Nachrichten

Hellenistische Bronzestatuette einer äthiopischen Jugend

Hellenistische Bronzestatuette einer äthiopischen Jugend


Skulpturengeschichte: hellenistischer, griechischer und römischer Stil

So wie sich die Meisterwerke der Maler mit jeder Generation verändern, wenn neue Stile und Techniken übernommen werden, so sind auch Veränderungen in der Entwicklung des skulpturalen Bildes und Designs offensichtlich, da bestimmte Epochen ihre Techniken und Stile für ihre Kreation verleihen. Die Statue Kourus, die im archaischen Stil des antiken Griechenlands (600 bis 480 v .

Die Statue von Laokoon und seinen beiden Söhnen wurde im Stil der hellenistischen Zeit geschaffen, wie man an der melodramatischen und heftigen Bewegung der Statue erkennt, einem Stil, der für diese besondere Epoche der Geschichte charakteristisch ist. In ähnlicher Weise ist die Statue, Augutus von Prima Porta, ein Beispiel für eine Statue, die während der Römerzeit geschaffen wurde, die aufgrund der Ikonographie, die mit der Statue als die Macht Roms verbunden ist, die von Augustus als Kaiser verkörpert wird, leicht identifiziert werden kann.

Es muss angemerkt werden, dass diese Kourus-Statuen im antiken Griechenland ziemlich verbreitet waren und normalerweise als Mittel zur Ehrung des Gottes Apollo oder als Denkmal für Sieger bestimmter Spiele verwendet wurden. Entsprechend der altgriechischen Tradition, nackt zu konkurrieren, werden solche Statuen immer nackt dargestellt, um die “Schönheit der nackten Form” zu zeigen, wie von den alten Griechen erwähnt.

Dies zeigt sich im Detail, das der Offenheit und Muskulatur des Stückes zugeschrieben wird, wobei große Details an den Kniescheiben und im Rippenbereich betont werden. Es wird gesagt, dass die Lacoome ursprünglich für das Haus eines wohlhabenden Römers, wahrscheinlich Nero selbst, geschaffen wurde, da sie in einem Gebiet in der Nähe der Domus Aurea gefunden wurde. Die Inspiration für die Statue kam von der Geschichte von Lacoome in der antiken griechischen Mythologie, der versuchte, die Trojaner vor der Gefahr des Trojanischen Pferdes zu warnen, aber anschließend zusammen mit seinen Söhnen von einer von Athena geschickten Schlange angegriffen wurde.

Im Gegensatz zum Kourus, der aus einem einzigen Stück Marmor oder einer Steinart hergestellt wurde, wurde der Laokoon aus 7 ineinandergreifenden Teilen hergestellt. Eine größere Liebe zum Detail und Realismus zeigt sich bei dieser Statue, bei der die Statue durch die Verwendung von weißem Marmor als Medium fast lebendig, sozusagen in der Zeit eingefroren erscheint, mit einer fast unheimlichen Genauigkeit in Bezug auf die Definition einer angemessenen menschlichen Muskulatur. Insbesondere die Augustus-Statue enthält verschiedene Hinweise auf die Göttlichkeit, wie sie in den verschiedenen Ikonographien zu sehen sind, wie zum Beispiel das Barfußlaufen mit Amor auf seinem rechten Bein (ein subtiler Hinweis auf seine Verbindung zur alten cäsarischen Blutlinie, die ihre Vorfahren der Göttin Venus selbst zuschreibt).

Wenn man die Statuen nebeneinander betrachtet, wird deutlich, dass jede ein Produkt der historischen Periode ist, in der sie hergestellt wurde, wobei die Ähnlichkeit aller drei maßstabsgetreu gebaut wurde.

Jede Statue hat ihren eigenen unverwechselbaren Stil, zum Beispiel feierten die hellenistischen und archaischen griechischen Skulpturen die Schönheit der menschlichen Form, während der ausgesprochen römische Stil der Skulptur des Augustus den Gebrauch von Realismus betonte, der dem hellenistischen Stil ähnelte, aber diesmal in Roben gekleidet war in der Kleidung und unter besonderer Berücksichtigung der Verwendung bestimmter Ikonographietypen. Es muss angemerkt werden, dass dem Kourus im Vergleich zu den beiden anderen Details fehlen, dies liegt daran, dass er eher eine allgemeine Darstellung der allgemeinen griechischen Jugend und Männlichkeit als einer bestimmten Person sein sollte.


Das Getty Museum im J. Paul Getty Trust

28. Juli und 1. November 2015

Getty Center

Sitzender Boxer, „The Terme Boxer“ (Detail), 300-200 v. Chr., Bronze und Kupfer. Museo Nazionale Romano—Palazzo Massimo alle Terme, Rom. Su concessione del Ministero dei beni e delle attivitàculturali e del turismo—Soprintendenza Speciale per il Colosseo, il Museo Nazionale Romano e l’area archeologica di Roma.

Porträt von Aule Meteli, „Der Arringatore“, 125-100 v. Chr., Bronze und Kupfer. Museo Archeologico Nazionale, Firenze (Soprintendenza per i Beni Archeologici della Toscana)

Herme von Dionysos, 200-100 v. Chr., Der Werkstatt von Boëthos von Kalchedon zugeschrieben, Bronze, Kupfer und Stein. Das J. Paul Getty Museum

Alexander der Große zu Pferd, 100-1 v. Chr., Bronze und Silber. Su concessione del Ministero dei Beni e delle Attività Culturali e del Turismo—Soprintendenza per i Beni Archeologici di Napoli. Foto Giorgio Albano

Pferdekopf, „Das Medici-Riccardi-Pferd“, um 350 v. Chr., Bronze und Gold. Museo Archeologico Nazionale, Firenze (Soprintendenza per i Beni Archeologici della Toscana). Foto: Antonio Quattrone

Porträt von Seuthes III, ca. 310-300 v. Chr., Bronze, Kupfer, Calcit, Alabaster und Glas. Nationales Institut für Archäologie mit Museum, BAS. Foto: Krasimir Georgiev

Porträt eines Mannes, 300-200 v. Chr., Bronze, Kupfer, Glas und Stein. Das Hellenische Ministerium für Kultur, Bildung und religiöse Angelegenheiten. Das Archäologische Museum von Kalymnos. Bild © Hellenisches Ministerium für Kultur und Sport/Fonds für archäologische Quittungen

Schlafender Eros, 300-100 v. Chr., Bronze (mit modernem Marmorsockel). Das Metropolitan Museum of Art, Rogers Fund, 1943 (43.11.4). Bild © Metropolitan Museum of Art / Scala, Firenze

Siegreicher Athlet, „The Getty Bronze“, 300-100 v. Chr., Bronze und Kupfer. Das J. Paul Getty Museum

Müder Herakles, 1-100 n. Chr., Bronze, Kupfer und Silber. Museo Archeologico Nazionale dell’Abruzzo Villa Frigerj. Su gentile concessione della Direzione Regionale per i Beni Culturali e Paesaggistici dell'Abruzzo: Soprintendenza per i Beni Archeologici dell'Abruzzo—Chieti

Sitzender Boxer, „The Terme Boxer“, 300–200 v. Chr., Bronze und Kupfer. Museo Nazionale Romano—Palazzo Massimo alle Terme, Rom. Su concessione del Ministero dei beni e delle attivitàculturali e del turismo—Soprintendenza Speciale per il Colosseo, il Museo Nazionale Romano e l’area archeologica di Roma. Foto © Vanni Archive / Art Resource, NY Galerieansicht, von links nach rechts: Siegreicher Athlet, 300-100 v. (Das J. Paul Getty Museum) Müder Herakles, 1-100 n. Chr. (Museo Archeologico Nazionale dell’Abruzzo Villa Frigerj) Sitzender Boxer, 300-200 v. (Museo Nazionale Romano – Palazzo Massimo alle Terme, Rom)

Kopf von Apollo, 50 v. Chr. - 50 n. Chr., Bronze. Die Provinz Salerno – Museumssektor. Fotoarchiv des Settore Musei und Biblioteche della Provincia di Salerno - Foto Gaetano Guida

Kopf eines Gottes oder Dichters, 100-1 v. Chr., Bronze. Das Museum der Schönen Künste, Houston. Museumskauf finanziert von Isabel B. und Wallace S. Wilson

Galerieansicht, von links nach rechts: Kopf eines Athleten, 200-1 v. (Kimbell Art Museum, Fort Worth, Texas) Athlet, 1-90 n. Chr. (Kunsthistorisches Museum Wien, Antikensammlung) Athlet, 100-1 v. (Republik Kroatien, Kulturministerium)

Porträt eines Dichters, „The Arundel Head“, 200-1 v. Chr., Bronze und Kupfer. Bild mit freundlicher Genehmigung und © des Kuratoriums des British Museum

Galerieansicht, von links nach rechts: Apollo, 120-100 v. (Musée du Louvre, Département des antiquités grecques, étrusques et romaines, Paris) Apollo, 100 v. Chr.-n. Chr. 79 (Soprintendenza Speciale per i Beni Archeologici di Pompei, Ercolano e Stabia) Torso einer Jugend, 200-100 v. (Georgisches Nationalmuseum, Vani Archäologisches Museum-Reservat)

Jugend, „The Idolino“, um 30 v. Chr., Bronze, Kupfer und Blei. Museo Archeologico Nazionale, Firenze (Soprintendenza per i Beni Archeologici della Toscana)

Sitzender Boxer, „The Terme Boxer“ (Detail), 300-200 v. Chr., Bronze und Kupfer. Museo Nazionale Romano – Palazzo Massimo alle Terme, Rom. Su concessione del Ministero dei beni e delle attivitàculturali e del turismo—Soprintendenza Speciale per il Colosseo, il Museo Nazionale Romano e l’area archeologica di Roma.

Porträt von Aule Meteli, „Der Arringatore“, 125-100 v. Chr., Bronze und Kupfer. Museo Archeologico Nazionale, Firenze (Soprintendenza per i Beni Archeologici della Toscana)

Herme von Dionysos, 200-100 v. Chr., Der Werkstatt von Boëthos von Kalchedon zugeschrieben, Bronze, Kupfer und Stein. Das J. Paul Getty Museum

Alexander der Große zu Pferd, 100-1 v. Chr., Bronze und Silber. Su concessione del Ministero dei Beni e delle Attività Culturali e del Turismo—Soprintendenza per i Beni Archeologici di Napoli. Foto Giorgio Albano

Pferdekopf, „Das Medici-Riccardi-Pferd“, um 350 v. Chr., Bronze und Gold. Museo Archeologico Nazionale, Firenze (Soprintendenza per i Beni Archeologici della Toscana). Foto: Antonio Quattrone

Porträt von Seuthes III, ca. 310-300 v. Chr., Bronze, Kupfer, Calcit, Alabaster und Glas. Nationales Institut für Archäologie mit Museum, BAS. Foto: Krasimir Georgiev

Porträt eines Mannes, 300-200 v. Chr., Bronze, Kupfer, Glas und Stein. Das Hellenische Ministerium für Kultur, Bildung und religiöse Angelegenheiten. Das Archäologische Museum von Kalymnos. Bild © Hellenisches Ministerium für Kultur und Sport/Fonds für archäologische Quittungen

Schlafender Eros, 300-100 v. Chr., Bronze (mit modernem Marmorsockel). Das Metropolitan Museum of Art, Rogers Fund, 1943 (43.11.4). Bild © Metropolitan Museum of Art / Scala, Firenze

Siegreicher Athlet, „The Getty Bronze“, 300-100 v. Chr., Bronze und Kupfer. Das J. Paul Getty Museum

Müder Herakles, 1-100 n. Chr., Bronze, Kupfer und Silber. Museo Archeologico Nazionale dell’Abruzzo Villa Frigerj. Su gentile concessione della Direzione Regionale per i Beni Culturali e Paesaggistici dell'Abruzzo: Soprintendenza per i Beni Archeologici dell'Abruzzo—Chieti

Sitzender Boxer, „The Terme Boxer“, 300–200 v. Chr., Bronze und Kupfer. Museo Nazionale Romano – Palazzo Massimo alle Terme, Rom. Su concessione del Ministero dei beni e delle attivitàculturali e del turismo—Soprintendenza Speciale per il Colosseo, il Museo Nazionale Romano e l’area archeologica di Roma. Foto © Vanni Archive / Art Resource, NY Galerieansicht, von links nach rechts: Siegreicher Athlet, 300-100 v. (Das J. Paul Getty Museum) Müder Herakles, 1-100 n. Chr. (Museo Archeologico Nazionale dell’Abruzzo Villa Frigerj) Sitzender Boxer, 300-200 v. (Museo Nazionale Romano – Palazzo Massimo alle Terme, Rom)

Kopf von Apollo, 50 v. Chr. - 50 n. Chr., Bronze. Die Provinz Salerno – Museumssektor. Fotoarchiv des Settore Musei und Biblioteche della Provincia di Salerno - Foto Gaetano Guida

Kopf eines Gottes oder Dichters, 100-1 v. Chr., Bronze. Das Museum der Schönen Künste, Houston. Museumskauf finanziert von Isabel B. und Wallace S. Wilson

Galerieansicht, von links nach rechts: Kopf eines Athleten, 200-1 v. (Kimbell Art Museum, Fort Worth, Texas) Athlet, 1-90 n. Chr. (Kunsthistorisches Museum Wien, Antikensammlung) Athlet, 100-1 v. (Republik Kroatien, Kulturministerium)

Porträt eines Dichters, „The Arundel Head“, 200-1 v. Chr., Bronze und Kupfer. Bild mit freundlicher Genehmigung und © des Kuratoriums des British Museum

Galerieansicht, von links nach rechts: Apollo, 120-100 v. (Musée du Louvre, Département des antiquités grecques, étrusques et romaines, Paris) Apollo, 100 v. Chr.-n. Chr. 79 (Soprintendenza Speciale per i Beni Archeologici di Pompei, Ercolano e Stabia) Torso einer Jugend, 200-100 v. (Georgisches Nationalmuseum, Vani Archäologisches Museum-Reservat)

Jugend, „The Idolino“, um 30 v. Chr., Bronze, Kupfer und Blei. Museo Archeologico Nazionale, Firenze (Soprintendenza per i Beni Archeologici della Toscana)


„Macht und Pathos“: Hellenistische Bronzen als Realismus im Fleisch

WASHINGTON – Im letzten Jahr hat die hellenistische Skulptur des antiken Griechenlands einen großen Aufschwung an Status und Sichtbarkeit erhalten. Das Instrument der Veränderung ist „Macht und Pathos: Bronzeskulptur der hellenistischen Welt“, eine betörende Landmark-Ausstellung mit mehr als 40 lebensgroßen Bronzefiguren und -köpfen. Nach Stationen im Palazzo Strozzi in Florenz und im J. Paul Getty Museum in Los Angeles feiert es hier seinen Abschiedsauftritt in der National Gallery of Art.

