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Byzantinischer Hut, getragen von Johannes VIII

Byzantinischer Hut, getragen von Johannes VIII


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Hundertjähriger Krieg

Der Name Hundertjähriger Krieg wird von Historikern seit Beginn des 19. Jahrhunderts verwendet, um den langen Konflikt zu beschreiben, der die Könige und Königreiche von Frankreich und England von 1337 bis 1453 gegeneinander ausspielte der Konflikt: Erstens der Status des Herzogtums Guyenne (oder Aquitanien) - obwohl es den Königen von England gehörte, blieb es ein Lehen der französischen Krone, und die Könige von England wollten zweitens unabhängigen Besitz als engste Verwandte von der letzte direkte kapetische König (Karl IV., der 1328 gestorben war), beanspruchten die Könige von England ab 1337 die Krone von Frankreich.

Theoretisch waren die französischen Könige, die über die finanziellen und militärischen Ressourcen des bevölkerungsreichsten und mächtigsten Staates Westeuropas verfügten, gegenüber dem kleineren, dünn besiedelten englischen Königreich im Vorteil. Die englische Expeditionsarmee, gut diszipliniert und erfolgreich mit ihren Langbögen, um Kavallerieangriffe zu stoppen, erwies sich jedoch wiederholt als Sieger über viel größere französische Streitkräfte: bedeutende Siege wurden auf dem Seeweg bei Sluys (1340) und zu Lande bei Crecy (1346) und Poitiers ( 1356). Im Jahr 1360 musste König Johann von Frankreich, um seinen Titel zu retten, den Vertrag von Calais annehmen, der dem Herzogtum Guyenne, das jetzt erheblich erweitert wurde und fast ein Drittel Frankreichs umfasste, die vollständige Unabhängigkeit gewährte. Allerdings war es seinem Sohn Karl V. mit Hilfe seines Oberbefehlshabers Bertrand du Guesclin bis 1380 gelungen, fast das gesamte abgetretene Gebiet zurückzuerobern, insbesondere durch eine Reihe von Belagerungen.

Nach einer Pause erneuerte Heinrich V. von England den Krieg und siegte bei Agincourt (1415), eroberte die Normandie (1417-1418) und versuchte dann, sich durch den Vertrag von Troyes (1420) zum zukünftigen König von Frankreich krönen zu lassen. Aber seine militärischen Erfolge wurden nicht von politischen Erfolgen begleitet: Obwohl mit den Herzögen von Burgund verbündet, lehnte die Mehrheit der Franzosen die englische Vorherrschaft ab. Dank Jeanne d'Arc wurde die Belagerung von Orleans (1429) aufgehoben. Dann wurden Paris und die lle-de-France befreit (1436-1441), und nach der Reorganisation und Reform der französischen Armee (1445-1448) eroberte Karl VII. das Herzogtum Normandie zurück (Schlacht von Formigny, 1450) und dann erobert Guyenne (die Schlacht von Castillon, 1453). Das Ende des Konflikts wurde nie durch einen Friedensvertrag markiert, sondern starb aus, weil die Engländer erkannten, dass die französischen Truppen zu stark waren, um direkt konfrontiert zu werden.

Das seit 1066 ausgedehnte englische Territorium in Frankreich (siehe Hastings, Battle of) blieb nun auf den Kanalhafen von Calais (verloren 1558) beschränkt. Frankreich, endlich frei von den englischen Invasoren, nahm seinen Platz als dominierender Staat Westeuropas wieder ein.

Der Leser ’s Begleiter zur Militärgeschichte. Herausgegeben von Robert Cowley und Geoffrey Parker. Copyright © 1996 von Houghton Mifflin Harcourt Publishing Company. Alle Rechte vorbehalten.


Mittelalterliche Mode

Willkommen zu Teil 1 unserer Fashion Through the Ages-Reihe. Ausgehend von der mittelalterlichen Mode, die in den Swinging Sixties endet, umfasst dieser Abschnitt die britische Mode von den Normannen über das Mittelalter und Mittelalter bis zum Ende des 15. Jahrhunderts.

Tageskleidung ca. 1050

Dieser Mann und die Frau (links) stammen aus der Zeit um 1050, kurz vor der normannischen Eroberung im Jahr 1066. Sie tragen die mittelalterliche Grundkleidung: eine Tunika, wahrscheinlich aus Wolle, leicht tailliert mit hohem Kragen und langen Ärmeln, die normalerweise über einem Leinenhemd getragen wird .

Die Damentunika, ähnlich der Herrentunika, jedoch länger, hat einen halbrunden Mantelverschluss an der Schulter. Die Dame bedeckt ihr langes Haar mit einer Kapuze, die von einem Band gehalten wird, und trägt eine Reisetasche, der Mann trägt weite Strümpfe und Lederschuhe.

Tages- und Reisekleidung ca. 1150

Reisekleidung um 1250 (links)

Um 1250 wurden die Tuniken für Männer und Frauen mit einem weiten Oberarm geschnitten. Die meisten Männer, mit Ausnahme der älteren, bevorzugten kurze Tuniken. Umhänge wurden normalerweise von einer Kordel an der Schulter gehalten. Beliebt war auch eine Vielzahl von losen Überkleidern, die Ärmel mit zwei Öffnungen hatten, die es ihnen ermöglichten, locker zu hängen, wie die darauf basierenden Universitätskleider, die noch heute zu sehen sind.Die Zöpfe der Frau sind an jedem Ohr zu einem Knoten zusammengerollt, manchmal mit einem Netz bedeckt, und das flache Stirnband wird durch einen Schleier oder einen eng unter dem Kinn gezogenen „Wimpel“ gehalten.

Der junge Mann (links) trägt eine kürzere Tunika und spitze Schuhe. Diese Schuhe waren charakteristisch für das 14. Jahrhundert und hießen crackowes oder poulaines, und stammen vermutlich aus Polen. Die Zehenlänge soll den Rang des Trägers anzeigen und wurde gegen Ende des 14. Jahrhunderts immer mehr übertrieben.

Diese Dame (links) von etwa 1490 trägt ein reiches Gewand aus dickem, goldbroschiertem Stoff. Diese Linie lässt die strengen Stile des Hofes der frühen Tudors ahnen, mit niedriger Taille und hohem Ausschnitt. Ihr Rock hat eine Schleppe, ist aber hinten hochgesteckt, um das Gehen zu erleichtern und das Fellfutter zur Geltung zu bringen. Ihre Ärmel sind neu gestaltet, trichterförmig und mit Fell besetzt.

Dieser junge Mann trägt Kleidung in der "8216Italian Fashion", viel weniger umhüllend als die seiner Dame oben. Sein Wams reicht nur bis zur Taille und ist sehr eng, mit Schlitzen an der Brust und an den Ärmeln, die Bewegungsfreiheit und die Möglichkeit geben, sein feines Hemd zu sehen. Seine Hose ist mit ‘points’ (Schnürsenkel) an der Taille gebunden und wird vorne mit einem ‘cod piece’ (Klappe) befestigt. Zum Reiten trägt er schützende Lederstrümpfe und seine Schuhe haben breite Zehen. Dieser Stil ersetzte um 1480 spitze Schuhe.


