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Terrakotta-Bulle aus Zypern

Terrakotta-Bulle aus Zypern


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Das Wort Terrakotta stammt buchstäblich aus der italienischen Übersetzung "gebackene Erde" und seine Verwendung auf der ganzen Welt hat einen herausragenden Platz in der Geschichte (und wird auch heute noch häufig verwendet).

Einer der frühesten Bezugspunkte war die prähistorische Kunst, wobei einige der ältesten Keramiken der Zeit bereits 24.000 v. Chr. Gefunden wurden. Interessanterweise handelte es sich bei diesen frühen Stücken um paläolithische Terrakotta-Figuren und nicht um Kochgefäße, wie Sie vielleicht erwarten würden, was zeigt, wie weit Terrakotta in der Kunst verwendet wurde. Die vielleicht berühmteste Verwendung von Terrakotta in der Kunst war Chinas Terrakotta-Armee, eine großartige Sammlung von Terrakotta-Figuren von über 8.000 Soldaten und 520 Pferden. Es wurde im Mausoleum des Ersten Kaisers Chinas, des Kaisers Qin Shi Huang (246 bis 208 v. Chr., aber erst 1974 von lokalen chinesischen Bauern entdeckt) gefunden. Terrakotta wird aufgrund seiner dicken und formbaren Textur und seiner leichten Formbarkeit weithin für die Bildhauerei bevorzugt. Es ist ein viel einfacheres Material als beispielsweise Marmor oder Bronze. Terrakotta hat auch eine enge Verbindung zur Architektur, am häufigsten bei Dachziegeln und Mauerwerk, da es unglaublich langlebig, schön in der Farbe und einer der billigsten Tone für die Verarbeitung ist.

Es ist auch ein Material mit einem geringeren Brandrisiko in Gebäuden. Terrakotta wird auch sehr häufig verwendet, um Blumentöpfe und sehr dekorative Geschirrteller herzustellen.


Im alten Stierkult

König Minos und der Minotaurus sind nach wie vor von Mysterien und Mythologie umhüllt, doch es gibt zahlreiche Beweise für einen bronzezeitlichen „Bullenkult“ in den minoischen Palästen. Waren Bullen nur zur Unterhaltung oder hatten sie eine tiefere Bedeutung?

Detail aus dem Stiersprungfresko aus dem minoischen Palast von Knossos.

Es war die griechische Mythologie, wie sie in den Werken von Homer und Apollodorus dargestellt wird, die Antiquare zuerst dazu veranlasste, nach der sagenumwobenen Inselkultur von König Minos zu suchen, dem Hintergrund, vor dem der Kampf des Helden Theseus mit dem Minotaurus angeblich ausgetragen wurde. Das Interesse an der Suche nach „homerischen“ Stätten der vorklassischen griechischen Welt wurde 1870 geweckt, als der bahnbrechende Archäologe Heinrich Schliemann behauptete, die Stadt Troja identifiziert zu haben.

Seine späteren Ausgrabungen in Mykene, in der argolidischen Region des griechischen Festlandes, brachten bald weitere spektakuläre Beweise für ein „Zeitalter der Helden“ zutage, darunter die sogenannte „Goldmaske von Agamemnon“. 1876 ​​war Schliemann überzeugt, dass die epischen Gedichte von Homer tatsächlich zuverlässige historische Dokumente waren, und als er sich Kreta zuwandte, wurden weitere sensationelle Enthüllungen erwartet, diesmal über die untergegangene Zivilisation von König Minos. Schliemann konnte jedoch keine Grabungsgenehmigung erhalten und erst 1899 wurde die Stätte von Knossos unter der Leitung von Sir Arthur Evans erkundet.

Wie sein Vorgänger war sich Evans der Mythologie Kretas und der antiken Reiseberichte von Pausanias bewusst, aber er wurde hauptsächlich von seinem Ehrgeiz angezogen, die Ursprünge der griechischen Sprache zu ermitteln. Seine Ausgrabungen brachten die merkwürdigen Linear-B-Tafeln hervor, die sich bis 1952 der Entzifferung widersetzten, als die herausragenden Forschungen von Michael Ventris und John Chadwick bewiesen, dass die alte kretische Schrift der Vorläufer des archaischen Griechisch war.

Die Tafeln hatten Evans besiegt, aber er blieb mit dem Triumph zurück, den riesigen königlichen Komplex von Knossos ausgegraben zu haben, von dem er Teile auf umstrittene Weise "restaurierte". Evans war sich sicher, dass er den königlichen Sitz von König Minos entdeckt hatte. Er nannte die gesamte bronzezeitliche Zivilisation der Insel „minoisch“, nach dem mythischen König. Der zwischen 1922 und 1935 veröffentlichte Bericht über die Ausgrabungen von Knossos trug den grandiosen Titel Der Palast von Minos.

Wie im Fall von Schliemanns Entdeckung der seiner Meinung nach homerischen Stadt Troja, ist ein Großteil der Romanze, die die Funde von Knossos umgab, nun zerstreut. König Minos und der Minotaurus sind nach wie vor in Mysterien und Mythologie gehüllt, doch Evans’ vollendete Leistung war die Darstellung der Überreste einer Kultur, in der das Bild des Stiers eine unheilvolle Bedeutung hatte.

Kretische Maler, Bildhauer und Metallarbeiter haben der Nachwelt eine Fülle von Szenen und Artefakten hinterlassen, die zeigen, dass der Stier und der damit verbundene „Stiersport“ im Leben der bronzezeitlichen Bewohner der Insel eine herausragende Rolle spielten. Die genaue Bedeutung des Bullenbildes hat in diesem Jahrhundert viele Spekulationen ausgelöst, da die fortschreitenden Ausgrabungen unser Wissen über die minoische Kultur erweitert haben.

Viele alte Völker respektierten den Stier als Symbol für Stärke und Fruchtbarkeit, seine Größe, Kraft und Potenz beeindruckten die Menschen seit vielen Jahrtausenden. Das bronzezeitliche Kreta stellt jedoch einen Sonderfall dar, das nicht nur statische Darstellungen des Stiers selbst hervorgebracht hat, sondern auch die hochbeweglichen Figuren der Stierspringer, junge Menschen beiderlei Geschlechts, die mit einer Aufladung offenbar erstaunliche akrobatische Kunststücke vollbringen Bull genauso wie moderne Turner ein feststehendes Gerät benutzen könnten.