Da sie wegen ihres Metalls so oft eingeschmolzen wurden, haben Bronzeskulpturen eine sehr geringe Überlebensrate. Von den Tausenden von Bronzen, die während der hellenistischen Zeit hergestellt wurden, sind nicht mehr als etwa 200 bekannt. Es ist selten, dass diese Ausstellung so viele hochwertige Beispiele vereint. Viele wurden noch nie in den Vereinigten Staaten ausgestellt, einige sind erst kürzlich entdeckt worden.

Bild

Die Ausstellung soll die Ansicht revidieren, dass die Skulptur der hellenistischen Zeit einen Rückgang gegenüber den idealisierten griechischen Götter-, Helden- und Sportlerskulpturen aus der Klassik (5. und 4. Jahrhundert v. Chr.) darstellt. Dies ist die Ansicht, die ich aus Kunstgeschichte-Kursen an Colleges kenne, wo das protobarocke Laokoon mit seinen sich windenden Figuren, angstvollen Mienen und mörderischen Schlangen als Zeichen der Dekadenz zitiert wurde.

Das hellenistische Zeitalter unterschied sich stark von der Klassik. Sie wurde vor allem von Alexander dem Großen geprägt, dessen Eroberungen die geographische Konzentration der Klassik, die sich auf Athen konzentriert hatte, erschütterten. Bei seinem Tod 323 v. in Babylon hinterließ Alexander das größte Reich, das die Welt je gesehen hatte, und verbreitete die griechische Kultur über den halben Globus. Diese Ausstellung umfasst Werke, die im Jemen, Ostgeorgien und im Meer vor Tunesien ausgegraben wurden. Das Todesjahr Alexanders gilt als Beginn des hellenistischen Zeitalters. Sein Abschluss wird normalerweise auf 31 v. Chr. gesetzt, als Octavian Mark Antony und Cleopatra bei Actium besiegte, oder im nächsten Jahr, als die Römer Ägypten eroberten.

Diese Ausstellung erinnert uns daran, dass die hellenistische Skulptur aus der Klassik hervorgegangen ist und ihre langjährige Besessenheit mit dem menschlichen Gesicht und der Form wieder gut gemacht hat. Aber sie tat dies in erster Linie, indem sie die klassische Idealisierung mit einem nie dagewesenen Realismus moderierte, und vor allem, indem sie herausfand, wie das Äußere von Skulpturen und Köpfen ein Gefühl von gelebter Erfahrung, also Pathos, vermitteln kann. Im Gegensatz zur Stilisierung der klassischen Skulpturen – sowie der ägyptischen Kunst – legten hellenistische Bildhauer Grundlagen der Porträtmalerei, die bis heute relevant sind.

Bronze, die detaillierter bearbeitet werden konnte als Marmor, war das bevorzugte Material für hellenistische Innovationen. Wie der Katalog der Ausstellung hervorhebt, hat das Medium auch ein anderes, tieferes Engagement geschaffen. Wir empfinden die Hohlheit lebensgroßer Bronzeskulpturen ähnlich wie unseren eigenen Körper und begreifen ihr dünnes Metall als eine Art Haut. Bronzefiguren konnten so hergestellt werden, dass sie die Leichtigkeit tatsächlicher Körper und Bewegungen auf eine Weise andeuten, die stiller, massiver Marmor nicht könnte.

Ein weiterer Faktor, der die hellenistische Skulptur in Richtung Porträtmalerei zog, war die Notwendigkeit, Herrscher darzustellen, eine Konvention, die von Alexander, der sich überall hin mit Denkmälern errichtete, verschärft, wenn nicht sogar angestiftet wurde. Seinem Hofbildhauer Lysippos wird eine Darstellung des Kaisers als stark, geschmeidig und glattrasiert mit fließenden Locken zugeschrieben. Keine seiner Statuen hat überlebt, aber sie wurden weithin kopiert und setzten für die kommenden Jahrhunderte den Standard für Porträts großer Männer. Ein von Lysippos signierter Kalksteinsockel für Skulpturen befindet sich in der ersten Galerie der Ausstellung. In der zweiten Galerie begrüßt Sie eine halbgroße Kopie seiner Darstellung des charismatischen Alexander auf einem sich aufbäumenden Pferd.

Es ist das Aufkommen des Realismus, das diese Show so atemberaubend macht. Vieles von dem, was wir hier sehen, war zuvor nicht in Skulptur dargestellt worden. Das gilt für das fein gewebte Band unter der Krempe eines baskenartigen Hutes auf einem Porträtkopf eines Mannes ebenso wie für die gefurchte Stirn, die geöffneten Lippen, die eingeschnittenen Augenbrauen und der lockige Bart, die zu seinem Ausdruck ängstlicher Konzentration beitragen. Dies gilt auch für den „Schlafenden Eros“, der Eros radikal als dösendes Kleinkind statt als umherziehender Jüngling vorstellte und die Bühne für die kommenden Schwadronen von geflügelten Putten und Amoretten der Renaissance bereitete.

Der entschlossene Realismus hellenistischer Skulpturen wird in der dritten Galerie durch eine überlebensgroße Porträtstatue von Aule Meteli, einer etruskischen Diplomatin und Heerführerin mit weltmüdigem Gesicht, wirklich untermauert. Sein Arm ist im „Freunde, Römer, Landsmann“-Modus eines erfahrenen Redners erhoben.

Er wird von den ebenso würdevollen, detaillierten Köpfen zweier anderer Anführer flankiert und von einer atemberaubenden kleinen Statuette eines Handwerkers beaufsichtigt, obwohl argumentiert wurde, dass er ein Gott sein könnte. Wer auch immer er ist, er hat ein Bein und einen Arm verloren und die Position seiner abgeschnittenen Schulter deutet darauf hin, dass er eine Krücke hatte. Das exquisite Buch in seinem geknüpften Gürtel lässt vermuten, dass seine Arbeit nicht manuell war, aber was uns wirklich hält, ist sein Ausdruck. Alt und kahlköpfig neigt er den Kopf nach unten und nach links und starrt angestrengt in die Ferne, mürrisch dreinschauend.

Ein ähnlicher Blick liegt auf dem Gesicht einer Porträtstatue eines Jungen in der nächsten Galerie, der sich so fest in seinen Mantel hüllt, dass er sich abwehrend nach hinten zu neigen scheint. Es wird vermutet, dass er als Grabdenkmal geschaffen wurde.

Die Show war an jeder Station etwas anders, wichtige Stücke kamen und gingen. In der Washington-Version fehlt die herzzerreißende „Statue eines sitzenden Boxers“, auch bekannt als Terme Boxer, die zum Papstjubiläum unerwartet nach Rom zurückgerufen wurde. Die 1885 in Rom ausgegrabene frühhellenistische Bronze in Lebensgröße (drittes Jahrhundert v. Die Verschmelzung physischer und psychischer Realitäten ist so tiefgreifend, dass sie bis heute schockieren kann.

Jens M. Daehner und Kenneth Lapatin, die Antiquitätenkuratoren des Getty und die Organisatoren der Ausstellung, haben einen bedeutenden, wenn nicht sogar gleichwertigen Ersatz gefunden. Dazu gehören ein lebensgroßer Laufjunge, der im mittleren Schritt gezeigt wird, und eine etwas überlebensgroße Figur von Minerva, die besonders für die Anzeichen von Wind, der sich aufbläst und ihre Kleidungsstücke platt drückt, hervorsticht. Die Stilisierung der Minerva-Figur erinnert an die des amerikanischen Bildhauers Paul Manship des 20.

Hinzu kommt der „Tanzende Faun“ (Pan), eine leichtfüßige Figur mit erhobenen Armen, gelocktem Schwanz, Hörnern, üppigem Haar und einer Krone aus übergroßen Eicheln. Die Beschreibung des Labels, dass er mit den Fingern schnippt, verleiht der zarten Position seiner Hände eine aufregende Klarheit. Wie der Boxer ist der Faun erstaunlich, weil er vollständig intakt ist. Im Gegensatz zum Boxer kann es Gedanken an den Ruf der hellenistischen Skulptur für beeindruckende Darstellungen übertriebener Fähigkeiten wie den „Laokoon“ wiederbeleben.

Die Terme Boxer macht verblüffend deutlich, wie wenig realistische Skulptur seit dieser tiefen, ganzheitlichen Wahrheitsebene erreicht hat.Die Erkenntnis aus dieser Show, auch ohne den Boxer, ist, dass hellenistische Künstler den realistischen Bildhauern der Zukunft nicht viel zu tun ließen und dass praktisch niemand nach ihnen die Fähigkeit von Bronze, Haut zu beschwören – und die darin enthaltenen emotionalen Zustände – nutzte. um eine bessere Wirkung zu erzielen. Alles in allem ist dies eine der besten Skulpturenausstellungen, die Sie jemals sehen werden.


Hellenistische Vielfalt

Die hellenistische Ära ist durch die Ausbreitung des griechischen Einflusses nach dem Tod Alexanders des Großen gekennzeichnet. Künstler gingen über Idealbilder hinaus und repräsentierten stattdessen eine größere Bandbreite an Themen. Es gibt jedoch keinen Stil, der die Arbeiten aus dieser Zeit vereint. Beschreiben Sie, wie die hellenistische Kunst als individualistischer und vielfältiger angesehen werden kann als die klassische griechische Kunst?

Während die klassische griechische Kunst einen großen Zustrom von Kontrapost- und „Silver Ratio“-Designs hatte, hat sich die hellenistische Ära fast vollständig von diesen Konzepten entfernt (obwohl sie darauf aufbauten). Es gibt nichts, was diese Ära der Kunst miteinander verbindet – wir sehen Götter und Göttinnen ebenso wie den Menschen, und keiner von ihnen hat eine echte Verbindung durch sie alle. Die beiden großen männlichen Skulpturen, die wir in der hellenistischen Zeit sehen, sind Pergamon und Der Laokoon – beide leiden unter Schmerzen. Pergamon, dem sterbenden gallischen Trompeter, fehlt jedoch der „ideale Körper“, der in früheren Werken der Klassik zu sehen war. Die Skulptur von Laocoon and His Sons hat idealisierte Körper, befindet sich jedoch in der einzigartigen Pose, von einer einzigen, sehr großen Schlange erwürgt zu werden.

Es gibt die Statue des schlafenden Eros, die die einzigartigste aus dieser Zeit ist –, die den pummeligen kleinen Gott in einer schlafenden Position darstellt. Nike von Samothrake und Aphrodite von Melos ähneln sich in der Wirkung, dass sie sich in einer Art Kontrapost befinden, aber mit ihren linken Beinen statt ihrem rechten. Bei all diesen einzigartigen Aspekten macht es also viel Sinn, dass die hellenistische Kunst als individualistischer angesehen wird als die klassische griechische Kunst.

Lucas – Ich stimme zu, dass wir eine Vielfalt in den ausgewählten Personen sehen, die dargestellt werden sollen, und dass es eine Vielfalt in ihrem Aussehen gibt. Der schlafende Amor ist ein großartiges Beispiel dafür, er unterscheidet sich stark von der Kunst, die wir aus der Klassik kennen. Vielen Dank für diesen Beitrag!

