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Victoria und Albert Museum

Victoria und Albert Museum

Das Victoria and Albert Museum, besser bekannt als V&A, ist das weltweit führende Museum für Kunst und Design. Es beherbergt eine ständige Sammlung von über 2,3 Millionen Objekten aus über 5.000 Jahren menschlicher Kreativität.

Geschichte des Victoria and Albert Museums

Herkunft: Das V&A wurde im Mai 1852 mit der Mission gegründet, Designer, Hersteller und die Öffentlichkeit in Kunst und Design zu erziehen. Seine Ursprünge liegen in der Großen Ausstellung von 1851 – der weltweit ersten internationalen Ausstellung von Design und Fertigung.

Nach der Ausstellung erkannte ihr Schöpfer, Prinz Albert, die Notwendigkeit, die Standards der britischen Industrie aufrechtzuerhalten und zu verbessern, um auf dem internationalen Markt konkurrieren zu können. Er drängte darauf, seine Gewinne in die Entwicklung eines kulturellen Museumsviertels zu fließen, das der Kunst- und Wissenschaftserziehung gewidmet ist, von denen das V&A an erster Stelle stand.

Das Museum, das ursprünglich als Museum of Manufactures bekannt war und sich im Marlborough House in der Pall Mall befand, wurde später in diesem Jahr in das Somerset House verlegt und zog dann 1857 in sein heutiges Zuhause in der Exhibition Road um. Über 40 Jahre lang war es als South Kensington bekannt Museum, wurde aber später im Mai 1899 nach Königin Victoria und Prinz Albert umbenannt, um an Alberts Rolle bei seiner Gründung zu erinnern. In ihrer letzten öffentlichen Zeremonie legte Königin Victoria den Grundstein.

Museum für alle: 1858 wurden durch den Einsatz von Gasbeleuchtung nächtliche Öffnungen ermöglicht. Damit sollte „praktisch ermittelt werden, welche Stunden für die Arbeiterklasse am günstigsten sind“, so der erste Direktor Henry Cole, der auch erklärte, dass das Museum ein „Schulraum für alle“ sein sollte.

Cole hat auch das Konzept eines Museumsrestaurants ins Leben gerufen, um die Menschen zu ermutigen, zu kommen und die Kultur zu genießen, nachdem er während der Leitung der Großen Ausstellung die Bedürfnisse der Besucher kennengelernt hatte. Damit hatte das V&A das erste Museumscafé der Welt.

Kriegszeit: Als der Zweite Weltkrieg ausbrach, wurde der größte Teil der Sammlung von V&A aus Sicherheitsgründen in einen Steinbruch in Wiltshire, ins Montacute House in Somerset oder in einen Tunnel in der Nähe der U-Bahn-Station Aldwych geschickt. Größere Gegenstände blieben in Sandsäcken und eingemauert.

Einige Galerien dienten als Schule für Kinder, die aus Gibraltar evakuiert wurden, und der South Court wurde eine Kantine für die Royal Air Force und später für Bomb Damage Repair Squads – das Museum selbst wurde nur geringfügig beschädigt.

Nachdem sie 1946 in der Ausstellung Britain Can Make It gezeigt worden waren, wurden die meisten Sammlungen bis 1948 zurückgegeben.

Nachkriegszeit: Im Juli 1973 präsentierte das V&A als erstes Museum in Großbritannien ein Rockkonzert, um junge Menschen für Museen zu begeistern.

Das Museum startete 2001 ein umfangreiches Renovierungsprogramm im Wert von 150 Mio.

Victoria and Albert Museum heute

Im Juni 2017 eröffnete ein neues Projekt Ausstellungsstraßenquartier mit 6.400 Quadratmetern zusätzlicher Fläche – die größte Erweiterung des Museums seit über 100 Jahren. Es umfasst einen neuen Eingang an der Exhibition Road, einen mit Porzellan gefliesten Innenhof (The Sackler Courtyard) und einen neuen 1.100 Quadratmeter großen unterirdischen Galerieraum (The Sainsbury Gallery).

Im März 2018 wurde bekannt gegeben, dass die Herzogin von Cambridge die erste königliche Schirmherrin des Museums wird.

Das Museum beherbergt viele der nationalen Sammlungen Großbritanniens und einige der größten Ressourcen für das Studium von Architektur, Möbeln, Mode, Textilien, Fotografie, Skulptur, Malerei, Schmuck, Glas, Keramik, Buchkunst, asiatischer Kunst und Design, Theater und Performance .

Wie bei anderen britischen Nationalmuseen ist der Eintritt frei, für einige Ausstellungen und Veranstaltungen wird jedoch eine separate Gebühr erhoben.

Anreise zum Victoria and Albert Museum

Das V&A befindet sich in South Kensington, London. Die nächsten U-Bahn-Stationen sind South Kensington (5 Gehminuten), Gloucester Road (10 Gehminuten) oder Victoria Station (35 Gehminuten). Ein Fahrradverleih ist an der Exhibition Road und am Thurloe Place verfügbar, und mehrere Buslinien halten am Museum.


10 Sehenswürdigkeiten im Victoria and Albert Museum

Die Auswahl von nur 10 Sehenswürdigkeiten im Victoria and Albert Museum ist angesichts der langen Liste der Kunstwerke, die in diesem ungewöhnlichen Museum zu finden sind, keine leichte Aufgabe. Während es für andere Museen – wie das British Museum – einzigartige und unübersehbare Gegenstände gibt, die in jedermanns Liste zu finden sind, hat im Fall des V&A (wie das Victoria and Albert Museum gemeinhin genannt wird) jeder ihre eigene persönliche Liste. Tatsächlich deckt das Victoria and Albert Museum im Gegensatz zu anderen Londoner Museen ein äußerst vielfältiges Kunstangebot ab. Im V&A finden wir nicht nur typische Kunstgegenstände wie Gemälde oder Skulpturen, sondern auch Gebrauchsgegenstände wie Einrichtungsgegenstände oder Kleidung und Schmuck.

Darüber hinaus stammen die ausgestellten Werke aus vielen verschiedenen Ländern, sodass Sie sich leicht vorstellen können, wie schwierig es ist, eine Liste auszuwählen, die die V&A gut repräsentiert.

Wie kommt es, dass die V&A ein so umfangreiches Sortiment hat?

Das V&A wurde 1852 eröffnet, zu einer Zeit, als London in jeder Hinsicht das geografische und politische Zentrum der Welt war. Der enorme Erfolg der Weltausstellung im Vorjahr hatte Prinz Albert dazu bewogen, eine Art Dauerausstellung von Kunstobjekten zu schaffen, um sie für immer in einem einzigartigen Kontext zu bewundern.

