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Symbolik in Illustration für ein Buch von Riccati

Symbolik in Illustration für ein Buch von Riccati

Die Titelseite des Buches Opere (1761) von Jacopo Riccati, dem Autor der berühmten Riccati-Gleichung, hat die unten abgebildete Illustration. Welche Symbolik enthält diese Illustration? (Diese Frage wurde ursprünglich hier gestellt.)

Nahaufnahme:

Bearbeiten (20. Januar 2017): Diese beiden Figuren sind höchstwahrscheinlich Ecclesia und Synagoge mit Wissenschaft, die mit Ecclesia verbunden ist und daher Erleuchtung und Triumph über diejenigen, die sich der Wahrheit gegenüber blind machen. Siehe meine Kommentare und Links zu Grahams Antwort. Die Monstranz, der Palmwedel und die Augenbinde sind in Rubens Gobelin zu finden, wie in den Links abgebildet und beschrieben.


Jacopo Riccati war ein italienischer Mathematiker und Jurist aus Venedig. Er ist am besten dafür bekannt, dass er die Gleichung (Riccati-Gleichung) studiert hat, die seinen Namen trägt.

Wie Sie in Ihrer Frage erwähnt haben, wurde Riccati von den Jesuiten erzogen. Sein Sohn Vincenzo Ricca wurde tatsächlich Jesuit. Man kann mit Sicherheit sagen, dass Riccati die meiste Zeit seines Lebens eng mit diesem Orden verbunden war und zweifellos ein gläubiger Katholik war.

In Anbetracht dessen sind bei der Titelillustration des Buches verschiedene Dinge zu beachten.

Riccati war in erster Linie Mathematiker und in der unteren linken Ecke sind Gegenstände zu erkennen, die darauf hindeuten, dass er tatsächlich gut ausgebildet war.

In der Mitte ist eine Frau, die ein Objekt hält, das Lichtstrahlen aussendet, und in der anderen eine Art Ast. Diese besondere Frau ist wahrscheinlich eine Märtyrerin (und eine, der Riccati eine besondere Hingabe entgegenbrachte). Der Zweig in ihrer linken Hand sieht aus wie ein Palmzweig, ein christliches Symbol des Martyriums. In ihrer rechten Hand hält sie eine scheinbar künstlerisch dargestellte Monstranz. Es ist hier zu bemerken, dass Jesuiten dort vor dem Allerheiligsten Sakrament in einer Monstranz feierliche Profess ablegen. Es ist auch das Symbol des Jesuitenordens.

Symbolik der Jesuiten

Die Frau im unteren rechten Quadranten kann eine Sünderin sein oder jemand, der Riccatis Glauben einfach nicht teilt.

Abschließend möchte ich sagen, dass dieses Bild uns zeigt, dass Riccati in seinen Studien und Leistungen mit Hilfe seiner Hingabe an diesen besonderen Heiligen und Märtyrer sowie das Allerheiligste Sakrament erleuchtet wurde.

Wer dieser Heilige ist, bleibt unklar. Möglicherweise ist es die heilige Klara von Assisi, die oft mit einer Monstranz dargestellt wird.

In der Kunst wird Klara oft mit einer Monstranz oder Pyx gezeigt, um an die Gelegenheit zu erinnern, als sie die Soldaten Friedrichs II. Heilige Klara von Assisi (Wikipedia)

Ein anderer möglicher Kandidat für den Träger der Monstranz könnte die heilige Odile vom Elsass sein, die oft mit einer Monstranz dargestellt wird. Sie gilt als eine der Schutzheilige des guten Sehvermögens.

Odile in Avolsheim, Elsass


Ich denke, es ist klar, dass das Bild zeigt: "Wissenschaft und Wissen ist Licht, während Unwissenheit Dunkelheit ist", eine typische Symbolik der Aufklärungszeit. (Im Gegensatz zu Ken Graham sehe ich in diesem Bild nichts mit Religion zu tun, ganz im Gegenteil).


Den Hinweisen in den wunderbaren Antworten der Mitwirkenden hier folgend, glaube ich, dass die folgenden Interpretationen der Symbolik in diesem Bild wahrscheinlich richtig sind.

Diese beiden Figuren sind höchstwahrscheinlich Ecclesia (sitzend) und Synagoge (anfällig) mit Wissenschaft, die mit Ecclesia verbunden ist und daher Erleuchtung und Triumph über diejenigen, die sich für die Wahrheit blind machen. Eine Monstranz, ein Palmwedel, eine Figur mit verbundenen Augen und Früchte – alle in diesem Bild dargestellt – finden sich in Rubens Wandteppich Der Triumph der Eucharistie, der in Tapisserie des Barock: Fäden des Glanzes auf S. 219.

Jede Figur und jedes Element ist symbolisch:

Ich glaube, die „Wolke“ ist eigentlich ein Wirbelwind (der Fuß Gottes), der sich auf die Passage in der Bibel Jeremia 23:19 bezieht, wie von Ritenbaugh besprochen: Er spricht von einem Tornado, den Er geschickt hat – einem heftigen Windsturm. Die falschen Propheten haben gesagt: „Es kommt kein Böses“ (Vers 17). Gott sagt: "Hören sie jemals auf mich? Ich habe gesagt: 'Ich sende einen Wirbelwind, und er wird auf die Köpfe der Bösen fallen.' Wie können sie es wagen zu sagen, dass alles gut wird!"

Der Palmzweig in Ecclesias Hand ist ein Symbol des Sieges, wie in diesem Wiki erklärt.

Der Zweig in der Hand der Synagoga stellt höchstwahrscheinlich einen beschnittenen Efeuzweig dar (der Efeu ist direkt über der Synagoge abgebildet), bezogen auf Johannes 15:6: "Wenn jemand nicht in mir wohnt, wird er wie ein [abgebrochener] Zweig, und verdorrt… " Der abgeschnittene Zweig symbolisiert in der Bibel diejenigen, die vom Efeu beschnitten wurden und Christus darstellen, die keine Frucht tragen, weil sie Christus nicht annehmen und daher vom Efeu abgeschnitten oder abgebrochen werden.