Wow, Lucas, ich könnte dir nicht mehr zustimmen. Ich denke, die Kunst hat sich in der hellenistischen Zeit weiterbewegt. Die Kunst wurde auf den Grundlagen und Techniken der griechischen Klassik aufgebaut. Die hellenistische Zeit hätte ohne die klassischen Künstler nicht existiert, die die Basis geschaffen hätten.

Die hellenistische Kunst ist im Vergleich zur klassischen griechischen Zeit sicherlich breiter in der Thematik, die sie abdeckt. Wir beschäftigen uns immer noch mit dem Studium des menschlichen Körpers, aber das Studiengebiet umfasst Einzelpersonen, Babys und eine ältere Frau. Die dargestellten Charaktere haben charakteristische Eigenschaften, die für ihre individuellen Körper einzigartig sind. Das Baby, Cherub, Sleeping Eros zeigt sich mit einer runden und glatten Haut wie die eines Babys. Seine Miene dupliziert die eines schlafenden Kindes. Das Unterrichtsmaterial besagt, dass es von einem griechischen Bildhauer geschaffen und in vielen Variationen reproduziert wurde. „So viele Variationen, dass wir glauben, dass es eines der beliebtesten Motive in der Antike war.“ Es wird auch erwähnt, dass am Ende der hellenistischen Zeit die griechische Zivilisation von den Römern erobert wurde. Es beschreibt, wie griechische Bildhauer eingesetzt wurden, um Kunst für die Römer zu produzieren. Dies hätte sicherlich die hellenistische Kunstform über das Mittelmeer hinweg diversifiziert. Künstler mögen in hellenistischer Form und Struktur basierten, aber die Kunstform wurde durch die Verwendung verschiedener künstlerischer Materialien, künstlerischer Interpretationen und Kulturen modifiziert. Es gibt kein zentrales Thema mehr, das nur auf Religion und Göttern basiert. Es gibt ein neues Ideal, das auf der menschlichen Form basiert.

Bob – Sie machen einen hervorragenden Punkt über die Einflüsse der Römer, die vor der hellenistischen Zeit die Macht übernahmen. Ich stimme Ihnen vollkommen zu, dass es eine große Vielfalt der verschiedenen Menschen gibt, die für die Darstellung in der Kunst ausgewählt wurden. Scheint, als würde sich die hellenistische Zeit mehr auf die Vielfalt der Schönheit konzentrieren, die durch Emotionen eingefangen werden kann.

Bob, ich dachte, du hättest viele wirklich tolle Beispiele. Vielleicht gehen Sie näher auf die Unterschiede der beiden Epochen ein. Ich glaube, Sie haben hauptsächlich über die hellenistische Kunst gesprochen und die beiden nicht wirklich verglichen. Insgesamt glaube ich jedoch, dass Sie einen großartigen Beitrag hatten und Beispiele erhalten.

Ich habe das Gefühl, dass wir in der altgriechischen Kunst insgesamt eine viel detailliertere Aufmerksamkeit für den menschlichen Körper in seinem natürlichen Zustand sehen. Aber noch mehr während der hellenistischen Ära. Während es in der klassischen Ära so aussieht, als ob der menschliche Körper und die Schönheit mehr verallgemeinert wurden und der Status des Individuums stärker in den Mittelpunkt gestellt wird, was zu Schönheit führt, konzentriert sich die hellenistische Ära mehr darauf, dass das Individuum Schönheit in seinem eigenen Sinne hat. Betrachten wir zum Beispiel die APHRODITE VON KNIDOS der PRAXITELES oder die GRABSTELE VON HEGESO, sehen diese beiden Frauendarstellungen sehr ähnlich aus, obwohl eine Göttin und eine ein Mensch ist. Die Darstellungen scheinen die Bedeutung der Darstellung in den Mittelpunkt zu stellen. Während wir in der hellenistischen Ära den Gallier einen Barbaren und einen Vater mit seinen beiden Söhnen sehen, die von den Göttern abgeschlachtet werden, scheinen diese keine bedeutenden oder wichtigen Personen zu sein, aber es gibt viele Details in den Darstellungen ihrer individuellen Schönheit .

Ich würde sogar sagen, dass wir in der hellenistischen Ära mehr Vielfalt in der Pose des menschlichen Körpers sehen, als ob er in kurzen Momenten festgehalten würde. Die klassische Ära scheint bescheidener zu sein, indem sie den menschlichen Körper in Denk- und Betrachtungsposen platziert, während die hellenistische Ära Emotionen in der Pose einfängt. In diesem Sinne würde ich sagen, dass die hellenistische Ära mehr Wert auf Individualismus legt.

Re: Miranda
Ich stimme völlig mit Ihnen. Sie machen einige großartige Punkte über den Individualismus der Kunst der Ära. Sie beginnen, die klassischen Weiterentwicklungen der menschlichen Form voranzutreiben und wechseln von Statuen im Kontrapost zu aufwendigeren Posen. Es ist faszinierend zu sehen, wie es sich entwickelt!

Mir gefällt, was Sie über die Darstellung des Körpers des Individuums in seinem natürlichen Zustand gesagt haben. Sogar Personen, die in der Gesellschaft wahrscheinlich nicht als „wichtig“ angesehen worden wären, wurden gefeiert und wunderschön dargestellt. Und Sie haben so Recht, wenn es darum geht, Momente festzuhalten, anstatt Kontemplation einzufangen! Viele der Skulpturen sind mitten im Umzug. Es ist eine Momentaufnahme eines Moments, der fast nicht nachgebildet werden könnte! Ich finde diese Art von Perspektive so interessant und sogar tiefgreifend.

Die Kunst dieser Zeit konzentriert sich weniger auf Götter und Göttinnen als auf einzelne Menschen. Werke wie The Old Woman stellen keine idealisierte Version einer Person dar, sondern konzentrieren sich auf die Härte des Alterns und den Tribut, den ein langes Leben von einer Person fordert. Diese Frau könnte eine Anhängerin von Dionysos gewesen sein, und das Feiern zeigt in ihrem Alter. Schlafender Eros zeigt Eros (Gott der Liebe) im Schlaf, der sich von Bildern starker, unschlagbarer Götter abwendet und hin zu menschlicheren Bildern.
Diese thematische Bandbreite der hellenistischen Kunst verleiht der Epoche ihre Vielfalt und Individualität. Wie der menschliche Körper in der klassischen Kunst geformt wurde
war weiter entwickelt als vergangene Epochen, aber die hellenistische Kunst hat den Stil weiterentwickelt und wurde freier, wie seither in The Old Woman und Sleeping Eros. Die Körperbewegung ist natürlicher, freier und kreativer.

Laura-
Ich finde es cool, dass du gesagt hast, dass die Alte Frau eine Anhängerin von Dionysos gewesen sein könnte. Ich denke, das zeigt, was die Kunst dieser Zeit so großartig macht. Die Individualität der Skulpturen regt den Betrachter wirklich zum Nachdenken an.

Eines der großartigen Dinge an der Kunst ist, dass sie dem Betrachter Raum für Interpretationen lässt, und ich denke, das ist genau das, was die Old Woman-Statue tut. Es könnte die Großmutter des Künstlers sein oder wie zuvor erwähnt wurde, könnte es ein “junger”-Anhänger von Dionysos gewesen sein, der ein wenig zu viel in den Lebensstil aufgenommen hat. In jedem Fall ist es ein wunderschönes Kunstwerk, über das man in den kommenden Jahren geschätzt und über das man spricht.

Ich war schon immer neugierig, warum Eros ein Cherub ist. Liegt es daran, dass Babys verkörperter und leidenschaftlicher sind? Eros und Amor kommen mir beide fremd vor! Aber ich stimme zu, dass sie interessanter und anders sind als die übliche einheitliche griechische Kost.

Ich mag deine Erklärung Laura. Ich denke auch, dass vielleicht eine Verschiebung von der anfänglichen Ästhetik zu einer tieferen Schönheit, die durch Emotionen, Gefühle und Handlung abgerundet wird, zum Reichtum und zur Individualität der hellenistischen Zeit beiträgt.

Vor der hellenistischen Zeit konzentrierten sich die Griechen wirklich nur darauf, Skulpturen idealisierter Körper in ihrer Blütezeit zu schaffen, und viele von ihnen sahen gleich aus. Während der hellenistischen Zeit begannen die Menschen jedoch, sich zu verzweigen und Skulpturen einzigartigerer Menschen zu schaffen. Die alte Frau ist eine Darstellung einer Person, die ihre Blütezeit hinter sich hat, was vor dieser Zeit nicht wirklich gemacht wurde. Perfekte Proportionen waren weniger wichtig, und die Dinge, die den Menschen einzigartig machten, wurden zelebriert. Dies führte zu einer wirklich unglaublichen Kunst, die Individualität feierte.

Ich denke, hellenistische Kunst kann als individualistischer und vielfältiger angesehen werden als die klassische griechische Kunst, da sie über den perfekt geformten jungen Mann hinausgeht und vielfältigere Dinge zeigt, d.h. sie zeigt eine alte Frau, Kinder und keine perfekten männlichen Formen. Dieser Zeitraum umfasste auch einige übliche Wohnszenen mit Familien, die Künstler beauftragten, ihre Haushalte zu formen. Auch in der hellenistischen Kunst gibt es viele Beispiele der Götter Aphrodite und Dionysos sowie einen Schwerpunkt auf Architektur und Malerei. Bei der Recherche zu dieser Zeit las ich darüber, dass die Architektur in dieser Zeit oft einfache Häuser ohne Fenster hatte, damit sie die Privatsphäre in den Häusern wahren konnten. Das erscheint mir sehr ironisch, dass ein Zuhause kein Fenster haben kann, so dass alle häuslichen Aktivitäten privat sind und dennoch alle Kunst große Nacktheit zeigt und private Körperteile veranschaulicht, die die meisten Menschen als „privat“ betrachten würden.

Hallo Valene,
Ich denke, Sie haben absolut Recht, dass die hellenistische Kunst vielfältiger und individualistischer ist als die klassische griechische Kunst. Obwohl wir einige „perfekte“ Bilder sehen, kommen viele verschiedene Dinge in der alten Frauenskulptur sowie den Kindern und anderen männlichen Statuen vor, die Sie erwähnt haben. Ich stimme Ihrem Punkt in Bezug auf die Ironie zwischen dem Wunsch nach Privatsphäre und der Sättigung von Aktskulpturen zu – es ist etwas lustig. Ich hatte noch nicht über diese Architektur dieser Zeit gelesen, daher ist es schön, Ihren Input zu sehen! Guter Eintrag.

Die hellenistische Ära ist durch die Ausbreitung des griechischen Einflusses nach dem Tod Alexanders des Großen gekennzeichnet. Künstler gingen über Idealbilder hinaus und repräsentierten stattdessen eine größere Bandbreite an Themen. Es gibt jedoch keinen Stil, der die Arbeiten aus dieser Zeit vereint. Beschreiben Sie, wie die hellenistische Kunst als individualistischer und vielfältiger angesehen werden kann als die klassische griechische Kunst?

Ich schätze eher die individualistischen Qualitäten der hellenistischen Kunst. Wir können sehen, wie sich die Vielfalt der klassischen griechischen Kunst vertieft. Old Woman zum Beispiel hat eine zusammengesunkene Haltung und ein hageres Gesicht, obwohl es immer noch ein schönes Werk ist. Ich schätze auch die organischere Haltung der Statuen während dieser Zeit, wie in THE NIKE OF SAMOTHRACE, und ein noch extremeres Beispiel in LAOCOÃN AND HIS SONS. Ihre Körper sind nicht steif, sie sind nicht stabil, sie sind viel freier. Der Stoff war vielfältiger, die Aktivitäten der Versuchspersonen breiter, von Agonie bis zur völligen Entspannung. Dies ist eine Zeit, die den Komfort des Betrachters wirklich zu erweitern scheint und die Grenzen der Künstler erweitert.

An Lacey Miller
Was, glauben Sie, hat die Griechen dazu veranlasst, ihren Kulturstil gegenüber früheren Zeiten zu ändern? Glauben Sie, dass sie sich von selbst entwickelt haben oder waren andere Faktoren beteiligt?

Valene - Lustiger kleiner Leckerbissen über ihre Häuser, die keine Fenster haben. Ich frage mich, ob das eher dem Schutz als der Privatsphäre diente…? Auf jeden Fall interessant.

Für Lacey: Laut dem Artikel über die Fenster, die sie sagten, diente es der Privatsphäre, aber es ist sinnvoll, es zu schützen. Es schien einfach lustig für eine Kultur, die den nackten Körper idealisierte, keine Fenster in ihren Häusern zu haben. Ich verstehe, dass die Gesellschaft Nacktheit in der Kunst vielleicht mochte, aber das eigene Zuhause bedeutete Privatsphäre für alles, nicht nur für Nacktheit.