So entstand das V&A und wurde dadurch nicht nur zu einem thematischen Museum, sondern zu einem wunderbaren Objektcontainer. Und auch das Gebäude selbst kann als wahres Architekturwunder bezeichnet werden. Es ist schwer, ein anderes Museum zu finden, das mit dem V&A mit seinem Labyrinth aus Sälen und Galerien, seiner Sammlung von Kunst und Design vergleichbar ist. Um es in vollen Zügen genießen zu können, verdient das V&A mehr als einmal gesehen zu werden, um sich mit der schwierigen Verbreitung seiner Meisterwerke vertraut zu machen. Aber nicht jeder hat die Möglichkeit dazu, daher kann eine Liste mit Sehenswürdigkeiten im V&A hier noch nützlicher sein als in jedem anderen Londoner Museum.


Das Victoria and Albert Museum: Dinge, die das Britische Empire dem Rest der Welt gestohlen hat

Nur ein Scherz, irgendwie. Ich bin mir sicher, dass die Briten tatsächlich die meisten Gegenstände im Museum gekauft haben, obwohl es interessant wäre zu erfahren, welche sie bekommen und welche sie genommen haben.

Das Victoria and Albert Museum ist, wie die meisten von London, ein kompliziertes Labyrinth mit einer Überraschung an jeder Ecke und von Kopf bis Fuß mit verschiedenen Geschichten und Kulturen gefüllt. Eine der Hauptausstellungen dort war der Club to Catwalk London Fashion in den 1980er Jahren, der die wichtigsten Modetrends Englands im Laufe der Geschichte zeigte, beginnend mit Kleidern aus der viktorianischen Ära und endend mit der Mode der 80er Jahre. Wegen der großen Modeausstellung gab es eine Gruppe von Schülern im mittleren Schulalter, die Modeaufnahmen von Fremden für ein Projekt machten (sie haben andere Schulpläne als Amerika). Da ich gerade einen neuen Jumpsuit aus dem magischen Laden von Primark gerockt habe, wurde ich zweimal gefragt, ob ich Model werden möchte! Wer könnte mit entzückenden britischen Schulkindern argumentieren, die Sie bitten, Ihren Pullover zu modellieren?

Zurück zur pädagogischen Seite des Museums, teilten Länder und Zeiträume den Rest des Museums auf. Einer meiner persönlichen Favoriten war die Ausstellung des Nahen Ostens wegen ihres Kontrasts zur traditionellen europäischen Kunst, die wir seit unserer Ankunft oft gesehen haben. Die Artefakte aus dem Nahen Osten waren hell, kräftig, dramatisch gemustert und zeigten ihre einzigartige Verwendung von Farbe und Textur. Es sah viel marokkanischer aus, sogar nach modernen dekorativen Standards, im Vergleich zu der traditionellen italienischen Kunst und britischen Einfachheit, von der wir umgeben waren.

Dies ist Teil einer Ausstellung im Victoria and Albert Museum.

Das Museum beherbergte viele riesige Gegenstände, wie zum Beispiel eine Mauer, die sich früher an der Außenseite des Gebäudes befand, um die das Museum einfach herumgebaut wurde, um es im Inneren zu halten. Außerdem gab es viele lebensgroße Nachbildungen, darunter eine griechische Säule, die im Laufe der Jahrhunderte von Kunststudenten angefertigt und in der Sicherheit des Museums aufbewahrt wurden. Diese Giganten waren großartig für uns, weil sie es uns ermöglichten, erstaunliche Artefakte zu sehen, ohne zu den spezifischen Orten reisen zu müssen, von denen die Originale stammten. Insgesamt hat uns das Victoria and Albert Museum dabei geholfen, die Welt an einem überwältigenden und friedlichen Ort zu erleben.


V&A Wedgwood-Kollektion

Die V&A Wedgwood Collection ist eine der bedeutendsten Industriesammlungen der Welt und ein einzigartiges Zeugnis von über 260 Jahren britischer Keramikproduktion. Es gehört dem V&A nach einer erfolgreichen Spendenkampagne unter der Leitung des Art Fund und ist in Barlaston, Stoke-on-Trent, ausgestellt, wo ein fantasievolles öffentliches Programm die Vielfalt, Kreativität und Tiefe der Sammlung im lokalen Kontext von North Staffordshire feiert , bekannt als The Potteries.

Wedgwood wurde 1759 vom britischen Töpfer und Unternehmer Josiah Wedgwood gegründet, der dazu beitrug, die englische Töpferei von einem Cottage-Handwerk in eine Kunstform und internationale Industrie zu verwandeln. Die Familie und das Unternehmen Wedgwood hatten ein feines Gespür für ihren Platz in der Geschichte und begannen bereits im 18. Jahrhundert, Waren und Designs zu sammeln. Seit 1906 existiert ein Museum, zuerst auf dem Gelände der Etruria-Fabrik und dann ab 1952 in Barlaston. 2008 wurde ein neu gestaltetes Museum eröffnet, das 2009 mit dem Art Fund Museum of the Year ausgezeichnet wurde. Es beherbergt die beste Sammlung von Wedgwood-Material, die die Produktion bis heute dokumentiert und geschmackliche und modische Innovationen aus drei Jahrhunderten zeigt.

Wedgwood-Tablett mit Jaspis-Prüfungen. © Fiskars

Die V&A Wedgwood Collection umfasst über 165.000 Kunstwerke, Keramiken, Manuskripte und Fotografien zur Geschichte, zum Design und zur Keramikproduktion der Fabrik. Es wurde für die Nation gerettet und 2014 nach einem großen öffentlichen Aufruf des Art Fund, der großzügig von Tausenden von Einzelpersonen, Unternehmen und Förderstiftungen unterstützt wurde, an die V&A geschenkt, einschließlich erheblicher Unterstützung durch den Heritage Fund und den Art Fund.

Wedgwood Portland-Vase. © Fiskars

Rund 3.500 Objekte sind in dem eigens errichteten Museum ausgestellt, das die kommerzielle und ästhetische Geschichte der Wedgwood-Keramik von ikonischen Jasperwaren und Vasen und Ornamenten aus schwarzem Basalt bis hin zu Bone China-Teeservices und klassischen Designs des 20. Jahrhunderts zeigt. Zu den Höhepunkten der Sammlung gehören Wedgwoods frühe Creme- und Jasperware-Experimente, Wedgwoods Kopie der Portland-Vase, das Wedgwood-Familienporträt von 1780 von George Stubbs und frühe Beispiele des Medaillons, das Wedgwood produzierte, um die Abolitionisten zu unterstützen. Das Museum zeichnet die Wedgwood-Geschichte durch wechselnde Moden vom Rokoko bis zur neoklassizistischen Keramik sowie Beispiele für Wedgwoods bahnbrechende Zusammenarbeit mit Künstlern und Designern von John Flaxman bis Eduardo Paolozzi nach. Die Sammlungen und die von der UNESCO anerkannten Archive erforschen die Geschichte der Familie Wedgwood, vom kreativen Genie des Gründers Josiah Wedgwood – einem bahnbrechenden Geschäftsmann und sozialen Aktivisten – bis hin zu bemerkenswerten Wedgwood-Nachkommen innerhalb und außerhalb der Fabrik, vom Naturforscher Charles Darwin (1809 – 1882 .). ) an den Komponisten Ralph Vaughan Williams (1872 – 1958) und ihren weiteren kulturellen Kontext.