Die drei Objekte eines Buches vor Ort könnten sehr gut Früchte tragen mit der Implikation, dass sowohl die Wissenschaften als auch der Glaube Früchte tragen. Das würde auch erklären, was links unten verdächtig nach einer Ananas aussieht. Die Symbolik hinter Ananas wird hier erklärt.

Und vergessen Sie nicht die Symbolik hinter der rechten Seite (dexter) und der linken Seite (finster) bei religiösen Themen, die sich auch in diesem Bild widerspiegeln.

Die Muschel(n?) in der unteren linken Ecke könnten mit dem Jakobsweg, der Pilgerfahrt und dem Licht, das den Weg weist, in Verbindung gebracht werden (lesen Sie den Abschnitt über die Ära der Aufklärung im Wiki zum Jakobsweg). Riccatis Vorname Jacopo leitet sich ebenso wie James vom lateinischen Iacōbus ab.


Die Erwachsenensymbolik in Alice’s Adventures in Wonderland

Auch wenn die Gerüchte nicht wahr sind, die Lewis Carroll geschrieben hat Alice im Wunderland Während eines halluzinogenen Trips bleibt das Buch dennoch eine faszinierende Studie der Realität und ist gleichzeitig ein Paradebeispiel für das unsinnige Fantasy-Genre.

Nur weil etwas Unsinn ist, heißt das nicht, dass man nicht daraus lernen kann, und man braucht kein Literaturstudium, um zu bemerken, dass der Roman voller Symbolik steckt. Während sowohl das Buch als auch die Disney-Verfilmung auf oberflächlicher Ebene verrückt sind, wird jeder, der genau genug aufpasst, die grassierende Symbolik in beiden bemerken: Erwachsensein.

Alice im Wunderland, Illustration von Gertrude A. Kay, 1923

Die Hauptfigur, Alice, ist ein kleines Mädchen unbestimmten Alters (obwohl sie in der Fortsetzung behauptet, sie sei siebeneinhalb Jahre alt, also können wir davon ausgehen, dass sie mindestens sieben Jahre alt ist), die Jahre der körperlichen und geistigen Veränderung vor sich hat.

Die Abenteuer im Wunderland beginnen damit, dass die junge Alice in einem Garten sitzt. Idyllisch und schön zieht dieser grüne Raum Parallelen zum Garten Eden. Anstatt jedoch einen verbotenen Apfel zu pflücken, gibt Alice ihrem Verlangen nach und kriecht in den Baum.

Alice im Wunderland, Illustration von John Tenniel, 1865

Dieser Rückzug aus der Realität spiegelt Alices Wunsch wider, ein Kind zu bleiben, anstatt sich dem fortschreitenden Sand der Zeit zu stellen. Dies ist jedoch nicht Peter Pan, und ihre Reise der Selbsterforschung hat beängstigende Themen des Alterns und der Sexualität, während sie weiter in Richtung Pubertät und Adoleszenz abrutscht.

Im Wunderland angekommen, ist ihr Abenteuer voller Komplikationen und sie kennt kein unschuldiges oder friedliches Leben mehr. Durch mehrere bizarre Ereignisse wird Alices Körper überproportional groß und klein, oft ohne triftigen Grund, und sie kann nicht verstehen, warum. Obwohl sieben noch ein bisschen jung ist, um solch drastische Veränderungen durchzumachen, ist dies ohne Zweifel eine Anspielung auf die Pubertät.

Alice versucht mit einem Flamingo Krocket zu spielen

Während ihrer Abenteuer wird Alice immer wieder gebeten, ihr Wissen zu beweisen, und wiederholt die Lektionen, die sie gelernt hat, oft anderen, die sie auf ihrem Weg trifft. Während der viktorianischen Zeit war experimentelle Sprache in aller Munde und Carroll machte davon ausgiebig Gebrauch.

Hier sind einige urkomische viktorianische Vulgaritäten, die die Leute kennen sollten:

Mehrere Charaktere widersprechen ihr jedoch und Alice stellt ihren eigenen Verstand in Frage. Diese Interaktionen sind zweifellos auf jedes Kind zu beziehen, das jemals darum gekämpft hat, Glaubwürdigkeit, geschweige denn ein mitfühlendes Ohr, von einem Erwachsenen zu bekommen.

Jessie Willcox Smith’s Illustration von Alice, umgeben von den Charakteren von Wonderland, 1923

Ihre Bekanntschaft mit der Raupe führt zu einem merkwürdigen Ereignis, bei dem Alice einen mysteriösen Pilz bekämpfen muss, um ihre ständig wechselnde Größe zu erhalten.

Dies kann auf zweierlei Weise interpretiert werden: Stellt der Pilz eine Versuchung in Form von Drogenkonsum dar, da einige Teenager sagen, dass illegale Aktivitäten die einzige Möglichkeit sind, ihr eigenes Leben in einem elterlich kontrollierten Umfeld zu kontrollieren? Oder ist es ein phallisches Symbol, das die Versuchung und die vorletzte Hürde ins Weibliche darstellt?

Farbtafel aus der Ausgabe 1907 von ‘Alice’s Adventures in Wonderland’: Kapitel 7 – A Mad Tea Party

Der Mythos der LSD-Carroll-Assoziation lässt sich leicht entlarven, da die Droge erst in den 1930er Jahren offiziell angekündigt wurde, aber es ist unbestreitbar, dass der Zauberpilz trippige Wirkungen hat.