Der Palast von Knossos brachte die berühmte Freskomalerei mit dem „Stiersprung“ hervor. Siegel und Siegel, die an mehreren Stellen gefunden wurden, tragen das Motiv der Stierhörner. Springer“ wurden in einer Vielzahl von Aktivitäten dargestellt und wurden aus einer Vielzahl von Materialien hergestellt, darunter Bronze, Elfenbein und Terrakotta.

Zuerst dachte man, der "Stierkult" sei auf die königlichen Bezirke von Knossos beschränkt, aber eine Untersuchung der Paläste in Phaistos und Malia, des "Sommerpalastes" in Hagia Triada und anderer wichtiger Stätten in Zakro, Armenoi und Pseira, hat nachgewiesen, dass das Phänomen auf der ganzen Insel ziemlich verbreitet war.

Wie bereits erwähnt, hatte der Stier die Menschen sowohl vor als auch nach der ägäischen Bronzezeit fasziniert. Paläolithische Höhlenmalereien aus Lascaux in Frankreich, die die Stärke und Wildheit des Bisons darstellen, wurden durch Radiokarbonanalyse auf ca. 13.500 v. Chr. datiert. Die Zivilisationen, die in Anatolien und Mesopotamien zwischen 6000 v Ur.

Das Thema des Stiers hielt sich jahrhundertelang in der Kunst des Nahen Ostens und gipfelte in den monumentalen geflügelten Stieren der neuassyrischen Zeit. Über die mögliche magisch-religiöse Bedeutung solcher Objekte wurde viel spekuliert. Die alten Ägypter beobachteten den religiösen Kult von Apis, dem Stier von Memphis, und verehrten auch Mnevis, eine kleinere Gottheit, die die Form eines riesigen, schwer gebauten schwarzen Stiers annahm. Lange nach dem Ende der ägäischen Bronzezeit schmückten die etruskischen Völker Italiens ihre Grabausstattung mit Stierszenen, ähnlich wie es die Kreter getan hatten.

Griechische Vasenmaler des 6. Jahrhunderts v Malerausstellung. Die Bulle hatte bis in die Zeit Roms noch Bedeutung Cato berichtet von der rustikalen Zeremonie der Lustration, die Säuberung und Reinigung des Landes, bei der ein Opferstier um das betreffende Feld geführt wird, bevor sein Blut über den Boden gestreut wird.

Der Reichtum an Stierbildern, die auf Kreta gefunden wurden, ermutigte Archäologen, einige der ähnlichen Gegenstände, die anderswo gefunden wurden, neu zu bewerten. Die Aufmerksamkeit richtete sich insbesondere auf zwei Goldbecher, die „mykenisch“ genannt wurden und etwa 20 Jahre vor den Ausgrabungen in Knossos in Vapheio in der Nähe von Sparta entdeckt wurden. Diese reich gearbeiteten Gefäße im sogenannten „Teetassen-Stil“ zeigten Szenen, die einigen auf Kreta sehr ähnlich waren, insbesondere ein Rhyton aus der Hagia Triada. Das erste Vapheio-Cup-Relief zeigt, was anscheinend ein Stier ist, der an seinem Hinterbein angebunden ist, mit einem zweiten Stier, der in der Nähe liegt, aber der "zweite Stier" ist tatsächlich eine Kuh, die wahrscheinlich als Lockvogel verwendet wird, um den Stier anzuziehen, der damals war durch versteckte Fänger geschickt angeseilt.

Der Kopf des Stiers ist erhoben, sein Ausdruck ist wütend. Die zweite Tasse zeigt Jäger im typisch kretischen Stil mit schmaler Taille, die versuchen, einen Stier zu umgarnen, indem sie ein Netz zwischen zwei Bäumen aufhängen. Auf dem nächsten Relief sieht man, dass der Stier anscheinend fest verstrickt ist, aber die letzte Szene zeigt, dass der Stier sich befreit und einen seiner Möchtegern-Fänger niedergetrampelt hat, während ein zweiter, der für ein Mädchen gehalten wird, sich scheinbar umgibt die Hörner des Stiers. Das Thema, die Figuren und der Verarbeitungsstil sind alle typisch kretisch, obwohl die Tassen trotz ihres Standorts in Vapheio wahrscheinlich aus Kreta importiert oder auf dem griechischen Festland von kretischen Goldschmieden hergestellt wurden.

Die nicht ganz so sanfte Kunst des Stierfangs wird ähnlich auf einem der Reliefs der Hagia Triada Rhyton aus Südkreta dargestellt, ein junger Mann ist in der Nähe eines Stiers abgebildet, der jedoch keinerlei sportliche Aktivität ausübt. Er ist dabei, den Stier zu fangen. Und ein Gemälde auf einer Kristalltafel aus Knossos zeigt, wie ein Seil verwendet wird, um einen Stier zu fangen, die Ähnlichkeit mit dem Thema der Vapheio Cups ist unausweichlich.

Der mit Abstand umstrittenste Fund aus Knossos war das berühmte Freskogemälde „Stiersprung“. Die um 1500 v. Chr. ausgeführte Szene wurde in einem kleinen Gehege im Ostflügel des Königspalastes entdeckt und soll einst Teil eines Frieses gewesen sein. Ein riesiger Bulle stürmt nach vorne, ein gebräuntes Männchen scheint auf seinem Rücken einen Salto zu vollführen, während zwei Begleiter oder Mitstreiter, die in hellen Farben als Weibchen bemalt sind, darauf warten, den Darsteller zu fangen oder zu stabilisieren. Sir Arthur Evans hatte keine Zweifel an der Interpretation dieser erstaunlichen Szene:

die Akrobatin vorne greift in vollem Galopp die Hörner des Coursingbullen, von denen eines unter ihrer linken Achsel zu laufen scheint. Das Ziel ihres Griffs scheint eindeutig zu sein, einen Halt für einen Rückwärtssalto über den Rücken des Tieres zu finden, wie er von dem Jungen ausgeführt wird. Die zweite Darstellerin hinten streckt beide Arme aus, als wollte sie die fliegende Figur fangen oder zumindest stabilisieren, wenn sie richtig auf die Erde kommt.