Zweites Wedgwood-Musterbuch, um 1811. © Fiskars

Erfahren Sie mehr über die V&A Wedgwood Collection, unsere Aktivitäten und unser Programm, indem Sie uns folgen: @vawedgwood.


Gebäude und Projekte 1873–c. 1886

Coles Weggang im Jahr 1873 zeigte, dass Scott weniger günstig war als sein ehemaliger Chef, was die Beschäftigung von Studenten im Gebäude anging, was sicherlich seine Nachteile hatte. Im Jahr 1872 hatte Moody die zunehmende Kompetenz, die in den aufeinanderfolgenden Beiträgen der Studenten für die Keramiktreppe und die Räume 100-1 erkennbar war, zu einer Tugend gemacht, indem er stillschweigend akzeptierte, dass die frühere ausgestellte Arbeit weniger als ausgezeichnet war. (Fn. 279) Poynter als Art Director war der Anstellung von Studenten gegenüber günstiger als Scott, musste jedoch 1879 zugeben, dass ihre seltenere Verwendung in den späten siebziger Jahren die Zahl der für die Arbeit zuständigen Personen verringert hatte. (Fn. 280) Scott stand der sykesischen Dekorationsschule vielleicht auch weniger ganz zugeneigt als Cole (Fn. 281), und es ist wahrscheinlich wahr, dass die von Stevens abgeleitete Rassität des Modellierens in seinen späteren übertrieben wurde Schüler: Cole selbst hatte in letzter Zeit Vorbehalte gegenüber Townroes Neigung zur Karikatur gehabt. (Fn. 282) Im Jahr 1869 wollte Scott, dass Gamble und Townroe ihre Inspiration in Italien auffrischen, anstatt weiterhin Sykes' Entwürfe zu verwenden, und 1874 wurde Gamble vorerst entlassen: (Fn. 283) Townroe behielt jedoch Scotts (unerwiderte) ) Wertschätzung als Dekorationskünstler.

Im Jahr 1874 bereitete Scott überarbeitete Modelle für die Fertigstellung des Museums zu einem Preis von 500.000 Pfund vor, ermutigt durch die Entscheidung von Disraelis Schatzkanzler, Sir Stafford Northcote, im Juli, dass es "in einer Weise sein sollte, die seinem Zweck und seinem Inhalt entspricht". '. (Fn. 284) Dieses '£500.000'-Modell, auf dem Townroes dekorative Paneele wieder prominent waren, wurde von James Fergusson bewundert (Taf. 19b Abb. 4 auf Planblatt A in der Endtasche). (Fn. 285) Verglichen mit dem Modell von 1869–70 reduzierte es den Eingangshof noch weiter, und Cole mochte es vielleicht unweigerlich weniger, weil er es für „kasernenartig“, „straßenartig“ und „nicht monumental“ hielt. (Fn. 286) Die Anfertigung von Arbeitszeichnungen wurde im August 1875 genehmigt, aber Anfang 1876 verschob die Regierung die Fertigstellung des Museums, und nur ein begrenzterer Plan, der über drei oder vier Jahre 80.000 Pfund kostete, wurde im Juli genehmigt 1876. (Fn. 287) Wirtschaftliche und ausländische Schwierigkeiten lenkten die Ressourcen des Schatzamtes an andere Stellen, und erst im Frühsommer 1879 begannen die Arbeiten. (Fn. 288)

Das Kunstbibliothek-Sortiment

Der Bürobereich wurde auf der Ostseite um ein Stockwerk aufgestockt (Fn. 289), aber die Hauptarbeit war der Bau der Südseite des Vierecks (jetzt Räume 21A–25 im Erdgeschoss) und die Räume 41 und 45, die sich nach Süden erstrecken: die letzteren Räume beherbergten zunächst die Wissenschafts- und Bildungsbibliothek bzw. antike Abgüsse. In der Decke der Räume 22–24 werden Träger zwischen dekorativen Paneelen freigelegt. Von Raum 21A führte eine Treppe, die später von Aston Webb entfernt wurde, zum heutigen Raum 74A, und von Raum 25 führt eine weitere zu der großen Kunstbibliothek, die die Südseite des Vierecks im ersten Stock ausfüllt (und die einzigen nennenswerten Wohnungen in das Museum mit Nordlicht, Tafel 22a). Die neuen Gebäude wurden von Perry and Company of Stratford gebaut. (Fn. 290) Sie waren auf der Südseite schlicht, und die Dekoration in der Bibliothek und auf der Bibliothekstreppe von Townroe war weniger reich, als er beabsichtigt hatte, obwohl das Office of Works (das seine Details nicht mochte) dachte, dass Scott dies erlaubt hatte ihm zu viel Freiheit. (Fn. 291) Die Vorderseite des Vierecks mit Mosaik-Figurenfeldern von Townroe (Fn. 292) kopierte den von Fowke und Sykes etablierten Stil auf der West- und Nordseite, jedoch mit einem gröberen, scharlachroteren Farbton für die Terra -kotta. Das Dach war außerdem nur mit Schiefer, nicht mit Pfannendach versehen, und Cole beklagte bei einem seiner letzten Besuche im Museum „durchwegs gemeine Beweise“. (Fn. 293) Das Werk wurde 1884 zu einem Preis von etwa 65.000 Pfund abgeschlossen. (Fn. 294)

Die Abteilung und das Amt für Bauarbeiten

Gladstone war 1880 an die Macht zurückgekehrt. Sein Leiter des Bildungsausschusses, AJ Mundella, hatte Sympathie für 'South Kensington', aber der Erste Baukommissar, GJ Shaw-Lefevre, stand dem Ministerium feindlich gegenüber und unterstützte die Beschränkungen der Der Hauptvermesser des Büros, Sir John Taylor, über einige Merkmale von Scotts Bibliotheksdach. (Fn. 295) Shaw-Lefevre bestand auf der Fähigkeit des Amtes, das Museum selbst fertigzustellen, und das unabhängige Architekturbüro in South Kensington wurde im März 1882 abgeschafft: (Fn. 296) Schwierigkeiten im Natural History Museum könnten Shaw-Lefevres wollte damals den Museumsbau kontrollieren. Scott starb im folgenden Jahr.

