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Sitzschale Athena aus dem Hildesheimer Silberschatz

Sitzschale Athena aus dem Hildesheimer Silberschatz


Kybele

Kybele ( / ˈ s ɪ b əl iː / SIB-ə-lee [1] Phrygisch: Matar Kubileya/Kubeleya "Kubileya/Kubeleya Mutter", vielleicht "Bergmutter" [2] Lydian Kuvava Griechisch: Κυβέλη Kybele, βήβη Kybebe, Κύβελις Kybelis) ist eine anatolische Muttergöttin, die möglicherweise eine Vorläuferin im frühesten Neolithikum in Çatalhöyük hat, wo bei Ausgrabungen Statuen von dicklichen, manchmal sitzenden Frauen gefunden wurden. Phrygiens einzige bekannte Göttin, sie war wahrscheinlich seine nationale Gottheit. Griechische Kolonisten in Kleinasien übernahmen und adaptierten ihren phrygischen Kult und verbreiteten ihn um das 6.

In Griechenland stieß Cybele auf gemischte Resonanz. Sie wurde teilweise assimiliert an Aspekte der Erdgöttin Gaia, ihres möglicherweise minoischen Äquivalents Rhea und der Ernte-Muttergöttin Demeter. Einige Stadtstaaten, insbesondere Athen, riefen sie als Beschützerin hervor, aber ihre berühmtesten griechischen Riten und Prozessionen zeigen sie als eine im Wesentlichen fremde, exotische Mysteriengöttin, die in einem von Löwen gezogenen Wagen zu wilder Musik, Wein, und eine ungeordnete, ekstatische Gefolgschaft. Einzigartig in der griechischen Religion hatte sie ein eunuchisches Bettelpriestertum. [3] Viele ihrer griechischen Kulte beinhalteten Riten für einen göttlichen phrygischen kastrierten Hirtengemahl Attis, der wahrscheinlich eine griechische Erfindung war. In Griechenland wurde Cybele mit Bergen, Stadt- und Stadtmauern, fruchtbarer Natur und wilden Tieren, insbesondere Löwen, in Verbindung gebracht.

In Rom wurde Kybele bekannt als Magna Mater ("Großartige Mutter"). Der römische Staat übernahm und entwickelte eine besondere Form ihres Kults, nachdem das sibyllinische Orakel im Jahr 205 v. Chr. Ihre Einberufung als wichtigen religiösen Verbündeten im zweiten Krieg Roms gegen Karthago (218 bis 201 v. Chr.) empfohlen hatte. Römische Mythographen erfanden sie als trojanische Göttin und damit über den trojanischen Prinzen Aeneas als Ahnengöttin des römischen Volkes. Als Rom schließlich die Hegemonie über die Mittelmeerwelt etablierte, verbreiteten sich romanisierte Formen von Kybeles Kulten im gesamten römischen Reich. Griechische und römische Schriftsteller diskutierten und bestritten die Bedeutung und Moral ihrer Kulte und Priesterschaften, die in der modernen Wissenschaft umstrittene Themen bleiben.


Der Lampsacus-Schatz wurde 1847 zufällig von Bauern gefunden, die auf einem Feld in der Nähe des Dorfes Lapseki (altes Lampsacus) im Nordwesten der Türkei gruben. Aus dem 6. und 7. Jahrhundert n. Chr. stammend, bietet der Hort von größtenteils silbernen Objekten einen bedeutenden Katalog von Design und Mode aus der frühen byzantinischen Zeit. Bald nach seiner Entdeckung gelangte der Großteil des Schatzes in den Besitz von Henry Richard Charles Wellesley, Earl of Cowley, der ihn 1848 dem British Museum schenkte. Zwei weitere Institutionen besitzen ebenfalls Objekte aus dem Schatz: Das Archäologische Museum Istanbul besitzt zwei Schüsseln den Louvre weitere zwei Löffel.

Der Schatz umfasst ein breites Spektrum kirchlicher Gegenstände, die ursprünglich einer Kirche oder einer mit der Kirche verbundenen wohlhabenden Person gehört haben können. Es enthält einen silbernen Stativlampenständer mit fünf kaiserlichen Kontrollstempeln, die aus der Regierungszeit von Justinian I. (527-65 n. Chr.) stammen. Im British Museum befinden sich außerdem zwölf birnenförmige Löffel, von denen sechs Inschriften und Verse in griechischer und/oder lateinischer Sprache tragen, ein (leicht beschädigter) silberner Kelch, zwei silberne Schalen mit niellierten Monogrammen in der Mitte, ein verzierter silberner Polycandelon, Teil eines Klapphockers, sowie diverse Schmuck- und Möbel-/Gefässausstattungen.


Sasanianische Kunst, eine Einführung

Ein Reiter zieht mit der rechten Hand die gespannte Sehne eines Bogens zurück und zielt mit der Linken einen Pfeil auf zwei fliehende Bergböcke. Die Jagd ist schnell, die Widder sprinten vorwärts, während das Pferd des Reiters direkt hinter ihren Schweifen galoppiert. Der selbstbewusste Reiter hat bereits zwei Bergböcke erschossen, die verrenkt unter den Hufen des Pferdes liegen. Dieser Reiter erscheint ziemlich außergewöhnlich. Er trägt keine praktische Sportkleidung, sondern flatternde Kleidungsschichten und Bänder, und eine massive Krone zieht die obere Hälfte seines lockigen Haares zu einem in einem Halbmond ruhenden Knoten zusammen. Ein Heiligenschein, der seinen Kopf umkreist, erhebt ihn zu einem quasi-göttlichen Status. Dieser vergoldete Silberteller zeigt ein idealisiertes Porträt eines Sasanian Shahan Shah , oder König der Könige, auf königlicher Jagd.

Karte des Sasanidischen Reiches (unterliegende Karte © Google)

Sasanianische Kunst und Archäologie

Ein Hofhandwerker schuf diesen luxuriösen Handteller unter der Sasaniden-Dynastie (224–651 u. Z.). Die Sasanier waren die letzte vorislamische iranische Dynastie, die ein weitläufiges Reich regierte, das sich über West- und Zentralasien erstreckte. Die Sasanier nannten ihr Reich Eranshahr, das Reich der Iraner. Ein Großteil der materiellen Kultur, die überlebt, ist Hofkunst, das heißt Luxusobjekte und königliche Denkmäler, die von den herrschenden und elitären Gesellschaftsschichten des Imperiums geschaffen und genutzt werden.

Die Besitzer von Luxusgütern wie dem königlichen Jagdteller gaben ihren Besitz durch viele Hände weiter, sei es als Erbstück, Geschenk oder Tausch. Viele sasanidische Luxusgüter reisten weit über die eurasische Landmasse und landeten schließlich an Orten, die von französischen Kirchenschätzen und chinesischen Bestattungen bis hin zu Horten im heutigen Russland reichen. Monumentale Kunst und Architektur blieben an Ort und Stelle. Einige Städte und Stätten wurden nicht mehr genutzt (wie Bishapur), während andere spätere Entwicklungsphasen erlebten (wie Takht-e Soleiman unter den mongolischen Ilchaniden). Mittelalterliche und vormoderne islamische Autoren dokumentierten sasanidische Stätten als Teil der reichen Geschichte der Region. Im 18. Jahrhundert begannen europäische Reisende auch, sasanidische Denkmäler neben denen der früheren Arsacid (auch Parthian genannt) und Achämeniden-Dynastien des Iran aufzuzeichnen. Diese Begeisterung für die Wiederentdeckung der Vergangenheit des Iran führte im 20. Jahrhundert zu groß angelegten archäologischen Ausgrabungen. Obwohl sich die meisten Projekte auf palastartige Stätten konzentrierten, haben sich neuere Kampagnen auch eifrig dem Alltagsleben der einfachen Bürger des Imperiums zugewandt.

Dieser Essay stellt das Sasanidische Reich anhand einer Handvoll wichtiger Denkmäler kurz vor. Es bietet einen Einblick, wie sasanidische Herrscher ihren Platz in der Welt wahrnahmen und wie sie dieses Verständnis sowohl den Bewohnern des Imperiums als auch denen jenseits seiner Grenzen vermittelten. Es zeigt auch, wie die Sasaniden ihre künstlerischen Werte materialisierten und gleichzeitig Brücken sowohl zur iranischen Vergangenheit als auch zu ihren zeitgenössischen Nachbarn Rom, China und Zentralasien bauten.

Google Maps Street View von Taq-e Kesra, Ctesiphon (heute Al-Mada’in, Irak)

Königtum ausführen

Ein Markenzeichen der königlichen sasanidischen Architektur ist die ayvan (bezeichnet als ein iwan im Arabischen), ein gewölbter Raum, der an drei Seiten geschlossen und an der vierten offen ist. Architekten aus der Sasanidenzeit entwarfen palastartige Komplexe um einen zentralen ayvan dass der Sasanian Shahan Shah für höfische Veranstaltungen und Spektakel genutzt. In der sasanidischen Hauptstadt Ktesiphon am Tigris in der Nähe des heutigen Bagdad im Irak steht vielleicht das berühmteste ayvan , bekannt als Taq-e Kesra, der Bogen von Khosrow. Die ayvan ist immer noch das größte unbewehrte Ziegelgewölbe der Welt mit einer Höhe von 35 Metern und einer Breite von über 25 Metern.

Frühislamische Historiker und Dichter berichteten, wie die Sasaniden die Wände mit geformten Stuckarbeiten, Mosaiken und Wandmalereien schmückten und die Böden mit Teppichen und Kissen bedeckten. Mehrere Autoren beschrieben außerdem, wie der König seinen Thron in die Mitte des ayvan und hing seine ostentativ verzierte Krone von der Decke, um ihr massives Gewicht zu tragen. Bei der Ausrichtung von Veranstaltungen ordnete der König die Eliten des Imperiums nach Rang. Er reservierte symbolisch die drei ihm am nächsten liegenden Sitze für die Führer des benachbarten Roms, Chinas und der Steppe. Und so kam es dass der ayvan wurde zu einer Bühne für die Durchführung einer weltpolitischen Kosmologie, in deren Mittelpunkt der Sasanidenkönig stand. Nach dem Untergang des Sasanidischen Reiches ayvan würde ein charakteristisches Merkmal der iranischen und großpersischen Architektur bleiben und Moscheen (wie die Große Moschee von Isfahan), Madrasas (eine islamische Schule) und Karawansereien (ein vormodernes Gasthaus für Reisende und ihre Tiere) bilden.

Monumentale Bildgestaltung

Neben der Gestaltung extravaganter Räume für politisch aufgeladene Aufführungen nutzte die Sasaniden-Dynastie die natürliche Landschaft, um große Felsreliefs zu bauen, die die göttliche Investitur, den Triumph über fremde Herrscher und königliche Familienporträts darstellten. Die sasanidischen Könige wählten strategisch Orte an heiligen Wasserstraßen, Straßen, die in das Reich hinein und aus ihm herausführten, sowie in der Nähe anderer Steindenkmäler, die von vergangenen Reichen errichtet wurden.

Google Street View von Naqsh-e Rustam (heutige Provinz Fars, Iran)

Der erste Sasanian Shahan Shah , Ardashir I., gab eines seiner Reliefs am Fuße einer Böschung in Auftrag, die heute als Naqsh-e Rustam bekannt ist und von der früheren Achämeniden-Dynastie als königliche Nekropole genutzt wurde. Dieses Relief zeigt den zoroastrischen Gott Ohrmazd, der Ardashir das Recht zum Königtum verleiht.

Göttliche Investitur von Ardashir I. (reg. 224-242 u. Z.), Sasanidischer Iran, 3. Jahrhundert u. Z., Felsrelief, in situ in Naqsh-e Rustam (heute Provinz Fars, Iran Foto: Fabienkhan, CC BY-SA 2.5)

Der rechts dargestellte Gott in menschlicher Form ist der höchste Gott im zoroastrischen Pantheon, einer alten, indigenen iranischen Religion. Ardashir auf der linken Seite streckt eine Hand aus, um einen göttlichen Ring von Ohrmazd zu erhalten. Der König und der Gott spiegeln einander: Sie stehen nicht nur in einer identischen Position und tragen ähnliche Gewänder, sondern teilen auch eine Rangordnung mit der Königskrone, die sich sogar über Ohrmazd erhebt. Das Relief illustriert außerdem den Triumph der Sasanier über die frühere Arsacid-Dynastie. Der letzte Arsacid-König liegt zertrampelt unter den Hufen von Ardashirs Pferd. Unter den Hufen von Ohrmazds Pferd befindet sich Ahriman, ein böser Geist und laut zoroastrischer Lehren der Hauptgegner von Ohrmazd.

Drachme von Shapur I. (reg. 241–272 n. Chr.), Sasanidischer Iran, 3. Jahrhundert n. Chr., Silber, 26 mm Durchmesser (© The Trustees of the British Museum)

Miniaturbild-Erstellung

In Kombination mit ortsspezifischen monumentalen Bildern gestalteten Herrscher Bilder für Münzen, die sie innerhalb des Reiches und über seine Grenzen hinaus verbreiten konnten. Sasanische Silberdrachmen (die Hauptbezeichnung der Münzprägung unter den Sasaniden) zeigten typischerweise ein Profilporträt des Herrschers auf der Vorderseite (Vorderseite einer Münze). Auf der Rückseite (Rückseite einer Münze) befand sich ein zoroastrischer Feueraltar, der von zwei Begleitern flankiert wurde. Herrscher verwendeten Münzen, um ihre unverwechselbaren Kronen zu präsentieren. Shapur I zum Beispiel trägt eine mit Perlen gesäumte Krone mit Zinnen und Haaren, die zu einem großen Knoten auf seinem Kopf hochgezogen sind. Auf der anderen Seite trägt Boran eine kappenartige Krone, die mit Juwelen besetzt und mit zwei Flügeln und einem Halbmond gekrönt ist, der die Haare hebt. Shapur I. war der erste, der auf Münzen schrieb, dass er nicht nur der König von . war Eran (Iran) aber auch Aneran (Nicht-Iran). Diese Botschaft verbreitete eine Kosmologie, die den Sasanidenkönig in den Mittelpunkt der Welt stellte.

Drachme von Boran (reg. ca. 630), Sasanidischer Iran, 7. Jahrhundert u. Z., Silber, 29 mm Durchmesser (© The Trustees of the British Museum)

Boran ist in der Geschichte des Iran besonders bemerkenswert. Sie war ein weibliches Staatsoberhaupt, das den gleichen Titel trug, Shahan Shah , als ihre männlichen Kollegen. Obwohl sie in einer Zeit des Chaos die Herrschaft übernahm, war sie eine scharfe Anführerin, die nach fast 30 Jahren Krieg unter ihrem Vater Khosrow II. Straßen baute und den Frieden mit Byzanz ermöglichte.

Sasanidische Münzen wurden nicht nur im ganzen Reich hergestellt und verwendet, sondern auch wertvolles Geld weit über seine Grenzen hinaus. Archäologen haben sassanidische Münzen in ganz Eurasien ausgegraben, von chinesischen Gräbern bis zu skandinavischen Schätzen. Frühislamische Dynastien verwendeten außerdem sasanidische Münzbilder als Prototypen, bis sie schließlich zu vollständig kalligraphischen Bildern übergingen.