Es wäre auch übertrieben, eine unangemessene Beziehung zur Raupe anzudeuten, da sie geht, bevor Alice den Pilz probiert hat. In einer weniger riskanten Analyse könnte der Pilz einfach das junge Mädchen darstellen, das Fähigkeiten zur Entscheidungsfindung lernt, Probleme löst, um zu einer Lösung zu gelangen (in Alices Fall, ihre normale Größe beizubehalten).

Die Tränenlache von Milo Winter

Wenn man sich von schlüpfrigen Themen abwendet, ist Verwirrung ein zentrales Element der gesamten Geschichte und ein sehr verbreiteter Faktor beim Erwachsenwerden. Nichts, was Alice tut oder sieht, scheint Sinn zu machen.

Überall gibt es Rätsel, sei es das Caucus-Rennen, die Rätsel des verrückten Hutmachers oder das Krocketspiel, zu dem Alice gegen die Herzkönigin eingezogen wird. Keines dieser Ereignisse hat ein endgültiges Ergebnis und Alice kann nicht herausfinden, wie oder warum eines von ihnen stattfindet. Jeder, der bereits das Erwachsenenalter erreicht hat, könnte bestätigen, dass Verwirrung ein ziemlich regelmäßiges Gefühl ist.

Auch wenn es für ein junges Mädchen wie eine fantastische Reise erscheinen mag, Alice im Wunderland trägt eine zugrunde liegende Botschaft, die den unvermeidlichen Verlust der Kindheit umfasst.

Die malerische Bildsprache der Disney-Adaption mag diese depressive Erkenntnis überdecken, aber diese Analyse wird jedem klar sein, der den Originaltext liest.


Was ist Symbolismus?

Symbole sind Objekte, die Bedeutungen tragen oder Ideen darstellen. Symbole können jedoch auch die Form von Wörtern, Bildern, Farben oder Handlungen haben. (Zum Beispiel ist das Kreuz ein Symbol des Christentums, die roten Streifen in der amerikanischen Flagge stehen für Mut und Tapferkeit.)

Symbole finden sich auch in fast jeder Kunstform: in unseren Lieblingsliedern, in Filmen und natürlich in der Literatur.

Was Symbole so interessant macht, ist, dass sich ihre Bedeutungen je nach Kontext oder sogar der eigenen Kultur ändern können. Um die beabsichtigte Bedeutung zu erfassen, ist es daher wichtig zu verstehen, wo, wann und wie ein Symbol verwendet wird.


Das Jahrzehnt 1930-1940

Der Börsencrash von 1929 und die darauf folgende schwere Wirtschaftskrise wirkten sich natürlich auf die Verlagsbranche und die Karrieren der Illustratoren aus. Der Buchverlag litt darunter, viele Verlage reduzierten Produktions- und Illustrationsaufträge. Um Druckkosten zu sparen, wurde die Verwendung von Vollfarbillustrationen in Büchern eingeschränkt. Stattdessen beauftragten Verlage Strichzeichnungen von Druckgrafikern wie Rockwell Kent und Stiftkünstler wie Robert Lawson.

Robert Lawson, Buchillustration, Pilgerfortschritt, 1939

Zeitschriften waren wegen ihrer relativ geringen Kosten und ihres Weitergabefaktors immer beliebt, aber mit reduzierten Budgets gab es viel Platz für junge Illustrationstalente in der Branche. Etablierte Künstler wie J.C. Leyendecker und Dean Cornwell hatten jedoch viele Aufgaben, denn wie immer halfen ihre Arbeit und ihre Namen und ihre Veröffentlichungen. Traditionelle Maler des narrativen Realismus wie Prütt Carter verlieh der Zeitschriftenliteratur einen klassischen, distinguierten Look, während zeitgenössische Aquarellisten Mario Cooper, Floyd Davis, Harry Beckhoff, und Karikaturisten/Zeichner wie Wallace Morgan verwendet Stilisierungen, die der Zeit entsprechen.

Prütt Carter, Zeitschriftenillustration

Mario Cooper, Zeitschriftenillustration

Floyd Davis, Zeitschriftenillustration

Wallace Morgan, Zeitschriftenillustration

Harry Beckhoff, Zeitschriftenillustration

Der Illustrationsberuf in den Vereinigten Staaten zog auch internationale Talente an, darunter in Frankreich geborene Plakatkünstler Jean-Carlu und mexikanischer Karikaturist Miguel Covarrubias, der auf den Seiten von . gesellschaftliche und politische Satire lieferte Eitelkeitsmesse Zeitschrift, die in den 1930er Jahren die wichtigste Literatur- und Unterhaltungspublikation war.

Jean-Carlu, Titelbild, 1931

Miguel Covarrubias, Titelbild, Eitelkeitsmesse Zeitschrift, 1933

Illustrierte Zeitschriften waren jedoch nicht mehr die einzige Form der Unterhaltung in Amerika. Es gab kostenlose Radioprogramme, die Schauspiel, Musik, Komödie und Weltnachrichten präsentierten. Noch wichtiger war, dass die Filmindustrie erheblich gewachsen war, wobei die Zahl der veröffentlichten Filme mit der Zahl der Kinos zunahm. Jede Stadt in Amerika hatte ein Kino und die Schauspieler und Schauspielerinnen, die auf den Bildschirmen zum Leben erwachten, hatten große Berühmtheit. Filmmagazine, auch "Screen"-Magazine genannt, zeigten Cover-Illustrationen von schönen Schauspielerinnen und Künstlern wie Rolf Armstrong waren äußerst beliebt für die Erstellung von Porträts und "Pin-ups". Hollywood präsentierte Unterhaltung und Glamour im großen Stil, die eine Flucht aus den unruhigen Zeiten der Weltwirtschaftskrise ermöglichten.