Als Päpste Kronen trugen: Eine bildliche Geschichte der päpstlichen Tiara

Beachten Sie insbesondere, dass er nicht einmal die traditionellen roten Schuhe trägt (die Farbe Rot symbolisierte das Blut der Märtyrer).

Um zu verstehen, wie einzigartig dies für das Papsttum historisch ist, muss man bedenken, dass so etwas noch vor wenigen Jahrzehnten normal war:

Das ist Papst Bl. Paul VI. leitete in den 1960er Jahren das Zweite Vatikanische Konzil.

Und so haben sich die Päpste herumgesprochen:

Beachten Sie in diesem zweiten, dass Papst Ven. Pius XII. (Papst 1939-1958) ist nicht nur Sein auf einem Stuhl getragen, er trägt die traditionelle päpstliche Tiara, eine dreistufige Krone.

Ja: Päpste trugen nicht nur Kronen, sie trugen auch eine Tiara mit drei Kronen. Und das taten sie seit Jahrhunderten.

Die Ursprünge der päpstlichen Tiara

Historiker sind sich nicht ganz sicher, wann die päpstliche Tiara zum ersten Mal verwendet wurde. Die erste Erwähnung einer päpstlichen Krone stammt aus dem 8. Jahrhundert, und Kunstwerke aus dieser Zeit zeigen Päpste, die einen kegelförmigen Helm mit einer kleinen Krone am Boden tragen

Die erste Erwähnung des Wortes Tiara Die Bezeichnung für die Kopfbedeckung des Papstes stammt aus dem frühen 12. Jahrhundert.

Irgendwann im 13. Jahrhundert wurde eine zweite Krone hinzugefügt. Die beiden Kronen symbolisierten offenbar die Tatsache, dass der Papst sowohl in geistlichen als auch in zeitlichen Angelegenheiten Autorität hatte, und unterschieden auch die Tiara des Papstes von einstufigen monarchischen Kronen.

Im 14. Jahrhundert wurde eine dritte Krone hinzugefügt. Die genaue beabsichtigte Bedeutung der drei Kronen ist nicht klar, und im Laufe der Jahrhunderte wurde eine Vielzahl von Interpretationen angeboten. Einige sagen, dass die drei Kronen das dreifache Amt von Christus, Priester, Prophet und König darstellen, eine andere Interpretation besagt, dass sie die Rolle des Bischofs von Rom als universeller Hirte repräsentieren, als mit universeller kirchlicher Gerichtsbarkeit und mit zeitlicher Macht. Was auch immer die Bedeutung war, die dreistufige päpstliche Tiara wurde für die nächsten sechs Jahrhunderte verwendet.

Interessanterweise hatte Suleiman der Prächtige, der muslimische Sultan des Osmanischen Reiches im 16. vier-stufige Krone geschaffen, anscheinend um die dreistufige Krone zu übertreffen, die vom Bischof von Rom getragen wurde.

Päpstliche Diademe in ihren verschiedenen Formen wurden in päpstlichen Krönungszeremonien mindestens vom 12. Jahrhundert bis zum Ende des 20. Jahrhunderts verwendet.

Das Ende einer Tradition

Die lange Tradition der päpstlichen Tiara fand 1963 ein dramatisches Ende. Paul VI. stieg von diesem päpstlichen Thron im Petersdom herab, ging zum Altar und legte seine päpstliche Tiara auf den Altar. Er tat dies, um für das Papsttum einen Verzicht auf weltlichen Ruhm zu symbolisieren.

Die Tiara wurde an Katholiken in den USA verkauft, der Erlös ging an die Armen. Seine Tiara – die bisher letzte von einem Papst getragen wurde – ist jetzt in der Krypta der Basilika des Nationalheiligtums der Unbefleckten Empfängnis in Washington D.C. ausgestellt:

Obwohl Paul VI. seine päpstliche Tiara aufgegeben hatte, sah der Plan, den er für die Papstwahlen hinterließ, immer noch eine päpstliche Krönung vor. Aber als Johannes Paul I. gewählt wurde, beschloss er, auf die traditionelle päpstliche Krönungszeremonie zu verzichten und überhaupt keine päpstliche Tiara zu erhalten. Und als Johannes Paul II. einige Wochen später das Papsttum übernahm, folgte er dem Präzedenzfall von Johannes Paul I., ebenso wie Benedikt XVI. und Franziskus.

Trotzdem wird die päpstliche Tiara als reines Symbol in einigen Fällen immer noch verwendet.

Hier zum Beispiel das Wappen der Vatikanstadt:

Natürlich könnte ein Papst jederzeit beschließen, den Brauch wiederzubeleben und eine päpstliche Tiara zu tragen, obwohl dies vorerst unwahrscheinlich erscheint.

Einige Katholiken haben Paul VI. kritisiert, weil er die Praxis aufgegeben hatte, da es sich um ein so lange bestehendes Symbol handelte. Andere sagen, die päpstliche Tiara habe in unserer Zeit keinen Sinn mehr als Symbol gehabt, und Paul VI. hatte Recht, sie zurückzuziehen.

Hier sind einige Fotos von einigen Päpsten des 20. Jahrhunderts, die die päpstliche Tiara tragen:

Papst Bl. Paul VI.:

Papst Johannes XXIII.:

Papst ven. Pius XII.:

Papst Benedikt XV.:

Papst St. Pius X.:

Was denken Sie? Seid ihr froh, dass die Päpste die Tiara nicht mehr tragen? Oder sollte ein Papst es zurückbringen?

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Modeikone: Mary Tudor, Königin von Frankreich

Abb. 1 - Michiel Sittow (1468-1525). Mary Rose Tudor (1496-1533), 1514. Öl auf Eiche 28,7 x 21 cm. Wien: Kunsthistorisches Museum, Gemäldegalerie, 5612. Quelle: Kunsthistorisches

Abb. 2 - Künstler unbekannt (Französisch). Disours adressé au nom de l'Université de Paris à Marie d'Angleterre, reine de France, par maître « MAY DU BREUL », docteur en théologie., 1514. Pergament. Paris: Bibliothèque nationale de France, Français 5104. Quelle: BNF

M ary Tudor (1496-1533) war die Tochter von Heinrich VII., König von England, und Elizabeth von York, sie war die Schwester von Heinrich VIII., König von England. Im Jahr 1514, als sie 18 Jahre alt war, heiratete Maria Ludwig XII., König von Frankreich, der damals 52 Jahre alt war. Ein Porträt von 1514 (Abb. 1) zeigt Maria in einem reichen burgunderroten Kleid mit eckigem Ausschnitt, ihr weißer Hemdrand ist in Gold und Schwarz bestickt und sie trägt eine kunstvoll verzierte französische Kapuze. Mary war rothaarig und wurde für ihre Schönheit gefeiert. Erasmus schrieb über sie:

"Die Natur hat nie etwas Schöneres geformt, und sie übertrifft nicht weniger an Güte und Weisheit."