Während der klassischen Periode in der griechischen Kultur entwickelten sie ihre Standardisierung des kulturellen Materials. Mit dem Wachstum der Griechen in dieser Zeit wurde ihre Zivilisation komplexer. Etablierung größerer Handelsrouten, was zum Austausch kultureller Stile führte, die wir als hellenistische Zeit kennen. „Der Laokoon und seine Söhne“ ist eine außergewöhnliche Mischung aus römischen und griechischen Stilen. Die Griechen Kore beeinflussten die perfekte Muskulatur des Körpers im Vergleich zu den Römern, die die realistischen Emotionen und Körperbewegungen beeinflussen. Da sich Zivilisationen weiter entwickeln, tragen neue Faktoren zum Einfluss bei. Schließlich wurde die Standardisierung ihres Stils durch die Griechen in eine Verallgemeinerung anderer Kulturen verschoben, wodurch eine Vielzahl von Kunstwerken geschaffen wurde. Dies hat sich bis heute fortgesetzt, ein Großteil der griechischen Kultur hat die moderne Architektur zu ihren Kunstwerken beeinflusst.

Während dieser Zeit sahen wir eine vielfältigere Palette an Kunst, die sich von den früheren Idealen der Griechen zu einer breiteren Darstellung von Menschen und Göttern bewegte. Es entstand Kunst von älteren Menschen, jüngeren Menschen und Babys. Die von Göttern geschaffene Kunst variierte stark in Bezug auf dargestellte Posen und dargestellte Figuren. Die Themen der Kunst variierten stark und ergaben eine reiche und nuancierte Sammlung von Stücken. Die hellenistische Kunst ist in der Tat vielfältiger als die der Griechen, die ein konsequentes Ideal oft in ähnlichen Posen darstellten.

Was mir an hellenistischer Kunst gegenüber klassischer Kunst auffällt, ist, wie viel mehr Emotionen auf den Statuen gezeigt werden. Besonders die Angst wird betont und die Charaktere gehen weit über den Kontrapost hinaus. Der Laokoon ist eines meiner Lieblingskunstwerke aller Zeiten. Aus irgendeinem Grund mag ich die Art, wie die Schlange alle drei gleichzeitig bekämpft, es scheint sehr übertrieben. Dieser Exzess ist ein Aspekt der hellenistischen Kunst, der viel einzigartiger ist und hervorsticht, während die klassische Betonung der Proportionen alles einheitlich machte. Ich frage mich, ob sich die Gottheiten, die die Griechen verehrten, in dieser Zeit verschoben haben, um den Wandel des künstlerischen Geschmacks widerzuspiegeln – eine Frage für die Historiker!

Ich stimme zu, dass in der hellenistischen Zeit mehr Emotionen in den Künsten gezeigt werden. Alles erscheint realistischer und mit dem wirklichen Leben vergleichbar, wenn echte Emotionen gezeigt werden. Die Vorstellung, dass Frauen ihre Falten zeigen und unvollkommene “Ideale” gezeigt werden, trägt auch dazu bei, dass auch diese Zeit Realität wird.

Gabe, mir geht es genauso! Ich finde die Emotion und Menschlichkeit hellenistischer Kunst viel bewegender und ansprechender.

Hellenistische Kunst scheint mehr unterschiedliche Werke und Emotionen zu zeigen als klassische griechische Kunstwerke – die Qual und der Schmerz, die in The Laocoon zu sehen sind, unterscheiden sich so stark von den Emotionen, die in den klassischen Skulpturen gezeigt werden. Obwohl die klassische Periode im Gesichtsausdruck vielfältiger ist als die archaische Periode, zeigt die hellenistische Periode Schmerz, Schlaf, Alter und Niederlage (Sterbender Gallier). Es scheint, als wollten sie mehr Komplexität und Abwechslung zeigen und gingen sogar so weit, ihre Feinde herauszuschneiden, weil sie ihren Mut bewundern. Es ist viel echter und individualistischer als frühere Zeitalter – weniger strukturiert als das der Klassik.

Jessi,
Guter Hinweis, wenn Sie sagten, dass es in der hellenistischen Zeit mehr um die Emotionen ging. Wie Sie darauf hingewiesen haben, dass einige der Kunstwerke Schmerz, Niederlage, Schlaf und Alter darstellen. Es bringt mich zurück zu dem Artikel, den ich gelesen habe, der sagte, der Eros sei eine Ansicht der Liebe, jedoch der Künstler, aber in Form eines kleinen Kindes vs. auf eine andere Art und Weise wie mit einem Paar. Ich kann verstehen, warum sie das taten und wie ein Kind Liebe darstellen kann.

Jessi, echt ist eine großartige Möglichkeit, das hellenistische Kunstwerk zu beschreiben. Sie zeigten definitiv ihre Bewunderung und Wertschätzung für eine größere Anzahl von Aspekten des Lebens in jedem Stück als Künstler in der Klassik.

Hellenistische Kunst zeigt Empathie für ihre Feinde. Interessant, dass sie Bewunderung und Empathie für die Gallier empfanden, denn nach der Übernahme Griechenlands durch die Römer fiel Rom an die Gallier. Die Römer wehrten sich kaum und stellten nicht einmal Wachen außerhalb der Stadtmauern. Bedeutende römische Bürger wie Jungfrauenkulte und Politiker flohen in andere Städte, während die Alten zum Sterben zurückgelassen wurden. Vor der Plünderung Roms erlitt das Römische Reich einen wirtschaftlichen Einbruch – vielleicht wegen der zu schnellen Expansion des Reiches durch die Aufnahme Griechenlands. Ich habe irgendwo gelesen, kann es aber nicht wiederfinden, dass Rom so ungeschützt war, weil sie es sich nicht leisten konnten, ihre Soldaten zu bezahlen. Wie auch immer, habe kein Mitgefühl für Barbaren.

Später fiel Rom wieder an die deutschen Westgoten, weitere Barbaren.

RE: Gabe
Ich stimme zu, dass die Emotionen in der hellenistischen Kunst so viel lebendiger sind. Der Laokoon mit seiner Schlange ist an sich einzigartig, viele Kreaturen sehen wir in der Zeit davor nicht! Ich liebe das Stück auch. Ich denke oft an den sterbenden Gallier, wie groß seine Qual ist, aber er wird in der Skulptur von seinem Feind idealisiert. Es zeigt, wie viel Respekt sie hatten.

Jessi, Sie haben Recht, es scheint, dass die Künstler dieser Zeit begonnen haben, die Form der früheren Epochen zu durchbrechen und in Kunst und weniger in Funktion zu denken. In früheren Zeiten schien es, dass sie Kunst machten, um ihre Götter zu besänftigen und zu ehren. Beginnend in der hellenistischen Zeit fühlt es sich so an, als ob die Kunst verwendet wird, um anderen Dingen wie dem Alter und ihren Feinden Ehre zu erweisen.

RE: Maggie May
Ja, es ist weniger konsistent als das der klassischen Periode. Ich mag die Statue der alten Frau sehr, sie ist so einzigartig und anders als wir es gewohnt sind, wenn wir an griechische und römische Kunst denken. Ich denke, es wäre großartig, wenn die moderne Gesellschaft eine Seite aus diesem Buch herausnimmt und die Schönheit im Alter oder andere Mängel in dieser Hinsicht sieht!

Was mir an der hellenistischen Kunstepoche auffällt, ist die noch weitergehende Hinwendung zum Humanismus. Die dargestellten Götter sind menschlicher, im Fall von „Sleeping Eros’“ sehen wir einen Gott in einem viel menschlicheren Ideal. Götter werden nicht als schlafend angesehen, geschweige denn in einer menschlicheren Form mit der pummeligen Kuscheligkeit eines Kindes. Die menschlichen Formen, die wir sehen, sind nicht so idealisiert, da sie viel natürlicher und realer aussehen. Dies bietet sich für eine individualistischere Darstellung an. Auch die Menge der gezeigten Emotionen und die Tatsache, dass wir Angst und Schmerz sehen, ist eine viel vielfältigere Darstellung des menschlichen Lebens aus der früheren klassischen griechischen Kunst.

RE: Tamara Spielzeug
Tamara,
Toller Beitrag über die hellenistische Zeit. Mir hat gut gefallen, wie Sie Beispiele aus dieser Woche in Ihren Beitrag geworfen haben.Es ist sehr interessant zu sehen, dass Götter menschenähnlicher wurden und dass die Körper in der hellenistischen Zeit nicht so perfekt und ideal waren wie in der klassischen Zeit.

Die hellenistische Zeit war eine Zeit des Individualismus, als Künstler begannen, sich in neue Posen, Situationen und Emotionen zu wagen, um ihren Horizont zu erweitern. Daraus entstand eine große Vielfalt an Skulpturen, von jung bis alt, ideal und nicht, Mensch und Gott, realistisch und fiktiv. Ein Beispiel dafür ist die Statue des schlafenden Eros, eine eines Kindes mit einer realistischen Form, die auf Beobachtungen basiert. Ein anderer ist der sterbende gallische Trompeter, eine weitere nicht-ideale Skulptur, die eher zum Ausdruck von roher Emotion und Realismus neigt (sehen Sie sich die Details seiner Füße an!). Götter waren auch vertreten mit einem meiner Lieblingskunstwerke aller Zeiten, Nike von Samothrake (schau dir an, wie weich ihr Stoff aussieht! Ihre Flügel!) mit schönen Details, aber auch ohne Realismus. Der Idealismus ist in der Statue von Laokoon und seinen Söhnen immer noch vorhanden, da seine Söhne etwa halb so groß sind und ihre Jugend zeigen, während sie gleichzeitig den Körperbau eines idealen erwachsenen Mannes beibehalten. Auch diese Skulptur zeigt die Kraft der dargestellten Emotionen sowie unglaubliche Details in den Figuren und Stoffen, während der Schlange viele realistische Merkmale fehlen. Diese Periode verleiht viele schöne Kunstwerke, die eine große Auswahl an individualistischen Ausdrucksformen präsentieren.

Mbsimington, ich liebe deine Wertschätzung für die Details des Stoffes und Nikes Flügel! Die große Aufmerksamkeit, die sie auf die kleinen Details jeder Person legen, macht jedes Stück wirklich mehr als in früheren Epochen.

Während die Griechen von der Frühklassik zur Spätklassik übergehen, sehen wir eine Veränderung dessen, was in der menschlichen Form idealisiert ist. In „Kritios Boy’“ sehen wir die symmetrische Form eines jungen Mannes in seiner Blütezeit. In der Spätklassik sehen wir diese Verschiebung in "Apoxyomemos". Wir sehen immer noch einen Mann in körperlicher Topform, aber jetzt ist die Darstellung realistischer und weniger idealisiert. So hat sich das moderne Ideal im Laufe der Zeit verändert. Das Ideal aus den 40er und 50er Jahren würde heute im Vergleich zu den heute verwendeten Photoshop- und digitalen Retuschierbildern als fettleibig gelten. Wir idealisieren die Jugend und die körperliche Präsenz immer noch als Perfektion und als unrealistisch, wie das von Lysippos verwendete Kopf-zu-Körper-Verhältnis in „Apoxyomemos“.

Die Kunst der hellenistischen Zeit zeigte eine sehr viel größere thematische Vielfalt. Diese Zeit begann auch, vom idealen Körpertyp abzuweichen und mit Themen zu experimentieren, die in früheren Perioden nicht gesehen wurden. In Sleeping Eros handelt es sich um einen Gott, aber in Gestalt eines Babys. Auch ältere Menschen sehen wir in dieser Zeit in der Alten Frau porträtiert. Die hellenistische Periode stützte sich auch auf Stücke, die Emotionen in diesem Thema zeigten, wie etwa in Dying Gallic Trumpeter und Laocoon and His Sons.

Hey Dean, ich mag deine Ideen zu den Stücken, die wir uns aus der hellenistischen Zeit angesehen haben, vielfältiger als früher. Wie viel von dieser Vielfalt ist jedoch Ihrer Meinung nach auf die konkreten Beispiele zurückzuführen, die wir haben? Es ist schwer zu sagen, ob die hellenistische Kunst, die zufällig überlebt hat, aufgrund einer breiteren Tendenz innerhalb der künstlerischen Gemeinschaft selbst vielfältiger ist als die klassische Kunst. Für wie wahrscheinlich halten Sie es, dass einige der abwechslungsreicheren klassischen Stücke einfach verloren gegangen sind?

Während der hellenistischen Zeit muss ich sagen, dass die Kunstwerke tatsächlich vielfältiger und individualistischer wurden. Mir ist aufgefallen, dass in dieser Zeit die Kunst und die Skulpturen realistischer wurden als in den Epochen zuvor. Anstatt sich auf die Götter, Könige und wohlhabenden Menschen zu konzentrieren, konzentriert sich diese Ära auf die Menschen im Allgemeinen. Bemerkte in der Old Woman-Skulptur, wie detaillierter und realistischer eine ältere Person tatsächlich aussehen würde. Hellenistische Künstler passten sich an die früheren Kunstepochen an, machten aber auch große Innovationen. Ich habe in einem Artikel gelesen, dass der Eros die griechische Personifikation der Liebe war, jedoch wird er als kleines Kind dargestellt.