Angesichts unseres Verständnisses von Gymnastik erscheint eine solche Leistung wie die von Evans skizzierte höchst unwahrscheinlich. Viele Autoritäten, darunter Sir Denys Page und Professor John Chadwick, haben argumentiert, dass es selbst für den am besten trainierten Athleten physisch unmöglich gewesen wäre, einen Rückwärtssalto auf dem Rücken eines mit voller Kraft stürmenden Bullen auszuführen, geschweige denn, erwischt zu werden durch einen Assistenten.

Amerikanische „Steer-Wrestler“, die eine ähnliche Sportart aus erster Hand erfahren haben, haben darauf bestanden, dass es unmöglich gewesen wäre, die Hörner des Stiers als die Kraft des Angriffs überhaupt zu fassen – dreimal so viel eines „Stiers“ – hätte jeden, der vor oder neben dem Bullen stand, aus dem Gleichgewicht gebracht und die Gefahr, ernsthaft aufgespießt zu werden, liegt auf der Hand.

Kunsthistoriker haben behauptet, dass die Szene durch das Versagen des Künstlers erklärt werden kann, Perspektive zu zeigen, und dies würde die scheinbar unmöglichen Positionen der Teilnehmer erklären. Auf Siegeln und Siegeln sind noch andere Stiersprungszenen zu finden, die eine Vielzahl von akrobatischen Fähigkeiten darstellen. Manchmal landet der Darsteller mit den Händen voran, manchmal mit den Füßen zuerst auf dem Rücken des Stiers. Solche Szenen können nicht ausschließlich der Phantasie des Künstlers entsprungen sein.

Das Ziel der Übung könnte darin bestanden haben, den Stier zum Angriff anzuregen und dann im entscheidenden Moment hoch in die Luft zu springen und die Beine so anzuziehen, dass der Stier darunter hindurchgehen kann, ohne dass es zu Kontakt kommt gemacht. Dieses Manöver hätte durchaus erfolgreich sein können, vorausgesetzt, der Bulle stürmte nicht mit großer Geschwindigkeit. Alternativ hätten Akrobaten Purzelbäume und Handstände über den Rücken des Stiers ausführen können, während das Tier still stand, oder indem sie sich ihm aus einem Winkel außerhalb seines Sichtfeldes näherten. Ein Siegel zeigt einen seitlichen Sprung über einen liegenden Stier.

Trotzdem muss das Risiko von Tod oder schwerer Verletzung erschreckend hoch gewesen sein. Wir werden vielleicht nie die genaue Art der ausgeführten Sprünge erfahren, da, wie trocken beobachtet wurde, nur wenige der Spitzensportler der Welt bereit zu sein scheinen, die Theorien auf die Praxis zu testen. Aufgrund der offensichtlichen Gefahren des Stiersprungs stellt sich immer die Frage, ob die Darsteller freiwillig mitmachen oder dazu gezwungen wurden? Waren die „Stiersportarten“ eine raffinierte Form des Menschenopfers?

Ein Studium der griechischen Mythologie lieferte interessante Einblicke in die Materie, aber die Frage kann anhand der archäologischen Beweise nicht beantwortet werden. Es erscheint unwahrscheinlich, dass die Kreter dem Stier Menschenopfer darbrachten, da sie ihn nicht als Hauptgottheit verehrten. Auch die Frage nach der willigen Teilnahme der Stierkämpfer ist nicht zu beantworten, sondern bleibt ein Thema für Spekulationen.

Die Stierspringer zeigen sich ausnahmslos jung, schlank, geschmeidig und wohlproportioniert, sowohl Jungen als auch Mädchen. Sie sind mit einem Lendenschurz bekleidet, tragen Schmuckarmbänder, Arm- und Knöchelgamaschen. Sie sind langhaarig, die Haare meist gekräuselt. Die Beteiligung von Frauen am Stierkult war nicht besonders bemerkenswert, eine Gesellschaft, die Frauen häufig als „Göttinnen“ in unterschiedlichen Formen darstellte, hätte daran nichts Ungewöhnliches gesehen. Die Stierspringer sind unbewaffnet, ihre Tätigkeit entsprach nicht einem Stierkampf, sondern eher einer Darbietung sportlichen Könnens.

Es gibt wenig klare Informationen zum Thema Standort der Stiersprungbrille. Kreta hat nichts an Stierkampfarenen oder Amphitheatern, wie wir sie kennen, hervorgebracht. Es wurde vorgeschlagen, dass in Knossos der Bereich zwischen dem Fluss und den Prunkräumen eine günstige Lage für die Inszenierung solcher Veranstaltungen gewesen wäre, aber sie hätten ebenso gut im großen zentralen Innenhof des Palastes selbst untergebracht werden können.

Die Untersuchung der Pläne anderer Paläste, insbesondere der Paläste von Phaistos und Malia, zeigt eine ähnliche Konstruktionsform und bietet daher keine schlüssige Lösung des Problems. Traditionell dachte man, dass der Stiersprung nur zum Wohle der Mitglieder des königlichen Hofes durchgeführt worden wäre, aber die moderne Meinung glaubt, dass das Ereignis in der Öffentlichkeit stattgefunden hätte. Aber dienten die Bullensportarten nur der Unterhaltung oder hatten sie eine tiefere Bedeutung?

Es gibt eine Szene aus einem bemalten Kalksteinsarkophag aus der Hagia Triada, die einen Stier auf einem Opfertisch gefesselt zeigt, während eine Priesterin an einem Altar Trankopfer darbringt, daraus folgt, dass der Stier wohl kaum als Opfertier gesehen worden wäre eine eigene große Gottheit. Die Menschen auf Kreta erkannten wie in vielen anderen alten Gesellschaften den Stier als Symbol der Stärke und glaubten wahrscheinlich, dass das Blut des Stiers bestimmte magische Eigenschaften hat. Neuere Arbeiten zu den Linear-B-Tafeln argumentieren, dass die Kreter Prototypen einiger der klassischen griechischen Gottheiten verehrten.