Weinkaraffe mit tanzenden Frauen, Sasanidischer Iran, 6. bis 7. Jahrhundert u. Z., Silber mit Quecksilbervergoldung, 34 cm hoch (The Metropolitan Museum of Art)

Schlemmen und Kämpfen

Die Sasanianer genossen gemeinsames Essen und Trinken, ein gesellschaftliches Ereignis, das durch Keramik-, Glas- und Silbergefäße sichtbar ist. Elitekreise behandelten silberne Tassen, Teller und Schüsseln, auf die Handwerker komplizierte Designs hämmerten und jagten. Die Bilder sind oft verspielt und repräsentieren Tiere, Vegetation und Bankettunterhaltung. Eine Weinkaraffe zeigt vier Frauen, die unter einer Arkade spärlich in luxuriöse Textilien gehüllt sind. Jeder Tänzer ist einzigartig und hält Blumen, einen Vogel, einen Spiegel und sogar einen Krug (auch Krug genannt) wie den, auf dem der Künstler das Bild geschaffen hat. Der stilistische Rahmen der Figuren unter einer Arkade, die sich um das Gefäß dreht, teilt sich mit zeitgenössischem byzantinischen Silber – wo es auf sakralen christlichen liturgischen Gefäßen erscheint, zum Beispiel auf diesem Kelch aus dem Attarouthi-Schatz.

Bankette mit Tänzern, Musikern und Akrobaten waren Teil einer höfischen Kultur, die im frühmittelalterlichen Eurasien verbreitet war. Dies ermöglichte ausländischen Besuchern, wie Diplomaten und Kaufleuten, an den Feierlichkeiten anderer Kulturen teilzunehmen. Einige silberne Gefäße wurden für Festlichkeiten geschaffen. Andere waren jedoch weniger praktisch und dienten als höfische Geschenke, wie zum Beispiel der zu Beginn dieses Aufsatzes eingeführte Jagdteller. Insbesondere die Jagdbilder fügten dem unbestreitbaren Luxus und dem intrinsischen Wert des Tellers eine zusätzliche Dimension hinzu: Bilder, die die Kampfkünste des Königs zeigten, waren propagandistisch, aber weniger offen als die Felsreliefs eines Königs, der einen Gegner tritt. Diese Kombination aus spektakulären Feiern und Jagdkunststücken, genannt bazm du razm auf Persisch, einen wesentlichen Platz in der Geschichte und den Legenden des Sasanidischen Reiches einnehmen würde. Das bekannteste Epos, das Shahnama , oder das Buch der Könige, geschrieben von dem Dichter Ferdowsi, sollte für die kommenden Jahrhunderte Geschichten über sasanidische Könige erzählen.

Ein Blick auf das Sasanidische Reich

Diese Objekte bieten einen Einblick in das visuelle Konstrukt des Sasanidischen Reiches. Die Sasanianer fügen sich strategisch in eine tiefe Linie des iranischen Erbes ein und bauen gleichzeitig einen Dialog mit ihren Nachbarn auf. Darüber hinaus würde das Erbe der Sasaniden ein wichtiges Standbein für viele kommende persische Kulturen bleiben.

Maria Brosius, Die Perser: Eine Einführung (New York: Routledge, 2006).

Matthew P. Canepa, Die zwei Augen der Erde: Kunst und Ritual des Königtums zwischen Rom und dem sasanidischen Iran (Berkeley: University of California Press, 2009).

Blair Fowlkes-Childs, „The Sasanian Empire (224–651 n. Chr.),” in Heilbrunner Zeitstrahl der Kunstgeschichte (Das Metropolitan Museum of Art).

Prudence Oliver Harper, „Kunst im Iran: Sasanische Kunst“, in Enzyklopädie Iranica .

Vorsicht Oliver Harper, Auf der Suche nach einer kulturellen Identität: Monumente und Artefakte des sasanidischen Nahen Ostens, 3. bis 7. Jahrhundert n. Chr . (Bibliotheca Persica, 2006).

Dietrich Huff, „Architektur: Sasanidenzeit“, in Enzyklopädie Iranica .


1911 Encyclopædia Britannica/Plate

TELLER. Das Wort „Platte“ (verbunden mit Gr. , flach, spätlat. plata=lamina, und Span. plata, Silber), in dem Sinne, auf den es im folgenden Artikel beschränkt ist, wird verwendet, um Werke aus Silber oder Gold zu bezeichnen, die zu einer anderen Klasse als der von persönlichen Schmuckstücken oder Münzen gehören. [1] Als dünnes Metallblech wird der Begriff in verschiedenen technischen Zusammenhängen verwendet und analog auf andere Werkstoffe übertragen (z.B. Glas). Ein „Teller“, wie die gebräuchliche Bezeichnung für das Tafelgerät (aus welchem ​​Material auch immer) ist, leitet seine Verwendung teils vom Metall-Prototyp und teils von einer etymologischen Verbindung mit dem Französischen ab plat, Gericht, Latein plattus, eben. (Siehe auch Pewter Sheffield Plate Metal-Work .)

Aufgrund der Leichtigkeit, mit der Gold verarbeitet werden kann, und des reinen Zustands, in dem es im Allgemeinen vorkommt, ist es wahrscheinlich, dass dies das erste vom Menschen verwendete Metall war, und es ist sicher, dass er zumindest in einigen Ländern die die erstaunlichste Kunstfertigkeit in ihrer Handhabung zu einer Zeit, als die anderen Künste noch in einem sehr elementaren Zustand waren. Als Beispiel dafür können wir ein Schwert aus der Bronzezeit erwähnen, das in einem Grabhügel in der Nähe von Stonehenge gefunden und im Museum von Devizes aufgestellt wurde. [2] Der Griff dieses Schwertes ist mit dem mikroskopisch kleinsten Goldmosaik bedeckt. Ein schlichtes Design entsteht durch die Fixierung von Tesserae bzw. Pins aus Rot- und Gelbgold im Holzkern des Griffs. So unglaublich es auch erscheinen mag, es gibt mehr als zweitausend dieser Goldsteinchen pro Quadratzoll. Die Verwendung von Silber scheint einer etwas späteren Zeit anzugehören, wahrscheinlich weil es, obwohl es ein in fast allen Teilen der Welt weit verbreitetes Metall ist, normalerweise in einem weniger reinen Zustand als Gold gefunden wird und einige Geschicklichkeit erfordert, um es zu schmelzen und zu veredeln . Obwohl diese beiden Edelmetalle von prähistorischen Rassen weitgehend und geschickt verwendet wurden, wurden sie im Allgemeinen als persönliche Verzierungen oder Dekorationen für Waffen verwendet. Außer in den skandinavischen Ländern wurde in den frühen Hügelgräbern der prähistorischen Zeit in Westeuropa nur wenig entdeckt, was als „Platte“ bezeichnet werden kann.

Antikes Ägypten.- Eine enorme Menge der Edelmetalle wurde jährlich als Tribut an die ägyptischen Könige gebracht, laut Diodorus, der die Autorität des Hekataios zitiert, beliefen sich die jährlichen Erträge der königlichen Gold- und Silberminen auf 32 Millionen Minen, also etwa 133 Millionen Pfund modernes Geld. Obwohl diese Schätzung wahrscheinlich übertrieben ist, muss der Betrag sehr hoch gewesen sein. Das Gold stammte hauptsächlich aus den nubischen Minen in der westlichen Wüste im Wadi ‛Alāḳi und den angrenzenden Tälern. Eine Karte dieser Minen aus der Zeit von Ramses II. (1300 v. Chr.), ist erhalten geblieben. Silber wurde nicht in Ägypten selbst abgebaut und stammte schon in frühester Zeit hauptsächlich aus Kleinasien. Damals war Gold vergleichsweise weit verbreitet, Silber eine große Seltenheit. Später scheint Gold relativ reichlich vorhanden gewesen zu sein als Silber, und der Wertunterschied zwischen ihnen war sehr viel geringer als heute.

In der Sprache der Hieroglyphen wird Silber „weißes Gold“ genannt, und Gold ist die Gattungsbezeichnung für Geld – anders als in den meisten Sprachen, in denen Silber meist diese besondere Bedeutung hat – eine Tatsache, die stark auf die Priorität der Verwendung von Gold hinweist. welche archäologischen Funde sehr wahrscheinlich gemacht haben. Unter den Schätzen der „Königsgräber“ von Abydos aus der 1. und 2. Dynastie wurde viel Gold, aber kein Silber gefunden. An den Wänden eines der Gräber von Beni Hassan ist eine interessante Darstellung einer Gold- und Silberschmiedewerkstatt zu sehen, die die verschiedenen Verfahren zeigt - das Wiegen, Schmelzen oder Löten mit dem Glührohr, das Veredeln des Metalls und das Polieren die fast fertige Schale oder Vase. Aufgrund der ägyptischen Praxis, mit ihren Toten persönliche Ornamente und Schmuckstücke zu bestatten, haben sich bis heute nur wenige Exemplare von Gold- oder Silberplatten erhalten, während die Menge an Goldschmuck die entdeckt wurde, ist sehr groß und zeugt von höchster Fertigkeit bei der Bearbeitung der Edelmetalle. Wir können uns jedoch anhand der häufigen Darstellungen in Wandskulpturen und Gemälden eine Vorstellung davon machen, wie die größeren Werke wie Teller und Vasen in Gold und Silber aussahen. In vielen Fällen waren sie äußerst kunstvoll und phantasievoll geformt und wurden mit den Körpern oder Köpfen von Greifen, Pferden und anderen realen oder imaginären Tieren geformt. Andere sind einfach und anmutig im Umriss, angereichert mit zarten Oberflächenornamenten aus Blättern, Wellen- und Guillochenmustern, Hieroglyphen oder heiligen Tieren. Abb. 1 zeigt eine Goldvase aus der Zeit der Tethmosis (Thothmes) III. (Dynastie XVIII., um 1500 v. Chr.), entnommen aus einem Wandgemälde in einem der Gräber von Theben. Die Figur auf der Seite ist die Hieroglyphe für „Gold“. Andere scheinen sehr groß und massiv gewesen zu sein, mit menschlichen Figuren in Silber oder Gold, die eine große Schüssel oder einen Krater aus demselben Metall tragen. Vasen dieser Art wurden natürlich in Ägypten selbst hergestellt, aber viele der in den thebanischen Gräbern dargestellten Vasen waren Tribute, meist phönizischer Handwerkskunst. Schon zur Zeit von Tethmosis III., als die phönizischen Städte bekanntlich schon seit Jahrhunderten bestanden, finden wir die Schiffe von Arvad, Byblos und Tyrus in den Häfen des Deltas bekannt und sogar mitbringend Tribut ausländischer Vasen an die Flusskais von Theben selbst. Wir können nicht bezweifeln, dass ein Großteil der kostbaren Gold- und Silberplatten, die zu dieser Zeit von den Ägyptern verwendet und speziell als ausländischer Tribut beschrieben wurden, von phönizischen Künstlern im ägyptischen oder ägyptisierenden Stil hergestellt wurden. Aber auch Teller wirklich fremder Art und Herkunft wurden zu dieser Zeit von den phönizischen „Kefti-Schiffen“ von Kefti, der Insel Kreta, nach Ägypten gebracht, wo die „minoische“ Kultur von Knossos und Phaestos nun ihren Höhepunkt erreichte. Botschafter aus Kefti ​​brachten dem ägyptischen König auch goldene und silberne Vasen als Geschenk mit, und an den Wänden des Grabes von Senmut, dem Architekten der Königin Hatschepsut, in Theben sehen wir einen Keftianer, der eine Vase aus Gold und Silber trägt, die das Duplikat von an . ist Tatsächliche Vase, die von Dr. Arthur Evans in Cnossos entdeckt wurde. Die Kunst der „minoischen“ und „mykenischen“ Goldschmiede übte erheblichen Einfluss auf die der Ägypter in der XX. Dynastie um 1150 v. Chr. aus. , finden wir auf dem Grab von Ramses III. goldene Steigbügelvasen (Bügelkannen) vom bekannten mykenischen Typus und in dem von Imadua, einem Oniker von Ramses IX., goldene Vasen, die die antike kretische Form der Becher von Vaphio imitieren. Tatsächlich ist es mehr als wahrscheinlich, dass die Ägypter und Phönizier noch lange nach dem Ende der antiken Kultur Kretas und der Ägäis Platten der „minoischen“ und „mykenischen“ Art herstellten. Zur Zeit Ramses III., um 1300 v. , zeigt sich in der Dekoration einiger Goldplatten ein klar definierter asiatischer Einfluss. Ein goldener Korb, der im Grab dieses Königs in Theben dargestellt ist, hat an seiner Seite ein Relief des heiligen Baumes zwischen zwei Tieren, eine asiatische Idee.

Feige . 1.-Goldvase, von Wandmalereien in Theben.

Die wichtigsten existierenden Exemplare der ägyptischen Platte sind fünf Silber phialae (Schalen), gefunden im antiken Thmuis im Delta und jetzt im Kairoer Museum (Nr. 482-486 im Katalog). Diese sind der Form einer Lotusblüte nachempfunden, höchst anmutig im Design, aber offenbar nicht vor dem 4. Jahrhundert v. Chr. entstanden. Von der großartigen toreutischen Kunst vor tausend Jahren, von der wir aus den oben erwähnten Wandmalereien eine Vorstellung bekommen, sind aber nur wenige wirkliche Exemplare erhalten. Der Louvre besitzt eine feine goldene Patera, 6½ Zoll breit, mit Fischfiguren innerhalb einer Lotusbordüre in Repoussé Eine Inschrift am Rand weist darauf hin, dass es Thutii, einem Offizier von Tethmosis III., gehörte. (Mem. soc. Ameise. de Frankreich, xxiv. 1858). Thutiis Schale ist ein typisches Exemplar des ägyptischen Tellers der XVIII -Bahri) sind in unseren Museen. Diese wurden wie die meisten frühen kretischen Töpfergefäße von Metalloriginalen nachgeahmt.

Eine prächtige Bronzeschale, die uns zeigt, wie einige der feineren Gold- und Silberplatten aussahen, wurde vor einigen Jahren im Grab des Hetaai, eines Würdenträgers der XVIII. Nr. 3553 im Katalog von Bissing). Die gravierte Dekoration, die Vögel und Tiere in den Papyrus-Sümpfen darstellt, ist sehr schön und offensichtlich von einheimischer ägyptischer Arbeit. Die Silberschale in Berlin, von der di Cesnola sagt, sie stamme aus Athienou auf Zypern, stammt sicherlich aus der XVIII.

Feige . 2.-Silberschale, etwa 7 Zoll im Durchmesser, gefunden in einem Grab in Zypern, mit Repoussé Reliefs im ägyptischen und assyrischen Stil.