Rolf Armstrong, Titelbild der Schauspielerin Constance Bennett, 1931

Der ehrgeizige Walt Disney hat sein Studio von der Produktion beliebter Cartoon-Shorts wie Dampfschiff Willie 1928, der erste Ton-Cartoon, um abendfüllende animierte Spielfilme zu machen, mit Schneewittchen Produktionsbeginn 1934 (veröffentlicht 1937) und Pinocchio 1936 (erschienen 1940). Als Inspiration für die animierten Zeichnungen von Pinocchio, hat das Disney-Studio konzeptionelle Renderings von einem schwedisch-amerikanischen Buchillustrator in Auftrag gegeben Gustaf Tenggren. Tenggren arbeitete auch in einem vereinfachten zweiten Illustrationsstil, der für Kinder gedacht war, als er Kunst für die Herausgeber von Little Golden Books schuf (Poky kleiner Welpe). Dieses Jahrzehnt war außergewöhnlich in Bezug auf Werke für Kinder. Die Disney-Filme und animierten Kurzfilme (mit Mickey Mouse, Donald Duck usw.) waren nicht die einzigen Zeichentrickfilme, die in diesen Jahren entstanden. Warner Bros. produzierte die "Merry Melodies"-Reihe und auch "Looney Tunes", die dem Publikum Porky Pig, Daffy Duck und Bugs Bunny präsentierten. Außergewöhnlich ist auch die Liste der klassischen Kinderbilderbücher, die in diesem Jahrzehnt von Künstlern / Schriftstellern erstellt wurden und die Werke von Jean de Brunhoff (Babar), Ludwig Bemelmans (Madeline), Hans Augusto Rey (Neugieriger George), Dr. Seuß (Horton brütet das Ei aus) und Virginia Lee Burton (Mike Mulligan und seine Dampfschaufel).

Gustaf Tenggren, Konzeptkunst, Walt Disney's Pinnochio, 1936


Dalí in Buchillustrationen entdecken, Teil 1

Kuratiert von Abigail Wunderle und Shaina Harkness

Salvador Dalí, bekannt für seine Gemälde, Zeichnungen und sogar seine eigenen Schriften, war auch Illustrator für viele Bücher. „Dalí hat so oft in diesem Bereich der Schöpfung gearbeitet, weil die Arbeit für ihn eher eine Notwendigkeit als ein Vergnügen war. Dalí musste sich ausdrücken und jedes Medium, das ihm dies erlaubte, war gültig. Deshalb verpasste er keine Gelegenheit, im Verlagswesen zu arbeiten.“ (Dali, ein Leben in Büchern, S.344).

Diese in mehrere Teile gegliederte Reihe digitaler Ausstellungen konzentriert sich auf Illustrationen, die Dalí für kommerzielle Bücher erstellt hat, von denen einige selten zu sehen sind. Diese Serie konzentriert sich auch auf die Symbole, die Dalí in die Illustrationen einfügt, um seine eigene Ikonographie zu fördern. „Salvador Dalí hat in seinen Kunstwerken immer wieder Symbole verwendet. Er wurde von Sigmund Freuds Idee beeinflusst, dass Träume symbolisch verstanden werden können – wobei jedes Bild seine eigene Interpretation hat – Dalí ging seine Arbeit auf diese Weise an“ (Dalí Museum-Peter Tush, Kurator für Bildung). Hier in den Buchillustrationen sind die Hauptsymbole sowie andere Dalí-Symbole gezeigt. Die Zuschauer haben dann die Möglichkeit, dieselben Symbole in Werken aus der Sammlung des Dalí Museums zu entdecken. Die Verwendung dieser spezifischen Symbole zeigt, wie Dalí sich selbst in seine Kunstwerke einfügt, sogar in Bücher.


New York: Random House 1946

Der erste Teil des Lebens und der Leistungen des berühmten Don Quijote de la Mancha
Geschrieben von Miguel Cervantes

Don Quijote, geschrieben von Miguel de Cervantes, gilt als Spaniens wichtigstes Literaturwerk und als erster wirklich moderner Roman. Die Geschichte spielt im Spanien des 16. Jahrhunderts und beschreibt die Heldentaten des selbsternannten Ritters Don Quijote von La Mancha und seines treuen Knappen Sancho Panza. – Beschreibung von Dalí nach dem Buch Ausstellungsdatei, 1996)

Dalí schuf für dieses Buch „38 Zeichnungen und Aquarelle“ – die englische Ausgabe von 1946 (Don Quijote de la Mancha: Ilustrado Por Salvador Dalí, P. 77). Unten finden Sie Zeichnungen und Aquarelle, die speziell für diese Ausgabe erstellt wurden. Die ursprünglichen 38 Werke befinden sich heute in der Fundacion Gala Salvador Dalí in Figueres, Spanien.

Dalis Interesse an diesem Buch war höchstwahrscheinlich auf „die Persönlichkeit von Don Quijote“ (Don Quijote de la Mancha Ilustrado Von Salvador Dalí, P. 78). „Don Quijote und sein Wahnsinn, seine wahre Monomanie inspirierten den besten Dalí und öffneten ihm damit die Tür zur Anwendung seiner paranoisch-kritischen Methode (wie er sie taufte), einer spontanen Methode irrationalen Wissens basierend auf der Kraft der systematischen Assoziation der Paranoia innewohnend, oder mit anderen Worten, auf der interpretativ-kritischen Assoziation delirierender Phänomene…“ (Don Quijote de la Mancha Ilustrado Von Salvador Dalí, P. 78).

Don Quijote – andere kommerzielle Ausgaben

Es gab andere populäre kommerzielle Ausgaben, die einige der gleichen Bilder aus der englischen Ausgabe von 1946 verwendeten, aber zusätzliche Zeichnungen und Aquarelle enthielten. Eine war eine italienische TEMPO-Ausgabe von 1965, die neue Aquarelle enthielt.