Das Design von Koffern und Bücherregalen für die Kunstbibliothek wurde Taylor übertragen. In Bezug auf die weiteren Arbeiten wurden Scotts Fertigstellungspläne von Shaw-Lefevre und Taylor als unbefriedigend bezeichnet, teilweise mit der seltsamen Begründung, dass sie nicht mit dem von Scotts eigenem Büro entworfenen bewunderten Huxley Building harmonierten. (Fn. 297) Im Jahr 1883 gelang es Shaw-Lefevre, eine parlamentarische Abstimmung über Mittel für den weiteren Bau zu verhindern, die 1882 vom Finanzministerium genehmigt wurde. (Fn. 298) Bis 1885 wurden von Taylor einige alternative Skizzenpläne erstellt, die jedoch vielleicht nicht sehr ernsthaft beabsichtigt, und 1885–186 verweigerte das Finanzministerium weitere Ausgaben zugunsten der Gebäude der Admiralität, des Kriegsministeriums und des Generalpostamts. (Fn. 299)

Einige Arbeiten wurden auch in den 80er Jahren von Studenten der National Art Training School ausgeführt. Zum Beispiel dekorierten sie die Decke und die Wände des Refreshment Room-Korridors in den Jahren 1885 bis 1886 nach Entwürfen von Hugh Stannus (ehemals einer von Stevens' Assistenten): Die geschätzten Kosten betrugen £ 200, verglichen mit den £ 1.150, zu denen Moody für die Arbeit ausgeschrieben hatte 1879. (Fn. 300)

Der Zurückhaltung gegenüber der Fortsetzung der groß angelegten Bauarbeiten lag zweifellos ein Misstrauen gegenüber Whitehall gegenüber dem Establishment in South Kensington zugrunde. (Fn. 301) Eine weitere Ursache war jedoch die Unsicherheit über den endgültigen Standort der verschiedenen Sammlungen, die für die erfolgreiche Rolle des Museums als im Großen und Ganzen als „Kunstsammlung“ als Randerscheinung galt.

Die Zukunft der Kollektionen

In seinen Anfängen war, wie wir im vorigen Kapitel gesehen haben, die Palette der Themen, die im Eisenmuseum für die Illustration zusammengeführt wurden, sehr breit gefächert. Allen Universalgelehrten wie Whewell war dies bewundernswert erschienen, auch wenn die »fröhliche Erscheinung des Museums auf halbem Weg zwischen dem Archiv der National Society und dem Soho Bazaar« das Talent zum Spotten von BeresfordHope weckte. (Fn. 302) Cole versuchte im Sinne von Prinz Albert (der ein 'Museum of Arts' nicht Kunst wollte (Fn. 303) ) an dem Konzept des Museums als teilweise Handels- oder Industriesammlung festzuhalten. Im Jahr 1860 war er unbekümmert, dass eine der beliebtesten Abteilungen die Lebensmittelsammlung war, die das Publikum anweisen sollte, "was für sie am billigsten und am besten zu essen ist", und in seiner Definition des Umfangs der Kunstsammlung hatte er zumindest dann unter parlamentarischer Vernehmung, in der Tradition von 1851 sehr nützlich gewesen. Er sah darin eine Hilfestellung für Manufakturen, »insbesondere für die Zierkunst-Manufakturen«. (Fn. 304) Das „Baumuseum“ unter Fowke war eine aktive Sektion, in der die Produkte der Hersteller für die Bauindustrie im Vorgriff auf die Entwicklungen des 20. Jahrhunderts gezeigt und getestet wurden. (Fn. 305)

Gleichzeitig hat Cole aus seiner radikalen Vergangenheit einen weitgehend „menschlichen“ Ansatz am Leben erhalten, der jeder übertriebenen Einschränkung des Museumsumfangs entgegenwirkte. Sein Abteilungsbericht von 1858 erfreute sich an den Abendöffnungen, wenn „der Arbeiter in Begleitung seiner Frau und seiner Kinder ins Kensington Museum kommt. Die überraschten und erfreuten Blicke der ganzen Gesellschaft, wenn sie zum ersten Mal die brillante Beleuchtung im Inneren des Museums betrachten, zeigen, was für eine neue, akzeptable und gesunde Aufregung diese Abendunterhaltung ihnen allen bietet.' (Fn. 306) Ein Teil dieser Tradition trägt vielleicht noch immer zur positiven Haltung des Museums gegenüber seinem Publikum bei, obwohl es Cole selbst zu Äußerungen führte, die jetzt von einem Museumsdirektor nicht genehmigt würden. (Fn. 8)

Einen starken Einfluss hatte jedoch J. C. Robinson, bis 1863 der Hüter der Zierkunstsammlung. Er verachtete das „bunte Durcheinander“ der anderen Kollektionen sehr und freute sich, dass Coles warnende Ausstellung schlecht gestalteter Manufakturen im Marlborough House bald „diskret demontiert“ worden war. (Fn. 308) Wie wir gesehen haben, hat Robinson seine Fähigkeiten als Kenner des Spätmittelalters und der Renaissance, insbesondere der italienischen, dazu verwendet, einen Großteil der Stärke des Museums auf diesem Gebiet zu begründen. Der Erwerb sowohl von Werken von Kennern als auch von modernen Gemälden trug zur Öffnung des Museums in Richtung "schöner" Kunst bei, und im Jahr 1863 schlug Beresford-Hope in der Quartalsbericht dass das Museum als "British Museum of post-classical art" anerkannt werden sollte und eine Sammlung wird, die eher die Kunstgeschichte illustriert als direkt lehrreich für Kunststudenten: Er schlug vor, es von den Kunstschulen zu trennen, und ignorierte jede Rolle als Hilfestellung für Hersteller und Industriedesigner. (Fn. 309) Die künftige Leitung der Kunstsammlungen wurde nämlich in einem wichtigen Protokoll des damaligen Bildungsausschusses (Juni 1863) behandelt. Die Sammlungen sollten sich allgemein auf die nachklassische Kunst beschränken, die „zu einem bestimmten Zweck verwendet“ wurde. Um die Vorliebe des Kenners für Robinson einzuschränken, sollten alle Epochen und geographischen Regionen innerhalb dieser Beschränkung angemessen dargestellt werden. (Robinson trat prompt zurück, um bis 1867 Kunstreferent des Museums zu werden. (Fn. 310) ) Robinsons Vorschlag, den Erwerb moderner Objekte einzustellen, wurde 1865 abgelehnt (Fn. 311), aber einige Teile der Sammlungen wurden von Gegenständen, die für die Verteilung an örtliche Museen geeignet waren (Fn. 312), und in den folgenden Jahren wurden bestimmte Teile der alten Sammlung in Galerien westlich der Exhibition Road oder weiter entfernt verlegt. (Fn. 9)