Assyrische und phönizische Platte.- Die Kunst, Gold- und Silberplatten herzustellen, ob sie nun aus Ägypten stammte und von dort nach Kreta gelangte oder nicht, war in Ägypten und auf dem minoischen Kreta offensichtlich auf eigenem Boden. In Asien war es eine exotische Kunst, die von den Phöniziern aus Ägypten eingeführt wurde. Tatsächlich darf bezweifelt werden, ob einige der in Assyrien gefundenen bronzenen Nachahmungen von Platten aus assyrischer Herstellung stammen, sie sind wahrscheinlich phönizische Importe. Das British Museum besitzt eine schöne Sammlung dieser Schalen, die hauptsächlich im Palast von Nimrud gefunden wurden und somit aus dem 9. und 8. Jahrhundert stammen (Herrschaften von Assur-Nazir-pal bis Sargon). Obwohl sie aus Bronze sind und nur vereinzelt mit ein paar silbernen Nieten verziert sind, sind sie offenbar das Werk von Künstlern, die es gewohnt waren, mit den Edelmetallen zu arbeiten in Curium und anderswo in Zypern gefunden. Sie sind sehr zart und minutiös verziert, teils durch Ritzlinien, teils durch die Repoussé Prozess, der schließlich durch das Jagen abgeschlossen wird. Ihre Muster bestehen aus einem zentralen geometrischen Muster mit einem oder mehreren konzentrischen Bändern aus Götter- und Menschenfiguren mit verschiedenen Tieren und Pflanzen, wie Antilopen inmitten von Papyri, die von den ägyptischen Mustern der XVIII. Dynastie abgeleitet sind. Oft gibt es eine seltsame Mischung aus assyrischem und ägyptischem Stil. Stiere zum Beispiel werden normalerweise mit einem einzigen mächtigen Horn dargestellt, das nach vorne gebogen ist (im Stil der alten babylonischen Siegel), anstatt beide Hörner nach ägyptischer Art zu zeigen. Wenn Götter- und Menschenfiguren gezeigt werden, sind die Hauptgruppen rein assyrische Imitationen assyrischer Tempelreliefs, wie der heilige Baum zwischen den beiden begleitenden Tieren oder der König, der sich im Kampf befindet und einen Löwen im Alleingang besiegt mit diesen vermischt sind Figuren und Gruppen rein ägyptischen Stils, wie die Gottheit mit dem Falkenkopf oder ein König, der eine ganze Menge Gefangener mit einem Schlag tötet. Gelegentlich sieht man Spuren des antiken mykenischen Einflusses, oder vielleicht eher der jungen ionischen Kunst, die jetzt aus der Asche der mykenischen Kunst hervorgegangen war. Diese phönizischen Nachahmungsmuster sind immer noch gute Nachahmungen. Aber ein Jahrhundert später treffen wir sie wieder auf den silbernen Schalen und Schalen aus Zypern, in denen die Nachahmungen schlecht geworden sind. Die gleiche Mischung von Themen war immer noch in Mode, aber die Mischung wurde durch Verwirrung verstärkt, und wir finden Könige in assyrischen Gewändern und ägyptischen Perücken, die syrische Drachen mit ägyptischen Flügeln erschlagen und so weiter. Abb. 2 zeigt eine Silberschale von Curium mit Beispielen zu den oben genannten Themen. Es ist ein charakteristisches Exemplar dieser gemischten phönizischen Kunst, von der di Cesnola eine bemerkenswerte Anzahl von Beispielen zusammengestellt zu haben scheint. Neben den zahlreichen silbernen Phialen wurden einige mit ähnlichem Dekor aus reinem Gold gefunden. Zur gleichen Zeit wie diese Schalen aus Zypern gehören die ähnlichen Exemplare phönizischer Teller aus etruskischen Gräbern in Praeneste und Cervetri in Italien. Diejenigen aus dem Regulini-Galassi-Grab können kaum vor dem 6. Mischkunst vom späteren Typ lassen sich wohl in das 7.-5. Jahrhundert datieren.

Referenzen —Von Bissing, „Metallgefasse“, Katalog des Kairoer Museums (1901) „Eine Bronzeschale mykenischer Zeit“, Jahrb. Inst. (1898) L.P. di Cesnola, Zypern Lage, Ninive, &. (H.R.H.)

Prähistorisches Griechenland: „minoische“ und „mykenische“ Zeit. – In der frühen Geschichte der Goldschmiedekunst ist keine Periode wichtiger als die der griechischen Bronzezeit, der Periode der prähistorischen Zivilisation, die wir „minoisch“ und „mykenisch“ nennen und die der klassischen griechischen Zivilisation viele Jahrhunderte vorausging , und war tatsächlich zeitgenössisch und wahrscheinlich zeitgleich mit der alten Kultur Ägyptens. In Griechenland wurde während dieser, ihrer ersten Zivilisationsperiode, die Metallarbeit ausgiebig verwendet, vielleicht so intensiv wie nie zuvor in der Geschichte der späteren griechischen Kunst. Im Allgemeinen wurde Metall für Vasen verwendet, so dass bereits in der „mittelminoischen“ Periode der kretischen Kunst (etwa 2000 Jahre v. Chr.) die Keramikformen offensichtliche Imitationen der Metallarbeit sind. Die Kunst des Metallarbeiters dominierte und beeinflusste die des Töpfers, ein Umstand, der in Ägypten selten beobachtet wurde, wo die toreutische Kunst aller Wahrscheinlichkeit nach nie so sehr gefördert wurde wie im minoischen Griechenland, obwohl von Ägyptern schöne Platten hergestellt wurden und phönizische Künstler. Auch sind uns nur wenige davon überliefert, und wir sind gezwungen, uns für einen Großteil unseres Wissens über sie auf bildliche Darstellungen zu verlassen. Anders ist es im frühen Griechenland. Wir besitzen in unseren Museen unübertroffene Schätze antiker toreutischer Kunst in den Edelmetallen aus Griechenland, die von etwa 2500 bis 1400 v. Chr. datieren. , und was Masse und Gewicht des Goldes anbelangt, werden nur von den skythischen Funden konkurriert. Dies sind die bekannten Ergebnisse der Ausgrabungen Schliemanns in Troja und Mykene und anderer anderswo. Sie leiden keineswegs an zusätzlichem Interesse daran, dass sie von den ältesten Griechen, den Männern der heroischen Zeit, hergestellt und verwendet wurden, wahrscheinlich bevor die griechische Sprache in Griechenland gesprochen wurde.


Der älteste dieser „Schätze“ wurde 1873 von Schliemann entdeckt, offenbar in den Überresten einer Kiste tief in der Festungsmauer von Hissarlik, dem antiken Troja. Es besteht aus Vasen und Schalen aus Gold und Silber und aus langen zungenförmigen Silberbarren. In Übereinstimmung mit der frühen Datierung (vielleicht um 2500 v. Chr.), der sie wahrscheinlich zuzuordnen sind (Schliemann schreibt sie der zweiten trojanischen Stadt zu) sind diese Objekte allesamt von einfacher Art, einige der Vasen sind schmucklose Krüge mit rohrförmigen Aufhängehenkeln auf den Seiten. Hier haben wir Metall, das Mauerwerk imitiert, wie später die Keramik Metall imitiert. Diese sind aus Silber. Eine einzigartige Form in Gold ist ein schiffchenförmiger Becher mit seitlichen Henkeln (Taf. I., Abb. 23) in Berlin, der 600 Gramm wiegt. Eine Vase ist aus Elektrum (ein Teil Silber zu vier Teilen Gold).

Ein ähnlich datierter Schatz (die zweite „frühminoische“ Periode, etwa 2500 v. Chr. oder früher) wurde im Mai 1908 in Gräbern auf der Insel Mochlos vor der Küste Kretas von R. B. Seager entdeckt. Dies hat jedoch Grabcharakter, wie ein Teil der Schätze, die in den Schachtgräbern von Mykene gefunden wurden, und enthält Diademe, goldene Blumen, Ölzweige, Ketten usw enthalten viel Gold, das der Verstorbene zu Lebzeiten verwendet hat.

Wir sprechen von ihm als „minoisch“, weil die meisten der in Mykene gefundenen Metallgegenstände, wenn nicht tatsächlich minoische Handwerkskunst und aus Kreta importiert, so doch nach dem minoischen Geschmack der „Großen Palastzeit“ gestaltet sind (späte Minoisch i. und ii.) bei Cnossus. Sie sind nur in dem Sinne „mykenisch“, dass sie in Mykene gefunden wurden. Von der Kunst des Goldvasenmachers in der mykenischen Zeit im eigentlichen Sinne (spätminoisch iii.) erhalten wir eine Vorstellung von den Bildern des goldenen Bügelkannen mit eingeschnittenen Designs von Zickzack, &c., dargestellt an den Wänden des Grabes von Ramses III. im ägyptischen Theben. Die Gegenstände aus den mykenischen Schachtgräbern sind viel älter als diese, ebenso wie die aus dem nächsten Schatz, den wir erwähnen werden, dem aus Ägina, jetzt im Britischen Museum. Die Goldbecher und anderen Gegenstände dieses Schatzes mit ihrer feinen, aber einfachen Dekoration sind sicherlich der besten minoischen Zeit zuzuschreiben, obwohl Dr C. 800 v. Diese Gegenstände wurden wahrscheinlich in einem Grab gefunden.

Die Ausgrabungen von Dr. Evans in Cnossus, die der Italiener in Phaestos und Hagia Triada und die der britischen Schule in Palaikastro haben keine besonders eindrucksvollen Beispiele der minoischen Goldschmiedekunst in seinem eigenen Land hervorgebracht, obwohl prächtige Bronzeschalen und -vasen gefunden wurden. die uns eine gute Vorstellung davon geben, wie der Teller ausgesehen haben muss, wie auch die unten erwähnten vergoldeten Specksteinimitate. Eine der Bronzevasen von Cnossus ähnelt genau einer aus Gold und Silber, die von den Gesandten zur Zeit der Königin Hatschepsut nach Ägypten gebracht wurde (Fresko im Grab des Senmut). Aber wir besitzen einen feinen Silberbecher (aus mittelminoischer Zeit) aus den amerikanischen Ausgrabungen in Gournia und zwei Beispiele feinster minoischer Goldplatten, die außerhalb Kretas entdeckt wurden, in den berühmten „Vaphio-Bechern“ mit ihren geprägten Darstellungen von Stiernetze, die so oft als Triumphe der antiken Kunst dargestellt worden sind (Taf. I., Abb. 24, 25). Diese sind von kretischer Handwerkskunst, obwohl sie in Lakonien gefunden wurden, und sind zweifellos zeitgenössisch mit den Vasen aus schwarzem Speckstein mit Reliefs, die einen Erntezug, Gladiatorenkämpfe und einen König zeigen, der einen Krieger mit seinen bewaffneten Anhängern empfängt oder verabschiedet wurden von den Italienern in der Hagia Triada auf Kreta gefunden. Diese wurden ursprünglich mit Blattgold überzogen und sind zweifellos Imitationen in einem billigen Material von goldgeprägten Vasen des gleichen Stils, wie sie bei Vaphio gefunden wurden.

Nach der Zeit folgten die von der Expedition des Britischen Museums in Enkomi auf Zypern gefundenen Gegenstände aus Gold- und Silberplatten, die vielleicht eine etwas spätere Phase der minoischen Kunst darstellen, aber jetzt sicherlich nicht mehr zu den sehr Spätzeit, der sie zunächst zugeordnet wurden. Eine in Enkomi gefundene Silbervase hat die Form „Vaphio“, die erstmals in der mittelminoischen Zeit, zeitgenössisch mit der XII. Ägyptischen Dynastie (C. 2000 VOR CHRISTUS. ) und ist selbst dann eindeutig eine Nachahmung eines Metall-Originals. Leicht modifiziert blieb dieser Typus bis spät in Gebrauch, da er unter anderen goldenen Vasen an den Wänden des Grabes von Imisib oder Imadua, einem ägyptischen Beamten aus der Zeit von Ramses IX., dargestellt ist. (C. 1100 v. Chr. ) in Theben. Aber zumindest einige der Enkomi-Funde müssen früher da sein.

Die ägyptischen Darstellungen minoischer Vasen aus Gold und Silber im Grab des Senmut in Theben (C. 1500 v. Chr. ) und von später mykenischem Gold Bügelkannen in der von Ramses III. (C. 1150 v. ) wurden bereits erwähnt. Während der mykenischen und submykenischen Dekadenz durchlief die Kunst des griechischen Goldschmieds notwendigerweise eine Zeit der Finsternis, um wahrscheinlich mit den anderen Künsten im reichen und luxuriösen Ionien wieder aufzutauchen. Die homerischen Gedichte bewahrten für spätere Tage ein traditionelles Echo der glorreichen Werke der Metallarbeiter der heroischen Zeit.

Referenzen: Troja und Mykene: Schuchhardt, Schliemanns Ausgrabungen Tsountas-Manatt, Das mykenische Zeitalter, passim. Vaphio: Tsountas-Manatt, Aigina A. J. Evans in Reise. Hölle. Zucht., xiii. 195-226. Cnossus: Evans, Ann. Sch. Ath. (1901-1907). Hagia Triada: Savignoni, Pernier und andere, Rendiconti della R. Accademia dei Lincei (Rom, 1902-1906) Gournià: Frau Boyd Hawes, Gournià, (Philadelphia, 1908), pl. C. Mochlos (unveröffentlicht). Für ägyptische Referenzen siehe Hall, Ann. Sch. Ath. (1904), „Keftiu und die Völker des Meeres“ (1905) „Das Keftiu-Fresko im Grab von Senmut“. (H.R.H.)

Etruskische Platte.—Die Etrusker waren besonders bekannt für ihre Geschicklichkeit in der Bearbeitung aller Metalle und vor allem in ihrer Goldarbeit. In etruskischen Gräbern wurden große Mengen an erlesenem Goldschmuck gefunden, darunter neben kleineren Objekten auch Zepter, Kränze aus Oliven, mit Filigranarbeiten verzierte Teller und Tierfiguren, die als persönlicher Schmuck verwendet wurden (Brustplatten, Gürtel, Diademe, &.). Im Museo Kircheriano in Rom befindet sich ein Prachtexemplar der letzten Form des Ornaments, das mit fast hundert kleinen Löwenstatuetten in parallelen Reihen übersät ist und der Vatikan (Museo Gregoriano) besitzt eine sehr schöne Sammlung ähnlicher Objekte aus der „Regulini -Galassi“-Grab in Caere. Es wurde jedoch noch wenig gefunden, was sich unter den Kopf der Platte einordnen lässt.

Hellenische Platte.- Die Zeit der „geometrischen“ Kunst, die auf die mykenische Zeit folgte, war eine Zeit des Niedergangs des materiellen Wohlstands und der künstlerischen Fähigkeiten. Wir besitzen einige Exemplare der Arbeit, die damals in den Edelmetallen in den Golddiademen auf dem Kopf der in Athen beigesetzten Leichen hergestellt wurde (Archäologische Zeitung, 1884, pls. viii., ix., vgl. Athenische Mittheilungen, 1896, p. 367 und G. Perrot und C. Chipiez, Histoire de l'art dans l'antiquité, vi. 245). Die Zeit des orientalischen Einflusses wird durch die Funde von Goldornamenten in Camirus auf Rhodos repräsentiert (siehe griechische Kunst, Abb. 11). Abb. 3 zeigt einen ebenfalls bei Camirus gefundenen Silberbecher mit Goldbeschlägen, offenbar ein Werk derselben frühen Zeit. Ein bemerkenswerter Fund von Goldgegenständen wurde 1882 in Vettersfelde in Brandenburg gemacht. Das Hauptstück war ein Goldfisch (siehe griechische Kunst, Abb. 10) mit Reliefornamenten. Diese Objekte erinnern durch ihren Stil an die frühe ionische Kunst, wurden aber wahrscheinlich in einer der Schwarzmeerkolonien hergestellt, da ähnliche Objekte zusammen mit späteren Arbeiten in Krimgräbern (siehe unten) gefunden und gegen den Bernstein der Ostsee eingetauscht wurden Küsten. Krösus förderte die Kunst besonders und zahlte den berühmtesten Künstlern seiner Zeit wie Glaukos und Theodorus dem Samier enorme Summen für silberne Vasen und Tassen.

Feige . 3.-Silber Cantharus von Rhodos, mit Goldmontierungen.

Feige . 4.-Archaische Goldphiale, gefunden in Agrigentum, jetzt im Britischen Museum. Es wird im Abschnitt unten gezeigt. Es hat einen Durchmesser von 5 Zoll.

In den besten Zeiten der griechischen Kunst scheinen die Hauptwerke in Gold und Silber religiösen Zwecken geweiht und selten zur Prahlerei von Privatpersonen verwendet worden zu sein. Gefäße für den Gebrauch der Tempel, Stative in Gold oder Silber der reichsten Arbeit und Statuen der Götter waren die Hauptgegenstände, auf denen die Edelmetalle verschwendet wurden. [3]

Abb. 5.-Griechische Silbervase, 4. Jahrhundert v. , aus Südrussland.