Für ihre Stellvertreterhochzeit mit Ludwig XII. trug sie „ein Kleid aus kariertem Purpur und Gold mit einem Kirtle aus silbergrauem Satin“ (Tudor Times).

Nachdem sie Königin geworden war, zeigt eine handschriftliche Widmung an Maria (Abb. 2) der Universität von Paris, die ihre Unterstützung suchte, sie in einem Kleid aus goldenem Stoff mit großen Hermelinmanschetten, wie sie vor einem Thron, der in denselben goldenen Stoff gehüllt war. Wie Maria Hayward in notiert Rich Apparel: Kleidung und das Gesetz im England von Heinrich VIII (2009) umfasste „‚cloth of gold‘ eine Vielzahl von mit Metallfäden gewebten Seidentextilien, die von Königen und Adeligen getragen wurden“ (89). Beachten Sie, dass der Saum ihres Kleides jetzt bodenlang ist und sich nicht mehr an den Füßen sammelt, wie es die Kleider im 15. Jahrhundert hatten.

Ihre Ehe mit Ludwig XII. sollte nur von kurzer Dauer sein, da der König drei Monate nach ihrer Hochzeit starb. Nach einer kurzen vorgeschriebenen Trauerzeit heiratete Mary gegen den Willen ihres Bruders Heinrich VIII. schnell Charles Brandon, den 1. Herzog von Suffolk. Ihr Hochzeitsporträt (Abb. 3) zeigt Maria in einem schwarzen, mit Perlen verzierten Samtkleid mit offenen Nähten an den Ärmeln, die das Hemd zwischen den Spangen sichtbar machen. Ihre französische Kapuze ist wieder äußerst reich mit Perlen, Edelsteinen und Stickereien verziert.

Ein undatiertes Porträt (Abb. 4) betont ihr rotes Haar und hat nun die Ärmel mit goldenen Punkten an ihrem Kleid befestigt. Ihr tiefer, eckiger Ausschnitt wird von einem goldbestickten Teilchen (oder möglicherweise intensiv besticktem Hemdchen) ausgefüllt. Auch ein verwandtes Bild von Maria Magdalena (Abb. 5) scheint Maria nachempfunden zu sein. Darin trägt sie ein Gewand aus goldenem Stoff, ähnlich dem in der illuminierten Handschrift, obwohl die Ärmel jetzt offene Nähte haben und juwelenbesetzte Broschen sie mit dem Mieder verbinden.

Mary Tudor hatte während ihrer zweiten Ehe vier Kinder, ihre älteste Tochter Frances wurde die Mutter der unglückseligen Lady Jane Grey, die 1553 neun Tage lang England regieren sollte. Obwohl Mary nur kurz Königin von Frankreich war, waren ihre Schönheit und ihr üppiges Kleid machte sie zu einer Modeikone der 1510er Jahre.


Top 10 der päpstlichen Insignien

Wir alle kennen die besonderen Insignien des Königshauses, aber die Insignien des Papsttums sind uns nicht so vertraut. Dies ist eine Liste der Top 10 der päpstlichen Insignien, von denen die meisten noch heute verwendet werden.

Der Mantum oder päpstliche Mantel unterscheidet sich wenig von einem gewöhnlichen Mantel, außer dass er etwas länger ist und vorne durch einen kunstvollen Morse befestigt wird. In früheren Jahrhunderten war es rot in der Farbe rot, damals eher die päpstliche Farbe als weiß. Im elften und zwölften Jahrhundert galt die immantatio oder Verleihung des Mantums an den neu gewählten Papst als besonders symbolisch für die Investitur mit päpstlicher Autorität: Investio te de papatu romano ut praesis urbi et orbi, &bdquoI bekleide dich mit dem römischen Papsttum, dass du über die Stadt und die Welt herrschst&rdquo waren die Worte, die bei der Krönung des Papstes verwendet wurden. Die Verwendung des Mantums durch die Päpste wurde unter Paul VI. nach den Reformen des Zweiten Vatikanischen Konzils eingestellt. Dies ist das erste der traditionellen päpstlichen Gewänder, das vom jetzigen Papst Benedikt XVI. Im Bild oben sehen wir Papst Benedikt XVI., der das Mantum trägt. [Wikipedia]

Ein Cappello Romano (wörtlich römischer Hut) oder Saturno (weil er an den Ringplaneten Saturn erinnert) ist ein Hut mit breiter, runder Krempe und abgerundetem Rand, der von katholischen Geistlichen getragen wird. Es besteht entweder aus Biberfell oder Filz und ist mit weißer Seide gefüttert. Im Gegensatz zu vielen anderen kirchlichen Kleidungsstücken dient es keinem zeremoniellen Zweck, sondern ist in erster Linie ein praktischer Gegenstand, der im Privatleben getragen wird. Der Papst trägt einen roten Cappello mit goldenen Kordeln. Kardinäle hatten früher auch das Privileg, einen roten Cappello zu tragen, aber diese Regel wurde von Paul VI. aufgehoben, und jetzt sind die Kardinäle & rsquo cappelli schwarz wie alle anderen Kleriker. [Wikipedia]

Im Bild oben sehen wir Papst Julius II. Dies ist eine weitere Tradition, die von Benedikt XVI. wiederhergestellt wurde. Päpstliche Camauros sind aus roter Wolle oder Samt mit weißem Hermelinbesatz und werden normalerweise im Winter anstelle der Zucchetto getragen, die wiederum an die Stelle der Biretta tritt, die von anderen Mitgliedern des Klerus getragen wird. Wie die Biretta (Priesterhut), die von niederen Geistlichen getragen wird, und das Mörtelbrett von Akademikern, leitet sich die Camauro von der akademischen Mütze (dem Pileus) ab, die ursprünglich getragen wurde, um tonsurierte Geistliche vor Kälte zu schützen. Es wird oft mit einem Schulter-Wintermantel (Mozzetta) getragen, manchmal auch pelzgefüttert. Die päpstliche Camauro wurde nach dem Tod von Papst Johannes XXIII. 1963 nicht mehr verwendet, aber im Dezember 2005 von Papst Benedikt XVI. wiederbelebt. [Wikipedia]