Die Tendenz des Museums in den späten siebziger Jahren alarmierte Cole. Es fehlte ihm nichts an Begeisterung für den Erwerb dekorativer Kunst. (Tatsächlich hatte er 1868, vielleicht inspiriert durch den Beginn der Cast Courts, tatsächlich daran gedacht, die Arena-Kapelle in Padua für das Museum zu kaufen. (Fn. 316) ) Aber 1880 beschwerte er sich, dass die jüngsten Käufe "einen Überfluss" enthielten der mittelalterlichen italienischen "Jungfrauen und Kinder"', und auch, dass die alte Gruppierung der Objekte im Museum hauptsächlich nach "Material und Prozess' wurde den Anzeigeanforderungen untergeordnet. Unter Robinsons wiederbelebendem Einfluss war ein Großteil der modernen dekorativen Kunst nach Bethnal Green gesandt worden, und nach Coles Meinung wurde die Funktion des „Unterrichtens von Kunst für die Industrie“ dem Studium des „Archäologischen und „seltenen und neugierigen“ untergeordnet. (Fn. 317) Bis zuletzt waren die Sammlungen des Departments in South Kensington sehr vielfältig (Tafel 57), aber ab 1889 wurde die Ausstellung einiger, wie des „Museum of Construction“ und der „Educational Collection“, eingestellt. (Fn. 318)

Als sich die Sammlungen östlich der Exhibition Road mehr auf „Kunst“ konzentrierten, erregte die Verfeinerung und Entwicklung der anderen Sammlungen zu einem „Wissenschaftsmuseum“ zunehmende Aufmerksamkeit, und in den 1880er Jahren fand das Finanzministerium Grund zur Untätigkeit in den Überlegungen der Ausschüsse über die Zukunft der wissenschaftlichen Sammlungen.

1886 hoffte das Department noch auf die Ausführung von Scotts Entwurf. (Fn. 319) Aber als 1890 die Überlastung des Museums schließlich den Schatzkanzler von Lord Salisbury, Göschen, dazu brachte, es zu entlasten, genehmigte er einen Wettbewerb für einen völlig neuen Entwurf.


Dieser geschnitzte Lacktisch stammt aus der Ming-Dynastie (1368–1644). Es ist einzigartig in Form und Dekoration und zählt zu den wichtigsten Objekten des Museums aus der Ming-Zeit.

Es ist eines der wenigen erhaltenen Beispiele für Möbel, die in der ‘Orchard Workshop’ hergestellt wurden, der kaiserlichen Lackwerkstatt, die in der frühen Ming-Zeit auf dem Gelände der ‘Verbotenen Stadt’ in Peking, dem heutigen Peking, eingerichtet wurde.

Geschnitzter Lack wurde in allen sichtbaren Oberflächen von Möbelstücken verwendet. Diese Tischplatte hat das imperiale Ming-Design mit einem zentralen Drachen und Phönix, die den Kaiser und die Kaiserin symbolisieren.

In der Ming-Zeit wurde der Drache zu einem kaiserlichen Symbol und erschien auf Lack aus den kaiserlichen Werkstätten für den Gebrauch des Hofes oder des Kaisers.

Anfangs war der Drachenkopf im traditionellen Profil zu sehen, aber in der Mitte des 15.

Die Ming-Dynastie war von 1368 bis 1644 die herrschende Dynastie Chinas. Die Ming-Dynastie war auch die letzte kaiserliche Dynastie Chinas, die von den Han-Chinesen regiert wurde.

Der Grund des Tischreliefs war zunächst gelb, was im Kontrast zum Rot der oberen Lagen stand, aber mittlerweile dunkel verblasst.

Die Beine und Kanten der Platte sind mit den “Flowers of the Four Seasons” beschnitzt.

Der Tisch trägt die Regierungszeit des Kaisers Xuande (1426–1435) und wurde für den Kaiserpalast angefertigt.

Die auf der Oberfläche geschnitzten fünfklauenigen Drachen wurden verstümmelt, indem an jedem Fuß eine Klaue entfernt wurde, wie es oft getan wurde, wenn Teile kaiserlichen Besitz verließen.

Der fünfklauenige Drache durfte nur vom Imperator benutzt werden, mit sehr strengen Strafen für Missbrauch.

Kaiserliche Stücke wurden manchmal verschenkt oder von den Hofeunuchen mitgenommen, um sie auf Märkten außerhalb der Verbotenen Stadt zu verkaufen.


Victoria und Albert Museum

Victoria und Albert-Museum. Nach dem Erfolg der Großen Ausstellung (1851) wurde jedoch schnell ein Manufakturmuseum im Marlborough House eingerichtet, obwohl enge Verbindungen zu den in den 1830er Jahren gegründeten Designschulen aufgrund der wahrgenommenen Versäumnisse bei den Designstandards aufgrund der Auswirkungen der Mechanisierung auf das traditionelle Handwerk aufrechterhalten wurden , wurde seine Sammlungspolitik zunehmend antiquarisch. Der erste Direktor war Henry Cole, ein Pionier der Öffentlichkeitsarbeit, der den Bau neuer, aber heterogener Gebäude in South Kensington (eröffnet 1857), einem von Prinz Albert vorgeschlagenen Standort, beaufsichtigte. Das Verwaltungschaos nach Coles Pensionierung führte schließlich zur Abspaltung der Wissenschaften in ein eigenes Museum, und das neue, umbenannte Gebäude von Webb (imposant, aber unpraktisch) wurde 1908 fertiggestellt , aber, verglichen mit einer 𠆎xtrem geräumigen Handtasche’, ist die ‘V. & A.’ hat sich zu einem führenden Museum für weltweite dekorative Kunst entwickelt.

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JOHN CANNON "Victoria und Albert Museum". Der Oxford-Begleiter zur britischen Geschichte. . Enzyklopädie.com. 16. Juni 2021 < https://www.encyclopedia.com > .

JOHN CANNON "Victoria und Albert Museum". Der Oxford-Begleiter zur britischen Geschichte. . Abgerufen am 16. Juni 2021 von Encyclopedia.com: https://www.encyclopedia.com/history/encyclopedias-almanacs-transcripts-and-maps/victoria-and-albert-museum

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Victoria und Albert Museum

Das Victoria and Albert Museum (V&A) in South Kensington, London, England, ist eines der besten Kunstmuseen der Welt. Es widmet sich der dekorativen Kunst und dem Design und verfügt über eine umfangreiche und vielfältige ständige Sammlung von mehr als 6,5 Millionen Objekten. Es wurde 1852 gegründet und später nach Königin Victoria und ihrem Ehemann Prinz Albert benannt. Es umfasst derzeit etwa 12,5 Hektar und umfasst etwa 145 Galerien.