Das von den Griechen verwendete Gold stammte wahrscheinlich aus Kleinasien oder Ägypten, während die Bergwerke von Laurium in den Bergen, die das Vorgebirge von Sunium in Attika bilden, viele Jahrhunderte lang reichlich Silber lieferten. Laut Plinius war Pheidias der erste Bildhauer, der aus den Edelmetallen Werke von großem Wert hervorbrachte. Er erwähnt eine Reihe anderer griechischer Künstler, die für diese Werkklasse gefeiert wurden, nennt aber ihre Daten nicht. Die Anführer dieser waren Mentor und Mys (beide aus dem 5. Jahrhundert v. Chr.), Acragas, Boethus, die Bildhauer Myron und Stratonicus sowie die bekannten Praxiteles und Scopas. Zu Pl1nys Zeit existierten noch viele Gold- und Silberarbeiten dieser Künstler in Rhodos und anderswo. Unter den späteren Arbeitern erwähnt er besonders Zopyrus, der zwei silberne Becher herstellte, die mit der Szene des Gerichts des Orestes durch den areopagitischen Hof geprägt waren, und Pytheas, der eine Schale mit Reliefs von Odysseus und Diomedes anfertigte, die das Palladium entführten. Enorme Preise gaben wohlhabende Römer für antike Silberplatten, die laut Plinius von angesehenen griechischen Künstlern hergestellt wurden, der letztgenannte Becher, der 2 Unzen wog, wurde für 10.000 Denare (350 £) verkauft. Bemerkenswert ist, dass ein Großteil der von Plinius genannten Künstler aus Kleinasien stammte und es ist sehr wahrscheinlich, dass die asiatische Silberschmiedeschule mindestens ebenso großen Einfluss auf die Römer hatte caelatura wie die von Alexandria, deren Bedeutung von Schreiber überschätzt wurde.

Abb. 6.-Silberkrater, gefunden in Ithaka. (3¾ Zoll hoch.)

Die besten erhaltenen Beispiele griechischer Platten sind diejenigen, die in den Hügelgräbern Südrusslands gefunden wurden, insbesondere in der Nähe von Kertsch, dem antiken Pantikapaeum. Abb. 5 zeigt eine Silbervase, die 1862 in Nikopol im Grab eines einheimischen skythischen Prinzen gefunden wurde. Die einheimischen Pferdebändiger der Steppe sind auf der Schulter mit wunderbarem Naturalismus dargestellt, und das Werk ist zweifellos das eines athenischen Künstlers des 4. Jahrhunderts v. Im Tumulus von Kuloba, etwa 6½ Kilometer von Kertsch entfernt, wurden prächtige Beispiele von Goldschmiedearbeiten gefunden, die 1830 ausgegraben und als Grabstätte eines skythischen Prinzen und seiner Frau gefunden wurden. Die in diesem Grab gefundenen Schmuckstücke und Teller, die eindeutig griechischen Ursprungs waren, umfassten (neben anderen Objekten) eine Elektrum-Vase von 13 cm. hoch, die Skythen in ihrer einheimischen Tracht darstellen, von denen einer einem Nachbarn den Zahn auszieht, ein anderer eine Wunde bindet, ein dritter einen Bogen aufspannt, daneben mehrere silberne Vasen und zwei goldene Medaillons mit Reproduktionen des Kopfes der Athene Parthenos von Phidias. In diesen Krimgräbern findet man oft goldene Kronen in Form von Eichenlaub, die teilweise aus der spätrömischen Zeit stammen. Das schönste erhaltene Beispiel eines goldenen Kranzes ist jedoch der in Armento in Süditalien entdeckte und im Münchner Antiquarium aufbewahrte Kranz trägt eine Inschrift aus dem 4. Jahrhundert v. , was zeigt, dass es von einem gewissen Kreithonios geweiht wurde. Im Jahr 1812 entdeckte Dr. Lee in Ithaca einen wunderschönen Krater, 3 Zoll hoch (siehe Abb. 6) und eine Phiale oder Patera, 9½ Zoll breit, beide aus Silber, Repoussé und getrieben, mit sehr reichen und anmutigen Mustern von Blättern und Blumen, die mit Vergoldung ausgewählt wurden. [5] Diese sind wahrscheinlich nicht später als das 5. Jahrhundert v. Viele silberne Spiegeletuis, mit Repoussé Figurenmotive in Hochrelief, wurden an verschiedenen Orten gefunden, wie zum Beispiel eine mit einer schönen sitzenden Aphrodite, die in Tarent gefunden wurde und jetzt im British Museum ist. [6] Das Victoria and Albert Museum enthält eine exquisite kleine Silbervase, die in den Bädern des Apollo in Vicarello in Italien gefunden wurde (Abb. 7), bereichert mit einem Flachrelief von Störchen, die Schlangen verschlingen, ausgeführt mit edelsteinartiger Genauigkeit und Finish —wahrscheinlich spätestens im 3. Jahrhundert v. Chr. Das British Museum hat eine kleine Vase von ähnlicher Form und fast gleicher Schönheit, obwohl sie vielleicht später mit Bändern aus Weinzweigen in einem anmutigen, fließenden Muster verziert und teilweise vergoldet ist.

Feige . 7.-Griechische Silbervase, 5 Zoll hoch, C. 3. Jahrhundert v. Chr. Das Zierband ist unten im Plan dargestellt. (Victoria und Albert-Museum.)

Griechisch-römischer Teller.-Während des letzten Jahrhunderts der Republik fanden der wachsende Luxus und die Pracht der wohlhabenden Römer ihren Ausdruck in der Sammlung kunstvoller Plattenexemplare.

Die Werke der alten griechischen Meister wurden am höchsten geschätzt, aber auch zeitgenössische Künstler wie Pasiteles erlangten in diesem Kunstzweig Auszeichnungen. Unter den zahlreichen Silberplattenfunden der Neuzeit können wir unterscheiden (ein) Tempelschätze aus Votivgaben, wie der Schatz von Bernay in Frankreich (dep. Eure), 1830 entdeckt und im Cabinet des Médailles aufbewahrt, das zum Heiligtum des Mercurius Canetonnensis (B) Privatsammlungen. Die bekanntesten davon sind der 1869 entdeckte Hildesheimer Schatz im Berliner Museum, der (ohne triftigen Grund) zur Kriegsausrüstung eines römischen Feldherrn gehörte, und der Bosco Reale-Schatz, gefunden in 1895 in einer Villa in der Nähe von Pompeji, von wo der Besitzer versuchte, es zu entfernen, als es durch den Ausbruch des Vesuvs begraben wurde. Diese Sammlungen enthalten Stücke aus verschiedenen Daten. Der Bernay-Schatz, der zum Teil aus dem 2. Jahrhundert n. Chr. stammt, enthält oenochoai (Ewers) mit mythologischen Motiven im Relief, inspiriert von klassischen griechischen Vorbildern - der Diebstahl des Palladiums war Gegenstand eines berühmten Pytheas-Pokals, der von Plinius erwähnt wurde -, der aus der frühen Kaiserzeit stammen muss. Der Hildesheimer Schatz enthält wiederum zwei barbarische Vasen, ohne Füße oder Henkel, zusammen mit so schönen Stücken wie der Kraterfigur (Abb. 8), deren Dekoration an die der Ara Pacis Augustae erinnert (siehe Römische Kunst), und eine Cylix mit eine sitzende Athena in Hochrelief, auf die Mitte der Schale gelötet, die von griechischer Arbeit zu sein scheint. Solche abnehmbaren Figuren wurden als Emblemata im Schatz von Bosco Reale befindet sich eine Tasse mit einer solchen Büste, die typisch für die Provinz Afrika ist. Es wurde auch viel Wert darauf gelegt Krusten, d.h. Bands von Repoussé Arbeit, die eine äußere Hülle zu einem glatten Silberpokal bildet (vgl. die Rothschild-Vasen, Römische Kunst). Solche Werke haben gewöhnlich am Fuß eingeschnittene lateinische Inschriften, die das Gewicht des Stücks, des Bechers und des Emblema separat gewogen werden. Der künstlerische Wert der römischen Platte wird unter Römische Kunst diskutiert.

Feige . 8.-Silberkrater, 15½ Zoll hoch, aus dem Hildesheimer Fund. (Berlin-Museum.)

Unter den späteren Exemplaren der römischen Platte ist das bemerkenswerteste die goldene Patera mit einem Durchmesser von fast 10 Zoll, die 1777 in Rennes gefunden wurde und jetzt in der Pariser Bibliothèque - ein Werk von wunderbarster Feinheit und hoher Verarbeitung - fast edelsteinartig ist seine Detailgenauigkeit. Obwohl frühestens um 210 n. Chr., ist eine leichte Ungeschicklichkeit in den Proportionen seiner geprägten Figuren das einzige sichtbare Zeichen der Dekadenz. Der äußere Rand ist mit sechzehn feinen Goldmünzen besetzt –Aurei verschiedener Mitglieder der Antonine-Familie von Hadrian bis Geta. Die zentrale Emblema oder Medaillon stellt den Trinkwettbewerb zwischen Bacchus und Herkules dar, und um dieses Medaillon ist eine Bande von Repoussé Figuren, die den Siegeszug des Bacchus nach dem Gewinn des Wettbewerbs zeigen. Triumphierend sitzt er in seinem von Leoparden gezogenen Wagen, während Herkules hilflos berauscht von Bacchanalen getragen wird. Eine lange Reihe von Nymphen, Faune und Satyrn vervollständigt das kreisförmige Band.

Feige . 9.-Schild von Theodosius.

Der spätrömische Teller ist auch durch eine Reihe von großen silbernen Tellern vertreten, denen der Name Missorium wird oft, wenn auch vielleicht zu Unrecht, angewendet. Diese wurden für Präsentationen von Kaisern (deren Porträts sie manchmal tragen) und angesehenen Beamten verwendet. Drei sind im Cabinet des Médailles der Bibliothèque Nationale in Paris erhalten – der „Schild des Scipio“, gefunden in der Rhone bei Avignon, mit einem Durchmesser von etwa 26 Zoll, mit einem Relief, das die Wiederherstellung von Briseis an Achilles darstellt [7] the , „Schild des Hannibal“, [8] vor allem bemerkenswert wegen seiner Größe (er hat einen Durchmesser von 72 cm und wiegt 10 Kilogramm) und ein dritter, verziert mit einer Gruppe von Herkules und dem Nemeischen Löwen. [9] Andere bekannte Beispiele dieser Kunstform sind der „Schild des Theodosius“ in Madrid (Abb. 9), der den zwischen Valentinian II. sitzenden Kaiser darstellt. und Arcadius [10] der „Schild des Valentinian“ in Genf [11] der „Schild des Aspar“ in Florenz [12] und eine feine Schüssel, die in Aquileia, jetzt in Wien, gefunden wurde. [13]

Das British Museum enthält einige schöne Exemplare spätrömischer Silberarbeiten, die 1793 auf dem Esquilin gefunden wurden (vgl. Visconti, Una Supellettile d'argento, Rom, 1825 die Objekte werden in Mr. Dalton's . veröffentlicht und beschrieben Katalog der frühen Christen Antiquitäten im British Museum, S. 61 qm, pls. xiii.-xx.). Die bemerkenswertesten davon sind: (i.) eine silberne Schatulle, die in Repoussé, mit der Aufschrift SECONDE ET PROJECTA VIVATIS IN CRISTO, zweifellos ein Hochzeitsgeschenk an ein Ehepaar mit den Namen Secundus und Projecta, dessen Porträts in einem Medaillon in der Mitte des Deckels erscheinen (ii.) vier Statuetten, die personifizierte Städte darstellen – Rom, Konstantinopel, Antiochia und Alexandria (vgl. P. Gardiner in J.H.S., 1888, ix. 77 qm). Dieser Schatz scheint hauptsächlich aus dem 5. Jahrhundert n. Chr. zu stammen, obwohl einige kleinere Stücke früher sein können.

Literaturverzeichnis. —Ein allgemeines Konto wird in Smiths gefunden Wörterbuch der Antiquitäten, 3. Aufl., s.v. „Caelatura“ (ohne Abbildungen) und in Daremberg und Saglios Dictionnaire des antiquités, unter der gleichen Überschrift (mit mehreren Schnitten). Die Passagen antiker Schriftsteller, die sich auf die Kunst beziehen, finden sich in Oberbecks Schrift Antikequellen Nr. 2167-2205 Plinys Bericht wird am bequemsten in K. Jex-Blake und E. Sellers studiert, Die Ältesten Plinius Kapitel zur Kunstgeschichte, S. 2 qm Die in Südrussland gemachten Funde wurden im Antiquités du Bospore cimmerien (Sr. Petersburg, 1854) die Comptes rendus de la Commission imperiale (St. Petersburg, 1859 qm) und die Receuil des antiquités de la Scythie (1866-1873). Das erste dieser Werke, das sehr selten ist, wurde von M. Salomon Reinach in verkleinertem Maßstab in seinem Bibliothèque des monuments figurés (Paris, 1892) mit Notizen und allen wichtigen Gegenständen sind abgebildet in Antiquités de la Russie méridionale, von Kondakoff, Tolstoi und Reinach (Paris, 1891-1892). Für die griechisch-römische Platte sind die wichtigsten Werke Héron de Villefosses Veröffentlichung des Schatzes von Bosco Reale im Denkmäler Piot, Bd. v. (vgl. die Artikel desselben Autors und von M. Thédenat über „Les Trésors de vaisselle d'argent trouvés en Gaule“, Zeitschrift archéologique, 1883-1884) und Der Hildesheimer Silberfund, von E. Pernice und F. Winter (Berlin, 1901). Es sei auch auf T. Schreiber, „Die alexandrinische Toreutik“ (Abhandlungen der sachs. Gesellsch. der Wissenschaften, 1894, vol. xiv.), deren Theorien etwas übertrieben sind und A. Odobescu, Le Trésor de Petrossa (1889-1900), das sich mit einem Fund von barbarischem Teller und Schmuck aus Rumänien beschäftigt, aber viele Informationen zur Kunstgeschichte gibt. Für frühe griechische Arbeiten siehe R. Schneider, „Goldtypen des griechischen Ostens“, Berichte der Sachs. Gesellschaft der Wissenschaften (1891, S. 204) und A. Furtwängler, Der Goldfund von Vettersfelde (1883). Für etruskische Metallarbeiten siehe J. Martha, L'Art étrusque, CH. xvii. Ein interessanter populärer Bericht über antike Arbeiten zu Edelmetallen findet sich in E. T. Cook's Beliebtes Handbuch zum Griechische und römische Antiquitäten im British Museum, S. 569 qm.

Orientalischer, Afrikanischer Teller, &c.-Einige sehr merkwürdige Plattenstücke, sowohl in Gold als auch in Silber, wurden in Nordindien gefunden, in welchem ​​Land die Kunst des Goldschmieds von großem Alter ist Prägungen und die Modellierung der Figuren zeigen, dass sie unter spätrömischem, teilweise möglicherweise sogar griechischem Einfluss in stark erniedrigtem Zustand entstanden sind, überliefert aus der Zeit der indischen Eroberungen Alexanders. Eine feine goldene Schatulle (buddhistische Reliquie), die um 50 v. Chr. datiert werden soll. ist erwähnenswert. [15] Im British Museum befinden sich eine indische Silberschale (3.-4. Jh. n. Chr.) [16] und eine frühere, zugeschrieben C. 200 n. Chr.

Feige . 10.-Sassanische Goldflasche, etwa 10 Zoll hoch. Im Wien Museum.