Sie scheinen auch die Muttergöttin in einer Vielzahl von Formen verehrt zu haben, obwohl die Insel weder Tempel noch monumentale Votivskulpturen aufweist, gibt es viele Miniaturabbildungen der Frau, der Göttin der Natur, die normalerweise in Begleitung ihrer "Untertanen" gezeigt wird. die Schlange, die Taube und der Stier. Es wird angenommen, dass die Muttergöttin eine Naturgöttin war, die Göttin der Tiere, die Hüterin der Erde, des Meeres und der Ernte.

Dass der Stier in einer solchen Gesellschaft einen herausragenden Platz einnehmen sollte, war ganz natürlich, seine Kraft und Potenz bildeten eine wichtige Ergänzung zur Aura der Muttergöttin. Die Stierspringer werden ausnahmslos als jung und schön gezeigt, der Stier wird normalerweise als wild und kraftvoll gezeigt. Man konnte sehen, dass der Stiersprung fast die Elemente von „Die Schöne und das Biest“ kombinierte, die für die Kreter durchaus eine magisch-religiöse Bedeutung gehabt haben mögen. Wandgemälde veranschaulichen, dass die Muttergöttin auf die Stiersportarten herabschaute, ein weiterer Faktor, der argumentiert, dass das Spektakel eine Form religiöser Symbolik hatte.

Der Stierkopf-Rhyton aus Knossos könnte als Trankopfer bei religiösen Zeremonien verwendet worden sein. Aus Speckstein gefertigt, war es ein außergewöhnlich filigranes Stück die Augen, aus lackiertem Bergkristall einen schimmernden Effekt erzeugen und die Schnauze ist ein schönes Beispiel für Muschelarbeit. Für den einfachen, alltäglichen Gebrauch als Trinkgefäß wäre ein solches Gefäß viel zu aufwendig gewesen. Die Fundstelle von Pseira im Osten Kretas hat auch einige ungewöhnliche Rhytons in Terrakotta hervorgebracht, die aus einer Form hergestellt wurden, deren Größe darauf hindeutet, dass es sich sowohl um Votivobjekte als auch um Ausgießer handelte. Sie nehmen die Gestalt eines Stiers in statischer, stehender Pose an.

Sir Arthur Evans glaubte, dass der Stier für die alten Kreter eine noch größere Bedeutung hatte, als gezeigt wurde. Im Keller eines kleinen Hauses in Knossos fand er die Skelettköpfe von zwei Bullen, „von denen der Hornkern an der Basis über 30 cm dick war“. Eine Zeile aus Buch XX von nehmen Die Ilias („Bei Bullen macht der Earth-Shaker Freude“), argumentierte Evans, dass es einen Zusammenhang zwischen dem Brüllen eines Stiers und dem Grollen eines Erdbebens gegeben haben muss, dem das bronzezeitliche Kreta häufig ausgesetzt war.

Er selbst behauptete, Zittern erlebt zu haben, bei denen „ein dumpfes Geräusch aus dem Boden kam, wie das gedämpfte Brüllen eines wütenden Stiers“. Vielleicht begann die Romantik gegenüber der Vernunft die Oberhand zu gewinnen. Aber bestand nicht die geringe Möglichkeit, dass die Kreter ähnliche Empfindungen erlebt haben? Es ist kaum eine wissenschaftliche Erklärung für die Bedeutung des Stierkults an sich. Aber wenn wir uns an die Ehrfurcht erinnern, mit der alte ländliche Gesellschaften den Stier als Symbol für Macht und Fruchtbarkeit behandelten, und angesichts der seismographischen Schwankungen in der Ägäis, können wir es wagen, die Idee ganz zu verwerfen?

Dieser Artikel erschien ursprünglich in der April-Ausgabe 1978 von Geschichte heute.


Das Heiligtum von Kako Plaï

  • 4 Siehe z.B. die in Pilz 2015, Abb. 2-3 abgebildeten Fragmente.
  • 5 Eliopoulos 2004 Gesell 2004 Tsipopoulou 2009.
  • 6 Für eine Übersicht siehe Gaignerot-Driessen 2014.

2 Während der Untersuchung im Jahr 2015 wurden die von Demargne bei Kako Plaï geöffneten Gräben lokalisiert und weiteres koroplastisches Material, das dem von 1929 sehr ähnlich war, von der Oberfläche gesammelt. Einige potenzielle Mauerlinien und eine anomale Ansammlung von Kalkschutt wurden auch auf der Terrasse unmittelbar darüber festgestellt, wo im Sommer 2017 ein kleines Einzimmergebäude mit einer Bank ans Licht kam. Innerhalb und unmittelbar außerhalb des Gebäudes wurden in gestörten Zusammenhängen Fragmente daedalischer Tafeln und archaischer bis klassischer Figuren gefunden. Auf dem Boden im südwestlichen Teil des Raumes wurde ein protogeometrischer Skyphos in situ gefunden, während in der südöstlichen Ecke der Kopf einer weiblichen Terrakottafigur (Abb. 2) offensichtlich von der Bank gefallen war. Möglicherweise gehören einige der Fragmente, die Demargne 1929 4 gesammelt hat, tatsächlich zu derselben Figur. Ikonographisch und technisch erinnert der Kopf deutlich an die großen, radgefertigten Figuren mit erhobenen Armen, die in LM IIIC-Bankheiligtümern üblich sind, insbesondere an den benachbarten Stätten von Kephala Vasilikis, Vronda und Chalasmenos. 5 Die Figur von Kako Plaï muss jedoch etwas kleiner gewesen sein und hat nicht die für die LM IIIC-Beispiele charakteristischen Tiara und Attribute. Darüber hinaus wurde es allein in einem außerstädtischen Gebäude gefunden, während die LM IIIC-Figuren mit erhobenen Armen im Allgemeinen in Gruppen in städtischen Heiligtümern auftreten und mit einer Reihe von Gefäßen (Kalathoi, Röhrenständer und Plaketten) verbunden sind, die in der gleiches Tongewebe. 6 Aufgrund dieser Beobachtungen und des Fundkontextes kann der Kopf aus Kako Plaï vorläufig in die LM IIIC – Protogeometrische Periode datiert werden. Schließlich ist es erwähnenswert, dass sowohl die Figur als auch der Skyphos bis zur letzten Nutzung des Gebäudes in klassischer Zeit, wenn nicht später, im Heiligtum am Kako Plaï ausgestellt waren.