Die päpstlichen Pantoffeln sind ein historisches Gewand der römisch-katholischen Kirche, das traditionell vom Papst getragen wird. Sie sind eine Form von bischöflichen Sandalen, die von frühen Bischöfen getragen wurden. Rot als Symbol für das Blut der Märtyrer symbolisierten die Pantoffeln insgesamt die Unterwerfung des Papstes unter die höchste Autorität Jesu Christi. Papst Paul VI. stellte ihre Verwendung zugunsten der roten päpstlichen Outdoor-Schuhe ein. Papst Benedikt XVI. hat sich dafür entschieden, die roten päpstlichen Schuhe zu tragen, ähnlich denen von Paul VI. [Wikpedia]

Auf dem Foto oben sehen wir Papst Johannes XXIII. mit dem Fanon. Der Fanon besteht aus einem doppelten Schulterumhang (etwas wie eine Mozzetta) aus weißer Seide, die mit schmalen, eingewebten goldenen Streifen verziert ist, so dass die Farben Weiß und Gold abwechseln. Der Papst trägt es nur bei der Feier einer feierlichen Pontifikalmesse, das heißt nur, wenn alle päpstlichen Gewänder verwendet werden. Die Art, den Fanon anzuziehen, erinnert an die Methode, die im Mittelalter die universelle Freundschaft anzunehmen und noch von einigen der älteren religiösen Orden praktiziert wurde. [Wikipedia]

Das Pallium oder Pall (abgeleitet vom römischen pallium oder palla, einem Wollmantel) ist ein kirchliches Gewand in der römisch-katholischen Kirche, das ursprünglich dem Papst eigen war, aber seit vielen Jahrhunderten von ihm Metropoliten und Primaten als Symbol der Gerichtsbarkeit geschenkt wurde . Das moderne Pallium ist ein rund fünf Zentimeter breites Band, das um Hals, Brust und Schultern getragen wird. Es hat zwei Anhänger, einen hängenden vorn und einen hinten, die ungefähr fünf Zentimeter breit und zwölf Zentimeter lang sind und mit kleinen Bleistücken beschwert sind, die mit schwarzer Seide bedeckt sind. Der Rest des Palliums besteht aus weißer Wolle, die zum Teil von zwei Lämmern geliefert wird, die jährlich von den Lateran Canons Regular als Steuer präsentiert werden. [Wikipedia]

Die sedia gestatoria ist der tragbare Thron, auf dem einst Päpste getragen wurden. Es besteht aus einem reich verzierten, seidenbezogenen Sessel, der an einem Suppedaneum befestigt ist, an dessen beiden Seiten zwei vergoldete Ringe durch diese Ringe die langen Stangen führen, mit denen zwölf Lakaien (palafrenieri), in roten Uniformen, den Thron weitertragen ihre Schultern. Die Sedia gestatoria ist eine aufwendige Variante der Sänfte. Zwei große Fächer (Flabella) aus weißen Straußenfedern &mdasha Relikt des alten liturgischen Gebrauchs des Flabellum, erwähnt in den Constitutiones Apostolicae, VIII, 12&mdashare zu beiden Seiten der Sedia gestatoria getragen. Auf dem Bild oben sehen wir Papst Pius XII. auf dem Thron. [Wikipedia]

Oben sehen wir den heiligen Papst Sylvester I, der das traditionelle Papstkreuz trägt. Die Praxis, dass Päpste einen Krummstab (Hirtenstab) trugen, wurde nach und nach eingestellt und war zur Zeit des Papsttums Innozenz III. im 11. Jahrhundert verschwunden. Im Mittelalter trugen Päpste ein Kreuz mit drei Balken (ein Balken mehr als bei denen, die vor Erzbischöfen getragen wurden), genauso wie andere Bischöfe einen Bischofsstab trugen. Dieser wurde wiederum abgeschafft, aber Paul VI. führte den modernen päpstlichen Pastoralstab ein, der anstelle des Dreifachkreuzes eine moderne Darstellung des gekreuzigten Christus darstellt, dessen Arme an einer etwas nach Art eines östlichen Krummstabes gebogenen Querstange befestigt sind . [Wikipedia]

Der Ring des Fischers, auch bekannt als Piscatory Ring und Pescatorio (auf Italienisch), ist ein offizieller Teil der Insignien des Papstes, der von der katholischen Kirche (deren Oberhaupt er ist) als Nachfolger bezeichnet wird von Sankt Peter, der von Beruf Fischer war. Für jeden Papst wird ein neuer Ring in Gold gegossen. Um das Reliefbild herum befindet sich der lateinische Name des amtierenden Papstes in erhabener Schrift. Während der Zeremonie einer päpstlichen Krönung oder päpstlichen Inauguration streift der Dekan des Kardinalskollegiums den Ring am vierten Finger der rechten Hand des neuen Papstes. Bei einem päpstlichen Tod wird der Ring in Anwesenheit anderer Kardinäle vom Camerlengo zeremoniell zerkleinert, um die Versiegelung rückdatierter, gefälschter Dokumente während des Interregnums oder Sede vacante zu verhindern.

Die päpstliche Tiara (Triregnum) ist die dreistufige juwelenbesetzte Papstkrone, die angeblich byzantinischen und persischen Ursprungs ist und ein prominentes Symbol des Papsttums ist. Die Arme des Papstes tragen seit der Antike eine &ldquotiara&rdquo, insbesondere in Kombination mit den gekreuzten Schlüsseln des Heiligen Petrus. Obwohl sie derzeit nicht als Teil des päpstlichen Ornats getragen wird (obwohl immer noch zulässig), spiegelt sich die anhaltende Symbolik der päpstlichen Tiara in ihrer Verwendung auf der Flagge und den Wappen des Heiligen Stuhls und des Vatikans wider. Obwohl oft als bezeichnet das Päpstliche Tiara, historisch gesehen gab es viele, und zweiundzwanzig existieren noch. [Wikipedia]

Dieser Artikel ist unter der GFDL lizenziert. Es verwendet Material aus den oben zitierten Wikipedia-Artikeln.


Byzantinischer Hut getragen von Johannes VIII. - Geschichte

Aufgrund von Gesetzen, die es verbieten, was zu tragen, und den Materialkosten, gab es große Unterschiede in der Kleidung zwischen den Klassen. Nicht nur die Materialien variierten, sondern auch die Stile, denn die Unterschichten entschieden sich notgedrungen für die Zweckmäßigkeit ihrer Kleidung. Untere Schichten, wie Arbeiter und Lehrlinge, trugen Leinen, einen leichten, kühlen Stoff, der aus der Flachspflanze, Wolle oder Schaffell gewonnen wurde. Baumwolle wurde seit der Antike produziert, aber ihr Import und ihre Herstellung waren im elisabethanischen England verboten, um die Wollindustrie, einen der wichtigsten Exporte Englands, zu schützen. Erst durch den Baumwollanbau in der Neuen Welt und Eli Whitneys Entwicklung der Baumwollentkörnung im Jahr 1793 wurde Baumwolle zu einem bevorzugten Stoff (Baumwolle).
Ein Beispiel für bürgerliche Frauenkleidung, c. 1570

Zu den Stoffen, die den Oberschichten zur Verfügung standen, gehörten Seide, Satin, Samt und Brokat. Da dies vor der industriellen Revolution der Fall war, wurde die gesamte Ernte, das Weben und die Herstellung von Stoffen und Kleidung von Hand durchgeführt, was den Preis stark beeinflusste. Wie bei der Stoffauswahl waren die unteren Klassen in der Menge an Kleidung, die sie sich leisten konnten, begrenzt und verfügte möglicherweise nur über ein Kleidungsstück. Livreen, Uniformen, die die Diener mit den Farben oder Emblemen ihres Herrn trugen, wurden dem Diener vom Herrn zur Verfügung gestellt. Livreen waren von vielen der prunkvollen Beschränkungen ausgenommen, da sie den Meister der Oberschicht darstellten, nicht den Diener.