Unter den sassanidischen Königen von Persien (vom 3. bis 6. Jahrhundert) wurden sehr massive und reich verzierte Goldvasen, Schalen und Flaschen hergestellt (Abb. 10). Die noch existierenden zeigen eine merkwürdige Vermischung der alten assyrischen Kunst mit der römischen im Niedergang. Reliefs, die geflügelte Löwen oder den heiligen Baum zwischen seinen begleitenden Tieren darstellen, wechseln mit Themen aus der römischen Mythologie wie der Vergewaltigung des Ganymed, aber alle werden mit viel Originalität und sehr dekorativer Weise gleich behandelt. Ein schönes Beispiel persischer Arbeit des frühen 19. Jahrhunderts (datiert 1817) ist die runde, reich emaillierte Goldschale, die sich im Victoria and Albert Museum befindet, wo eine große Sammlung orientalischer Teller studiert werden kann. Hier kann man einen goldenen Rosenwassersprinkler aus Gold sehen, der vollständig mit reich emaillierten Blumen bedeckt ist, Mogularbeiten, feine burmesische Goldarbeiten aus dem 17. Großer Elefant Howdah, aus dem Punjab, aus Silber, paketvergoldet, die Oberseite mit großen Silberplatten belegt Repoussé Laub. Die tibetische Handwerksarbeit wird durch zahlreiche Gefäße für sakrale und häusliche Zwecke repräsentiert, meist aus Metall, teilweise in Silber gefasst, die das Können der Tibeter im 19. Jahrhundert zeigen. Über die Fähigkeiten der Hindus als Goldschmiede liefern die Ramayana und Mahābhārata, obwohl nur sehr wenig von ihrer alten Gold- und Silberarbeit überlebt hat. In Indien sind die Bewohner des Cashmere-Tals seit langem für ihre natürliche Überlegenheit als Handwerker bekannt, ebenso wie Lucknow für seine Utensilien aus Gold und Silber, die im 18. und 19. Jahrhundert zum großen Teil reich emailliert wurden. Chanda in den Zentralprovinzen wurde einst für seine erfahrenen Goldschmiede gefeiert, und der Teller von Cutch und Gujarat in der Präsidentschaft von Bombay genießt einen wohlverdienten Ruf. Die unverschmutzten indigenen Designs der Goldschmiedearbeit der Sind sind besonders hervorzuheben. Indischer Teller, wie es ganz natürlich ist, wurde oft von europäischen Designs beeinflusst: Zum Beispiel ist die schöne Gold- und Silberarbeit von Cutch holländischen Ursprungs, während der verzierte Thron aus Holz, der mit Goldplatten bedeckt ist, Anfang des 19. Auch Ranjit Singh (in South Kensington) zeigt europäischen Einfluss. Ein Großteil der siamesischen Zierplatten des 18. und 19. Jahrhunderts ist aus Silber vergoldet und nielliert. Im Rijks Museum, Amsterdam, befindet sich eine Sammlung von Silbergeschirr, Gold- und Silberkisten, Schmuck usw., alle von ausgezeichneter Verarbeitung, aus Lombok. Die Arbeit afrikanischer Goldschmiede ist im British Museum durch die Goldornamente aus Ashanti vertreten, wo sich auch einige Goldornamente aus Gräbern in Mittelamerika und Kolumbien befinden. Alte abessinische Werke können im Victoria and Albert Museum im goldenen Kelch, der goldenen Krone der Abuna von Abessinien, einer weiteren kunstvolleren Krone aus vergoldetem Silber, einem feinen Schild mit silbervergoldetem Filigran und anderen Objekten studiert werden.

Die Gold- und Silberarbeit Russlands ähnelt im Stil der Byzanz in der Frühzeit. Schreine und andere prachtvolle Tafelstücke in der Schatzkammer des Moskauer Doms (siehe Weltmann, Le Tresor de Moscou, 1861), obwohl sie Ende des 15. und 16. Jahrhunderts ausgeführt wurden, ähneln sich im Design der byzantinischen Arbeit des 11. oder 12. Jahrhunderts, und selbst seitdem hat nur wenig Veränderung oder Stilentwicklung stattgefunden.

Die Kalifen von Bagdad, die Sultane von Ägypten und andere muslimische Herrscher waren einst berühmt für ihre reichen Plattenvorräte, die sowohl in Design als auch in Verarbeitung wahrscheinlich von äußerster Schönheit waren.Von diesem muslimischen Teller ist heute nur noch wenig oder nichts mehr erhalten, und es ist nur möglich, seinen Stil und seine Pracht anhand der feinen Arbeiten aus Messing und anderen weniger wertvollen Metallen zu beurteilen, die bis heute erhalten sind.

Gegen Ende des 10. Jahrhunderts wurde das Rheintal zum Zentrum einer Goldschmiedeschule, die prächtige Beispiele ihrer Arbeit hervorbrachte – eine Mischung aus byzantinischer Kunst mit eigenen Originalentwürfen. Die in Trier und Aachen aufbewahrten Bucheinbände, tragbaren Altäre und andere Gegenstände sind bemerkenswerte Beispiele, die in diesem Zentrum hergestellt wurden. Der prächtige Bucheinband aus Echternach, jetzt in Gotha, ist von der Schule von Trier.

Feige . 11.-Goldener Ewer, 15 Zoll hoch, aus dem Petrossa-Schatz.

Frühmittelalterlicher Teller.-Die Goten, Gallier und andere halbbarbarische Völker, die im 6. nicht ohne handwerkliches Geschick. Die Merowinger förderten die Kunst des Goldschmieds, indem sie immense Geldsummen für Teller und Schmuck ausgaben, obwohl nur zwei Beispiele ihres großen Reichtums an Kirchengefäßen überlebt haben - der goldene Kelch und die goldene Patene von Gourdon, jetzt in Paris. Schöne Beispiele karolingischer Arbeit, die vor allem in den Klöstern im Norden der fränkischen Herrschaft und am Rhein entstanden ist, können in den Einbänden der Evangelien in der Bibliothèque Nationale in Paris studiert werden. Im Jahr 1837 wurde in Petrossa in Rumänien eine große Anzahl von sehr massiven Goldplatten gefunden, von denen ein Großteil leider zerbrochen und geschmolzen wurde, aber ein beträchtlicher Teil wurde gerettet und befindet sich heute im Museum in Bukarest. Diese prächtigen Gegenstände sind alle aus massivem Gold und bestehen aus großen Schalen, Vasen, Kannen, Körben mit durchbrochener Arbeit und persönlichem Schmuck (Abb. 11). Einige von ihnen zeigen in ihrer Gestaltung einen starken römischen Einfluss, andere sind eher rein barbarisch. Zur ersten dieser Klassen gehört eine sehr linienförmige Phiale oder Patera mit einem Durchmesser von 10 Zoll. In der Mitte befindet sich eine sitzende Göttinnenstatuette, die eine Tasse hält, während rundherum in hohem Relief stehende Figuren verschiedener männlicher und weiblicher Gottheiten im rein römischen Stil stehen. Obwohl die Ausführung etwas ungeschickt ist, erinnern die Haltungen und Drapierungen dieser Figuren stark an klassische Anmut. Ein großer Korb und andere Stücke aus quadratischen Goldstäben, die so angeordnet sind, dass sie ein offenes Muster von steifer geometrischer Form bilden, haben mit den Gefäßen, in denen römischer Einfluss sichtbar ist, nichts gemein und können kaum das Werk derselben Schule sein von Goldschmieden. [17] Das Datum dieses Petrossa-Schatzes soll im 6. Jahrhundert liegen. Die berühmte Gourdon-Goldtasse und das Tablett, die heute in Paris aufbewahrt werden, stammen etwa aus der gleichen Zeit. Sie sind sehr reich und prächtig, ganz frei von jeglichem Überbleibsel klassischer Einflüsse und ähneln im Stil der merowingischen Goldarbeit, die im Grab von Childerich I. gefunden wurde. Der Kelch ist 3 Zoll hoch und hat die Form eines Miniaturkelchs mit zwei Henkeln , sein begleitendes längliches Tablett oder Teller hat ein großes Kreuz in Hochrelief in der Mitte. Sie sind kunstvoll verziert mit Intarsien aus Türkisen und Granaten und zarten Filigranmustern in Gold, aufgelötet.

Im 6. Jahrhundert war Byzanz das Hauptzentrum für die Herstellung großer und prächtiger Werke aus den Edelmetallen. Der religiöse Eifer und der große Reichtum Justinians und seiner Nachfolger füllten die Kirchen von Byzanz nicht nur mit enormen Mengen an goldenen und silbernen Kelchen, Schreinen und anderen kleineren kirchlichen Tafelstücken, sondern sogar mit großen Altären mit hohen Säulenbaldachinen darüber , Fonts, massive Kandelaber, Statuen und hohe Bildschirme, alle aus Edelmetallen. Der Reichtum und die künstlerische Pracht, mit denen der Petersdom in Rom und die Sophienkirche in Konstantinopel bereichert wurden, ist heute kaum noch vorstellbar. Die bloße Bestandsaufnahme dieser Schätze beflügelt die Vorstellungskraft – wie sie in der Liber pontificalis von Anastasius Bibliothecarius, die die lange Liste der Schätze umfasst, die Konstantin dem Petersdom schenkte, bevor er seinen Reichssitz nach Byzanz verlegte (330), und die kaum weniger wunderbare Liste von Gold- und Silberplatten, die Papst Symmachus derselben Basilika schenkte ( 498-514). [18]

Einige frühbyzantinische Tafeln aus dem 6. Jahrhundert befinden sich im British Museum, eine beschriftete Patene aus dem 10. und 11. Jahrhundert befindet sich im Halberstädter Dom in Deutschland, und zahlreiche kirchliche Gefäße befinden sich in der Schatzkammer von St.

Zu Beginn des Mittelalters standen Frankreich und andere westliche Länder nur wenig hinter Italien und Byzanz in ihrer Produktion von massiven Werken, sowohl weltlichen als auch religiösen, in den Edelmetallen. Zu dieser Zeit begann jede Kathedrale oder Abteikirche in Deutschland, Frankreich und sogar England, reiche Schätze jeder Art in Gold und Silber anzuhäufen, angereichert mit Juwelen und Emaille, aber von den Werken dieser frühen Zeit existieren nur noch wenige Exemplare. Am bemerkenswertesten sind die Insignien Karls des Großen [19] und andere Schätze in Aachen, einige davon in St Theodelinda im frühen 7. Jahrhundert. [20] Der Schatz von Nagy-Szent-Miklos, bestehend aus mehreren Goldgefäßen ungarischer Herkunft (8.-9. Jahrhundert), befindet sich im Kaiserlichen Museum in Wien.

Die vorhandenen Beispiele prachtvoller Früharbeit im Bereich der Edelmetalle gehören meist etwas späterer Zeit an. Die wichtigsten sind der Gold- und Silberaltar in Sant' Ambrogio in Mailand, aus dem 9. Jahrhundert der "Pala d'Oro", oder Goldretabel, in San Marco in Venedig, im 10 Kirche in Palermo der Schrein aus vergoldetem Silber (mit späteren Ergänzungen) in der Kirche St. Simeon in Zara, Dalmatien, von Francesco di Antonio von Sesto bei Mailand, 1380 und die goldene Altarfront von Kaiser Heinrich II. und seine Frau Kunigunde zu Beginn des 11. Jahrhunderts an das Basler Münster. Der letzte ist etwa 4 Fuß hoch und 6 Fuß lang, Repoussé im Hochrelief, mit Figuren von Christus, den drei Erzengeln und dem Heiligen Benedikt, unter einer Arkade aus Rundbögen stehend, befindet es sich heute im Musée Cluny in Paris. [21] Eine ähnliche goldene Stirnseite von gleicher Pracht wurde 999 für den Erzbischof von Sens angefertigt. Diese wurde von Ludwig XV. eingeschmolzen. 1760, aber glücklicherweise ist eine Zeichnung davon erhalten geblieben und wird von Du Sommerard veröffentlicht (Album, 9. Reihe, pl. xiii.). Reliquien von großer Pracht wurden aus den Edelmetallen gefertigt, zu den bemerkenswertesten gehört der Schädel der Heiligen Drei Könige im Kölner Dom. Dieser Schrein, der in seiner Form einem zweistöckigen Gebäude ähnelt, wurde im 12. Jahrhundert hergestellt. Die Einbände des Textus im Victoria and Albert Museum sind sehr wichtige Beispiele für Goldschmiedearbeiten sie sind aus Gold und Silber, verziert mit Emaille und mit Steinen besetzt, wahrscheinlich aus dem 12. Jahrhundert.

keltisch.-Die Kunstfertigkeit in der Metallbearbeitung der Kelten auf den Britischen Inseln, besonders in Irland, in heidnischer und christlicher Zeit, ist bekannt und braucht hier kaum hervorgehoben zu werden. Obwohl vieles untergegangen ist, ist vieles glücklicherweise noch immer ein Beweis für ihre außergewöhnlichen Fähigkeiten in der Verarbeitung von Gold und Silber, insbesondere in Schmuck. Das bemerkenswerteste Exemplar ihrer technischen Fähigkeiten und künstlerischen Wahrnehmung ist der berühmte Ardagh-Kelch aus dem 9.-10. Jahrhundert (im Museum in Dublin) (Taf. II., Abb. 31), der hauptsächlich aus Silber besteht und mit Gold angereichert ist und vergoldeter Bronze und mit exquisiten Emails. Das verflochtene Ornament ist ein Merkmal der keltischen Arbeit und kann in der berühmten Tara-Brosche mit ihren sechsundsiebzig verschiedenen Mustern sowie in anderen exquisiten Schmuckbeispielen weiter untersucht werden. Weitere Beweise für keltisches Können finden sich in den Schreinen für die heiligen Glocken in Irland, ganz zu schweigen von anderen kirchlichen Ornamenten. Diese sind von großer Schönheit, und der silberne Schrein der Glocke des Heiligen Patrick (1091-1105) zeigt das verschlungene Schnörkelornament in auffallendem Grad. Mit der Einführung der gotischen Kunst in Großbritannien starben die Besonderheiten der christlich-keltischen Kunst in Irland allmählich aus.

Angelsächsisch.- Gemessen an den entdeckten Beispielen angelsächsischen Schmucks brachten die angelsächsischen Handwerker ihre Kunst zu einem hohen Stand der Perfektion, obwohl sie in ihren Verdiensten den keltischen kaum ebenbürtig war. Ein großer Teil ihrer Metallarbeiten ist aus Bronze, häufig mit Gold und Email angereichert. Glücklicherweise ist ein unschätzbares Exemplar der Goldschmiedekunst dieser Zeit erhalten – nämlich das berühmte Alfred-Goldjuwel, das sich heute im Ashmolean Museum in Oxford befindet, mit einem Porträt, das vermutlich von Alfred dem Großen stammt Cloisonné Emaille. Ein weiteres bemerkenswertes Exemplar ist der Ethelwulf-Ring im British Museum. Obwohl kirchliche Gefäße, zweifellos aus Edelmetallen, in angelsächsischen illuminierten Manuskripten vorkommen, ist das einzige derzeit bekannte Stück einer Platte der schlichte Silberbecher aus der zweiten Hälfte des 9. Jahrhunderts, der mit Gold- und Silberschmuck und Pennies in Trewhiddle in Cornwall, das sich heute im British Museum befindet. [22] Es gibt jedoch ein wichtiges Beispiel für mit Silberplatten verzierte Metallarbeiten – nämlich den tragbaren Altar von St. Cuthbert in Durham.

Eine sehr wertvolle Beschreibung der verschiedenen Arbeitsmethoden der Gold- und Silberschmiede im 11. und 12. Jahrhundert gibt der Mönch Theophilus in seinem Diversarum artium Zeitplan (Hendrie's ed., 1847). Er beschreibt minutiös jeden möglichen Prozess, der bei der Herstellung und Verzierung aufwendiger Stücke kirchlicher Platte angewendet werden könnte – wie Schmelzen, Raffinieren, Hämmern, Ziselieren und Repoussé Arbeiten, Löten, Gießen (im „Cire perdue“-Verfahren), Drahtziehen, Vergolden mit Quecksilberamalgam und Aufbringen von Niello, Email und Edelsteinen.