Abb. 2 Kopf einer Figur von Kako Plaï.


Terrakotta-Skulptur (ca. 26.000 v. Chr. - 1900)


Sarkophag der Ehegatten
(spätes 6. Jahrhundert v. Chr.)
Nationales Etruskermuseum,
Villa Giulia, Rom.

In der bildenden Kunst wird das Wort Terrakotta ("gebackene Erde") am häufigsten verwendet, um eine Art Skulptur, unglasierte Keramikkunst oder dekorative Architektur zu beschreiben, die aus einem groben, porösen Ton besteht, der für seine Vielseitigkeit, Billigkeit und Haltbarkeit bekannt ist. Darüber hinaus werden seit der Ära der mesopotamischen Kunst entlang des Tigris und des Euphrat und der ägyptischen Kunst entlang des Nils Terrakotta-Ziegel und -Fliesen jahrhundertelang beim Bau von Wohn- und Bürgerbauten verwendet. Terrakotta war in der antiken Kunst weit verbreitet, insbesondere in der chinesischen Keramik (ab 10.000 v. Chr.) und in der griechischen Keramik (ab 7.000 v. Chr.), sowie in der mesopotamischen und ägyptischen Skulptur sowie in der minoischen Kunst auf Kreta und in der etruskischen Kunst auf dem italienischen Festland. Terrakotta-Statuen waren in der griechischen Architektur weit verbreitet - insbesondere für die Tempeldekoration -, während Terrakotta-Reliefs ein gemeinsames Merkmal der römischen Architektur waren. Die Kunst der Terrakotta wurde während der italienischen Renaissance wiederbelebt und erlebte im 19. Jahrhundert eine weitere Belebung.

Wie man Terrakotta herstellt

Terrakotta wird normalerweise aus einer ziemlich groben, porösen Art von Ton hergestellt. Dies wird zuerst geformt (oder gemeißelt), dann gebrannt, bis es hart ist. In der Antike ließ man es später in der heißen Sonne aushärten, es wurde in primitiven Öfen gebacken, die in der Asche von offenem Feuer entstanden. Schließlich wurde es in speziellen Öfen, den sogenannten Öfen, gebrannt (bei etwa 1000°C). Nach dem Brennen nimmt der Ton eine bräunlich-orange Farbe an, die von einem erdigen Ocker bis hin zu Rot reicht. Gebackene Terrakotta ist nicht wasserdicht, dafür ist eine Glasurschicht erforderlich. Manchmal wird recycelte Terrakotta ("grog") mit frischem Ton vermischt, um eine neue Charge des Materials herzustellen. Terrakotta-Objekte sind viel einfacher und billiger herzustellen, zu replizieren und zu dekorieren als Stein- oder Bronzeobjekte: sogar Formen können wiederverwendet werden. Obwohl Terrakotta normalerweise unglasiert bleibt, können mit einer Vielzahl von Glasuren verschiedene Farben und Texturen erhalten werden.

Terrakotta wurde erstmals in der prähistorischen Kunst verwendet, wie die bemerkenswerten Venus von Dolni Vestonice (26.000-24.000 v. Chr.), gefunden in einer Ascheschicht eines paläolithischen Lagers in Mähren. Altsteinzeitliche Terrakottafiguren wurden in primitiven Brennöfen gebrannt, die unter offenem Feuer geschaffen wurden. Berühmte Terrakotta-Figuren aus der Zeit der Jungsteinzeit sind: Figur der thronenden Göttin (ca. 6.000 v. Chr.) aus Catalhuyuk, Anatolien, und Der Denker von Cernavoda (5000 v. Chr.) aus der unteren Donauregion in Rumänien. Künstler aus der Bronze- und Eisenzeit setzten die Terrakotta-Tradition fort, siehe zum Beispiel die weiblichen Fruchtbarkeitskultfiguren, die in Mohenjo-daro, Pakistan (3000-1500 v. Chr.) ausgegraben wurden, und Die Burney-Entlastung (um 1950 v. Chr.) aus dem alten Mesopotamien. In China haben sich Töpfer und Bildhauer gleichermaßen geschickt im Umgang mit Ton bewährt. Tatsächlich ist die chinesische Kunst für die größte jemals gefundene Sammlung von Terrakotta-Skulpturen verantwortlich - Die Terrakotta-Armee (246-208 v. Chr.). (Siehe unten.) Eine Übersicht über die Prinzipien, die der orientalischen Skulptur zugrunde liegen, finden Sie unter: Traditionelle chinesische Kunst. Weitere Informationen zur Entwicklung der Skulptur in China finden Sie unter: Chinese Art Timeline (ca. 18.000 v. Chr. - Gegenwart).

Frühägyptische, minoische, mykenische, griechische und etruskische Kulturen aus dem gesamten Mittelmeerraum verwendeten Terrakotta für figurative Werke - wie die Tanagra-Figuren aus Böotien in Mittelgriechenland - und für verschiedene Arten der dekorativen Kunst und der architektonischen Ornamentik. Es wurde insbesondere während der hellenistischen Kunst (323-30 v. Chr.) von Bildhauern häufig verwendet. Es wurde auch in der frühchristlichen Kunst für Grabreliefs verwendet (ab ca. 200 n. Chr.).

Terrakotta war auch in der Skulptur Afrikas südlich der Sahara beliebt: Es wurde zuerst von der mysteriösen Nok-Kultur Nigerias um 1000 v. Chr. Und von der Igbo-Kultur im Osten Nigerias entwickelt. Es war auch ein Merkmal der präkolumbianischen Kunst, beginnend mit der Olmekenkultur (1000-500 v. Chr.).