Während die Materialien und die Pracht der Kleidung zwischen den Klassen sehr unterschiedlich waren, waren die Grundelemente eines Outfits ziemlich gleich. Wie heute kamen Styles oft schnell in Mode und wieder aus der Mode.

Die Stile der von Frauen im England der Renaissance getragenen Kleider änderten sich von Jahr zu Jahr, aber die Grundstile blieben gleich. Frauen trugen Kleider, die aus einem eng anliegenden Mieder und einem volleren Rock bestanden, der bis zu den Knöcheln herunterhängte. Kleider, die so geschnitten waren, dass sie einen Großteil des Ausschnitts freilegten, waren akzeptabel und modisch. Die Kleidung der Oberschicht war schwer und unhandlich und schränkte die Bewegungsfreiheit des Trägers ein. Frauen der unteren Klassen trugen viel weniger restriktive Stile, sowohl aus Gründen der Bewegungsfreiheit als auch, weil sie keine Dienstboten hatten, die ihnen beim Anziehen halfen. Beim Ankleiden trugen Frauen der unteren Klasse ein viel lockereres Korsett oder gar keins und würden möglicherweise andere Unterzüge wie Bauchrollen (halbmondförmige Kissen, die um die Hüften getragen werden) oder Farthingales (Reifröcke, die verwendet wurden, um die Röcke zu halten) vermeiden ) für zusätzlichen Komfort.

Alle Damenoutfits begannen mit einem Etui (einem lockeren Leinenkittel, der zum Schutz des Kleides getragen wurde) und Strümpfen, die normalerweise kniehoch waren. Petticoats wurden hinzugefügt, um sowohl ein Kleid auszufüllen als auch den Träger warm zu halten.


Lady Jane Grey, c. 1545

Das Outfit eines Mannes würde mit einem Hemd beginnen, ähnlich dem heutigen Hemd, aber ohne den Kragen und die Manschetten, mit denen wir vertraut sind, sondern manchmal mit Spitzenkragen und -manschetten. Darüber würde ein Wams oder ein eng anliegendes Oberteil gehen und schließlich ein Wams, eine eng anliegende Jacke. Männer der Arbeiterklasse mögen ihre weiblichen Kollegen, die aus Nützlichkeitsgründen gekleidet sind und das Hemd vielleicht einfach alleine tragen.

Statt Hosen, wie wir sie heute gewohnt sind, trugen Männer Hosen an den Beinen. Der obere Schlauch war eine (oft puffige) knielange Hose, die am Unterschenkel vom unteren Schlauch oder den Strümpfen erfüllt wurde. In der Regierungszeit von Heinrich VIII. wurden die Dubletten kürzer, wodurch ein Zwischenraum zwischen dem oberen Schlauch und dem Dublett entstand. Um die Bescheidenheit zu bewahren, wurde das Kabeljaustück wieder populär, das es seit dem Mittelalter gibt. Das Kabeljaustück war ursprünglich eine Stoff- oder Tierhauttasche in Form einer Hose oder Hose, wurde aber jetzt aus verschiedenen Materialien hergestellt und oft gepolstert oder zur Aufbewahrung verwendet - Heinrich VIII. benutzte sein Kabeljau zum Aufbewahren von Geld. Wieder einmal wären diese Ergänzungen des Outfits bei einer Person oder Person der Oberschicht bei Hofe häufiger anzutreffen als bei einem durchschnittlichen Engländer (Kosir).


Henry Wriothesley, 3. Earl of Southhamptam

Kinder im England der Renaissance wurden einfach als kleine Erwachsene betrachtet, und ihre Kleidung spiegelte dies wider. Kinder trugen Kleidung, die ihren Eltern sehr ähnlich war, und sowohl Jungen als auch Mädchen trugen Kleider im Säuglings- und Kleinkindalter. Bei Jungen half dies der Mutter beim Toilettentraining und bei der Pflege. Als Jungen alt genug waren (normalerweise ungefähr im Alter von sieben Jahren, wenn sie anfangen konnten, ihren Vätern zu helfen), wurden sie "gebundelt" oder in ihre erste Reithose oder Hose gesteckt. Diese Praxis wurde in der westlichen Welt bis ins 19. Jahrhundert fortgesetzt, und Porträts von kleinen Kindern sind ohne verräterische Requisiten wie Schwerter oder Hüte oft schwer zu geschlechtsspezifisch.


Ein Beispiel für die Kleidung der Tochter, die die der Mutter widerspiegelt, c. 1580

Der Begriff Pracht bezieht sich auf die Pracht oder die Ausschweifungen der Kleidung. Prunkbeschränkungen waren für die englische Monarchie und das englische Volk nicht neu. Das erste Parlament Heinrichs VIII. trat im Januar 1510 zusammen und verabschiedete ein Prunkgesetz, das viel von früheren Gesetzen in den Jahren 1463 und 1483 übernahm. Die während der elisabethanischen Herrschaft erlassenen Gesetze bauen auf dem Gesetz ihres Vaters auf, haben aber viele Eigenschaften. Unter Heinrich waren Farben und Kleidung nach Klassen beschränkt, es erlaubte die Geldstrafe von Straftätern und befasste sich auch nicht nur mit Herrenbekleidung, sondern auch mit Damenbekleidung. Henry und sein Parlament änderten und verschärften diese Gesetze weiterhin, wobei sie sich auf die verhängten Strafen, weitere Beschränkungen von Stoffen und Stofflängen konzentrierten und dem König weiterhin erlaubten, Sondergenehmigungen für diejenigen zu erteilen, die er für richtig hielt (Hooper 433). Elizabeth legte bei der Thronbesteigung weiter fest, was getragen werden durfte und von wem. Sie gab zuerst Befehle, um sicherzustellen, dass die früheren Handlungen befolgt wurden. Eine Proklamation vom 21. Oktober 1559 legte die Verantwortung für die Durchsetzung dieser Gesetze in die Hände von Richtern und Machthabern. Dann wurde ein Brief an die City Corporation geschickt, in dem er auf die Verabschiedung dieser Proklamation drängte und vorschlug, zwei Wächter pro Gemeinde zu entsenden, um diese Aufgabe auszuführen (437). Später, wiederum als Reaktion auf das, was Elisabeth I. als "das Übermaß an Kleidung und den Überfluss unnötiger ausländischer Waren" bezeichnete, von denen angenommen wurde, dass sie ernsthafte Probleme für das Reich verursachen, wurden eine Reihe von Statuen in Kraft gesetzt, darunter die größte am 15. 1574 (Hooper 437). Die letzte Statue war die detaillierteste und spezifischste Liste von Stoffen, Farben und Designs und bestimmte ausdrücklich das Tragen dieser Statuen zu bestimmten Adligen.