Die zweibändige spanische Ausgabe wurde in Barcelona veröffentlicht. „Es ist ein Sammelsurium seiner früheren Illustrationen, beginnend mit der englischen Originalausgabe [1946]. Es enthält Reproduktionen von Forets Tafeln und auch der Aquarelle, die für die Tempo-Ausgabe in Italien angefertigt wurden… Es gibt viele neue Illustrationen, insbesondere im zweiten Band. (Ein Dalí-Tagebuch, VI S.205, 21. September 1967)

Die berühmte Windmühlenszene von Don Quijote ist in der englischen und der italienischen Ausgabe unterschiedlich dargestellt. Die Version von 1946 verwendet Dalis berühmte paranoisch-kritische Methode, bei der die Windmühle in Don Quijotes Kopf (oder seiner Vorstellung) als Ritter zu sehen ist. In der rechten oberen Ecke erweckt Dalí eine Windmühle als Ritter zum Leben, der von einem anderen (vermutlich Don Quijote) auf einem kunstvoll gezeichneten Pferd angeführt wird. Das Aquarell der italienischen Ausgabe ist eher eine realistische Version mit den Windmühlen, die Don Quijote und sein Kumpel Sancho Panza aus der Ferne sehen. Die gedämpften Blau- und Gelbtöne des Himmels dominieren auf realistische Weise das Werk.

Dalí-Symbol…Die Eier!

„Dalí verbindet in seinen surrealistischen Werken das Ei mit dem pränatalen und intrauterinen. Er glaubte, Erinnerungen daran zu haben, im Mutterleib zu sein, die er als "intrauterine Erinnerung" bezeichnete. Er verwendet Eier in seinem gesamten Kunstwerk, um Hoffnung und Liebe zu symbolisieren. Er verbindet das Eigelb mit dem intensiven Blick seiner Frau Gala. Im Christentum ist das Ei ein Symbol für die Auferstehung Christi und das Emblem der Reinheit und Vollkommenheit. Eier in Dali’s späteren Werken, wie zum Beispiel Geopoliticus-Kind beobachtet die Geburt des neuen Mannes, 1943, wurde zum Symbol für Reinheit und Vollkommenheit. Er hat nicht nur Eier in seinen Kunstwerken verwendet, sie schmücken auch die Spitze seines Hauses und Museums in Spanien“ (Dalí Museum).

Dalí fügt Eier in die hier abgebildete Illustration des Pfarrers und des Barbiers ein.

Diese Eier sehen aus wie die Eier in Oeufs sur le Plat sans le Plat [Eier auf dem Teller ohne Teller], 1932, wo zwei Spiegeleier auf einem Teller liegen.

Obwohl es sich nicht um ein Symbol handelt, ist Dalis Muse und Frau Gala in einer der italienischen Illustrationen mit ihrer ikonischen Chanel-Schleife vertreten.

Dalí-Symbol… Landschaft!

Ein gemeinsames Element in all diesen von Dali illustrierten Büchern und auch in vielen von Dalis Gemälden ist die Verwendung von Landschaften. Dies kann in weiter Ferne oder mehr im Vordergrund sein. „Wie bei allen seinen Arbeiten ist die Landschaft geografisch spezifisch für Dalis Heimatregion…“ (Sammlung des Dalí-Museums, 2012, s. 150) und in Der erste Teil des Lebens und der Leistungen des berühmten Don Quijote de la Mancha Dalí macht keine Ausnahme. Unten ist ein solches Beispiel von Don Quijote der ikonografischen Landschaft von Dali.


Interpretation der Symbolik im Buch der Offenbarung

Das Buch der Offenbarung ist ein schwer zu lesendes Buch. Es ist voll von seltsamen und oft beängstigenden Bildern, verwirrenden Zahlen, Zeitangaben und vielem mehr. Mit nur wenigen Tipps zum Verständnis einiger verwirrender Elemente eröffnet sich das Buch jedoch als wichtiges und hilfreiches Buch für Christen.

1. Das Buch ist visuelle Prophezeiung.

Eines der ersten Dinge, die uns helfen, das Buch zu verstehen, ist zu verstehen, um welche Art von Buch es sich handelt. Johannes sagt uns im Eröffnungskapitel, dass das, was er geschrieben hat, eine Prophezeiung von Jesus ist.

Gesegnet ist der, der die Worte dieser Prophezeiung vorliest, und gesegnet sind die, die hören und halten, was darin geschrieben steht, denn die Zeit ist nahe. (Offb 1,3)

2. Diese Prophezeiung wurde Johannes in einer Reihe von Visionen gegeben.

Ich war am Tag des Herrn im Geist und hörte hinter mir eine laute Stimme wie eine Posaune, die sagte: Schreibe, was du siehst. (Offb. 1:10-11)

Die Tatsache, dass Johannes im Geist war und dass Gott ihm sagt, er solle schreiben, was Sie sehen, weisen beide darauf hin, dass das, was Johannes schreibt, eine direkte Offenbarung von Gott ist, die durch Visionen vermittelt wird, was das Buch zu einer visionären Prophezeiung macht (Offb 22,16). . Wie bei den anderen Visionen, wie zum Beispiel Josephs Träumen (Gen 37:1-11), ist vieles von dem, was Johannes sieht, seltsam und bedarf einer Interpretation.

3. Die Offenbarung ist voller Symbolik.

Weil die Offenbarung eine Vision ist, steckt sie voller Symbolik. Die Offenbarung bezieht sich oft auf Symbolik aus anderen Prophezeiungen und Visionen, wie den Visionen von Daniel, Hesekiel und Sacharja. Einige Dinge in den Visionen sind symbolisch und werden in der Vision interpretiert, wie zum Beispiel die Leuchter, die die Gemeinden darstellen (Offb 1,20). Andere Dinge in der Vision sind einfach Accessoires, wie in einem Traum.