Die hellenistische griechische Kunst ist viel vielfältiger als die klassische griechische Kunst. Die klassische Kunst begann, Schritte zur Humanisierung ihrer Gottheiten zu unternehmen, wie in Nike passt ihre Sandale an, aber das hellenistische Kunstwerk geht noch einen Schritt weiter und zeigt sie wirklich mit humanistischeren Zügen, wie in zu sehen ist Schlafender Eros. Die hellenistische Kunst zeigt Götter und Göttinnen nicht nur menschlicher als zuvor, sie zeigen auch mehr Emotionen in jedem Stück und haben größere Skulpturen, die mehr Geschichten erzählen. Die Laokoon ist ein großartiges Beispiel dafür, da es sowohl die Qualen in den Gesichtern aller drei Männer zeigt als auch ihre Geschichte von ihrem Tod durch die Schlange erzählt. Wir sehen auch eine Altersspanne, vom Säuglingseros bis zur alten Marktfrau in der hellenistischen Kunst gegenüber der klassischen Kunst, die nur junge Erwachsene zeigte.

Gut gemacht, die Frage mit starken Beispielen unter Verwendung der bereitgestellten Artikel zu untermauern. Mir gefällt, wie Sie bemerkt haben, dass die hellenistische Kunst von Säuglingen bis hin zu älteren Frauen mehr Vielfalt zeigte, während die klassische griechische Kunst nur junge Erwachsene in ihren Kunstwerken porträtierte. Das ist mir beim Durchsehen der Artikel nicht so richtig aufgefallen.

In der hellinistischen Periode sehen wir eine dramatische Verschiebung hin zum Realismus. Die Werke waren keine allgemein idealisierten Körper mehr, sondern besaßen viel realere menschliche Attribute. Wir sehen dies in der Darstellung eines schlafenden Amors. Vor dieser Zeit wurden Kinder als „kleine Erwachsene“ dargestellt, aber in der Skulptur sehen wir eine viel genauere Darstellung des Körpers eines Kindes. Mit den weichen Rundungen, Bauchrollen und sogar kindlichen Gesichtszügen und Händen. Außerdem gibt es in dieser Zeit eine Verschiebung zu weitaus dramatischeren Szenen, zum Beispiel ist der „Sterbende gallische Trompeter“ zu sehen, der mit einer blutenden Wunde und dem Gesicht einer heftigen Niederlage am Boden liegt. Der Künstler schien einen so einzigartigen Moment festzuhalten, der sich von anderen Werken zuvor unterscheidet. Die Künstler haben sich wirklich von der Herstellung stereotyper schöner Momente und Menschen zu mehr realen Momenten bestimmter Personen verlagert. Ich denke, das könnte zum Teil daran liegen, dass die Leute mit dem Wandel der Kunst begannen zu sehen, wie vielfältig der menschliche Körper war und wie Schönheit ausgedrückt werden konnte. Obwohl die Dying Gall nicht gerade die ideale Darstellung von Stärke ist, ist die Form dennoch ästhetisch ansprechend und absolut schön.

Die hellenistische Kunst ist zwar von der griechischen Kunst beeinflusst, kommt aber in einer breiteren Form von Medien und Stilen vor. Dies kann in dem Sinne gesehen werden, dass die Statuen, obwohl sie realistisch proportioniert sind wie frühere griechische Statuen, eine breite Palette von Themen in einer noch breiteren Palette von Situationen und Gefühlszuständen zeigen. Götterstatuen wie Eros, eine nicht idealistische und kindliche Figur, gab es in der griechischen Kunst praktisch nicht. Die Präsenz von Statuen von Menschen aus anderen Kulturen wie dem gallischen Trompeter und Laokoon wurde auch in der griechischen Kunst nicht gesehen. Alle diese früheren Beispiele zeigen auch ein viel breiteres Spektrum menschlicher Emotionen und Umstände und schildern neue Dinge wie Erschöpfung, Frieden und sogar aktives Leiden. Das größte Beispiel dafür ist für mich jedoch die Existenz des Epidauros-Theaters. Theater ist von Natur aus ein sehr vielfältiges und individualistisches Medium, bei dem lebende Schauspieler Geschichten auf eine sehr einnehmende Weise darstellen und die Anwesenheit, Aufmerksamkeit und Interaktion eines Live-Publikums erfordern. Während ein Drehbuch bestehen kann, kann ein einzelnes Bühnenstück selbst nicht Hunderte von Jahren erhalten bleiben, es kann nur von den gegenwärtigen einzelnen Zuschauern, die dort im Moment existieren, genossen werden. Dies steht im Gegensatz zu einem Großteil der griechischen Kunst, die Jahrhunderte und Generationen überdauern soll und immer wieder dieselbe Geschichte auf dieselbe Weise erzählt.

Die klassische griechische Kunst konzentrierte sich stark auf den Körper von Mann und Frau. jede Skulptur hat unglaublich viele Details und sieht so menschlich aus. Beachten Sie, dass die meisten menschenähnlichen Skulpturen nackt waren, dies könnte an der griechischen Faszination des menschlichen Körpers liegen. Was die hellenistische Kunst betrifft, so haben sie auch viele menschenähnliche Skulpturen gemacht, aber wenn man sie genau betrachtet, ist es, als ob jede eine Geschichte von etwas erzählt, das in ihrer Zeit passiert ist.

Die klassische Periode beschäftigte sich mit Kontrapost- und „Silberverhältnis“-Designs, aber die hellenistische Ära begann sich zu einer breiteren Darstellung von Menschen und Göttern zu bewegen. In der hellenistischen Zeit begann sich die menschliche Vollkommenheit zu verändern und die freie Form begann. Wie Sie bei der antiken Skulptur „SLEEPING EROS’“ sehen können, hat die Skulptur keine perfekte Körperform wie in der Klassik und der Gott legt sich hin. Die Bronzeskulptur „DYING GALLIC TRUMPETER“ hatte keine großen Muskeln und andere Formen wie die Klassik. Jede in hellenistischer Zeit geschaffene Skulptur war anders und verleiht der Epoche ihre Vielfalt und Individualität. Die hellenistische Zeit zeigte nicht nur immer wieder die gleichen menschlichen Formen. Es zeigte kleine Kinder, Männer mittleren Alters, bis hin zu alten Frauen und in freier Form. Die Künstler formten die Skulpturen in realen Ereignissen anstelle von Kontrapost. Die Kunst der hellenistischen Zeit hatte im Vergleich zur Klassik auch viel mehr Emotionen in den Skulpturen und in ihren Posen.

Ich denke, die hellenistische Kunst hat sich definitiv von den populären perfekten Proportionen der Klassik entfernt. Es zeigte eine breitere Palette von menschlichen Körpern und Altersgruppen dieser Figuren. Der schlafende Amor, die älteren Frauen sind außergewöhnliche Beispiele, kein perfekter oder idealer Körper wird in diesen Stücken gezeigt. Ein weiterer großer Unterschied, den ich sehe, ist die Bewegung. Viele der Stücke in hellenistischer Zeit scheinen in Bewegung zu sein oder eine Aktion zu zeigen, der Pergamon kämpft gegen den Tod, der Laokoon und seine Söhne in Qualen, als sie von der von den Göttern gesandten Schlange angegriffen werden. Sogar die Aphrodite von Melos ähnelt stark einem Stück, das in der Klassik zu finden war, aber die Künstlerin fügte ihrem Körper eine Drehung hinzu, die Bewegung zeigt. Also ich denke, es kann als individualistischer angesehen werden als die klassische Ära, weil es sich stark auf die Bewegungen oder Handlungen einer Person konzentriert, und es ist vielfältiger, weil es sich nicht nur auf die jungen, muskulösen Männer oder die jungen sinnlichen Frauen konzentriert , es zeigt den Göttern, Kindern, Jung und Alt, ein sehr vielfältiges Spektrum.

RE: Kaylyn Kelly, ich mag es sehr, wie Sie darauf hingewiesen haben, dass die Kunstwerke aus der hellenistischen Zeit mehr Emotionen zeigten als die vorherige Ära. Es scheint definitiv eine der größten Veränderungen zu sein, die Kunst schien sich plötzlich auf die Emotionen der abgebildeten Person zu konzentrieren, und dann wurde das Setting um die gezeigte Emotion herum geschaffen. Während sich die klassische Zeit mehr auf die Muskelmasse oder die perfekten Aspekte des schönen menschlichen Körpers konzentrierte.

In der hellenistischen Ära veränderte sich das “perfekte” Körperbild und wurde individualisierter. In dieser Ära begannen wir, mehr von einer Vielzahl von Skulpturen zu sehen, wie Skulpturen jeden Alters von Männern und Frauen. Die Kunst ging wirklich davon aus, die muskulöse Form der Männer und die Kurven der Frauen zu vergöttern, und verlagerte sich dann zu einer größeren Bedeutung, um den menschlichen Körper im Alltag darzustellen und die Menschen der hellenistischen Ära darzustellen. Die Kunst der griechischen Kultur zeigte nicht annähernd so viel Emotion, wie sie in der hellenistischen Kunst der Zeit dargestellt wird. Die hellenistische Kunst zeigte, um ihre Skulpturen zu erweitern und Emotionen in ihren Skulpturen darzustellen, was mich glauben lässt, dass der Zweck dieser Skulpturen darin bestand, die menschliche Form so realistisch wie möglich darzustellen.

Die klassische griechische Kunst war oft von den perfekten Proportionen besessen, aber wie wir in der hellenistischen Ära sehen, begann die Kunst, eine größere Bandbreite an Themen darzustellen. Zum Beispiel soll Sleeping Eros Eros oder Amor darstellen und schien einem schlafenden Kind und Old Market Women nachempfunden zu sein. Die hellenistische Zeit konzentrierte sich auch auf mehr Emotionen als in der klassischen griechischen Ära, die Sie in Pergamon und dem Laokoon und seinen Söhnen sehen können.
Kaitlyn: Mir gefällt, wie Sie über die Skulpturen gesprochen haben, die scheinbar Bewegung zeigen, und Ihr Beispiel der Aphrodite von Melos war interessant.

Die Kunst im hellenistischen Stil unterscheidet sich von der Kunst im klassischen Stil, weil sie nicht nur ein "ideales" Thema darstellt, sondern eine Vielzahl von Themen. Es ist fast so, als hätten die Griechen endlich ein bisschen ihre Eitelkeit überwunden und erkannt, dass das Leben mehr ist als ein muskulöser, attraktiver Mann! Skulpturen wie die der Alten Marktfrau unterschieden sich stark von den jugendlichen Gesichtern der Klassik. Darüber hinaus wurden Darstellungen von Schmerz und anderen Emotionen eingeführt. Sterbender gallischer Trompeter und Laokoon sind Beispiele dafür, die sich weit vom arkadischen Lächeln unterscheiden, das die allgemeine Norm der Klassik war.

Das passt nirgendwo wirklich hin, aber ich fand es interessant: Wie die Mudras hinduistischer Göttinnen hatten Aphrodite-Statuen der späteren klassischen Zeit ihre Hände, die ihre Brüste oder Vagina bedeckten, kauerten, auf ihren eigenen Hintern zurückschauen oder ihre Sandale ausziehen einen Täter schlagen. Im Fall von Aphrodite, die auf ihren eigenen Hintern zurückblickt, ist es interessant zu sehen, wie die Disney-Figur Tinkerbell in der ursprünglichen Peter Pan-Animation in derselben Pose gefangen ist. Dies deutet für mich darauf hin, dass sowohl Tinkerbell als auch Aphrodite archetypische Charaktere sind, die durch unser kollektives Gedächtnis weitergegeben werden, um in neuen Formen ausgedrückt zu werden.

Die hellenistische Zeit ermöglichte eine Erweiterung des Themas, wie die Darstellung von Kindern und älteren Menschen zusammen mit den traditionellen perfekten jungen Männern und Frauen. Im Fall der Bronzestatue des schlafenden Eros stellten sie Götter menschenähnlicher und verletzlicher dar.

Anstatt heitere Gesichter von Sportlern und Kriegern zu zeigen, selbst wenn ihr Körper angespannt ist oder stirbt, könnten Statuen aus der hellenistischen Zeit Emotionen zeigen. Die Statue des sterbenden Galliers zeigt zum Beispiel einen Schnurrbart, der einem griechischen Krieger nicht gehören würde, mit verzerrtem Gesicht, als er stirbt. Es ist interessant, dass diese Statue ein solches Mitgefühl für die Besiegten zeigt.

Die Drapierung der geschnitzten Tuniken wurde dynamischer, wenn man sich die frühere Bronzestatue des Wagenlenkers im Vergleich zum Großen Altar des Zeus und der Athena ansieht. Im ersteren ahmt der drapierende Stoff griechische Säulen nach, die fest und stark stehen. In letzterem sorgt die Kleidung der Götter für aufregende Bewegung. Es gibt Kampf, anstatt nur einen ruhigen Sieg zu zeigen. Figuren aus der chaotischen Schlacht kriechen von der Wand und teilen sich die Treppe mit den Gläubigen, die gekommen sind, um Opfer zu bringen.