Alle diese Beschränkungen, von Heinrich VIII. bis Elisabeth I., dienten verschiedenen Zwecken, sowohl offen als auch verdeckt. Der ausdrücklichste Zweck bestand darin, das Problem der aufstrebenden jungen Herren und Adligen anzugehen, die in dem Bemühen, ihr Bestes zu geben und die besten verfügbaren Materialien zu tragen, über ihre Mittel ausgeben würden. Dies war nicht nur ein Problem für ihre Familien, sondern auch für die Monarchie, da dieses Geld besser für Güter verwendet werden konnte, die für die Nation von besserem Nutzen waren. Es war auch in einer streng klassenbasierten und klassengetrennten Gesellschaft wie Tudor England von entscheidender Bedeutung, dass sich die Menschen nach den Standards ihrer eigenen Klasse und ihres Geschlechts kleideten. Ein Klassensystem funktioniert nicht effizient, wenn man nicht sagen kann, zu welcher Klasse eine Person gehört, und die Verwischung der Klassengrenzen nimmt den höheren Positionen einen Teil der Bedeutung. Diese klare Unterscheidung zwischen den Gruppen ist auch notwendig, um Aufstiegsversuche der aufstrebenden Mittelschicht der Kaufleute einzudämmen und die soziale Konformität und Etikette aufrechtzuerhalten, die Elizabeth stark befürwortete. Darüber hinaus bremsten diese Gesetze den Zustrom unnötiger ausländischer Güter, um den englischen Handel zu unterstützen (436).

Die Strafen für die Verletzung dieser Statuten waren Geldstrafen und/oder Gefängnisstrafen von bis zu drei Monaten für das Gesetz von 1562, das es jeder Person unter dem Rang eines Ritters verbot, Seidenbesatz an Hüten und anderen Kleinigkeiten zu tragen. Während der Regierungszeit von Henry sah das Gesetz zur Reformation des Exzesses in Apparayle von 1533 eine Geldstrafe von 3 Schilling und 4 Pence für jeden Tag des Vergehens (435). Das war keine astronomische Geldstrafe, aber man kann sich vorstellen, dass es ein Mitglied der Arbeiterklasse belasten würde. Diejenigen, die Bedienstete anstellten, die gegen die Beschränkungen verstoßen hatten, konnten ebenfalls mit einer hohen Geldstrafe belegt werden, wenn sie den Bediensteten nicht aus seiner Anstellung entlassen oder ihn erneut anstellten. Die gezahlten Strafen waren Geldstrafen, keine Gebühren, und Personen mit niedrigerem Status konnten die "Rechte" an einem bestimmten Gegenstand oder Material (Secara) nicht erwerben.

Im Jahr 1561 wurde die Stoffmenge für Schläuche eingeschränkt und Schneider verpflichtet, Bindungen einzugehen, um diese Bestimmungen einzuhalten. Verweigerung bedeutete Gefängnis und den Verlust der Beschäftigung. Regelmäßig wurden Durchsuchungen durchgeführt, um die Zusammenarbeit sicherzustellen, und auch Bediensteten und Lehrlingen wurde beigebracht, sich an das Gesetz zu halten (440). Am 24. Januar 1565 wurde Richard Walweyn, ein Diener, dessen Herr auch wegen eines "unerhörten großen Schlauches" angeklagt worden war, festgenommen, bis er sich einen passenden Schlauch besorgen konnte. In einem anderen Fall wurde der Kaufmannsschneider Thomas Bradshaw des Tragens inakzeptabler Strümpfe für schuldig befunden. Das Gericht ordnete an, dass alle Füllungen und Auskleidungen eines seiner besagten Schläuche sofort geschnitten und herausgezogen werden und er in sein Wams und seine Hose gesteckt und so durch die Straße nach Hause zu seinem Mrs. House geführt werden sollte, und dort Futter und Füllung der anderen ebenfalls zu schneiden und herauszuziehen (441)

Verstöße gegen höhere Ämter wurden schonender behandelt. In einem Fall wurden Straftäter, die als „Gentlemen“ bezeichnet wurden, mit einer Geldstrafe von 20 € belegt und aufgefordert, ihre Kleidung zu korrigieren. Selbst mit Strafen waren die Statuten schwer durchzusetzen. Es wurden Beamte bei Gericht ernannt, und Stadträte wurden beauftragt, ihre Mündel zu überwachen. Elisabeth I. legte die Verantwortung für die Durchsetzung der Beschränkungen auf alle Geistlichen für ihre Herde, Herren für ihre Diener, Nachbarn füreinander (Secara). Es war jedoch unwahrscheinlich, dass Nachbarn sich gegenseitig anzeigen, wenn sie die Statuen selbst verletzen wollten. 1566 erließ Elisabeth Vorschriften, die den Wachen vor den Toren der Stadt bis sieben Uhr morgens befiehlten:

Die Täter wurden zu den Richtern der Guildhall (443) gebracht.

Trotz der möglichen Geldbußen für Straftäter war die beste Durchsetzung die öffentliche Meinung. Öffentliche Verlegenheit war eine sehr wirksame Strafe. Etwas zu tragen, das nicht in die gesellschaftliche Sichtweise des Akzeptablen passte, konnte als Spott bezeichnet werden (Secara). Der Spott vor Gericht oder in der Stadt wegen eines Verstoßes oder eines unangemessenen Gegenstands wäre schädlicher und öffentlicher als eine Geldstrafe, wie im Fall des Schneiders Thomas Bradshaw, für den die Hauptstrafe in seinem zerrissenen Zustand durch London zu seinem Haus marschiert wurde. illegale Kleidung. Die Erwähnung seiner "Mrs." in the above account also implies that violators would also face censure at home.

The specific items restricted were detailed, and covered every aspect of the Elizabethan costume. Among the restrictions listed in Elizabeth I's 1574 statute were:

Purple silk and sable fur: Reserved strictly for the Queen, King, and their family members.

Velvet: The colors crimson and scarlet being reserved for only the highest nobility: dukes, marquises, and earls.

Tinseled cloth: Cloth that was woven with strands of gold and silver, that is, tinsel, was reserved for the nobility including viscounts and barons.