Um zu verstehen, was symbolisch ist und was nicht, ist eine gute Faustregel, nach dem zu suchen, was das Ding innerhalb der Vision tut: Wenn das Ding etwas bewirkt, symbolisiert es normalerweise etwas, das sich auf das wirkliche Leben bezieht. Manchmal interpretiert der Text die Symbolik für Sie, und manchmal bezieht sich die Symbolik auf etwas aus dem Alten Testament, aber die meisten der in der Offenbarung beschriebenen Charaktere tun etwas. So wissen Sie, dass sie wichtig sind.

4. Zahlen sind symbolisch.

Zahlen in der Offenbarung sind flexibel und symbolisch. Zum Beispiel steht die Zahl sieben für Ganzheit und Vollständigkeit. Es ist Gottes perfekte Zahl. Der Eröffnungssegen sagt zum Beispiel:

Gnade sei dir und Friede, von Ihm, der ist und der war und der kommt, und von den sieben Geistern, die vor Seinem Thron sind, und von Jesus Christus. (Offb. 1:4-5)

Die Zahl Sieben symbolisiert hier die Ganzheit und Vollständigkeit des Heiligen Geistes und bezieht sich auf Sacharja 4,10. Später in der Offenbarung wird sich Johannes im Singular auf den Heiligen Geist beziehen (Offb 1,10, 2,7, 11, 17).

Ebenso ist die Zahl zwölf und alles, was durch zwölf teilbar ist, die Zahl des Volkes Gottes (Offb 7,1-12). Zwölf war schon immer eine wichtige Zahl in der Bibel, weil es zwölf Stämme Israels und zwölf Apostel gab. Vielfache von zehn werden verwendet, um eine unbestimmte, aber große Anzahl von allem darzustellen, was beschrieben wird.

5. Die Zeit ist flexibel und fließend.

Da es sich um eine Vision handelt, ist die Zeit fließend, nicht streng chronologisch. Wie in einem Traum funktioniert die Zeit nicht so wie in der realen Welt. Offenbarung ist ein visuelles Bild von Dingen, von denen einige vergangen sind, von denen einige gegenwärtig sind und einige von denen in der Zukunft liegen. Offenbarung ist in erster Linie eine visuelle Darstellung, die eher Szenen ähnelt, die zu verschiedenen Zeiten wechseln, um verschiedene Dinge zu zeigen, anstatt eine lange chronologische Geschichte zu zeigen.

6. Ein Ereignis wird oft aus mehreren Blickwinkeln dargestellt.

Das Buch der Offenbarung ist eine Reihe von Visionen, aber nicht jede Vision stellt dasselbe dar, noch sind sie in einer strengen chronologischen Reihenfolge. Tatsächlich gibt es in dem Buch viele Wiederholungen, die wie verschiedene Kapitel eines Buches oder Szenen eines Films funktionieren. Ein Kapitel kann ein Ereignis aus der Perspektive von ein oder zwei Charakteren behandeln, und ein anderes Kapitel behandelt die gleiche Veranstaltung aber aus einer anderen Perspektive oder Perspektive oder sprechen Sie über verschiedene Teile der Veranstaltung.

Mit diesen Tipps zum Verständnis einiger der schwierigeren Elemente des Buches öffnet sich die Offenbarung leichter. Die letzte Prophezeiung Jesu an seine Kirche vor dem Endgericht ist sein letztes Wort an uns:

Ich, Jesus, habe meinen Engel gesandt, um Ihnen diese Dinge für die Gemeinden zu bezeugen. Ich bin die Wurzel und der Nachkomme von David, dem hellen Morgenstern. Der Geist und die Braut sagen: Komm. Und wer hört, soll sagen: Komm. Und wer durstig ist, möge kommen, wer begehrt, nimm das Wasser des Lebens umsonst. (Offb. 22:16-17)

Wir müssen das Buch nicht aufgeben, das der Herr uns alles gegeben hat, was wir brauchen, um es zu verstehen, denn es ist für uns und für unsere Ermutigung und unsere Weisheit und Ausdauer.


Hunefers Urteil in Anwesenheit von Osiris

Hunefers Urteil in Anwesenheit von Osiris, Buch der Toten von Hunefer, 19. Dynastie, Neues Reich, c. 1275 v. u. Z., Papyrus, Theben, Ägypten (Britisches Museum). Referenten: Dr. Beth Harris und Dr. Steven Zucker

Erratum: Gegen Ende des Videos sagen wir, dass Nephthys und Anubis Geschwister sind, das stimmt nicht.

Hunefer: Ein altägyptischer Beamter

Hunefer und seine Frau Nasha lebten während der Neunzehnten Dynastie um 1310 v der Verwalter von König Sety I. Diese Titel weisen darauf hin, dass er bedeutende Verwaltungsämter innehatte und dem König nahe stand. Der Ort seines Grabes ist nicht bekannt, aber er wurde möglicherweise in Memphis begraben.

Hunefers hohes Ansehen spiegelt sich in der hohen Qualität seines eigens für ihn angefertigten Totenbuchs wider. Dies und eine Ptah-Sokar-Osiris-Figur, in deren Innerem der Papyrus gefunden wurde, sind die einzigen Gegenstände, die Hunefer zugeschrieben werden können. Der Papyrus von Hunefer zeichnet sich durch seinen guten Erhaltungszustand aus und die großen und klaren Vignetten (Abbildungen) sind schön gezeichnet und bemalt. Die Vignette, die das Ritual “Opening of the Mouth” zeigt, ist eines der berühmtesten Papyrusstücke in der Sammlung des British Museum und gibt viele Informationen über diesen Teil der Beerdigung.