Die V&A-Sammlung – die sowohl bildende als auch angewandte Kunst umfasst – umfasst fünf Jahrtausende, von alten Zivilisationen bis zum 21. Die Bestände der V&A an Skulpturen, Keramik, Glas, Textilien, Glas, Schmiedearbeiten, Silber, Edelmetallen, Schmuck, Möbeln, mittelalterlichen Objekten, Drucken, Zeichnungen und Fotokunst gehören zu den besten und umfangreichsten der Welt. Zu den Höhepunkten der V&A-Sammlung zählen der weltweit größte Bestand postklassischer Skulpturen, die beste Sammlung ostasiatischer Kunstwerke in Europa und eine Sammlung islamischer Kunst, die neben der des Louvre (Paris) und des Metropolitan Museum of Art (New York) steht ) als größte der Welt. Das Museum enthält auch die nationalen Sammlungen britischer Miniaturen, Aquarelle und Arbeiten englischer Silberschmiede sowie die größte Sammlung von Bildern von John Constable. Zusammen mit 17 weiteren Galerien und Museen in ganz Europa und dem Mittelmeerraum beteiligt sich das V&A derzeit an einem Online-Projekt mit dem Titel Discover Islamic Art. Weitere Informationen zu wichtigen Ausstellungen im V & A finden Sie unter Art News Headlines.

BILDENDE KUNST DES ISLAM
Für Sammlungen muslimischer Kultur,
siehe: Museen für Islamische Kunst.

DIE BESTE KUNST DER WELT
Die größten Gemälde aller Zeiten
Öle, Aquarelle, Mischtechnik
von 1300-heute.
Die größten Skulpturen aller Zeiten
Arbeiten in Stein, Bronze, Holz
ab 33.000 v. Chr.-gegenwärtig.

Das von Prinz Albert konzipierte V&A entstand aus der Großen Ausstellung von 1851, deren Gewinn für den Kauf eines Grundstücks in South Kensington verwendet wurde, um eine Reihe von Museen und Colleges zu beherbergen. 1852 als Museum für Ornamentale Kunst eröffnet, wurde es 1857 an seinem heutigen Standort angesiedelt.

Im Jahr 1899 wurde an derselben Stelle ein neues Gebäude errichtet, das von Sir Aston Webb entworfen und 1909 von König Edward VII. eröffnet wurde und in Victoria and Albert Museum umbenannt wurde. Die wissenschaftlichen Sammlungen der Institution wurden dann in das nahegelegene Wissenschaftsmuseum überführt. Bei Ausbruch des Zweiten Weltkriegs wurde ein Großteil der Sammlung an einen unterirdischen Standort in der Nähe der U-Bahn-Station Aldwych im Zentrum von London verlegt. Nach dem Krieg veranstaltete das Museum im Herbst 1946 die äußerst erfolgreiche Designausstellung mit dem Titel Großbritannien kann es schaffen, in Zusammenarbeit mit dem Rat für Industriedesign. Bis 1948 waren die meisten Sammlungen des V&A aus dem Lager zurückgekehrt und das Museum nahm seinen normalen Betrieb wieder auf. Seitdem hat das V&A unter der Leitung von Persönlichkeiten wie Sir Roy Strong und Elizabeth Esteve-Coll ganz unterschiedliche, teils experimentelle Kulturkampagnen ins Leben gerufen, um auf seine Bestände an bildender und angewandter Kunst aufmerksam zu machen. Der vollständige Name des V&A lautet jetzt: Das Victoria and Albert Museum, das National Museum of Art and Design.

Das Victoria & Albert Museum ist in sechs grundlegende Abteilungen unterteilt: (1) Asien. (2) Möbel, Textilien, Mode. (3) Skulptur, Metallarbeiten, Keramik, Glas. (4) Wort und Bild. (5) Theater und Performance. (6) Museum der Kindheit (Bethnal Green). Innerhalb dieser Abteilungen befinden sich die folgenden Sammlungen.

Die Architektur
In Zusammenarbeit mit dem Royal Institute of British Architects hat das V&A die erste permanente britische Galerie zur Architekturgeschichte eröffnet, komplett mit Modellen, Fotografien, Elementen von Gebäuden und Originalzeichnungen. Enthält mehr als 600.000 Zeichnungen, 750.000 Papiere und 700.000 Fotografien. Zu den britischen Architekten, deren Arbeiten in der Sammlung erscheinen, gehören: Sir Christopher Wren, Nicholas Hawksmoor, Sir John Vanbrugh, William Kent, Inigo Jones, James Gibbs, Robert Adam, Sir William Chambers, James Wyatt, Henry Holland, John Nash, Sir John Soane , Sir Charles Barry, Charles Robert Cockerell, George Edmund Street, Richard Norman Shaw, Alfred Waterhouse, Sir Edwin Lutyens, Charles Rennie MacKintosh, Richard Rogers und Norman Foster. Siehe Architektur: Geschichte, Stile.

Islam
The V&A's collection of Islamic art includes such highlights as: the Ardabil Carpet, a 10th century Rock crystal ewer, numerous Qur'ans incorporating exquisite calligraphy, Iznik pottery, 14th century glasswork, an extensive collection of Middle Eastern and Persian rugs and carpets, and intricate mosaic art from Constantinople (Istanbul) and Samarkand.

South and South-East Asia
The V&A's holding of Asian art comprises some 60,000 objects, including about 10,000 textile items and 6000 paintings. Highlights include: an extensive collection of Hindu, Buddhist and Jain sculpture, Mughal art including portraits, drawings, jade wine cups, gold spoons, and exquisite textiles using gold and silver thread. See: India Painting & Sculpture.

China, Japan and Korea
This collection has over 70,000 works of art. Chinese highlights include: The T.T. Tsui Gallery of Chinese art (from the Tang, Ming and Qing Dynasties) featuring Chinese lacquerware, ancient ceremonial bronzes, Chinese pottery, types of porcelain, jade carving, as well as cloisonné enamelling, and silk watercolour paintings. Highlights of the museum's collection of Japanese art include a 13th-century sculpture of Amida Nyorai, Japanese 19th century armour, steel sword blades, Suzuki Chokichi's bronze incense burner, lacquerware, porcelain including Imari, Netsuke, woodblock prints, textiles and kimonos. Its collection of Korean art includes silk embroideries and green-glazed ceramics, while the Himalayan art collection includes early Nepalese bronze sculpture, repoussé work, Tibetan scroll paintings and ritual objects.

Thailand, Burma, Cambodia, Indonesia and Sri Lanka
This collection includes sculptures and precious objects made from gold, silver, bronze, stone, terracotta and ivory.

British Collections
Featuring art and design by British artists and craftspeople, these galleries cover three periods: (1) Tudor and Stuart Britain 1500�: covering the Renaissance, Elizabethan, Jacobean, Restoration and Baroque styles. (2) Georgian Britain 1714�: covering Palladianism, Rococo, Chinoiserie, Neoclassicism, Regency, and the Gothic Revival. (3) Victorian Art 1837�: covering the later Gothic Revival, Classical and Renaissance revivals, Aestheticism, Japanese styles, the Arts and Crafts movement and the Scottish School. Featured artists and designers include: Grinling Gibbons, Sir James Thornhill, William Kent, Sir William Chambers, Robert Adam, Josiah Wedgwood, Matthew Boulton, Eleanor Coade, John Constable, Thomas Chippendale, Augustus Welby Northmore Pugin, William Morris, William Burges, Charles Robert Ashbee, Christopher Dresser, James McNeill Whistler and Charles Rennie Mackintosh.