Gold, silver, or pearl embroidery: Reserved for dukes, marquises, earls (including the children of all three), viscounts, barons, and Knights of the Garter.

Lynx and civet cat fur: Restricted to the above ranks, and including the wives of men who can dispend 100 by the year.

Enameled buttons, chains, etc.: Restricted to the above nobility, and including wives of barons' sons, and wives of knights.

Silk, satin, and damask: Reserved for the above, and including knights' daughters.

The statues covered both men and women's clothing. These statues were specific to all ranks of the nobility, and dictated the allowances from the Queen down to knights. The only non-nobles permitted these types of materials and items were those who were in service to the Queen through diplomatic positions, the privy chamber, or other court office, or those men and women in service to nobles, who were permitted materials in their liveries.

There was not only concern in this period for men and women dressing above their status and means, but also, men and women testing gender boundaries by cross dressing. Just as sumptuary violations blurred class lines, so did Renaissance cross dressing blur gender lines. In a strictly gendered and homosocial environment, this was of great concern. The most public instance of cross dressing was in theatre. Women were not allowed onto the stage, and therefore young men and boys would play female roles, dressing completely for the part. This raised concerns about homoeroticism and feminization (Cressy 438). Instances of cross-dressing abound in Renaissance theatre, not only in males dressing for female roles, but female characters dressing as males. That is, a male actor would dress as a female character who in turn dresses as a male. A classic Shakespearean example is As You Like It, wherein the female charatcer Rosalind (played by a male actor) dresses as the male Ganymede.

Off-stage, women would cross-dress for a number of reasons, including to avoid rape, be able to travel alone, practice a profession, or simply to have adventures (Cressy 440). A notable example of female cross-dressing is Mary Firth, also known as Moll Cutpurse, awell-known character about London, who regularly dressed as a man, smoked, and appeared on stage (462). Thomas Middleton and Thomas Dekker's The Roaring Girl is based on Firth. She was forced to appear in court for her transgressions, although was treated lightly (462).

For the most part, off-stage cross dressing was viewed as a prank, or lark and punishments were often mild in the courts (461). Punishments, like for violating sumptuary statutes, were often focused on public embarrassment. One women in 1578 was required to ask her father's forgiveness before communion (460).

Above all, clothing violations, whether classed or gendered were enforced to keep conformity, preserve class distinctions, and with these, preserve social harmony as a gender- and class-segregated society. While the punishments were often light, the number of records of violations and the need of statutes implies the seriousness to which Tudor monarchs viewed the matter.

Cressy, David. "Gender Trouble and Cross-Dressing in Early Modern England." The Journal of British Studies, Vol. 35, No. 4 (Oct., 1996), pp. 438-465

Elizabeth I, "Statute Issued at Greenwich," 15 June 1574.

Hooper, Wilfrid. "The Tudor Sumptuary Laws," The English Historical Review. vol. 30, No. 119. July 1915.

Kosir, Beth Marie. "Modesty to Majesty: The Development of the Codpiece." Richard III Society, American Branch: http://www.r3.org/life/articles/codpiece.html

Leed, Drea. "History of the Elizabethan Corset." Elizabethan Costume Page: 2008: http://www.elizabethancostume.net/corsets/history.html

Leed, Drea. "Overview of an Elizabethan Outfit," Elizabethan Costume Page: 2008: http://www.elizabethancostume.net/overview.html

Secara, Maggie. "Elizabethan Sumptuary Statutes." Elizabethan.Org: http://elizabethan.org/sumptuary/index.html

Tudor and Elizabethan Potraits. Vast collection of images spanning from the reign of Henry VII to James I.

The Faces of Elizabeth I and Luminariium.org. Includes potraits of Elizabeth I, demonstrating the changing fashion of her reign.

Elizabethan Costume Page. Large list of links for anyone interested in Renaissance Costuming. Includes histories, images, tutorials, and other resources.


Glossary of Renaissance Fashion

Once again I shall make a glossary of clothing terms, this time from the Renaissance. Some of the terms I defined for Medieval clothing were also used during the Renaissance and I will most likely use some of those terms in current posts, so their definitions can be found here.

basquine — boned bodice made of whalebone and leather, gave the appearance of wider shoulders tapering to a tiny waist (women)

beret— thin, loose hats that usually tilted towards one side of the head

bombasting — stuffing for trunk hose, peascod-belly, and leg-of-mutton sleeves, composed of rags, flock, and other materials

bourrelet — wider version of the farthingale adapted in France, more cylindrical in shape rather than conical (women)

bum roll/bolster — roll of padding tied around the hip line to hold the skirt out from the body, less restrictive than the farthingale (women)

camicia — undershirt usually made of white linen (men)

canions — upper stocks worn from the doublet to the knee (men)

chopines — shoes that elevated the wearer, eventually developed into high heels

crescent cap — circular/heart-shaped cap worn towards the back of the head with a velvet veil covering the rest of the hair

codpiece — padded triangle of fabric worn laced to the front of the trunk hose over the groin (men)

copotain — high bell-shaped hat

duckbill shoes/scarpines/ox-mouth shoe — large, wide, square-toed shoes often decorated with jewels or slashes (men)

enseigne — disc-shaped hat ornament, usually extremely detailed with jewels/carvings (men)

farthingale — topmost petticoat, hooped to give shape to the skirt (women)

finestrella sleeves — sleeves where the outer fabric was slit horizontally and the sleeves of the undergarment were pulled through (women)

flat cap — flat hat with soft crown and moderately broad brim (men)

funnel sleeves — sleeves that were fitted at the upper arm and ballooned out, fitted tightly around wrist

Kennel or Gable Headdress

jerkin— short velvet or leather jacket, usually sleeveless (men)

kennel/gable headdress — pentagonal piece worn over the top of the head with veil/bag cap of dark velvet attached to the back and covering hair (women)

leg-of-mutton sleeves — puffed sleeves that extended the entire length of the arm

neck wisk — a falling ruff that was open at the front, resembling a collar

nether stocks — trunks worn under breeches, long enough so that the bottoms could be seen (men)

pantofles — wooden platforms attached to the sole of the shoe with pieces of fabric to protect them from rain, snow, and mud

peascod-belly doublet — doublet rounded at the abdomen to give the appearance of a filled-out belly (men)

points — resembled shoelaces, used to attach trunk hose to doublets or sleeves to doublets or bodices (lacing/trussing)

pokes — apron-like pockets tied to the doublet (men)

ruff — starched (often with different colors) and wired collar pleated into ruffles, could be made of lace or jeweled, usually had matching cuffs

shoe rose — decoration usually made of lace or jewels that was worn at the front of the shoe

slashing and puffing — slits cut in a garment with fabric from the undergarment pulled through to form puffs

stomacher — stiffened triangular piece worn at the front of the bodice, reaching from neckline to lower abdomen (women)

supportasse — frames of silk-colored wire pinned underneath the ruff to keep it in place

trunk hose/pumpkin hose — ballonish-looking breeches that extended from the end of the doublet to about mid-thigh (men)