Seite aus dem Buch der Toten von Hunefer

Seite aus dem Buch der Toten von Hunefer, C. 1275 v. u. Z., 45,7 x 83,4 cm (Rahmen), Theben, Ägypten © Trustees of the British Museum

Das Herzstück der oberen Szene ist die Mumie von Hunefer, die von dem Gott Anubis (oder einem Priester mit Schakalmaske) unterstützt wird. Hunefers Frau und Tochter trauern, und drei Priester führen Rituale durch. Die beiden Priester mit weißen Schärpen führen das Ritual der Mundöffnung durch. Das weiße Gebäude rechts ist eine Darstellung des Grabes, komplett mit Portaleingang und kleiner Pyramide. Beide Merkmale sind in echten Gräbern dieser Zeit aus Theben zu sehen. Links vom Grab befindet sich ein Bild der Stele, die an einer Seite des Grabeingangs gestanden hätte. Nach den üblichen Konventionen der ägyptischen Kunst wird es viel größer als normal dargestellt, damit sein Inhalt (der Verstorbene, der Osiris anbetet, zusammen mit einer Standardformel für Opfergaben) absolut lesbar ist.

Rechts von der unteren Szene befindet sich ein Tisch mit den verschiedenen Utensilien, die für das Ritual der Mundöffnung benötigt werden. Links ist ein Ritual zu sehen, bei dem das Vorderbein eines Kalbes, das zu Lebzeiten abgeschnitten wurde, dargebracht wird. Anschließend wurde das Tier getötet. Das Kalb wird zusammen mit seiner Mutter gezeigt, die als Anzeichen von Not interpretiert werden könnte.

Seite aus dem Buch der Toten von Ani

Seite aus dem Buch der Toten von Ani, C. 1275 v. u. Z., 19. Dynastie, 44,5 x 30,7 cm, Theben, Ägypten © Trustees of the British Museum

Die Szene liest sich von links nach rechts. Links bringt Anubis Hunefer in den Urteilsbereich. Anubis wird auch gezeigt, wie er die Beurteilungsskalen überwacht. Hunefers Herz, dargestellt als Topf, wird gegen eine Feder, das Symbol von Maat, der etablierten Ordnung der Dinge, gewogen, was in diesem Zusammenhang bedeutet „was richtig ist“. Die alten Ägypter glaubten, dass das Herz der Sitz der Emotionen, des Intellekts und des Charakters sei und somit die guten oder schlechten Aspekte des Lebens eines Menschen repräsentiert. Wenn das Herz nicht mit der Feder balancierte, wurde der Tote zur Nichtexistenz und zum Verzehr durch den grausamen “Verschlinger” verurteilt, das hier gezeigte seltsame Tier, das teils Krokodil, teils Löwe und teils ist -Nilpferd.

Da ein Papyrus, der sich der Sicherung von Hunefers Fortbestand im Jenseits widmet, dieses Ergebnis jedoch wahrscheinlich nicht darstellen wird, wird er auf der rechten Seite gezeigt, der von seinem Sohn Horus in die Gegenwart von Osiris gebracht wurde, nachdem er “wahr der Stimme geworden ist. 8221 oder “gerechtfertigt.” Dies war ein Standard-Epitheton, der in ihren Texten für tote Personen verwendet wurde. Osiris wird mit seinen Schwestern Isis und Nephthys unter einem Baldachin sitzend gezeigt. Oben wird Hunefer gezeigt, wie er eine Reihe von Gottheiten anbetet, die das Urteil überwachen.


4. Baum benutzte eine Reihe von Pseudonymen.

Cover von 𠇊unt Jane’s Nieces Abroad,” eines aus einer Reihe von Büchern’s, die Baum unter dem Pseudonym Edith Van Dyne schrieb.

Baum (seine erste Initiale “L,” stand für Lyman, ein Name, den er persönlich nicht mochte, er ging von Frank) produzierte auch Dutzende von Büchern mit verschiedenen Pseudonymen. Zu diesen Werken gehörte eine beliebte Serie für Mädchen im Teenageralter, 𠇊unt Jane’s Nieces,”, für die er den Namen Edith van Dyne verwendete. Das 14. und letzte “Oz”-Buch von Baum, “Glinda von Oz,” wurde 1920, ein Jahr nach seinem Tod, veröffentlicht. Die Kinderbuchautorin Ruth Plumly Thompson wurde engagiert, um die Serie fortzusetzen und schrieb 19 weitere “Oz”-Bücher.


6 Eule

Die Verwendung der Eule als Symbol ist heute so beliebt wie eh und je: Sie sind überall zu sehen, von Accessoires und Kleidung bis hin zu Innenarchitektur und Wohnkultur. Aber die Popularität des Symbols ist nichts Neues.

Seine historische Popularität als Symbol ist auch darauf zurückzuführen, dass Athena, die griechische Göttin der Bildung, immer von einer Eule begleitet wurde. In den Kulturen der amerikanischen Ureinwohner wird die Eule als Kreatur der Nacht angesehen und wird daher mit dem Übernatürlichen und sogar dem Tod in Verbindung gebracht.

Da sie normalerweise nachtaktiv sind, wurden Eulen oft als mysteriöse und sogar magische Kreaturen angesehen, die in der Dunkelheit wohnen und aus ihr auftauchen. Europäer im Mittelalter glaubten sogar, dass die Kreaturen verkleidete Zauberer sein könnten. Ebenso betrachteten die westafrikanischen und australischen Aborigines die Eule als Bote von Geheimnissen und als Begleiter von Zauberern.

In einer visuellen Botschaft wie einem Logo oder Design kann eine Eule verwendet werden, um zu repräsentieren Weisheit, Intelligenz oder ein Lektion das muss man lernen.


Brezel – Dreifaltigkeitssymbol

Brezeln gibt es seit fast 1400 Jahren. Die Geschichte hat ihren Ursprung um 610 n. Chr., als ein Bäcker in einem Kloster in Südfrankreich oder Norditalien übrig gebliebene Brotteigstreifen in die Form der zum Gebet verschränkten Arme einer Person drehte, eine traditionelle Gebetshaltung dieser Tage.