Der damalige Silberschmied war, wie in der Antike, nicht nur ein gründlicher Künstler mit vollem Sinn für Schönheit und Fitness in seiner Arbeit, sondern auch ein Handwerker der unterschiedlichsten Ressourcen und machte sich gründlich verantwortlich für alles Teil seines Werkes und jeder Etappe, die es durchlief - ein auffallender Kontrast zu der modernen Arbeitsteilung und dem Eifer, ohne Rücksicht auf die wirkliche Exzellenz der Arbeit eine Ordnung zu schaffen, die der Fluch aller Handwerkskunst des 19. Jahrhunderts ist, und einer der Hauptgründe, warum unsere modernen Produktionen in der Regel weder Kunstwerke noch wirkliche Gebrauchsgegenstände sind.

Italienischer Teller.—Vor der zweiten Hälfte des 15. Jahrhunderts wurden große Silberarbeiten mehr für den kirchlichen Gebrauch als für die Befriedigung des privaten Luxus hergestellt. Der große silberne Schrein in der Kathedrale von Orvieto, der den blutbefleckten Korporal des berühmten Bolsena-Wunders beherbergt, ist einer der wichtigsten davon. Es ist ein sehr großes und kunstvolles Werk aus massivem Silber, das der Westfront einer Kathedrale nachempfunden ist und auf prachtvolle Weise mit reliefierten Figuren und ziselierten Figuren sowie einer wunderbaren Serie von Miniaturbildern mit Flachreliefprägung verziert ist und mit transluzenten Emails in verschiedenen brillanten Farben bedeckt. Diese prächtige Silberarbeit wurde um 1338 von Ugolino da Siena ausgeführt, von dem sich auch ein anderes Werk, ein schönes Reliquiar, in Orvieto befindet. Die anderen bedeutendsten Silberarbeiten in Italien sind das Frontal und das Altarbild des Hl. Jakobus in der Kathedrale von Pistoia [23] und der Altar von San Giovanni in Florenz. An diesen beiden Werken wurde eine ganze Reihe der wichtigsten toskanischen Künstler des 14. Verachtung, ihr größtes Geschick und ihre jahrelange Arbeit zu widmen, einer Arbeit, die wir heute in der Regel den Handwerkern der kleinsten Kapazität überlassen. Auf dem Altar in Florenz wurden folgende berühmte Künstler eingesetzt: Antonio Pollaiuolo, Michelozzo, Verrocchio sowie weniger prominente Künstler, Betto Geri, Leonardo di Ser Giovanni und Betto di Francesco Betti.

Unter den bedeutenden Namen der Florentiner, die im Laufe eines einzigen Jahrhunderts, des 15. Luca della Robbia, die beiden Pollaiuoli, Verrocchio, Michelozzo, Ghirlandaio, Botticelli, Lorenzo di Credi, Baccio Baldini und Francia. Die Städte Italiens, die sich im 14. und 15. Jahrhundert in dieser religiösen und schönen Klasse von Silberarbeiten besonders hervorgetan haben, waren Florenz, Siena, Arezzo, Pisa, Pistoia, Bologna, wo es feine Silberreliquiare aus dem 14. Jahrhundert gibt, die von Jacopo Roseto da Bologna ausgeführt wurden für die Häupter von St. Dominic und St. Petronio in der Kirche St. Stefano, Perugia, wo Paolo Vanni, Roscetto und andere im 14. und frühen 15. Jahrhundert arbeiteten, und Rom.

Durch die Demoralisierung und Zunahme des Luxus, die in Italien in den ersten Jahren des 16. wurde zum größten Teil in die Herstellung prächtiger Teller - Vasen, Krüge, Schalen und dergleichen - von großem Format vertieft und auf die verschwenderischste Weise mit den phantasievollen und übermäßig üppigen Ornamenten verziert, die von den bereits eingeführten Formen eingeführt wurden verfallenden Geschmack der Renaissance. Diese Forderung schuf eine neue Schule für Metallarbeiter, unter denen Benvenuto Cellini (1500-1571) vielleicht der fähigste und sicherlich der prominenteste war. Seine zeichnerische Autobiographie macht ihn zu einer der bedeutendsten und eindringlichsten Gestalten des wunderbaren 16. Jahrhunderts, in dem sich oft bestialischste Genügsamkeit mit schärfster Kunstbegeisterung mischte. Der große Salzkeller für Franz I., jetzt in Wien, ist der einzige Teller, der eindeutig Cellini zugeordnet werden kann. Die prächtige Farnese-Schatulle mit den von Giovanni di Bernardi eingravierten Kristallplaketten im Museum von Neapel wird fälschlicherweise Cellini zugeschrieben. Sein Einfluss auf das Plattendesign war nicht nur in Italien und Frankreich, sondern auch in Deutschland sehr groß. [24] Während des 17. Jahrhunderts wurden in Italien feine Plattenstücke hergestellt, von denen viele noch etwas von der Anmut und Raffinesse der früheren Renaissance bewahrten.

Feige . 12.-Silberbecher, verziert mit durchbrochener Arbeit, gefüllt mit transluzenten Emails. Deutsch oder flämisch, des 15. Jahrhunderts. (S.K.M.)

Der päpstliche Schatz, der unschätzbare Beispiele der Goldschmiedekunst enthält, wurde von Pius VI. fast vollständig aufgebraucht. die von Napoleon geforderte Entschädigung zu zahlen. Die Tiara von Julius II. von Caradosso und dem herrlichen Morse von Clemens VII. von Benvenuto Cellini, deren farbige Zeichnungen im Print Room des British Museum aufbewahrt werden, gehören zu den damals zerstörten Objekten.

Eine wertvolle Quelle für das Studium der italienischen Platte (jetzt zerstört) ist in den drei Bänden von Zeichnungen enthalten, die zwischen 1755 und 1764 von Grauenbroch im Museo Correr in Venedig angefertigt wurden.

Deutschland.- Schon sehr früh war Deutschland für seine Edelmetallarbeiten, meist für den kirchlichen Gebrauch, besonders berühmt. Im 15. Jahrhundert wurde eine große Menge weltlicher Teller von schönem Design und kunstvoller Verarbeitung hergestellt. Zu den wichtigsten Tellerstücken zählen hohe, gedeckte Tassen auf Stielen, die mit einer Reihe von Buckeln, ähnlich einer Ananas, modelliert sind, Becher und Krüge, angereichert mit gotischem Wappen und Blattwerk. Augsburg und Nürnberg, lange berühmt für ihre Silberarbeiten, entwickelten im 16. Jahrhundert eine Handwerkerschule, deren glanzvolle Produktionen oft dem großen Cellini selbst zugeschrieben werden. Im ersten Jahrzehnt des 16. Jahrhunderts stattete der Nürnberger Goldschmied Paul Müllner Friedrich den Weisen mit mehreren silbervergoldeten Reliquien für seine Wittenberger Sammlung aus. Später im selben Jahrhundert kam die Familie Jamnitzer aus Nürnberg, allen voran Wentzel Jamnitzer, dessen Meisterwerk, ein emaillierter Silberaufsatz, der Freiherrin James de Rothschild von Paris gehört. Mathaeus Wallbaum aus Augsburg war ein weiterer berühmter Goldschmied des 16. Jahrhunderts. Seine Hauptwerke sind in Silber gefasste religiöse Ornamente aus Ebenholz, und die Pommerscher Kunstschrank im Kunstgewerbemuseum Berlin. Aber der wichtigste deutsche Goldschmied des 16. Jahrhunderts war Anton Eisenhoit [25] von Warburg, der das schöne Kruzifix (1589), den Kelch und andere geistliche Gefäße der Familie Fürstenberg fertigte. Andere bemerkenswerte Handwerker dieser Zeit waren Hans Petzolt und Melchior Bayr, der den silbernen Altar (mit Szenen aus dem Leben Christi nach Dürer) für den König von Polen in der Sigismund-Kapelle im Krakauer Dom anfertigte. [26] Jakob Mores, der Ältere, von Hamburg, war beim Königshaus von Dänemark angestellt. Eine große Anzahl seiner ursprünglichen Plattenentwürfe befindet sich in der öffentlichen Kunstbibliothek zu Berlin. Jakob Mores, der jüngere, führte im 17. Jahrhundert den silbernen Altar in Frederiksborg aus. In Deutschland wurden die Traditionen der früheren gotischen Kunst weniger schnell gebrochen, und viele rein gotische Formen überlebten dort bis zum Ende des 16. Jahrhunderts und gotische Zierelemente noch später. Obwohl in der ersten Hälfte des 17. Jahrhunderts das handwerkliche Geschick der deutschen Silberschmiede ein hohes Maß an Verdienst erreichte, gab es einige Abstriche in der Ausführung und in der Reinheit der Umrisse in ihren Entwürfen. Deutschland ist reicher an weltlichen Platten als jedes andere Land. Die bemerkenswerten königlichen Tafelsammlungen in den grünen Gewölben von Dresden, Gotha und München sowie öffentliche Museen in Deutschland, darunter der Schatz von Lüneburg in Berlin, bieten hervorragende Möglichkeiten zum Studium der deutschen Goldschmiedekunst, der bemerkenswerte Kelch, 12. Jahrhundert, der St.-Gothard-Kirche, Hildesheim der berühmte Osnabrücker Kaiserbecher des 13. Jahrhunderts der Pokal des Kaisers Friedrich III.und Mathias Corvinus nach Wien im Jahr 1462, und der prächtige Krug von Goslar, 1477, sind bemerkenswerte Exemplare der frühen deutschen Arbeit. In England sind die einzigen bemerkenswerten öffentlichen Sammlungen deutscher Platten das „Waddesdon“ im British Museum und das Victoria and Albert Museum. Die Sammlung des verstorbenen Freiherrn Carl von Rothschild in Frankfurt am Main war vor ihrer Verteilung auf seine fünf Töchter die umfangreichste Privatsammlung, die es gab. Die von Herrn J. Pierpont Morgan erworbene Sammlung Gutmann enthält viele Raritäten, ebenso die der Baroninnen Alphonse und Salomon de Rothschild in Paris. Viele der schönsten Gefäße aus Kristall, Achat usw., die früher italienischen Künstlern zugeschrieben wurden, wurden im 16. und 17. Jahrhundert in Süddeutschland geschnitzt und graviert und in schöne emaillierte Gold- und Silbermontierungen gefasst. Ende des 17. und Anfang des 18. Jahrhunderts wurden Haushaltsteller und andere Ornamente häufig mit bemalten Emails verziert, die meist aus Augsburg stammen. Dinglinger aus Dresden und seine Schule übten um diese Zeit erheblichen Einfluss auf die Herstellung von Ornamenten aus Perlen und anderen Materialien aus, die kunstvoll geschnitzt, montiert und emailliert wurden.

Feige . 13.-Silberpokal, 8¼ Zoll hoch, normalerweise Jamnitzer zugeschrieben, aber wahrscheinlicher von Paul Flint. Hergestellt in Nürnberg um die Mitte des 16. Jahrhunderts. (S.K.M.)

Feige . 14.-Ewer von François Briot, etwa 10 Zoll hoch. Mitte des 16. Jahrhunderts.

Von den Tassenmodellen, die in der zweiten Hälfte des 16. Eines davon im Victoria and Albert Museum soll 1572-1573 von Martin Rehlein aus Nürnberg hergestellt worden sein. [27]

Viele der berühmten Künstler des 15. und 16. Jahrhunderts – wie Martin Schön, Israel von Mecken, Aldegrever, Altdorfer, Brosamer, Peter Flötner, die Behams, Hopfer und Hans Holbein der Jüngere – lieferten den Silberschmieden Entwürfe für Platten. Mehrere von Holbeins Originalentwürfen, darunter einer für den Goldpokal, den sein Freund John of Antwerp für Königin Jane Seymour angefertigt hat, befinden sich im Print Room des British Museum, wo auch ein Originalentwurf für einen Tischbrunnen des berühmten Künstler, Albrecht Dürer. Virgil Solis von Nürnberg (1514-1562) war besonders fruchtbar in der Gestaltung von Platten und führte eine große Serie von Radierungen mit Designs für Vasen, Tassen, Krüge, Tazze usw. aus. [28] Viele der deutschen Silberkrüge und -becken ähneln denen, die Ende des 16. Jahrhunderts von François Briot und Gaspar Enderlein aus der Schweiz nach Deutschland aus Zinn gefertigt wurden.

Schweiz.-Dieses Land hat mehrere Silberschmiede hervorgebracht, deren Arbeit im Wesentlichen der deutschen Schule folgt. Die drei historischen Becher in der Nationalbibliothek in Zürich wurden in dieser Stadt aus Geldern hergestellt, die von den drei englischen Bischöfen, Juwel von Salisbury, Horn of Winchester und Parkhurst of Norwich, aus England als Geschenk geschickt wurden, in Anerkennung der ihnen während dieser Zeit gewährten Gastfreundschaft ihr Exil in Zürich unter Königin Mary I. [29] Bedeutende Platten wurden in Bern, Rappersweil und anderen Schweizer Städten hergestellt.

Russland.- In keinem Land ist die kirchliche und weltliche Platte von größerem Interesse als in Rußland, wo so viele verschiedene Einflüsse in ihrer Gestaltung und Dekoration am Werk waren - byzantinisch, orientalisch, gotisch, Renaissance usw. Das „goldene Zeitalter“ der kirchlichen Kunst war zweifellos das 17. Jahrhundert, als die Kirchen und Klöster mit vielen unschätzbaren Verzierungen aus den Edelmetallen bereichert wurden. Emails von großem Reichtum – die dort von ungarischen Künstlern eingeführt wurden – wurden Niello und Edelsteine ​​​​in der Dekoration verwendet bratina, wurde größtenteils hergestellt (siehe die feine aus Gold, emailliert und mit Edelsteinen besetzt, in der königlichen Sammlung zu Wien), ebenso wie eine kleinere Schale, genannt zarka, mit einem einzigen Griff. Ein weiteres weltliches Schiff, besonders russisch, ist die kovsh, eine spitze oder bootförmige Schüssel mit langem Griff. Ein Großteil der heimischen Platte nach Peter dem Großen wurde von der westlichen Länder, insbesondere Deutschlands, beeinflusst.

Polen.- Wenn auch nicht ohne eigenen Charakter, geriet die kirchliche Platte Polens [30] unter den Einfluss sowohl Deutschlands als auch Ungarns. Viele der sakralen Gefäße des Spätmittelalters sind mit Emaille und Niello verziert. Im 17. Jahrhundert trifft man auf korallenverkrustete kirchliche Gefäße, wie sie der polnische König Michael Wisniowiecki der Kirche von Czeustochowa schenkte. Ein prächtiger goldener Kelch aus dem 17. Jahrhundert, wunderschön emailliert, geschenkt vom Bischof von Plock und Breslau, Sohn von Sigismund III., befindet sich im Plocker Dom. In polnischen Kirchen gibt es noch viele bedeutende Tafelstücke, obwohl für sie kein polnischer Ursprung behauptet wird, zum Beispiel der Kelch aus dem 10. Die Kathedrale von Krakau enthält viele unschätzbare Beispiele, wie das goldene Kreuz aus dem 14.