Venetians— full breeches that reached the knee

verdingale/farthingale frill — stiff wheel of fabric, often pleated, worn between the bodice and the skirt (women)

wasp waist — deep V-shaped waistline that extended over the skirt

wings — rolled fabric worn vertically around each shoulder, between the sleeve and the bodice

wisk/Medici collar — fan-shaped pleated collar, stiffened with wire and open at the front

zipone — buttoned tunic that reached the knee worn over the doublet (men)

zornea — cape with wide sleeves, belted at the waist (men)


The history of Middle Eastern and Western dress

Modern knowledge of ancient Egyptian dress derives from the ample evidence to be seen in the wealth of wall and sarcophagus paintings, in sculpture, and in ceramics few actual garments have survived. Such illustrative material is depicted clearly and colourfully, but care must be taken in interpreting the designs too literally, partly because the art is frequently stylized but also because the artists were bound by tradition and their representation of dress often lagged far behind the actual changes of fashion.

The chief textile to have been preserved is linen, which has been found in graves from the Neolithic Period. The growing of flax, from which linen is made, dates from very early times the Egyptians believed that the gods were clothed in linen before they came to earth. Wool was more rarely employed, and sericulture, the raising of silkworms, had not yet extended as far west as Egypt.

The technique of using mordants, any of several chemicals used to bind dyes to cloth, was slow to come to Egypt, so most garments were white. Instead, colour was provided by jewelry, in which semiprecious stones were widely incorporated. Among the most common types, the characteristic deep, decorative collar, worn by both sexes, was introduced early. These brightly hued bands were made of embroidered and beaded materials and set around the neck and shoulders either on bare skin or on top of a white cape or gown. In some depictions the collar is clearly the major, if not the only, item of apparel worn.

During the most distant era, dress for both sexes was confined to loincloths, a vest or shirt, capes, and robes. Skins of various animals were utilized. These were sometimes simply raw hides, which have survived only rarely, but the Egyptians became skilled at curing the skins to become leather by the tawing method—that is, by the use of alum or salt. Tawing yields a white, stiff leather that may be dyed various colours. Later they adopted the tanning method, employing oak galls for the purpose. Leather was used widely in dress for footwear, belts, and straps.

During the 3,000 years of the ancient Egyptian culture, costume changed comparatively little and very slowly. It generally emphasized a draped style of dress, the garments consisting of pieces of material held in place around the body by knots tied in the fabric and by belts, sashes, and collars. Little sewing was needed, being confined generally to side seams and, in later years, to armholes. This draped type of dress conformed to that of other civilizations in the Mediterranean and Middle Eastern region, such as Greece, Rome, and Mesopotamia, but differed from the styles of Persia, northern India, and China, where people wore more fitted, sewn garments based upon coats, tunics, and trousers.

Over the years the style of these garments slowly evolved and became more complex a greater number were worn either in combination with or on top of one another. During the Old Kingdom (its capital at Memphis), which lasted until about 2130 bce , dress was simple. Men wore a short skirt tied at the waist or held there by a belt. As time passed, the skirt became pleated or gathered. Important people wore in addition a decorative coloured pendant hanging in front from the waist belt and a shoulder cape or corselet partly covering their bare torso. A sheathlike gown was typical of feminine attire. This encased the body from the ankles to just below the breasts and was held up by decorative shoulder straps. Woolen cloaks were worn for warmth by men and women.

Under the Middle Kingdom (its capital at Thebes), which prospered until about 1630 bce , the masculine skirt could be hip- or ankle-length. More material was now used, making the garment fuller, such fullness being concentrated in the centre front and the pendants became more elaborate and ornamental. A cape might be draped around the shoulders and knotted on the chest. Late in the period a double skirt was introduced alternatively, a triangular loincloth might be worn under a skirt.

The most elaborate dress for both sexes was to be seen under the New Kingdom from about 1539 bce until the Egyptians were conquered by the Assyrians (671 bce ), the Persians (525 bce ), Alexander the Great (332 bce ), and finally Rome (30 bce ). During these later years Egyptian dress was strongly influenced by that of the conquerors. New Kingdom dress was more complex than theretofore. The garments were of similar type but were composed of larger pieces of material draping became more complicated and ornamentation richer. A robe or gown was now worn by important persons of both sexes. It consisted of a piece of fabric measuring 5 by 4 feet (1.5 by 1.2 metres) that was draped and held in place by pins and a waist belt, creating wide, elbow-length sleeves. There were many ways of draping the material, but with most methods all the pleats and folds seemed to be gathered around a single point at the waist. The cape, decorative collar, skirt, and pendant girdle also continued to be worn. Foci of bright colour were provided by the deep collar and pendant apron. Embroidered and carved ornamental motifs included especially the lotus flower, the papyrus bundle, birds in flight, and many geometric forms. Sacred emblems such as the scarab beetle and the asp were worn by priests and royalty.

Children were dressed, as in most of the history of costume everywhere, as miniature versions of their parents, although they are often depicted wearing little at all—not surprising considering the climate of Egypt. Servants also were almost naked, as were labourers in the fields, who are depicted clad only in a loincloth.

Heavy wigs or a padding of false hair, worn by men and women alike, are known from an early period. They served not only as an adornment but also to protect the wearer’s head from the burning rays of the Sun, thus in a way acting as hats. Semicircular kerchiefs, tied by the corners at the nape of the neck under the hair, were sometimes worn to protect the wig on a dusty day. Wigs were dressed in many different ways, each characteristic of a given period generally speaking, the hair became longer and the arrangement of curls and braids—set with beeswax—more complicated as time went on.

The earliest records indicate that Egyptian men grew hair on their chins. They might frizz, dye, or use henna on this beard, and sometimes they plaited it with interwoven gold thread. Later, a metal false beard, or postiche, which was a sign of sovereignty, was worn by royalty. This was held in place by a ribbon tied over the head and attached to a gold chin strap, a fashion existing from about 3000 to 1580 bce .

Many people went barefoot, especially indoors, but people of rank are depicted outdoors in sandals made from palm leaves, papyrus, or leather.

Cosmetics were extensively applied by both sexes, and considerable knowledge of their use is available because of the Egyptian custom of burying comforts and luxuries with the dead. Examples of the cosmetics used and of the means of making, applying, and keeping them may be seen in museums, especially in Cairo and London. The Egyptians applied rouge to their cheeks, red ointment to their lips, and henna to their nails and feet, and ladies traced the veins on their temples and breasts with blue paint, tipping their nipples with gold. The chief focus of makeup was the eye, where a green eye shadow (made from powdered malachite) and a black or gray eyeliner was applied the latter substance, called kohl, was manufactured from, among other materials, powdered antimony, carbon, and oxide of copper.


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Victorian Children’s Fashion

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