In der Spätklassik wurde griechische Kunst an andere Kulturen wie die Römer verkauft und von diesen übernommen. Damals wurden klassische Regeln, wie zum Beispiel, dass Frauen nie nackt gezeigt werden, von weniger strengen Kulturen gebrochen. Aphrodite wurde in dynamischen Posen ohne Kleidung gezeigt. In der hellenistischen Zeit wurden Göttinnen in Aktion gezeigt, wobei Kleidung an ihren Körpern befestigt war, um ihre ganze weibliche Pracht zu zeigen – wie in der Statue der Nike von Samothrake. Und bei der Venus De Milo ist ihr Oberteil komplett abgefallen. Sauber.

Ich sage immer, dass Kunst ein greifbarer Ausdruck emotionalen Ausdrucks ist, wenn man bedenkt, dass wir alle nur Energie sind, als Emotionen der Ausdruck dieser Energie sein müssen.
Pergamon und Der Laokoon sind beide großartige Beispiele dafür, wie sich die hellenistische Ära von der früheren Kunst trennte. Beide Statuen enthalten Gesichtszüge, die Emotionen darstellen. Frühere römische Kunst konzentrierte sich auf perfekt proportionierte muskulöse Körper, während die hellenistische Kunst darauf abzielte, Emotionen darzustellen. Die hellenistische Ära erweiterte auch den akzeptablen Gegenstand für die Kunst um alltägliche Menschen, vielleicht war dies nur eine andere Form der Propaganda, um den Menschen das Gefühl zu geben, dass sie sich wichtiger fühlten.


Die reichste Sammlung hellenistischer Bronzen seit Jahrhunderten geht auf Tour

In Macht und Pathos: Bronzeskulptur der hellenistischen Welt, Letzte Woche im Palazzo Strozzi in Florenz eröffnet, werden mehr griechische Bronzen montiert als je zuvor in der Neuzeit. Die Ausstellung umfasst rund 50 vollständige Figuren und Fragmente aus Museen auf der ganzen Welt, die im Juli ins J. Paul Getty Museum in Los Angeles und im Dezember in die National Gallery of Art in Washington, DC, reisen.

Kopf eines Apoxyomenos (2.-1. Jahrhundert v. Chr.), griechische Bronze (mit freundlicher Genehmigung von Kimbell Art Museum, Fort Worth, Texas/Scala, Firenze) (zum Vergrößern anklicken)

Kuratiert von Jens Daehner und Kenneth Lapatin, beide Antiquitäten-Kuratoren des Getty, und organisiert von den beiden amerikanischen Museen mit der Soprintendenza Archeologica della Toscana, entsteht die Ausstellung im Rahmen des Kulturabkommens von Getty mit der Republik Italien und dem Nationalen Archäologischen Museum von Florenz und Archäologische Superintendenz der Toskana. Macht und Pathos konzentriert sich auf die hellenistische Zeit, die ungefähr zwischen dem Tod Alexanders des Großen im Jahr 323 v. Chr. und dem Untergang von Antonius und Kleopatra im Jahr 31 v. Es ist schwer abzuschätzen, wie viele Bronzen es gibt, da die Zählmethoden unterschiedlich sind (zählt eine einzelne Hand als eine oder nur eine ganze Statue?), aber es gibt nur zwischen 100 und 200 auf der Welt, und die meisten Museen haben nur eine Handvoll wenn überhaupt irgendwelche.

"Bemerkenswert ist, dass wir wissen, dass es buchstäblich Zehntausende von antiken Bronzestatuen gab, die in alten Heiligtümern geweiht, in Bürgerzentren zu Ehren von Königen, Wohltätern und Bürgern aufgestellt und an anderer Stelle aufgestellt wurden", erklärte Kurator Lapatin gegenüber Hyperallergic. „Wir wissen dies sowohl aus alten Texten als auch aus erhaltenen Statuenbasen. Aber da Bronze als Metall wertvoll war und wiederverwendet werden konnte, wurde die überwiegende Mehrheit – ich würde etwa 99% wagen – wegen ihres Metalls eingeschmolzen. Außerdem waren Statuen heidnischer Götter und nackter Helden im Mittelalter nicht beliebt.“

Diejenigen, die überlebten, waren im Großen und Ganzen vergrabene Schätze, ob sie nun in Schiffswracks verloren gingen, von einem Erdrutsch oder einem Vulkan bedeckt oder mit einer geplünderten Stadt ausgelöscht wurden. Zum Beispiel entdeckte ein Taucher 1996 den unglaublich intakten „Kroatischen Apoxyomenos“, der in Macht und Pathos, die einen jungen Sportler darstellt, der sich mit einem Strigil den Schweiß vom Körper kratzt. Diese manchmal aufrichtigen, oft naturalistischen Momente waren der Höhepunkt der hellenistischen Ära und einer der Gründe, warum die Kuratoren ihr den Fokus gaben. „In der hellenistischen Zeit erforschten Künstler mit großem Geschick neue Kunstgattungen und erfanden zum Beispiel ausdrucksstarke, realistische Porträts, wie wir sie heute kennen“, sagte Lapatin. „So scheinen wir nicht nur die überzeugenden physischen Formen bestimmter Individuen zu sehen, sondern auch etwas von ihrem Innenleben.“

Terme Boxer (3.-2. Jahrhundert v. Chr.), griechische Bronze (mit freundlicher Genehmigung von Museo Nazionale Romano – Palazzo Massimo alle Terme)

Wir kennen die Geister der Bronzen viel besser durch Marmorrepliken der Römer, aber Macht und Pathos feiert diese Zeit als Beginn eines Kunstmarktes, auf dem in kurzer Zeit Bronzen aus Formen hergestellt wurden.Während die Ausstellung von Florenz nach LA und DC wechselt, wird sie sich je nach Reisemöglichkeiten leicht verändern, aber es werden auch Objekte einer beeindruckenden Reihe von Leihgebern wie dem British Museum, dem Louvre, dem Kunsthistorischen Museum in Wien, dem Metropolitan Museum of Art , Madrids Museo Nacional del Prado, Boston MFA, Houston MFA, Vatikanische Museen, Museo Archeologico Nazionale in Neapel und Nationalmuseen von Griechenland, Georgien und Tunesien. Einige der Stücke mögen als Ikonen ihrer Institutionen bekannt sein, wie der ruhig schlafende Eros der Met oder der Terme Boxer des Nationalmuseums von Rom mit seinem ramponierten Gesicht.

Dies ist das erste Mal, dass die meisten zusammen gesehen werden, was eine neue Perspektive darauf bietet, wie so alte Kunst immer noch so unmittelbare Emotionen hervorrufen kann. Wie Lapatin feststellte: „Was wir bereits in wenigen Tagen über die Entwicklung der Technik und die Manipulation des Stils gelernt haben, ist bemerkenswert und ich denke, dass jeder, der die Show sieht, sicherlich von der Ausdrucksqualität der Show überrascht und berührt sein wird herausragende Werke, Jahrtausende alt.“

Kopf (Berber) (300 v. Chr.), griechische Bronze und Knochen (mit freundlicher Genehmigung der Treuhänder des British Museum)

Statuette von Alexander dem Großen zu Pferd (1. Jahrhundert v. Chr.-1. Jahrhundert n. Chr.), griechische Bronze (mit freundlicher Genehmigung von Ministero dei Beni e delle Attività Culturali e del Turismo – Soprintendenza per i Beni Archeologici di Napoli, Foto von Giorgio Albano)

Statue von Aulus Metellus (Arringatore) (2.-1. Jahrhundert v. Chr.), griechische Bronze (mit freundlicher Genehmigung des Archäologischen Nationalmuseums von Florenz)

Macht und Pathos: Bronzeskulptur der hellenistischen Welt wird bis zum 21. Juni im Palazzo Strozzi (Piazza degli Strozzi, Florenz, Italien) fortgesetzt. Nach Florenz ist es im J. Paul Getty Museum (1200 Getty Center Dr, Los Angeles, Kalifornien) vom 28. Juli bis 1. of Art (6th & Constitution Ave NW, Washington, DC) 6. Dezember bis 20. März 2016.


Antike griechische Statuen - Ursprung & Evolution

Wie bei jeder Kunst war es jedoch ein Prozess einer langsamen und bewussten Evolution, der die wunderschönen Darstellungen des menschlichen Körpers hervorbrachte, die wir alle lieben gelernt haben, und die Evolution der Mann im Marmor ist genauso faszinierend wie das fertige Produkt.

Die Jugend des Marathons
Datiert auf ca. 330 - 325 v. Chr. Archäologisches Nationalmuseum von Athen

Die geometrische Periode

Über diese Epoche der griechischen Kunst ist nicht viel bekannt, da keine Schrift aus dieser Zeit gefunden wurde, um das Kunstwerk zu beschreiben.

Die entstandenen Skulpturen waren oft sehr kleine Objekte wie Wagen und Pferde. Viele der Stücke wurden in Gräber gelegt und nicht für die öffentliche Ausstellung bestimmt.

Es ist möglich, dass größere Skulpturen aus dieser Zeit hergestellt wurden aus verderbliche Materialien wie Holz. Diese Periode soll etwa 900-700 v. Chr. gedauert haben.

Die archaische Zeit

Man glaubte, dass die archaische Periode von etwa 700-480 v. Chr. gedauert hat. Diese Ära sah die erste Darstellungen der menschlichen Form. Diese Skulpturen waren nicht die schönen, idealisierten Darstellungen, die später produziert wurden, sondern die Körper waren normalerweise steif und starr.

Die Hauptskulpturen dieser Zeit erhielten den Oberbegriff kouros, eine vereinfachte, nackte Skulptur eines männlichen Jugendlichen, und kore, die eine Darstellung eines weiblichen Jugendlichen war, der normalerweise gekleidet war.

Diese Statuen waren vereinfacht, nach vorne gerichtet und es fehlten umfangreiche Details. Es wurde angenommen, dass sie von den Kulturen Ägyptens und Südwestasiens beeinflusst wurden. Die kouros und kore wurde oft lächelnd dargestellt, was für spätere Skulpturen ungewöhnlich war. Diese Statuen sollten den Grundstein für spätere Meisterwerke des antiken Griechenlands legen.

Die klassische Periode

Es wird angenommen, dass die klassische Periode mit der Skulptur begann, die als „Der Kritios-Junge“ um 480 v.

Diese Skulptur war eine der ersten, die die menschliche Form sehr realistisch darstellte. Der Körper wurde geformt, um zu reflektieren genaue menschliche Proportionen. Der Marmor erscheint, als wären definierte Muskeln von straffer Haut bedeckt, während die Skulptur selbst ihr Gewicht auf einer Hüfte zu verlagern scheint. Dies ist bekannt als a Kontrapost Haltung und es stellte eine bedeutende Neuerung in der Darstellung von Menschen dar.

Der Kritios-Junge gilt zwar als Beginn der griechischen Klassik, umfasst aber keineswegs die gesamte Epoche.

In der Klassik entstanden brillante Künstler wie Polyclitus, Lysippos, Scopas und Praxiteles.

Sie alle trugen zu der Innovation und dem Realismus bei, die die griechische Klassik ausmachen sollten. In dieser Zeit sehen wir ein besessener Blick fürs Detail und manchmal eine Übertreibung des menschlichen Körpers.

Viele idealisierte Statuen sind mit Muskeldefinition und Gliedmaßenproportionen zu sehen, die für einen Menschen unerreichbar sind. Viele der Darstellungen sind gottähnliche Schöpfungen das wäre überlebensgroß gewesen, verglichen mit dem durchschnittlichen Bürger des antiken Griechenlands.

Die hellenistische Zeit

Die hellenistische Zeit würde einen dramatischen Anstieg der künstlerischen Innovation in dem weitläufigen Gebiet erleben, das von erobert wurde Alexander der Große. Es wird angenommen, dass diese Periode von etwa 323-1 v. Chr. gedauert hat.

Obwohl der Einfluss Athens und anderer Zentren künstlerischer Innovation während der klassischen Periode begann, den Einfluss der östliches Mittelmeer war auf dem Vormarsch.

Während sich die Klassik auf idealisierte Formen konzentrierte, die oft in kühlen, vereinfachten Haltungen dargestellt wurden, konzentrierten sich die hellenistischen Skulpturen stark auf scharfe Kontraste und dramatische Umgebung um eine ansprechende Umgebung innerhalb des Marmors zu schaffen. Die Bildhauer konzentrierten sich ebenso auf den Hintergrund um das menschliche Motiv wie auf das Motiv selbst. Zahlen wurden nicht immer gezeigt stehend, Kontrapost oder andernfalls. Sie wurden oft gesehen, wie sie sich hinlegten, sich gegen Gegenstände lehnten oder sich sogar vor Schmerzen krümmten.

In der hellenistischen Zeit wurden auch weniger idealisierte Motive dargestellt. In dieser Zeit entstanden Skulpturen alter, deformierter oder sogar sterbender Menschen. Außerdem war es üblich, dass die Skulpturen eine Geschichte erzählten.