Nach dem Zusammenbruch des Römischen Reiches (ca. 450) ging die Verwendung von Terrakotta dramatisch zurück. Erst in der Frührenaissance wurde es als künstlerisches Medium richtig belebt. Donatello und Lorenzo Ghiberti gehörten zu den ersten Renaissance-Bildhauern, die das Potenzial von Terrakotta für die Darstellung christlicher Kunst (insbesondere des Jungfrau und Kind): eine Entdeckung, die durch ihre genaue Kenntnis der Bronzeskulptur zustande kam - die Verwendung von Ton war für die Herstellung von Bronzestatuen von zentraler Bedeutung. Schon bald wurde Ton geformt, um Andachtsbilder und andere Figuren nachzubilden, die dann gebrannt, bemalt und vergoldet wurden, wodurch eine kostengünstige Alternative zu teureren Materialien wie Marmor und Bronze entstand. Andere Künstler, darunter die Familie Della Robbia, machten die Verwendung von glasierter Terrakotta für Reliefskulpturen und kirchliche Altarbilder populär. Siehe zum Beispiel die Kanzelreliefs für Santa Croce in Florenz (1481) des Florentiner Künstlers Benedetto da Maiano. Weitere Details zu den Della Robbias finden Sie in Werken von Luca della Robbia sowie seinem Neffen Andrea della Robbia. Terrakotta wurde auch in der Porträtkunst der Renaissance verwendet, wie das wunderbare Beispiel zeigt Büste von Kardinal Giovanni de' Medici (später Papst Leo X.) (um 1512, Victoria and Albert Museum) von Antonio de' Benintendi. Terrakotta-Modelle wurden auch von den meisten Bildhauern bei der Einreichung von Entwürfen oder bei der Erstellung von Studien für größere Skulpturen oder für Gemälde verwendet.

Kurz gesagt, die Renaissance-Skulptur hat Terrakotta wieder als wichtiges Medium des künstlerischen Ausdrucks und der Kreativität etabliert. In der Epoche der barocken Bildhauerei wurde die Tradition von Bernini (1598-80) und Alessandro Algardi (1598-1654) insbesondere im Bereich der Reliefskulpturen und Porträtbüsten weiterentwickelt. Im 18. Jahrhundert wurde Terrakotta wegen seiner dekorativen Eigenschaften erforscht, während der große Antonio Canova (1757-1822) es weiterhin für Modelle verwendete, bis er es Anfang des 19. Jahrhunderts durch Gips ersetzte.

Verwendung von Terrakotta in der Architektur

Während der 1860er Jahre in England und der 1870er Jahre in Amerika begannen Architekten, unglasierte Terrakotta zu verwenden, um die Außenflächen von Gebäuden zu dekorieren. So wurde es beispielsweise an mehreren Gebäuden in Birmingham an der kunstvollen Terrakotta-Fassade des Natural History Museums, in London am Victoria and Albert Museum (1859㫟) und der Royal Albert Hall (1867㫟) verwendet. Zuvor, 1842-45, war die St. Stephen and All Martyrs' Church an der Lever Bridge in Bolton fast vollständig aus Terrakotta gebaut worden. Interessanterweise wurde Terrakotta als Baumaterial von der Arts and Crafts-Bewegung zugelassen, da es als handgefertigtes Material galt, das von Handwerkern entworfen wurde.

In Amerika konvertierte die Chicago School of Architecture früh zu Terrakotta. Der Architekt Louis Sullivan (1856-1924) zum Beispiel wurde für seine aufwendigen glasierten Terrakotta-Dekorationen bekannt, die in keinem anderen Medium äußerst schwer herzustellen gewesen wären. Gebrannter Ton wurde auch von den Chicagoer Designern Daniel Hudson Burnham (1846-1912) und John Root (1850-91) in den Vorhangfassaden ihres Reliance Building (1895) und von William Le Baron Jenney verwendet, der seine Verwendung in Wolkenkratzern als Möglichkeit, die Brandgefahr zu verringern.

Die Venus von Dolni Vestonice (ca. 26.000 v. Chr.)

Die tschechische Venus von Dolni Vestonice (Vestonicka Venuse) ist das älteste erhaltene Keramikkunstwerk der Welt. Es ist ungefähr 4,5 Zoll hoch und 1,7 Zoll breit, wurde aus lokalem Ton hergestellt, mit Knochenpulver kombiniert und in einem Erdofen bei etwa 700°C gebacken. Eine von vielen Venusfiguren, die hauptsächlich während der Gravettienzeit der Altsteinzeit geschaffen wurden, wurde in einer steinzeitlichen Siedlung im Mährischen Becken in der Nähe von Brünn in der Tschechischen Republik entdeckt. Es befindet sich heute im Wiener Naturhistorischen Museum.

Der Denker von Cernavoda (5000 v. Chr.)

Eine der größten Skulpturen der frühen Kunst, Der Denker von Cernavoda (Ganditorul), wurde 1956 gefunden - zusammen mit einer ähnlichen (weiblichen) Figur, bekannt als Die sitzende Frau von Cernavoda, inmitten der Überreste einer prähistorischen Siedlung in der Nähe von Cernavoda in Rumänien. Sein einzigartiger Charakter und Name leitet sich von seiner außergewöhnlichen "denkenden" Pose ab, die sich von der üblichen Form anderer Figuren unterscheidet. Es ist dunkelrot/braun gefärbt, ca. 4,5 cm hoch und besteht aus Terrakotta. Es wurde während der Hamangia-Kultur (5250-4500 v. Chr.) in der Dobrudscha zwischen der Donau und dem Schwarzen Meer geschaffen. Die Skulptur fehlt völlig in der Art von Ornamentik, die normalerweise bei Keramikarbeiten der Hamangia-Kultur zu sehen ist. Es befindet sich im Nationalmuseum für rumänische Geschichte in Bukarest.

Die Krieger der chinesischen Terrakotta-Armee (246-208 v. Chr.)

Eines der größten Werke in der Geschichte der Bildhauerei, das Set von gebrannten Tonfiguren, bekannt als die chinesische Terrakotta-Armee, die während der kurzen Zeit der Kunst der Qin-Dynastie (221-206 v. Chr.) 1974 neben dem Grab des ersten Qin-Kaisers, Qin Shi Huangdi, in der Provinz Shaanxi, China. Laut Kuratoren des Grabes gibt es noch viele tausend weitere Figuren, die freigelegt werden müssen. Die Figuren wurden vom Kaiser in Auftrag gegeben, nachdem er 247 v. Chr. Kaiser wurde. Die Arbeiten begannen um 246 v. Die Rolle der Armee bestand darin, dem Kaiser im Jenseits zu dienen.