Furniture and Furnishings
The V&A furniture and furnishings collection contains more than 14,000 items from across Europe, including, complete rooms, musical instruments (notably a 1699 violin by Antonio Stradivari), and clocks, as well as furniture dating from the Middle Ages to the present - although most of the furniture is British and dates to between 1700 and 1900. Furniture designers featured from the 19th and 20th centuries include Ernest Gimson, Edward William Godwin, Charles Voysey, Adolf Loos and Otto Wagner, while modernists include Frank Lloyd Wright, Le Corbusier, Marcel Breuer, Charles and Ray Eames, Giò Ponti, Eileen Gray and Ron Arad.

Ceramics
Numbering over 75,000 objects, drawn from across the world, the V&A ceramic collection includes: examples of ancient pottery, Meissen and Sèvres porcelain, a wide display of Delftware, 18th century British porcelain (Royal Doulton, Chelsea and Worcester), and the finest collection of East Asian (Chinese and Japanese) pottery and porcelain in the world, an unrivalled display of Italian maiolica, Spanish lustreware, and Iznik pottery from Turkey. Famous ceramicists and potters featured, include: Josiah Wedgwood, William Frend De Morgan, Bernard Palissy and Bernard Leach. See also Ceramic art.

Jewellery
The V&A jewellery collection has more than 6,000 items, from Ancient Egypt, Greece and Rome the Medieval period the Elizabethan era, and on to the present day. In addition to exquisite items of early Christian art, it features works by jewellery designers Cartier, Peter Carl Fabergé and Lalique, Gerda Flockinger and Wendy Ramshaw.

Glass
The V&A collection of glass art contains over 6,000 items from Africa, Britain, Europe, America and Asia. As well as ancient artifacts, it encompasses Venetian and Bohemian glass, including Art Nouveau glass designs by Louis Comfort Tiffany and Émile Gallé, Art Deco exemplars by René Lalique. Designers of stained glass represented in the collection include, Dante Gabriel Rossetti (1828-82), Edward Burne-Jones (1833-1898) and William Morris. In addition, the collection includes work by 20th century designers like Harry Clarke, John Piper, Patrick Reyntiens, Veronica Whall and Brian Clarke.

Metalwork
The V&A metalwork collection consists of some 45,000 items, including decorative ironwork, bronze, silverware, pewter, brassware and enamels, as well as arms and armour. About a quarter of the items are made from silver or gold. The collection includes the oldest known item of English silver with a dated hallmark (a 1496 silver gilt beaker). See also Celtic Metalwork.

Sculpture
The V&A sculpture collection, consisting of some 17,000 items dating from 400 CE to 1914, is the most extensive assembly of post-classical European sculpture in the world. All types of sculpture are represented, from tomb and memorial, to portrait, garden statues, fountain sculpture and architectural decorations. It includes objects made from various types of marble, stone, wood, ivory, gesso, bronze, lead, ceramics, terracotta, alabaster and plaster.
The museum's collection of Italian sculpture from the Medieval, Renaissance, Baroque and Neoclassical periods is the finest outside Italy. It features works by Luca della Robbia, Giovanni Pisano, Donatello, Antonio Rossellino, Andrea del Verrocchio, Andrea della Robbia, Michelangelo, Jacopo Sansovino, Alessandro Algardi, Benvenuto Cellini, Giacomo della Porta, Giambologna, Bernini and Canova. French sculptors in the collection include François Girardon, Michel Clodion, Jean-Antoine Houdon, Jean-Baptiste Carpeaux, Auguste Rodin and Jules Dalou. Northern European sculptors featured, include: the wood-carvers Veit Stoss and Tilman Riemenschneider, Hendrick de Keyser, Jan van Schayck, Hans Daucher and Peter Flotner, Adriaen de Vries, Sébastien Slodtz, as well as British-based sculptors like Grinling Gibbons, John Michael Rysbrack, Louis-Francois Roubiliac, Sir Henry Cheere, Thomas Banks, Joseph Nollekens, Joseph Wilton, John Flaxman, Sir Francis Chantrey, John Gibson, Edward Hodges Baily, Alfred Stevens, George Frampton, and Eric Gill.

Cast Courts
Located in the sculpture wing and consisting of two large, skylighted rooms two storeys high, this display area houses hundreds of plaster casts of famous sculptures, friezes and tombs, including: a full-scale replica of Trajan's Column, replicas of Italian Renaissance sculpture and architecture, such as the immortal David sculptures by Michelangelo and Donatello.

Painting and Drawing
The V&A collection of fine art painting and drawing consists of some 1,130 British and 650 European oil paintings, 6,800 British watercolours, pastels and 2,000 miniatures. It includes the seven surviving Raphael Cartoons (designs for the Vatican's Sistine Chapel tapestries), on long term loan loan to the museum, from the British Royal Art Collection of Queen Elizabeth II. Among the many Old Masters and later famous painters represented in the collection are: Botticelli, Tintoretto, Adriaen Brouwer, Anton Raphael Mengs, Rembrandt, François Boucher, John Constable, JMW Turner, Jean-Baptiste Camille Corot, Gustave Courbet, Eugène Delacroix, Théodore Rousseau, Edgar Degas, Jean-François Millet, Paul Cezanne, Dante Gabriel Rossetti, Edward Burne-Jones. Other famous water colourists represented include: William Gilpin, William Blake, John Sell Cotman, Paul Sandby, William Mulready, Edward Lear, and Whistler. The V & A also includes a wide range of miniature portrait painting by an extensive list of Europe's best miniaturists such as: Jean Bourdichon, Hans Holbein the Younger, Nicholas Hilliard, Isaac Oliver, Peter Oliver, Jean Petitot, Alexander Cooper, Samuel Cooper, Thomas Flatman, George Engleheart, John Smart, Richard Cosway & William Charles Ross.

In addition, the V&A holds drawings by: Albrecht Durer, Giovanni Benedetto Castiglione, Antonio Verrio, John Russell, Angelica Kauffmann, the sculptor John Flaxman, Hugh Douglas Hamilton, Thomas Rowlandson, Thomas Girtin, Jean-Auguste-Dominique Ingres, David Wilkie, John Martin, Samuel Palmer, Sir Edwin Henry Landseer, Lord Frederic Leighton, Sir Samuel Luke Fildes and Aubrey Beardsley. Twentieth century British artists represented include: Paul Nash, Percy Wyndham Lewis, Eric Gill, Stanley Spencer, John Piper, Graham Sutherland, Lucian Freud and David Hockney.