Die Jugend (oder Ephebe) von Antikythera“ ist vielleicht eines der besten Beispiele für hellenistischen Stil. Die Skulptur zeigt einen jungen Mann, einen Gott oder einen Helden, der in seiner rechten Hand ein kugelförmiges Objekt hielt (eventuell Paris mit dem Apfel). Es ist eines der brillantesten Produkte der peloponnesischen Bronzeskulptur, vielleicht das Werk des berühmten Bildhauers Euphranor. Es wurde im Bereich eines alten Schiffswracks vor der Insel Antikythera gefunden.

Beachten Sie die dargestellte kraftvolle Darstellung. Die Skulptur ist nicht nur eine schlichte, stehende Figur mit erstaunlichen anatomischen Details, sondern scharfe Darstellung einer Bewegung.


Das J. Paul Getty Museum

Eine massiv gegossene Statuette zeigt einen nackten Jüngling auf einem spulenförmigen Sockel, der ursprünglich als Knauf eines Leuchters diente. Sein kurzes lockiges Haar, die gefurchte Stirn, die kurze breite Nase und die fleischigen Lippen weisen ihn als Schwarzafrikaner aus. In entspannter Haltung sitzend, den Arm auf das hochgezogene linke Knie gestützt, wiegt der junge Mann den Kopf in der Handfläche.

Das Bild eines schläfrigen Jugendlichen, das gemeinhin als Sklave verstanden wird, der schläfrig auf seinen Herrn wartet, ist ein altägyptisches Motiv, das in Griechenland und Italien durch den Handel mit ägyptisierenden Artefakten aus Zypern, Rhodos und Ionien populär wurde. Im 5. Jahrhundert v. Chr. passten etruskische Bildhauer in den Bronzewerkstätten von Vulci diese Bildsprache für dekorative Applikationen auf Geräten für Bankette und Begräbnismahlzeiten sowie für Gefäßknöpfe an. Haussklaven aus dem transalpinen Europa und anderen Regionen waren in Etrurien weit verbreitet, aber versklavte Schwarzafrikaner wären Luxusgüter gewesen, die den Status und die Macht ihrer Besitzer signalisierten. Ihre Bilder verliehen den Geräten ein exotisches Element, das auf die Aufgaben der versklavten Menschen anspielte. Kandelaber, Thymiateria (Weihrauchbrenner), oinochoai (Weinkrüge) in Form schwarzafrikanischer Köpfe und andere anthropomorphe Utensilien nahmen Bezug auf die Arbeit versklavter Menschen und naturalisierten sie in ornamentalen Formen.

Der dunkle Teint und die Gesichtszüge der Schwarzafrikaner unterschieden sie physisch von den Mittelmeervölkern. Es wurde angenommen, dass sie die mythische Region Äthiopien bewohnen, ein reiches Königreich am südlichen Rand der bekannten Welt. Obwohl die Etrusker durch enge kommerzielle und militärische Allianzen mit Karthago die nordafrikanischen Gemeinschaften gut kannten, treten Schwarze selten in der etruskischen Kunst auf. Auf einer Hydria (Wasserkrug) aus Caere (heute Cerveteri) mit dem Mythos von Herakles, der den ägyptischen König Busiris besiegt (Wien, Kunsthistorisches Museum, Inv. IV 3576), hat der Vasenmaler sowohl stereotype Karikaturen ägyptischer Priester als auch realistische Darstellungen afrikanischer Krieger. Auch die Tempeldächer in Caere und seinem Hafenheiligtum Pyrgi wurden mit Antefixen und architektonischen Skulpturen mit schwarzafrikanischen Gesichtern geschmückt. Diese Bilder sowie die Bronzestatuetten eines schlafenden Sklaven, die im nahe gelegenen Vulci hergestellt wurden, zeugen vom Einfluss des internationalen Kulturaustauschs auf die Kunst Südetruriens.

Weiterlesen: Das Motiv eines dösenden Afrikaners wird in J. Masséglia diskutiert, Körpersprache in hellenistischer Kunst und Gesellschaft, 2015, S. 159–67. Zur Sklaverei in Etrurien siehe D. N. Briggs, „Servants at a Rich Man’s Feast: Early Etruscan Household Slaves and their Procurement“, Etruskerstudien 9, 2002, S. 153–76. Zur Caeretan Hydria in Wien mit Herakles und Busiris siehe J. Hemelrijk, Caeretan Hydriae, 2009, bitte. 118–25. Architektonische Terrakotta in Form afrikanischer Köpfe und andere Darstellungen von Schwarzafrikanern in den Künsten Etruriens sind in ML Gualandi, „L'immagine dei neri nel mondo greco e romano: spunti per un'interpretazione del mosaico di Populonia“, in C Mascione und A. Patera, Materialien für Populonia 2, 2003, S. 199–229. Zu Bildern versklavter Individuen in der angewandten Kunst siehe N. Lenski, „Working Models: Functional Art and Roman Conceptions of Slavery“, in M. George Hrsg., Römische Sklaverei und römische materielle Kultur, 2013, S. 129–57.

Herkunft
Herkunft

Robin Symes (London, England), 1988 an Barbara und Lawrence Fleischman verkauft.


Die National Gallery of Art bietet die seltene Gelegenheit, antike griechische Bronzen zu sehen

Die alten Athener betrachteten fast alle anderen als Barbaren, und dieser Snobismus hat sich im Laufe der Äonen auf uns herabgesenkt. Wenn wir an die griechische Zivilisation denken, denken wir an das Goldene Zeitalter Athens im 5. der Welt, und niemals Fremde durch fremde Handlungen von jeder Gelegenheit zum Lernen oder Beobachten ausschließen, obwohl die Augen eines Feindes gelegentlich von unserer Freigebigkeit profitieren können. . . . ”

Das hellenistische Zeitalter kam später, eingeleitet durch die Eroberungen Alexanders des Großen, eines Makedoniers, der noch ein bisschen wie Napoleon in Erinnerung ist, ein brillanter, rücksichtsloser Parvenu. Auch wenn Alexanders Reich nach seinem Tod zerfallen sein mag, trugen die Scherben dessen, was übrig blieb, die griechische Kultur voran, oft in erbitterter kultureller Konkurrenz miteinander, die jeweils Anspruch auf das griechische Erbe erhoben und es mit virtuosen Innovationen übertrafen. Und doch ist das hellenistische Erbe immer noch ein wenig suspekt, zu extravagant und übertrieben, wenn man es nach den Maßstäben Athens an seiner Machtspitze beurteilt.

Eine Ausstellung in der National Gallery of Art, „Macht und Pathos: Bronzeskulptur der hellenistischen Welt“, bietet eine wahrscheinlich einmalige Gelegenheit, einen wesentlichen Aspekt des hellenistischen Zeitalters zu studieren. Weltweit sind weniger als 200 Bronzen aus hellenistischer und klassischer Zeit erhalten, von denen etwa ein Viertel ausgestellt ist. Darunter befinden sich einige der bewegendsten und berühmtesten Kunstwerke aller Zeiten, darunter ein Apoxyomenos (Athlet mit Schabewerkzeug) aus dem Kunsthistorischen Museum in Wien, der erstaunliche Schlafende Eros aus dem Metropolitan Museum of Art in New York und ein Pferdekopf, der einst gehörte Lorenzo dem Prächtigen, dem Herrscher der Medici, und wurde von Donatello und Verrocchio bewundert.

Gehen Sie jetzt und gehen Sie noch viele Male, bevor die Ausstellung am 20. März schließt. Wenn Sie an der Welt verzweifeln, die wir geschaffen haben, ziehen Sie sich hierher zurück. Jedes einzelne Werk ist ein Tonikum, zusammengenommen sind sie ein Wunder.

Der Titel der Ausstellung bezieht sich auf die wesentliche Innovation hellenistischer Künstler, die Erweiterung der Skulptur von einem begrenzten Repertoire idealer Körper zu einer ausdrucksvolleren, naturalistischen und individualisierten Sprache. Bildhauer haben nie aufgehört, die Gelassenheit der Götter und die Vollkommenheit der Jugend darzustellen, aber sie umfassten auch die Alten und Gebrechlichen, die Ängstlichen und Sorgenvollen, die Sorgenvollen und Nachdenklichen. Neben Apollo und Athene kamen Bilder von Handwerkern, Dichtern und mürrischen Aristokraten in all ihrer fleischigen, bauchigen und ausschweifenden Pracht.

Unbekannter Künstler (hellenistische Bronze). „Tanzender Faun (Pan)“ c. 125-100 v. Chr. (Copyright Archivio dell'arte, Luciano Pedicini)

Obwohl Marmor das bevorzugte Medium zur Darstellung des Ideals war, insbesondere der Götter, wurde Bronze das bevorzugte Medium, um Bilder von gewöhnlichen Menschen zu machen. Es war zu gewagteren Formen fähig als Marmor. Haare könnten sich vom Kopf wegrollen, Arme könnten ohne Stützen ausgestreckt dargestellt werden. Es war auch möglich, mehrere Abgüsse derselben Form anzufertigen, so dass Tausende von Bronzen in der gesamten griechischen und frühen römischen Welt hergestellt wurden und sogar an den Rändern der damaligen Zivilisation gefunden werden konnten.

Um ein eindrucksvolles Gefühl dafür zu bekommen, wie hellenistische Künstler die Form verwendeten, verbringen Sie einige Zeit mit einer Skulptur, die als Tanzender Faun bekannt ist. Dies ist dieselbe Figur, die dem Haus des Fauns in Pompeji seinen Namen gab, und er existiert, wie so viele andere Werke in der Ausstellung, heute, weil er irgendwann in der Geschichte verloren ging – bei einem Unfall oder Schiffbruch, oder Gebäudeeinsturz oder in diesem Fall der Ausbruch des Vesuvs.

Die Gestalter der Ausstellung haben den Tanzenden Faun geschickt so positioniert, dass er von zwei bronzenen Apollo-Statuen flankiert wird, und der Apollos könnte nicht unterschiedlicher sein als die geile und entrückte Pan-Figur, die in lüsterner Glückseligkeit versunken ist. Obwohl beide hellenistischen Ursprungs sind, gehen die Apollos auf eine ältere, archaische Tradition zurück. Sie sind steif und relativ ausdruckslos, und ihre Gesichter sind allgemein schön, aber ohne individuelle Merkmale. Sie sollten an das anhaltende Interesse an älteren griechischen Formen appellieren, die Geschmacksbreite und das Interesse am Historismus beweisen. Sie wurden vielleicht für das spätgriechische und frührömische Publikum geschaffen, so wie manche Leute heute neu gemalte Werke in einem falschen Kolonialstil über dem Kamin platzieren.

Der Faun ist ein spektakuläres Werk, von seinem frechen kleinen Schwanz (der Art von Dingen, die aus Marmor unmöglich wären) bis zu seinen eichelgekrönten und wild ungepflegten Locken. Aber es ist auch kurios verspielt und verstörend zugleich. Sein Körper ist jung und geschmeidig, während das Gesicht scheinbar älter ist und von einem Leben geprägt ist, das die Griechen am meisten fürchteten, Exzess, Extremität und Wildheit. Er ist eine zusammengesetzte Figur, die sowohl das Ideal als auch das Verderben der Schönheit vereint.

Eine kleine Statue des müden Herakles ist in mancher Hinsicht ähnlich. Der muskulöse Held steht getragen von seiner Keule, über die die Haut des nemeischen Löwen drapiert ist. Sein linker Arm ist ungeschickt über der Keule positioniert, und sein Gesicht und sein Blick sind nach unten gerichtet, um das Werkzeug und den Lohn seiner Arbeit zu betrachten. Die Keulen- und Löwenhaut verformt jedoch die Perfektion seines Körpers, lässt ihn unproportioniert und leicht grotesk wirken. Er. auch ist eine zusammengesetzte Figur, Sohn des Zeus und des sterblichen Alkmene, und er ist in einem Moment des Widerspruchs gefangen: Erfolg und Erschöpfung, Leistung und Erschöpfung. Die Arbeit hat eine Art kreisförmiger Energie, die mit seinen Augen beginnt, durch seine Keule fließt und auf der rechten Seite des Körpers nach oben zurückkehrt, um eine Bedeutungsschleife zu bilden, eine endlose Nachstellung dessen, wie Menschen so oft durch das Äußerste zermahlen werden Größe, die sie suchen.

Diese Ausstellung ist die dritte Iteration einer Ausstellung, die im März im Palazzo Strozzi in Florenz begann und im Getty Museum in Los Angeles zu sehen war. Es unterscheidet sich deutlich von der im Getty präsentierten Show, die ein atemberaubendes Stück enthielt – einen sitzenden Boxer – das nach Rom zurückgebracht werden musste, bevor es hierher reisen konnte. Das Getty enthielt auch eine atemberaubende Gegenüberstellung von zwei Bronzeversionen des Apoxyemenos und einer Bronze-und-Marmor-Version des Spinario (Junge entfernt einen Dorn von seinem Fuß). Anstelle dieser Werke hat die National Gallery andere ersetzt, darunter einen prächtigen Running Boy aus der Villa dei Papiri in der antiken Stadt Herculaneum und eine entzückende Statue von Artemis und einem Hirsch (der Hirsch blickt mit Intelligenz und Treue zu ihr auf .) eines Hundes). Der Verlust des Boxers ist besonders bedauerlich, da er die Idee des Pathos perfekt repräsentiert, aber das lag außerhalb der Kontrolle der Galerie.