Frankreich.-Frankreich hat wie England schwere Verluste in seiner Platte erlitten, obwohl es eine größere Anzahl mittelalterlicher Kirchengefäße aufweisen kann als England. Die Hauptexemplare der mittelalterlichen Platte sind die Schatulle aus dem 9. Jahrhundert und die sitzende Statuette des Heiligen Foy (10.C. 1200) im Louvre das Ziborium (frühes 13.C. 1250) das Reliquiar von St. Epine, das von St. Louis, der Jungfrau der Abtei von Roncevaux (Navarra, 14. Jahrhundert) und der Jungfrau von Königin Jeanne d'Evreux im Jahr 1339 an St. Denis geschenkt wurde Museum ist der berühmte Gold- und Emailbecher der Könige von England, ein französisches Werk des 14. Jahrhunderts. Zweifellos hat Cellinis Besuch in Paris einen großen Einfluss auf die dortige Goldschmiedekunst ausgeübt, obwohl leider keine Beispiele überliefert sind. Die Extravaganzen Ludwigs XIV. und sein Hof führte zur Zerstörung aller königlichen Platten Frankreichs, ebenso wie die Revolution von 1789 von riesigen Mengen einheimischer Platten. Erst zu Beginn des 18. Jahrhunderts sind in der Silberschmiedekunst Anzeichen einer Wiederbelebung erkennbar. Die wichtigsten unter den Pariser Goldschmieden dieser Zeit sind Claude Ballin der jüngere, Thomas Germain, und später im Jahrhundert François Thomas Germain, der die königliche Platte von Portugal und mehrere Stücke für den russischen Hof anfertigte.

Die Niederlande.-Flämische Silberschmiede des Spätmittelalters waren ebenso geschickt wie in der Renaissance. Es ist so wenig flämische Tafel übrig geblieben, dass Bilder der flämischen Schule als Hauptquellen für das Studium kirchlicher Gefäße empfohlen werden. Bemerkenswerte Beispiele flämischer Arbeiten des 15. Ein großes Triptychon aus dem 13. Jahrhundert befindet sich im Rothschild-Nachlass des Louvre. In Antwerpen und an anderen Orten wurden kunstvolle Rosenwasserkrüge und -becken hergestellt, die mit der Renaissance Einzug hielten, wie das bedeutende Paar aus dem Jahr 1535 im Louvre.

Der Utrechter Silberschmied Paul van Vianen (frühes 17. Zwei weitere Mitglieder derselben Familie, Adam und Christian van Vianen, waren ebenfalls bedeutende Silberschmiede dieser Zeit. Ein früherer niederländischer Silberschmied, Christian van Vianen aus Utrecht, fertigte für Heinrich VIII. die Gefäße für den Altar der St.-Georgs-Kapelle in Windsor.

Zwei wichtige Stücke des holländischen Tellers sind die bedeckte tazzaförmige Tasse von William the Silent, datiert um 1573, die dem Earl of Yarborough gehörte, [31] und eine andere große Tasse der gleichen Form (1595), bekannt als "Breda-Tasse". “ im Besitz der Familie Hohenlohe. In Amsterdam (wo Johann Lutma der Ältere – gest. 1669 – ein bekannter Silberschmied war), Haarlem, Den Haag und an vielen anderen Orten wurden beträchtliche Mengen an Platten hergestellt Gelegenheiten zum Studium von Tazze, Bechern und anderen Haushaltsgefäßen in Silber. Hendrik Janssens, ein niederländischer Kupferstecher um 1640, führte viele Entwürfe für Goldschmiede und Juweliere aus.

Spanien und Portugal.-Die spanische Platte wurde im Mittelalter stark von der französischen und flandernischen und der maurischen Kunst beeinflusst. Aber in Spanien gibt es nur wenige mittelalterliche Teller, die größtenteils zu der Zeit zerstört wurden, als durch die Einführung neuer Reichtümer aus den Kolonien in der Neuen Welt eine Vorliebe für kunstvollere Ornamente aufkam. Hervorzuheben sind folgende Beispiele: ein Holzkreuz, mit Goldfiligranarbeit überzogen, mit Steinen besetzt (808), in der Kathedrale von Oviedo, wo sich auch ein größeres Holz- und Goldkreuz aus der Zeit später im selben Jahrhundert befindet . In der Kathedrale von Girona befindet sich eine maurische Schatulle aus Holz, die mit dünnen Silberplatten bedeckt ist. Das Reliquiar von Alphonso III. und seine Königin (866-896 n. Chr. bedeckt mit geprägten Silberplatten der Symbole der Evangelisten der Kelch aus dem 11. mit kunstvollen vergoldeten Silberplatten, in der Kathedrale von Barcelona Die spanischen Monstranzen des 15. Jahrhunderts sind durch den flämischen Einfluss erkennbar, während die des frühen 16. Kathedrale von Cordova, zeichnet sich durch seinen kunstvollen Charakter aus, dessen Enkel Juan de Arfe y Villafane (der De varia conmensuracion, 1585, über Silberarbeiten und andere Künste) wurde zum Hauptmacher dieser prächtigen Monstranzen, zum Beispiel das berühmte Beispiel in der Kathedrale von Sevilla. Er war mit Pacheco bei der Ausführung von Statuen verbunden. Um das 15. Jahrhundert wurde Barcelona als Zentrum der Silberschmiedekunst berühmt, und die Libros de pasantia, oder die in dieser Stadt noch erhaltenen Prüfungsbücher der Silberschmiede, enthalten eine große Anzahl von Entwürfen für die Juwelierarbeit. Sevilla hatte ebenfalls eine bedeutende Silberschmiede, wie auch die folgenden Städte: Toledo, Valladolid, Burgos, Cordova und Salamanca. Die berühmte Familie Becerril fertigte im 16. Jahrhundert in Cuenca feine Platten. Viele Kelche und einige Hausteller des 16. und frühen 17. Jahrhunderts sind mit kleinen emaillierten Scheiben verziert, von denen einige im Detail sarazenischen Einfluss zeigen. Das Victoria and Albert Museum besitzt eine schöne Sammlung spanischer Goldschmiedearbeiten.

Die portugiesische Platte zeigt in ihren gotischen Merkmalen einen sehr blumigen Stil, der den von den Architekten unter Don Manuel (1495-1521) angenommenen Stil nachahmt. Ein typisches Beispiel für diese Extravaganz gotischer Motive ist die Monstranz von Belem, die aus Gold hergestellt wurde, das Vasco da Gama aus dem Osten mitgebracht hatte.

Österreich und Ungarn.-Die österreichische Platte orientiert sich wie die der Schweiz weitgehend an deutschen Vorbildern. Der kirchliche Teller Ungarns im 15. und 16. Jahrhundert wird für seine emaillierte Arbeit eines Blumenmusters gefeiert, das in filigranen Draht eingeschlossen ist, der aus Italien eingeführt wurde. Diese emaillierte Dekoration wurde im 17. Jahrhundert, jedoch ohne den filigranen Draht, fortgeführt und wird dann als „Siebenbürgen“ bezeichnet. Ein Großteil der weltlichen Platte des 16. und 17. Jahrhunderts in Nord- und Ostungarn ist von deutscher Platte beeinflusst, während die in Siebenbürgen häufig von orientalischen Designs inspiriert ist.

Englisch.-Es gibt starke Beweise für die Bedeutung, die die Völker des Kontinents der englischen mittelalterlichen Platte beimaßen, wie es auch der prächtigen englischen illuminierten MSS. und später den bestickten Gewändern war, opus anglicanum. Aber leider hat die rücksichtslose Zerstörung der Platten während der Rosenkriege, der Reformation und der großen Rebellion nur wenige mittelalterliche Stücke verschont, auf die wir verweisen können. Unter dem Namen Protestantismus wurde jedes kirchliche Gefäß mit einem Gerät, das den „päpstlichen Aberglauben“ auskostete, sofort zerstört. Die Inventare der großen Kathedralen und Ordenshäuser zeigen deutlich ihren wunderbaren Reichtum an Gold- und Silbergefäßen.

Norfolk ist reicher als jede andere Grafschaft an Kelchen und Patenen vor der Reformation. [32] Der bekannte Kerzenständer „Gloucester“, obwohl er aus minderwertigem Metall besteht, ist ein Beispiel für die im 12. historisches Relikt vom Ende des 12. Jahrhunderts (mit der für Karl II. veränderten Schale). Der Earl of Carysfort ist der glückliche Besitzer eines silbervergoldeten Weihrauchfasses von etwa 1375 und eines Weihrauchschiffs von etwa 1400, das 1850 in Whittlesea Mere gefunden wurde und früher der Abtei Ramsey gehörte. [33] Nur ein vorreformatorischer englischer Goldkelch ist erhalten geblieben, der mit seiner Patene und einem silbernen Krummstab von seinem Gründer, Bischof Foxe, dem Corpus Christi College in Oxford geschenkt wurde (Tafel II., Abb. 26). Beide tragen den Londoner Datumsbuchstaben für 1507-1508. Ein weiteres historisches Relikt, das in restaurierter Form bis heute erhalten ist, ist die Goldampulle vom Ende des 14. Jahrhunderts im Tower of London. Die Universitäten von Oxford und Cambridge können, obwohl leider ihre Platten erschöpft sind, immer noch einige bemerkenswerte Stücke zeigen. Das früheste Beispiel ist jeweils ein Trinkhorn aus dem 14. Jahrhundert am Queen's College in Oxford und am Corpus Christi College in Cambridge. Andere bemerkenswerte Hörner sind das Pusey-Horn [34] das berühmte Bruce-Horn mit den angebrachten Siegeln von John of Gaunt und eines am Christ's Hospital.

Feige . 15 – Silberbecher, 4 Zoll hoch, mit geprägtem Goldband, das in einem Grab im Osten von Seeland (Dänemark) gefunden wurde. Dieser Kelch stammt aus der frühen Eisenzeit.

Mazer-Schalen aus Holz, in Silber und sogar in Gold gefasst und häufig mit Schrift- und anderen Inschriften graviert (siehe Tafel II, Abb. 28), waren im Mittelalter in England beliebte Trinkgefäße. Viele von ihnen haben überlebt, das früheste Exemplar war eines von Edward II. im Harbledown-Krankenhaus. Sie wurden nach der Regierungszeit von Elisabeth nicht mehr hergestellt (Archäologie, ich. 120). Mittelalterliche, in Silber gefasste Kokosnussbecher sind in England häufig anzutreffen. Die bekanntesten Exemplare befinden sich im Besitz der Colleges in Oxford und Cambridge und einiger der städtischen Gesellschaften. Wie bereits erwähnt, aber es gibt nur wenige Beispiele für frühe Teller, folgt eine kurze Liste einiger der bemerkenswertesten Stücke, außer den zuvor aufgezählten: der „Sokborn“-Becher (C. 1450) und der „Anathema“-Becher (1481-1482) am Pembroke College, Cambridge der Leigh-Becher (1490) in der Mercers' Hall der Elfenbein- und Silberbecher (1525-1526) des Herzogs von Norfolk, dem Hirtenstab (C. 1367) am New College, Oxford den Richmond Cup (C. 1510) in der Armourers Hall, dem „Wahlpokal“ (C. 1520) am Winchester College und der Teller der Gründerin, bestehend aus einem feinen bedeckten Becher (1435-1440), zwei Salzen (C. 1500), ein Becherglas mit Deckel (1507-1508) und ein Salz (1507-1508) am Christ's College, Cambridge. Die besten Beispiele aus der Regierungszeit Elisabeths sind wahrscheinlich das Salz der Vintners' Company (Taf. II., Abb. 27) und die Rosenwasserschale und -kanne des Herzogs von Rutland. Steingutkrüge, wie das bekannte Beispiel (1581) aus West Malling, Kent, und chinesische Porzellangefäße wurden in elisabethanischer Zeit kunstvoll montiert, wobei ein Großteil der ersteren von Goldschmieden in Exeter hergestellt wurde.

Die keltischen Rassen Englands und Irlands scheinen großen Reichtum an Gold und Silber besessen zu haben, vor allem aber an ersterem. Es scheint jedoch hauptsächlich bei der Herstellung von persönlichen Schmuckstücken wie Torques, Fibeln und dergleichen verwendet worden zu sein. Eine prächtige goldene Rüstung, Repoussé mit einfachen Linien- und Punktmustern, wurde vor einigen Jahren bei Mold in Flintshire gefunden und befindet sich heute im British Museum. [35] Die Menge an altem Schmuck, der im letzten Jahrhundert in Irland gefunden wurde, war enorm, aber aufgrund des unglücklichen Gesetzes der „Schatzkammer“ wurde der weitaus größere Teil sofort von den Findern eingeschmolzen. Auf den britischen Inseln wurde wenig von dieser als Teller bezeichneten Zeit entdeckt – im Gegensatz zu Dänemark und anderen skandinavischen Ländern, wo die Ausgrabungen von Gräbern in vielen Fällen reiche Ergebnisse in Form von massiven Tassen, Schalen, Schöpfkellen und Hörnern erbracht haben Gold, meist verziert mit einfachen Mustern von Spiralen, konzentrischen Kreisen oder ineinander verschlungenen Grotesken. Andere sind aus Silber, paketvergoldet, und einige haben Figurenmotive in Flachrelief (Abb. 15). In ähnlicher Weise scheint während der sächsischen Zeit, obwohl Gold- und Silberschmuck üblich war, kleine Platten hergestellt worden zu sein, mit Ausnahme von Schreinen, Altarfronten und Gefäßen für den kirchlichen Gebrauch, über die jede bedeutende Kirche in England verfügen muss besaß einen prächtigen Bestand. In Bezug auf die englische weltliche Platte, obwohl nur noch wenige frühe Beispiele existieren, wissen wir aus verschiedenen Aufzeichnungen wie Testamenten und Inventaren, dass das 14. Bei festlichen Anlässen wurde dies nicht nur auf dem Esstisch, sondern auch auf Sideboards ausgestellt, die mit Stufen übereinander angeordnet waren, um die gewichtigen silbernen Vasen, Krüge und Schalen, mit denen es war geladen. Das zentrale Objekt auf dem Tisch jedes reichen Mannes war der „nef“ – ein großer silberner Sarg, normalerweise (wie der Name schon sagt) in Form eines Schiffes und angeordnet, um die Serviette, den Kelch, den Löffel und das Messer des Gastgebers zu enthalten, mit einer Auswahl von Gewürzen und Salz. Es sind keine alten englischen „Nefs“ mehr bekannt. Für dieses große und aufwendige Stück Teller wurden oft große Summen ausgegeben, z.B. eine im 14. Jahrhundert für den Herzog von Anjou angefertigte wog 348 Mark Gold. Die englischen Silberschmiede dieser Zeit waren in ihrer Kunst hochqualifiziert und stellten sowohl in Design als auch in Verarbeitung Objekte von großer Schönheit her. Eines der schönsten Exemplare des noch erhaltenen Tellers von Edward III. ist ein silberner Becher, der dem Bürgermeister und der Körperschaft von King's Lynn gehörte. Es ist anmutig und kelchartig in der Form, kunstvoll ziseliert und sehr reich und kunstvoll mit farbigen transluzenten Emails (Abb. 16) von Damen und Jugendlichen verziert, einige mit Falken an den Handgelenken. Salzstreuer aus Silber gehörten zu den aufwendigsten Platten, die im 15. Jahrhundert hergestellt wurden. Mehrere Colleges in Oxford und Cambridge besitzen noch schöne Exemplare davon (Abb. 17).

Feige . 16.-Silberbecher, mit durchscheinenden Emails. Wahrscheinlich englisches Werk des 14. Jahrhunderts.

Feige . 17.-Silber-vergoldeter Salzkeller, 14½ Zoll hoch. 1493 an das New College in Oxford übergeben.

Foto, Hills & Saunders, mit Genehmigung des Corpus Cristi College.

Feige . 26 - GOLD KELCH UND PATEN VON BISCHOF FUCHS.

Foto, Southwark Foto Eng. Co.

Feige . 27 - SALZ DER WEINBERGE (ELIZABETHAN).

Mit Genehmigung von Crichton Bros.

Feige . 28-BRAIKENBRIDGE MAZER SCHÜSSEL.

Von Jackson, Geschichte der englischen Platte, mit Genehmigung von C. J. Jackson, F.S.A.