Photography
The V&A collection of photographic images consists of some 500,000 images dating from 1839 up to the present day. It features work by photographers such as Fox Talbot, Julia Margaret Cameron, Gustave Le Gray, Frederick Hollyer, Samuel Bourne, Roger Fenton, Man Ray, Curtis Moffat, Henri Cartier-Bresson, Ilse Bing, Bill Brandt, Cecil Beaton, Don McCullin, David Bailey, and Helen Chadwick.

Prints and Books
The Victoria and Albert museum is also home to the National Art Library, one of the world's largest libraries devoted to fine and decorative arts, which contains more than 750,000 books. Collection highlights include: the Codex Forster, notebooks by Leonardo da Vinci. The V&A print collection of 500,000 items, includes posters, greetings cards, book plates, and prints by such masters as Rembrandt, William Hogarth, Canaletto, Karl Friedrich Schinkel, Matisse and Sir William Nicholson.

Textiles
The V&A collection of textiles - one of the world's biggest - comprises more than 38,000 items, dating from the 1st century CE to the present. Mainly western European in origin, it includes works from across the world. Techniques and crafts represented include: weaving, quilting embroidery, lace, tapestry and carpets. Highlights include early silks from the Near East, European tapestries (notably Gobelins tapestry as well as examples from Brussels, Tournai, Beauvais, Strasbourg and Florence), and English medieval church embroidery. The collection also includes woven fabrics, and pattern books designed by the Arts and Crafts Movement leader, William Morris.

The V&A also runs the Museum of Childhood at Bethnal Green, one of the world's largest and oldest collections of toys and childhood artifacts. Dating from the 16th century to the present day, it encompasses dolls, teddy bears, toy soldiers, train sets, puppets, rocking horses, costumes, board games, as well as some of the earliest jigsaw puzzles ever made.

Education, Research and Conservation

Itself established as one of the finest art museums in Europe, The V&A maintains an extensive series of educational programs, along with collaborative ventures with institutions across Britain. In addition, it runs a major research and conservation department for the benefit of scholars and the general upkeep of its exhibits.

Victoria and Albert Museum
242 Brompton Road
London SW3 2BB
Website: www.vam.ac.uk.

• For details of the development of painting and sculpture, see: History of Art.
• For more information about the world's greatest art museums, see: Homepage.


History is our Future

Upon staying at my grandparents’ house in London we decided to make use of our time by visiting the Victoria and Albert Museum which is conveniently neighboured to South Kensington Station, so our worries of having to trek through the bitter cold weather were defused!

Due to a busy time schedule we could not stay at the museum for too long but long enough to appreciate the huge array of artefacts that were on display. Cut for time, I chose to explore the “Medieval & Renaissance 1350-1600” exhibition which covered three entire floors. Having recently read a number of books detailing Renaissance Florence under Medici rule, it felt right to get a first-hand view of the objects which were present in a time and place which turned the very cogs of the historical period which would be come to be known as the Renaissance.

I was first greeted by the pulchrous works of the artist Raphael who took over Michelangelo’s prominent role as the main artist in Florence. I was taken aback by the sheer scale of his paintings and what interested me was his constant depiction of biblical events which occurred in the New Testament. I was particularly analytical of his work “The Miraculous Draft of Fishes”, familiarising it with the Call of the Disciples, having studied the Gospel of Mark. What we can infer from this painting is that Raphael wishes to present Jesus as humanly suggested by the similarities in clothing between Jesus and the fishermen. The stark white robe covering Jesus’ underclothes is a massive contrast to the more neatly blended, complimentary colours which Raphael seems to use on the rest of the painting.

The Renaissance saw the birth of humanism, which was confirmed through the art which was produced in this period. The sculpture “The Rape of Proserpina” by Vincenzo de’ Rossi displays Pluto, the Roman King of the Underworld violently handling Proserpina who can be seen desperately struggling to break free from the clutches of the majesty of the dead. The negative connotations of this sculpture are only amplified by the choice of a depressingly dark bronze which confirms Proserpina’s ill-fate.

I also came across the Medici coat of arms (stemma) during the reign of Lorenzo il Magnifico’s son, Pope Leo X. It shows the six palle (balls) which were traditionally depicted on the Medici stemma. However, in addition to this, there is a tiara and crossed keys depicted which signify Giovanni de’ Medici’s ascendancy to the papacy.

Though what I was most excited about seeing was the “Labours of the Months”, produced by Luca della Robbia for Piero the Gouty’s study in the Palazzo Medici. It depicts the agricultural labours which occurred throughout the year, each of the twelve dishes having its own zodiac sign on it in correspondence to the depiction of day and night.


The History Behind … Posy rings

In the latest installment of The History Behind, National Jeweler explores the origin of posy rings, one of the first examples of personalized jewelry.

New York--Long before today’s couples were engraving their wedding bands with initials or dates, lovers of old were swapping secret messages and vowing their lifelong commitment on posy rings.


Part of the collection of the Victoria&Albert Museum in London, this circa 1300 gold posy ring is inscribed in Lombardic capitals, “Well for him who knows whom he can trust.” (Photo credit: © Victoria and Albert Museum, London)

Also spelled posie or poesy, these rings derived their name from the French word “poésie,” or poem, because of the short sayings with which they were engraved that were religious, friendly or amorous in nature.

While there are not a great number of jewelry designers using the word “posy” in connection with new collections today, the desire for jewelry engraved with personalized messages has never faded.

“It’s continued down through history,” observed Mary Borchert, a historian with Antique Jewelry University. “Nowadays, we don’t call it a posy ring but we technically could because it has the inscription inside.”

National Jeweler dug into the online archives of the Victoria & Albert Museum in London, which houses what is arguably the largest collection of posy rings in the world, and spoke with one modern-day jewelry designer inspired by the poesies of old for this latest installment of The History Behind.

What are posy rings and when were they worn? According to the Victoria & Albert Museum, posy rings were popular from the latter half of the Middle Ages, which extended from the 5th to 15th century.

In medieval times, when religion was very much a part of everyday life, it was common for saints’ figures or religious text to appear on the rings alongside romantic expressions or even expressions of friendship. In this way, the rings functioned both as a religious talisman and a gift of love.

Jewelry designer Monica Rich Kosann, who recently launched a line of posy-ring inspired jewelry, said posy rings also were exchanged between kingdoms and religious houses as a show of support.

According to the Victoria & Albert, posy rings from Medieval period mostly have the words engraved around the outside of the band, while in later examples the lettering is found inside.

What were some of the most common inscriptions? Like much personalized jewelry today, the posy ring provided the wearer the chance to don something completely different than what their neighbor had. They could


Schau das Video: Spotlight on Vu0026A India Collections (Januar 2022).