Mönche begannen, die warmen, teigigen Leckereien den Kindern anzubieten, die ihre Bibelverse und Gebete auswendig gelernt hatten. Sie wurden verwendet, um Kindern zu helfen, die christliche Dreifaltigkeit von Vater, Sohn und Heiligem Geist zu verstehen. Die drei leeren Löcher in der Brezel repräsentierten die christliche Dreifaltigkeit. The monks called these treats pretiolas, Latin for little rewards.

The little knotted treat wandered around a while and became known in old high German as Brachiatellium, and then just plain Bretzel or Pretzel. Left: one of the oldest depictions of pretzels in the Hortus Deliciarum of 1190 showing Queen Esther and King Ahasuerus sharing a meal. The king is pointing at the ale cans and dart board not shown in the detail.

Medieval people would ride out and greet vendors traveling to the various fairs and offer them pewter pitchers of wine and crisp dough impaled on spears called Geleit-pretzels. In the detail of the painting by Peter Bruegel titled “The Fight between Carnival and Lent”, 1559, the lusted-after pretzels are visible at the feet of the guy sitting on the dunk tank chair.

Kepler stated that if we assume that the Earth is the center of the universe, we must accept that the planets travel in a loopy path “with the appearance of Lenten bread.” In all Catholic countries, the bread culture became highly developed because of meatless holidays, and since pretzels didn’t have any ingredients that were taboo during the pre-Easter season such as eggs, milk, butter or lard, the pretzel became a popular Lenten food throughout the Middle Ages. Plus, the white Brezl was popular for its keeping qualities. It was thick, satisfying and transported easily. The East Prussian Salzburger settlers kept the originally Catholic Brezl, but added yeast and raisins and let it rise on a metal tin, eating it on the day before the highest holiday of the Evangelist church, Karfreitag.

The success of the pretiola spread to monasteries throughout the French and Italian wine regions and crossed over the Alps to Austria and Germany, where it became known as the bretzel, or pretzel.

Pretzels were a convenient way to give food to the poor and became typical alms for the hungry. Those who gave pretzels away were considered particularly blessed. They became such a sacred symbol that they were often packed into coffins.
A special recognition was given to the pretzel bakers in Austria. In 1510, the Ottoman Turks invaded Vienna by tunneling under the city walls. Pretzel bakers, working through the night, heard the strange noises in the cellars, grabbed every available weapon and killed the Turks. The city was saved and the grateful emperor awarded the pretzel bakers an honorary coat of arms. It shows a lion holding a shield with a pretzel in the middle.

The term “tying the knot” has special significance concerning the pretzel. It seems pretzels were introduced into the wedding ceremony. The couple wished upon and broke a pretzel like a wishbone, then ate it to signify their oneness. A 17th century woodcut copied from a stained glass window in a cathedral in Berne, Switzerland, shows the pretzel being used as the “marriage knot” between two royal families.

The Easter egg hunt may very well be a descendant of the tradition the Germans had at Easter. Pretzels were hidden around the farms for the children to find. They were then served with two hard-boiled eggs on Good Friday. The pretzel symbolized everlasting life and the two eggs nestled in each large hole represented Easter’s rebirth.

At the beginning of the new year, German children tied pretzels on strings around their necks for prosperity, health and good fortune.

partial text from:
Savor the unexpected twists and turns of the pretzel’s past
Oakland Tribune, Nov 5, 2003 by Judy Stanley – EVERETT HERALD


My favorite Lilith ritual

This ritual is perfect to summon Lilith. First of all, I recommend meditating outdoors, in nature, before proceeding with the ritual, and if you don’t have the possibility, absolutely do it in the afternoon (if the day is windy it is better).

Put fresh flowers (lilies) on the altar as thanks to Lilith. I do not recommend the ritual procedure if there are other people in the house, you cannot have any disturbance from external sources.

One last piece of advice to be fulfilled is to create an invocation, prayer, or mantra to the desired entity, in this case to Lilith you will have to recite it on the nights of the new moon.

Let’s start with the ritual

Ingredients

  • Sigil
  • Mirror
  • Black linen cloth
  • Moonstone
  • Incense sticks
  • Candles (black & white)

To begin, let’s open the circle the methods are varied, but for this ritual, I would recommend opening it with clay powder.

Now, let’s move on to setting up the altar. We place the two candles at both ends (on the candles you can engrave the symbols of Lilith if you want).

In the center we will place the mirror with the Lilith sigil written on it, then cover the mirror with a black linen cloth. The sigil must be pre-loaded a few minutes before the ritual.

Now place three sticks of incense on the front of the altar.

The moonstone can be placed on the altar or kept with you if you want to opt for the latter, you will have to wear clothes from natural fabric. You can keep the formula or invocation on the altar or, if you have the time, learn it by heart. Now that we have all the material sorted, let’s move on to the working part for us.

Start meditating, relax your body, and free your mind you should not have dealt with electrical tools for at least a few hours before the ritual.

Now that you are in a meditative state, you can mentally repeat the request to have contact with Lilith or recite the mantra in a low voice, if you have created one.

At this point, it would be time to pronounce the invocation or the formula written previously this formula must be heard by the practitioner, so if it does not also reflect the dialectic of your language, it would be better to modify it.

“Lilith, I need you with me.
May my call be heard by you.
Come here, where I summoned you.”

Now let’s talk a little about the final part. In the procedure of the ritual, you can always keep your eyes open or closed, this will be up to you to decide.

Once the work is done, thank Lilith, which you can do by donating the flowers previously collected and placing them under a tree, or through a song or prayer, as long as you feel this part is yours.

Now, let’s close the circle you can close it by sweeping the clay dust away with the broom (if you use the broom, purify it before use), or break up the circle in the opposite direction to its creation.

The altar should not be touched until the first light of the following day, so both candles and incense should not be extinguished.