Die Ausstellung der National Gallery fühlt sich intimer an, und wenn es weniger „Wow“-Faktor gibt, gibt es besonders schöne Momente der Verbindung. Eine kleine Statue von Alexander zu Pferd ist vor einer Reproduktion eines Details aus dem Alexander-Mosaik zu sehen, einem weiteren Schatz, der in Pompejis Haus des Fauns gefunden wurde. Wenn Sie in der Tür stehen, die das dritte und vierte Zimmer verbindet, können Sie eine Statue eines Jungen sehen, der in einen Umhang gehüllt ist und ihn mit seinen Händen geschlossen hält. Der Junge sieht mürrisch und traurig aus, ein Teenager in jugendlicher Aufregung. In der anderen Richtung sind der Oberkörper und der Kopf eines Mannes, der 1992 in der Adria gefunden wurde. Er ist muskulös und massig und scheint finster zu wirken, und sein Gesichtsausdruck – befehlend oder brutal? entschlossen oder größenwahnsinnig? – nervt. Er hat etwas Schlimmes an sich.

Sie haben vielleicht das Gefühl, dass der Junge im Umhang zu dem Mann mit der dämonischen Energie im anderen Raum heranwachsen könnte. Und doch ist das unwahrscheinlich. Die Statue des Jungen war wohl ein Grabdenkmal, ein Detail, das seine Gereiztheit in unser Mitleid auflöst. Seine unter dem Umhang verborgenen Hände werden in gewisser Weise zu einem Zeichen seiner Entfernung aus der Welt. Gemeinsam spüren wir zwei verschiedene Zustände des Seins in der Welt, uns mit ihr auseinanderzusetzen oder in unsere eigene, abgegrenzte Ecke davon zu versinken.

Ähnlich wie die kreisenden Energien des müden Herakles ist der Dialog zwischen diesen beiden Figuren betörend – Jugend und Reife, Leben und Tod, Furcht einflößend und verängstigt. Sie mögen denken, wie John Keats es tat, als er eine uralte Urne betrachtete: „Du, stille Form, ziehst uns aus den Gedanken/Wie die Ewigkeit.“


Die National Gallery of Art bietet die seltene Gelegenheit, antike griechische Bronzen zu sehen

Die alten Athener betrachteten fast alle anderen als Barbaren, und dieser Snobismus hat sich im Laufe der Äonen auf uns herabgesenkt. Wenn wir an die griechische Zivilisation denken, denken wir an das Goldene Zeitalter Athens im 5. der Welt, und niemals Fremde durch fremde Handlungen von jeder Gelegenheit zum Lernen oder Beobachten ausschließen, obwohl die Augen eines Feindes gelegentlich von unserer Freigebigkeit profitieren können. . . . ”

Das hellenistische Zeitalter kam später, eingeleitet durch die Eroberungen Alexanders des Großen, eines Makedoniers, der noch ein bisschen wie Napoleon in Erinnerung ist, ein brillanter, rücksichtsloser Parvenu. Auch wenn Alexanders Reich nach seinem Tod zerfallen sein mag, trugen die Scherben dessen, was übrig blieb, die griechische Kultur voran, oft in erbitterter kultureller Konkurrenz miteinander, die jeweils Anspruch auf das griechische Erbe erhoben und es mit virtuosen Innovationen übertrafen. Und doch ist das hellenistische Erbe immer noch ein wenig suspekt, zu extravagant und übertrieben, wenn man es nach den Maßstäben Athens an seiner Machtspitze beurteilt.

Eine Ausstellung in der National Gallery of Art, „Macht und Pathos: Bronzeskulptur der hellenistischen Welt“, bietet eine wahrscheinlich einmalige Gelegenheit, einen wesentlichen Aspekt des hellenistischen Zeitalters zu studieren. Weltweit sind weniger als 200 Bronzen aus hellenistischer und klassischer Zeit erhalten, von denen etwa ein Viertel ausgestellt ist. Darunter befinden sich einige der bewegendsten und berühmtesten Kunstwerke aller Zeiten, darunter ein Apoxyomenos (Athlet mit Schabewerkzeug) aus dem Kunsthistorischen Museum in Wien, der erstaunliche Schlafende Eros aus dem Metropolitan Museum of Art in New York und ein Pferdekopf, der einst gehörte Lorenzo dem Prächtigen, dem Herrscher der Medici, und wurde von Donatello und Verrocchio bewundert.

Gehen Sie jetzt und gehen Sie noch viele Male, bevor die Ausstellung am 20. März schließt. Wenn Sie an der Welt verzweifeln, die wir geschaffen haben, ziehen Sie sich hierher zurück. Jedes einzelne Werk ist ein Tonikum, zusammengenommen sind sie ein Wunder.

Der Titel der Ausstellung bezieht sich auf die wesentliche Innovation hellenistischer Künstler, die Erweiterung der Skulptur von einem begrenzten Repertoire idealer Körper zu einer ausdrucksvolleren, naturalistischen und individualisierten Sprache. Bildhauer haben nie aufgehört, die Gelassenheit der Götter und die Vollkommenheit der Jugend darzustellen, aber sie umfassten auch die Alten und Gebrechlichen, die Ängstlichen und Sorgenvollen, die Sorgenvollen und Nachdenklichen. Neben Apollo und Athene kamen Bilder von Handwerkern, Dichtern und mürrischen Aristokraten in all ihrer fleischigen, bauchigen und ausschweifenden Pracht.

Unbekannter Künstler (hellenistische Bronze). „Tanzender Faun (Pan)“ c. 125-100 v. Chr. (Copyright Archivio dell'arte, Luciano Pedicini)

Obwohl Marmor das bevorzugte Medium zur Darstellung des Ideals war, insbesondere der Götter, wurde Bronze das bevorzugte Medium, um Bilder von gewöhnlichen Menschen zu machen. Es war zu gewagteren Formen fähig als Marmor. Haare könnten sich vom Kopf wegrollen, Arme könnten ohne Stützen ausgestreckt dargestellt werden. Es war auch möglich, mehrere Abgüsse derselben Form anzufertigen, so dass Tausende von Bronzen in der gesamten griechischen und frühen römischen Welt hergestellt wurden und sogar an den Rändern der damaligen Zivilisation gefunden werden konnten.

Um ein eindrucksvolles Gefühl dafür zu bekommen, wie hellenistische Künstler die Form verwendeten, verbringen Sie einige Zeit mit einer Skulptur, die als Tanzender Faun bekannt ist. Dies ist dieselbe Figur, die dem Haus des Fauns in Pompeji seinen Namen gab, und er existiert, wie so viele andere Werke in der Ausstellung, heute, weil er irgendwann in der Geschichte verloren ging – bei einem Unfall oder Schiffbruch, oder Gebäudeeinsturz oder in diesem Fall der Ausbruch des Vesuvs.

Die Gestalter der Ausstellung haben den Tanzenden Faun geschickt so positioniert, dass er von zwei bronzenen Apollo-Statuen flankiert wird, und der Apollos könnte nicht unterschiedlicher sein als die geile und entrückte Pan-Figur, die in lüsterner Glückseligkeit versunken ist. Obwohl beide hellenistischen Ursprungs sind, gehen die Apollos auf eine ältere, archaische Tradition zurück. Sie sind steif und relativ ausdruckslos, und ihre Gesichter sind allgemein schön, aber ohne individuelle Merkmale. Sie sollten an das anhaltende Interesse an älteren griechischen Formen appellieren, die Geschmacksbreite und das Interesse am Historismus beweisen. Sie wurden vielleicht für das spätgriechische und frührömische Publikum geschaffen, so wie manche Leute heute neu gemalte Werke in einem falschen Kolonialstil über dem Kamin platzieren.

Der Faun ist ein spektakuläres Werk, von seinem frechen kleinen Schwanz (der Art von Dingen, die aus Marmor unmöglich wären) bis zu seinen eichelgekrönten und wild ungepflegten Locken. Aber es ist auch kurios verspielt und verstörend zugleich. Sein Körper ist jung und geschmeidig, während das Gesicht scheinbar älter ist und von einem Leben geprägt ist, das die Griechen am meisten fürchteten, Exzess, Extremität und Wildheit. Er ist eine zusammengesetzte Figur, die sowohl das Ideal als auch das Verderben der Schönheit vereint.

Eine kleine Statue des müden Herakles ist in mancher Hinsicht ähnlich. Der muskulöse Held steht getragen von seiner Keule, über die die Haut des nemeischen Löwen drapiert ist. Sein linker Arm ist ungeschickt über der Keule positioniert, und sein Gesicht und sein Blick sind nach unten gerichtet, um das Werkzeug und den Lohn seiner Arbeit zu betrachten. Die Keulen- und Löwenhaut verformt jedoch die Perfektion seines Körpers, lässt ihn unproportioniert und leicht grotesk wirken. Er. auch ist eine zusammengesetzte Figur, Sohn des Zeus und des sterblichen Alkmene, und er ist in einem Moment des Widerspruchs gefangen: Erfolg und Erschöpfung, Leistung und Erschöpfung. Die Arbeit hat eine Art kreisförmiger Energie, die mit seinen Augen beginnt, durch seine Keule fließt und auf der rechten Seite des Körpers nach oben zurückkehrt, um eine Bedeutungsschleife zu bilden, eine endlose Nachstellung dessen, wie Menschen so oft durch das Äußerste zermahlen werden Größe, die sie suchen.

Diese Ausstellung ist die dritte Iteration einer Ausstellung, die im März im Palazzo Strozzi in Florenz begann und im Getty Museum in Los Angeles zu sehen war. Es unterscheidet sich deutlich von der im Getty präsentierten Show, die ein atemberaubendes Stück enthielt – einen sitzenden Boxer – das nach Rom zurückgebracht werden musste, bevor es hierher reisen konnte. Das Getty enthielt auch eine atemberaubende Gegenüberstellung von zwei Bronzeversionen des Apoxyemenos und einer Bronze-und-Marmor-Version des Spinario (Junge entfernt einen Dorn von seinem Fuß). Anstelle dieser Werke hat die National Gallery andere ersetzt, darunter einen prächtigen Running Boy aus der Villa dei Papiri in der antiken Stadt Herculaneum und eine entzückende Statue von Artemis und einem Hirsch (der Hirsch blickt mit Intelligenz und Treue zu ihr auf .) eines Hundes). Der Verlust des Boxers ist besonders bedauerlich, da er die Idee des Pathos perfekt repräsentiert, aber das lag außerhalb der Kontrolle der Galerie.

Die Ausstellung der National Gallery fühlt sich intimer an, und wenn es weniger „Wow“-Faktor gibt, gibt es besonders schöne Momente der Verbindung. Eine kleine Statue von Alexander zu Pferd ist vor einer Reproduktion eines Details aus dem Alexander-Mosaik zu sehen, einem weiteren Schatz, der in Pompejis Haus des Fauns gefunden wurde. Wenn Sie in der Tür stehen, die das dritte und vierte Zimmer verbindet, können Sie eine Statue eines Jungen sehen, der in einen Umhang gehüllt ist und ihn mit seinen Händen geschlossen hält. Der Junge sieht mürrisch und traurig aus, ein Teenager in jugendlicher Aufregung. In der anderen Richtung sind der Oberkörper und der Kopf eines Mannes, der 1992 in der Adria gefunden wurde. Er ist muskulös und massig und scheint finster zu wirken, und sein Gesichtsausdruck – befehlend oder brutal? entschlossen oder größenwahnsinnig? – nervt. Er hat etwas Schlimmes an sich.

Sie haben vielleicht das Gefühl, dass der Junge im Umhang zu dem Mann mit der dämonischen Energie im anderen Raum heranwachsen könnte. Und doch ist das unwahrscheinlich. Die Statue des Jungen war wohl ein Grabdenkmal, ein Detail, das seine Gereiztheit in unser Mitleid auflöst. Seine unter dem Umhang verborgenen Hände werden in gewisser Weise zu einem Zeichen seiner Entfernung aus der Welt. Gemeinsam spüren wir zwei verschiedene Zustände des Seins in der Welt, uns mit ihr auseinanderzusetzen oder in unsere eigene, abgegrenzte Ecke davon zu versinken.

Ähnlich wie die kreisenden Energien des müden Herakles ist der Dialog zwischen diesen beiden Figuren betörend – Jugend und Reife, Leben und Tod, Furcht einflößend und verängstigt. Sie mögen denken, wie John Keats es tat, als er eine uralte Urne betrachtete: „Du, stille Form, ziehst uns aus den Gedanken/Wie die Ewigkeit.“


Schau das Video: Stil-Epochen: AntikeGriechenland 1 (Januar 2022).