein Kunst, durch die er aufsteigen wird."


Schau das Video: Joan Miró. Territorio das Artes (Juli 2022).


Bemerkungen:

  1. Parth

    Es tut mir leid, es kommt nicht unbedingt auf mich zu. Vielleicht gibt es noch Varianten?

  2. Maximus

    Was genau möchten Sie sagen?

  3. Hristun

    Sie machen einen Fehler. Ich schlage vor, darüber zu diskutieren. Maile mir eine PM, wir reden.

  4. Selwyn

    Und was würden wir ohne Ihre sehr gute Idee tun?

  5. Malataur

    Es tut mir leid, aber meiner Meinung nach lagen sie falsch. Schreiben Sie mir in PM, besprechen Sie es.

  6. Inachus

    Bemerkenswert, es ist der lustige Satz



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