Terrakotta-Skulpturen sind in einigen der besten Kunstmuseen und Skulpturengärten der Welt zu sehen.


Geschichte von Terrakotta

Wie bereits erwähnt, wurde Terrakotta im Laufe der Geschichte verwendet. Einige der frühesten Beispiele stammen aus der prähistorischen Zeit um 24.000 v. Chr. und haben wertvolle Einblicke in das Leben in der Altsteinzeit gegeben. Interessanterweise wurde die antike Terrakotta eher zu kleinen Figuren als zu mehr nützlichen Stücken geformt, was darauf hindeutet, dass prähistorische Kulturen eine Form von Kunst schätzten. Die meisten dieser frühesten Formen von Terrakotta wurden wahrscheinlich in der Sonne gebacken und nicht in Öfen oder direkt über dem Feuer erhitzt.

Archäologen haben eine Reihe von Terrakotta-Stücken auf der ganzen Welt freigelegt und jedes hat wichtige Informationen über historische Kulturen gegeben. In Pakistan zum Beispiel entdeckten Forscher Terrakottafiguren von Frauen, die zwischen 3000 v. Chr. und 1500 v. Chr. Datieren. Diese Entdeckung führte zu dem Schluss, dass die Gesellschaft Göttinnen verehrte und ihre spirituelle Aufmerksamkeit vielleicht auf die Fruchtbarkeit richtete. The ancient Roman Empire also made use of terracotta, using it to create artistic reliefs (a three-dimensional piece where the subjects are raised from the background). Prior to the arrival of Europeans in the Americas, terracotta was the primary medium for cookware, pottery, and sculptures.

In addition to art and cookware, terracotta has also been used to create entire buildings. Additionally, it has been used to create roofing tiles and plumbing lines.


Terracotta Bull from Cyprus - History

ÄLTER ALS SCHMUTZ.
Garantiert authentisch.

Antike Münzen und Artefakte:

Authentic Indus Valley Terracotta Animal Figures


Indus Valley, c. 2900 - 1800 BC. A nice Nal culture ceramic figure of a bull. Hand-modeled, with long body, short tapered legs and horns and large hump at shoulders. The body with vertical bands in dark brown slip. L: 3 3/8 in (8.5 cm). Calciferous deposits in eyes. Ex Georgia private collection. #AP2518: $399


Amlash, Indus Valley. A finely rendered terracotta vessel spout, 2500 - 1200 BC. With a stylized face of an ibex with long horns, long ears and large eyes. An amazing piece. Measures 10 cm (4 inches) long. #indus8379-23781: $225 SOLD

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Indus Valley. 3000 -- 2500 BC. Painted terracotta bull in classic Indus Valley style. A beautiful piece with light creme-color surfaces and circular painted details down both sides. Measures 90 mm (3 1/2 inches) long. Completely intact, minus the tip of one horn. #ind5975: SOLD


Indus Valley Culture. Classical period. Terracotta horse head. With finely crafted bridle and mane details. Custom-mounted on brass and marble stand. Sehr schön. #indus8381: $250 SOLD

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Indus Valley Civilization, c. 2900 - 1800 BC. Great Nal culture ceramic bull figure. Hand-modeled, with short tapered legs and horns and large hump at shoulders, large black spotsand eyes detailed in dark brown slip. L: 7.6cm (3"), great surfaces. Ex Los Angeles, CA private collection. #AP2485: $450 SOLD

Indus Valley Civilization, c. 2900 - 1800 BC. Great Nal culture ceramic bull figure. Hand-modeled, with short tapered legs and horns and large hump at shoulders, long horns (one missing). L: 8.6cm (3 3/8"), great surfaces. Ex Los Angeles, CA private collection. #AP2484: SOLD


Çatalhöyük

The city of Çatalhöyük points to one of man’s most important transformations, from nomad to settled farmer.

Çatalhöyük after the first excavations by James Mellaart and his team (photo: Omar hoftun, CC: BY-SA 3.0)

Çatalhöyük or Çatal Höyük (pronounced “cha-tal hay OOK”) is not the oldest site of the Neolithic era or the largest, but it is extremely important to the beginning of art. Located near the modern city of Konya in south central Turkey, it was inhabited 9000 years ago by up to 8000 people who lived together in a large town. Çatalhöyük, across its history, witnesses the transition from exclusively hunting and gathering subsistence to increasing skill in plant and animal domestication. We might see Çatalhöyük as a site whose history is about one of man’s most important transformations: from nomad to settler. It is also a site at which we see art, both painting and sculpture, appear to play a newly important role in the lives of settled people.

Relief map of Turkey noting the location of Çatalhöyük (map: Uwe Dedering, CC: BY-SA 3.0)

Çatalhöyük had no streets or foot paths the houses were built right up against each other and the people who lived in them traveled over the town’s rooftops and entered their homes through holes in the roofs, climbing down a ladder. Communal ovens were built above the homes of Çatalhöyük and we can assume group activities were performed in this elevated space as well.

From left: A hearth, oven, and ladder cut in Building 56, South Area, Çatalhöyük (photo: 20060617_jpq_004, CC: BY-NC-SA 2.0)

Like at Jericho, the deceased were placed under the floors or platforms in houses and sometimes the skulls were removed and plastered to resemble live faces. The burials at Çatalhöyük show no significant variations, either based on wealth or gender the only bodies which were treated differently, decorated with beads and covered with ochre, were those of children. The excavator of Çatalhöyük believes that this special concern for youths at the site may be a reflection of the society becoming more sedentary and required larger numbers of children because of increased labor, exchange and inheritance needs.

South Excavation Area, Çatalhöyük (photo: Çatalhöyük, CC: BY-NC-SA 2.0)

Art is everywhere among the remains of Çatalhöyük, geometric designs as well as representations of animals and people. Repeated lozenges and zigzags dance across smooth plaster walls, people are sculpted in clay, pairs of leopards are formed in relief facing one another at the sides of rooms, hunting parties are painted baiting a wild bull. The volume and variety of art at Çatalhöyük is immense and must be understood as a vital, functional part of the everyday lives of its ancient inhabitants.

Seated Woman of Çatalhöyük (head is a restoration), The Museum of Anatolian Civilizations, Ankara, Turkey (photo: Nevit Dilmen, CC BY-SA 3.0)

Many figurines have been found at the site, the most famous of which illustrates a large woman seated on or between two large felines. The figurines, which illustrate both humans and animals, are made from a variety of materials but the largest proportion are quite small and made of barely fired clay. These casual figurines are found most frequently in garbage pits, but also in oven walls, house walls, floors and left in abandoned structures. The figurines often show evidence of having been poked, scratched or broken, and it is generally believed that they functioned as wish tokens or to ward off bad spirits.

Nearly every house excavated at Çatalhöyük was found to contain decorations on its walls and platforms, most often in the main room of the house. Moreover, this work was constantly being renewed the plaster of the main room of a house seems to have been redone as frequently as every month or season. Both geometric and figural images were popular in two-dimensional wall painting and the excavator of the site believes that geometric wall painting was particularly associated with adjacent buried youths.

Neolithic Wall Painting in Building 80, Çatalhöyük (photo: Çatalhöyük, CC: BY-NC-SA 2.0)

Figural paintings show the animal world alone, such as, for instance, two cranes facing each other standing behind a fox, or in interaction with people, such as a vulture pecking at a human corpse or hunting scenes. Wall reliefs are found at Çatalhöyük with some frequency, most often representing animals, such as pairs of animals facing each other and human-like creatures. These latter reliefs, alternatively thought to be bears, goddesses or regular humans, are always represented splayed, with their heads, hands and feet removed, presumably at the time the house was abandoned.

Bull bucrania, corner installation in Building 77, Çatalhöyük (photo: Çatalhöyük, CC: BY-NC-SA 2.0)

The most remarkable art found at Çatalhöyük, however, are the installations of animal remains and among these the most striking are the bull bucrania. In many houses the main room was decorated with several plastered skulls of bulls set into the walls (most common on East or West walls) or platforms, the pointed horns thrust out into the communal space. Often the bucrania would be painted ochre red. In addition to these, the remains of other animals’ skulls, teeth, beaks, tusks or horns were set into the walls and platforms, plastered and painted. It would appear that the ancient residents of Çatalhöyük were only interested in taking the pointy parts of the animals back to their homes!

How can we possibly understand this practice of interior decoration with the remains of animals? A clue might be in the types of creatures found and represented. Most of the animals represented in the art of Çatalhöyük were not domesticated wild animals dominate the art at the site. Interestingly, examination of bone refuse shows that the majority of the meat which was consumed was of wild animals, especially bulls. The excavator believes this selection in art and cuisine had to do with the contemporary era of increased domestication of animals and what is being celebrated are the animals which are part of the memory of the recent cultural past, when hunting was much more important for survival.


Terracotta Bull from Cyprus - History

The Minoans, Europe&rsquos first civilization.

The Minoan civilization thrived on the island of Crete, and the smaller islands in the vicinity of Crete, like the island of Thera to the north. The English archaeologist, Sir Arthur Evans, named the civilization after the legendary Cretan king, Minos, who was said to have kept a monster, called the Minotaur, in a complicated maze, called the Labyrinth, under his palace at Knossos. The Minoans are not Greek, but they are part of the Greek history. By trading with the early Greeks, the Minoans spread their ideas and art to the Greek mainland.

Crete is located in the Mediterranean Sea, with the Aegean Sea on its northern shore. Crete is sometimes called the, "stepping stone to the continents," since it is located within reach of Europe, Asia, and Africa by boat. Indeed, we have evidence that the Minoans traded with ancient people on all three continents. The Minoans had a surplus of olive oil, which they traded for Egyptian gold, copper from the nearby island of Cyprus, and tin from Turkey and Afghanistan. The Minoans were not only farmers of olives, but fine craftsmen, making pieces of jewelry, pottery, seals and figurines. Their bronze work places this civilization in the Bronze Age.

At the height of their civilization, between 2,000-1400 BC, the Minoans developed a palace-centered civilization. The Minoan cities of Knossos and Phaistos are two examples of palace cities. Palaces acted as the economic and religious centers of the island. Palaces were large and three to five stories tall. Interestingly, there were no defensive walls around palaces. The Minoans must have lived in peace on the island and relied on the sea and a navy for protection from outsiders.

Akrotiri was the large settlement on Thera. On Thera, a large volcanic explosion could have led to the ending of the Minoan civilization. It also preserved the Minoan city of Akrotiri by covering it with volcanic ash, creating a kind of Minoan time capsule. Some people think that Thera was Plato's Atlantis, an advanced civilization that the Greek philosopher talked about being, "swallowed by the sea." The Minoans had a high standard of living, and it shows in the ruins of the beautiful palaces and homes.

The Minoans had at least two different writing systems. The earlier is hieroglyphic, similar, but not the same as the Egyptian writing system. One example that has survived is the Phaistos Disc, discovered in the ruins of the city of Phaistos. The later system of writing is called Linear A. Linear A is written on clay tablets along lines, like our writing. As of now, no one has deciphered the mysterious Phaistos Disc or Linear A, therefore the Minoan language remains a secret. One other script, called Linear B was also found on the island of Crete. We will learn more about Linear B in the next online chapter.

Without a written history, what we know about the Minoans comes from the artifacts and frescoes that have survived through the years. Frescoes indicate that men and women attended meetings and parties together this suggests that women enjoyed equal social status to men. If this is true, the Minoans were far ahead of their time. The artwork also tells us that the Minoans enjoyed spectator sports. Both men and women attended and performed in these sporting events. The most popular, and intriguing, is bull leaping.

The Minoan religion seems to be centered around a goddess, as many similar goddess figurines are found throughout Crete. She is sometimes referred to as the snake goddess, because her figurine is holding two snakes in her outstretched arms. The bull seems to be important to the Minoan culture. Bulls were originally brought to the island by people. The palaces of the Minoans have many carvings of the bull's horns. Another possible religious item is a double-sided axe, we call the labrys.

There is discussion as to why this advanced civilization disappeared. Clearly there were natural disasters, including earthquakes and the volcanic explosion on Thera, which caused a tsunami that hit the northern shore of Crete, but the civilization, though weakened, recovered. The invasion of the Mycenaeans, a warrior people and the first Greeks, seems to have ended the Minoan civilization. We will learn more about the Mycenaeans in the next online chapter.


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