Feige . 29 – GOLDBECHER UND DECKEL, CHARLES II.

Von Gärtner, Alte Silberschmiede, mit Genehmigung von B.T. Batsford.

Mit Genehmigung der Royal Irish Academy.


Aber nur wenige existierende Exemplare der englischen Platte sind älter als zu Beginn des 15. Jahrhunderts. Unter den wenigen, die die wichtigsten bleiben, sind Kelche – wie die beiden großen vergoldeten Silberkelche, die im Sarg eines Erzbischofs von York gefunden wurden und heute für die heilige Kommunion in der Kathedrale verwendet werden, und ein feiner silberner Kelch aus der Kirche von Berwick St James , Wilts, jetzt im British Museum. Sowohl dieser als auch die Yorker Kelche sind ohne Ornamente und scheinen ihrer Form nach aus der ersten Hälfte des 13. jetzt in einigen Kreisen für deutscher Herkunft gehalten). Es gibt mehrere Tudor-Becher: der berühmte von 1521 (Tafel II., Abb. 30), ein früherer, 1500, zwei bedeckte von etwa 1510 und 1512 in Sandwich und Wymeswold bzw. einer (1515) im Corpus Christi College , Oxford, und der Bodkin Cup (1525) der Corporation of Portsmouth. Ein sehr frühes Becherglas (1496) befindet sich in Privatbesitz, ebenso eine kleine Tudor-Schale (1525-1526). Zu den frühesten bekannten Silberkelchen zählen der Gourdon-Kelch und die Patene, der St. Gozlin-Kelch in Nancy (10. Jahrhundert) das Exemplar aus dem 12. Jahrhundert in der Abtei Wilten in Tirol.

Feige . 18 – elisabethanischer Kelch.

Es ist interessant, die verschiedenen Formveränderungen zu bemerken, die der kirchliche Kelch aus frühchristlicher Zeit Kelche durchlaufen hat. bis ins 16. Jahrhundert. Es war zunächst eine gewöhnliche, weltliche Tasse mit zwei Henkeln, klassisch in der Form und von großem Fassungsvermögen, da sowohl Laien als auch Geistliche den Wein empfingen. Die Doppelhenkel waren praktisch, um die Tasse wie eine moderne „Liebestasse“ herumzureichen. Die erste Änderung war der Wegfall der Griffe, so dass sie die Form einer großen halbkugelförmigen Schale mit rundem Fuß und einem Knopf zur Sicherung des Haltens erhielt. Seit einigen Jahrhunderten scheint es Brauch zu sein, dass der Priester den Kelch hält, während der Kommunikant den Wein durch eine silberne Röhre oder „Fistel“ saugt. Einige der prächtigsten frühen Beispiele dieser Kelchform haben die Schale in Bändern montiert, mit Juwelen besetzt und mit winzigen Filigranarbeiten bereichert – ein Design, das diesen Kelchen entnommen zu sein scheint, wie die vier großartigen Beispiele in der Schatzkammer des Markusdoms in Venedig, deren Schale aus Kristall, Onyx oder einem anderen Edelstein geschliffen ist. [36] Die besten Beispiele dieser Klasse sind der Ardagh-Kelch, jetzt im Dublin Museum, und der Kelch des St. Remigius, in der Kathedrale von Reims, beide sind die prächtigsten Exemplare des Geschmacks und der Fähigkeiten der Goldschmiede des 10. bis 11. Jahrhunderts. Im 12. und 13. Jahrhundert wird das Design einfacher, es gibt einen deutlichen Schaft, der sich über und unter dem Knopf erstreckt, und am Fuß ist ein Kreuz markiert, das in den früheren nicht gefunden wurde, um zu zeigen, welche Seite der Priester zu sich selbst halten soll beim Feiern. Die nächste Änderung der Kelchform, die im 14. aus. Diese Form dauerte in den meisten Ländern bis etwa 1500 und in England bis zur Reformation. Dann wurde die Schale, die in den letzten zwei oder drei Jahrhunderten aufgrund der allmählich eingeführten Praxis, den Wein den Laien zu verweigern, langsam verkleinert, plötzlich größer und die Form änderte sich in die in Abb . 18, damit der protestantische „Kommunionkelch“ keine Ähnlichkeit mit dem altkatholischen „Messkelch“ habe. Dies wurde 1562 angeordnet (siehe Bogen. Reise. xxv. 44-53). Der beste Bericht über die Entwicklung in Form englischer mittelalterlicher Kelche und Patenen stammt von W. H. St John Hope und T. M. Fallow, in Archäologie, Bd. xliiii.

Die weltliche Platte des 15. und 16. Jahrhunderts war im Stil häufig der in Deutschland hergestellten ähnlich, obwohl die englischen Silberschmiede des letzten Jahrhunderts nie ganz mit dem Können oder der künstlerischen Begabung der großen Nürnberger und Augsburger Silberschmiede vergleichbar waren. Im 17. Jahrhundert, während der Regierungszeit von James I. und Charles I., wurden viele schöne Tellerstücke, insbesondere hohe Tassen und Humpen, von sehr anmutiger Form und Dekoration angefertigt. Der größte Teil dieser und alle früheren Platten, insbesondere die schönen Sammlungen der Universitäten, wurden während des Bürgerkriegs eingeschmolzen. In der Regierungszeit Karls II. führte der wiederkehrende Wohlstand und die Zunahme des Luxus in England zur Herstellung vieler prächtiger Teller, oft in großem Maßstab, wie Toilettenartikel, Weinkühler und sogar Feuerhunde und andere Möbel. Diese sind in ihrer Ornamentik sehr blumig, vieles davon unter niederländischem Einfluss, und haben meist die schönen Formen des vorigen Jahrhunderts verloren (Abb. 19 und Tafel II, Abb. 29). Zu Beginn des 18. Jahrhunderts wurden die Designs der englischen Platte zum Teil von der Einführung französischer Ornamente durch die große Schar französischer Silberschmiede beeinflusst, die nach der Aufhebung des Edikts von Nantes nach England Zuflucht suchten. An erster Stelle dieser Franzosen (obwohl wahrscheinlich selbst kein Flüchtling) war Paul Lamerie, der eine große Anzahl bemerkenswerter Exemplare hervorbrachte, von denen das größte ein guter Weinkühler im Winterpalast in St. Petersburg ist. Durch den größten Teil der Regierungszeit von George III. Englischer Teller zeichnet sich eher durch seine schlichte Solidität als durch seinen künstlerischen Wert aus. Mit dem Aufkommen der talentierten Architekten, der Gebrüder Adam, kam jedoch die Vorliebe für Teller mit klassischen Zügen auf. Das South Kensington Museum besitzt eine kleine, aber feine Sammlung von Platten im Adam-Stil, die von 1770 bis 1788 datiert werden. Viele von Flaxmans Entwürfen wurden in Platte hergestellt, zu den wichtigsten zählt der „Schild des Achilles“ in vergoldetem Silber auf Schloss Windsor. Thomas Stothard, der Maler, fertigte mehrere Entwürfe für Goldschmiedearbeiten für Rundell und Bridge an.

Feige . 19.-Bedeckte Tasse aus massivem Gold, 6 Zoll hoch, C. 1660-1670. Übergeben an das Exeter College in Oxford von George Hall, Bischof von Chester.

Feige . 20 - Silbervase, 11 Zoll hoch, datiert 1772. Entworfen von den Brüdern Adam.

Der Test von Gold- und Silberplatten.- Die primitive Methode, die Reinheit des Metalls zu prüfen, bestand darin, einen Streifen damit auf dem Prüfstein zu markieren und die Farbe der Markierung mit der Farbe verschiedener Gold- oder Silberstücke bekannter Reinheitsgrade zu vergleichen für Silber verwendet: ein Stück des zu prüfenden Silbers wird mit etwas Blei in einem Cupel- oder Knochenaschetiegel geschmolzen, das Blei wird oxidiert und sinkt schnell in die Knochenasche ein, wobei alle anderen Verunreinigungen, die vorhanden sind, mitgeführt werden. Der Rest reinen Silbers wird dann gewogen und zeigt durch seinen Verlust an, wie viel Legierung er enthielt. Gold wird nun durch ein aufwendiges chemisches Verfahren getestet, bei dem das Probestück in Säure gelöst und dann in Form eines Niederschlags ausgeworfen wird, der durch eine sorgfältige quantitative Analyse untersucht werden kann (siehe Assaying ).

Der Reinheitsstandard, der in der Zeit von Edward I. gefordert wurde, war für Gold, dass es den „Pariser Touch“ haben sollte. d.h. 19 1 5 Karat von 24. Vorher waren 22 Karat der Standard. Silber sollte „aus der Sterlinglegierung“ sein, d.h. 11 Unzen. 2 dw. zum Pfund. Mit Ausnahme einer Zeit im 16. Jahrhundert wurde dieser Silberstandard beibehalten und ist immer noch gesetzlich vorgeschrieben.

Punzen auf Silber.- Im 13. Jahrhundert war die englische Gold- und Silberschmiedegilde zu großer Bedeutung gewachsen und hatte Monopole und viele Sonderprivilegien erworben. Um den Standard in der erforderlichen Reinheit zu halten, wurde auf königlichen Befehl das System eingeführt, dass jeder Artikel mit bestimmten Zeichen versehen werden muss. Die erste davon war die Königszeichen-ein Leoparden- oder Löwenkopf gekrönt. Diese wurde 1300 von Edward I. (29 Edw. I. stat. 3, um 30) eingeführt. Die zweite, die Herstellerzeichen, wurde 1363 (37 Edw. III. c. 7) gegründet. Dies kann ein beliebiges Abzeichen oder eine Initiale sein, die vom Silberschmiedmeister selbst ausgewählt wurde. Der dritte war der Jahresbuchstabe oder Prüfzeichen Dies war ein Alphabet, wobei ein Buchstabe ein Jahr lang verwendet wurde, gerechnet ab dem Tag der jährlichen Wahl des Direktors der Goldschmiedegesellschaft. Als ein Alphabet erschöpft war, wurde ein anderes mit anders geformten Buchstaben begonnen. Das früheste existierende Stück Platte mit den drei Markierungen ist der Kelch (mit Patene, 1479–1480) in Nettlecombe, Somerset. Andere Zeichen, die später eingeführt wurden, waren der Löwe passant, der erstmals 1544 verwendet wurde, der Löwenkopf gelöscht und eine Ganzfigur der Britannia, die nur zwischen 1697 und 1719-1720 verwendet wurde, und schließlich das Porträt des regierenden Herrschers, das verwendet wurde von 1784 bis 1890, als der Zoll auf Gold- und Silberplatten aufhörte. Neben diesen allgemeinen Punzen trugen die in verschiedenen Provinzstädten hergestellten Tafeln bestimmte besondere Prägungen und Punzen.

Die beste Arbeit auf punzierter Platte und den Marken selbst mit der Geschichte der Goldsmiths' Company ist C. J. Jacksons Englische Goldschmiede und ihre Zeichen (1905), wo Abbildungen der Spuren gefunden werden, die auf Platten in Schottland und Irland und bei englischen Provinzgilden gefunden wurden - York, Norwich, Exeter, Chester, Lincoln, Newcastle, Birmingham, Sheffield und anderen Orten. E. Alfred Jones Buch, Alte englische Goldplatte (1907), illustriert und beschreibt nur Goldplatten.>>

Moderne Platte im Osten.-Obwohl jetzt in Europa kleine Teller von wirklichem künstlerischem Verdienst hergestellt werden, gibt es im Osten unter den moslemischen und hinduistischen Rassen immer noch einen echten Geschmack in Design und Geschick in der Ausführung. Delhi, Benares, Lucknow, Cutch und andere Orte in Indien und Kaschmir produzieren noch eine Menge schöner Silber- und Goldarbeiten – hauptsächlich Krüge, Becken, Rosenwassersprinkler, Tabletts, Kaffeekannen und dergleichen. Diese sind von anmutiger Form, bedeckt mit reichen Repoussé arbeiten, oder häufiger mit sehr feinen ziselierten Mustern. Ihr Stil ist hauptsächlich mohammedanisch, aber einige kombinieren eine arabische Form mit indianischer Oberflächendekoration. Diese Werkklasse ist keine Wiederbelebung, sondern wird seit dem 16. [37] Die Silberschmiede von Persien, Damaskus und anderen östlichen Orten sind immer noch geschickt und behalten eine gute Tradition in ihren Entwürfen. Sie sind jedoch mehr mit der Herstellung von persönlichem Schmuck beschäftigt als mit der Herstellung größerer Silber- oder Goldarbeiten.

Behörden .—Skandinavische und keltische Platte.- Worsaae, Urzeitliche Altertümer von Dänemark (1849) Afbildninger fra de Kongelige Museum (1854) „Industrielle Kunst Dänemarks“, S.K.M. Handbuch (1882) Atlas de l'archéologie du nord (1857) Anderson, Mindelblade fra de danske kongers Samling (1867) Dänemark, Norges, og Sverigs Geschichte (1867) Madsen, Afbildninger af danske Oldsager (1868–1876) Montelius, Antiquités suédoises (1873–1875) Stralsund, Der Goldschmuck von Hiddensoe (1881) Hildebrand, „Industrielle Künste Skandinaviens“, S.K.M. (1882) Reeves, Schrein von St. Patrick's Bell (1850) Wilde, Katalog der Antiquitäten aus Gold, Royal Irish Academy (1862) Margaret Stokes, Frühchristlich Kunst in Irland (1875) J. Romilly Allen, Keltische Kunst im Heidentum und Christliche Zeiten (1904).

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Antike Münzen und Artefakte:

Mesopotamien ist als "Wiege der westlichen Zivilisation" bekannt und umfasste in der Antike die Reiche Babylon, Sumer und Assyrien. Seine Grenzen umfassten den heutigen Irak, den Südosten der Türkei und den Nordosten Syriens. Seine großen Reiche waren neben vielen anderen Errungenschaften für die Ursprünge der Schrift, der Stadtplanung und der Landwirtschaft verantwortlich.

Sumerische und mesopotamische Artefakte sind ziemlich selten und werden auf dem Sammlermarkt geschätzt. Aus diesem Grund wurden unzählige zerstörerische archäologische Gräueltaten begangen, darunter die Plünderung von Museen und die Plünderung archäologischer Stätten im gesamten Nahen Osten. Diese Zerstörung muss aufhören, und ich hoffe, dass all diese unrechtmäßig erworbenen Artefakte dorthin zurückkehren, wo sie hingehören. Jeder einzelne Artikel, den ich hier zum Verkauf anbiete, wurde sorgfältig authentifiziert und die rechtliche Herkunft seiner Quelle festgestellt. Diese stammen aus alten Privatsammlungen, Museumsentnahmen und Auktionen mit nachgewiesenem Rechtsbesitz außerhalb ihres Herkunftslandes vor 1970 und dem UNESCO-Vertrag. Genießen!


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Jacob Schenauer wurde 1582 Meister der Augsburger Zunft und starb 1608. Unter seinen Werken, aufgenommen von Helmut Seling (op. zit. vol. II, bitte. 36 und 120), sind die silbervergoldeten Montierungen einer prächtigen fünfundzwanzig Pfeifenorgel, bezeichnet für 1590-1594, in der Reiche-Kapelle der Rezidenz, München, und ein silbervergoldeter Kelch mit Stiel, der etwas an den von . erinnert das vorliegende Beispiel. Letztere stammt von 1602-1606 und befindet sich im Bayerischen Nationalmuseum (Inv.-Nr. 59/325).

Von besonderer Bedeutung ist eine silbervergoldete Tazza von Schenauer in scheinbar baugleicher Ausführung mit dem vorliegenden Exemplar (Seling, op. zit. 975.0110e) im Victoria & Albert Museum, London (Inv.-Nr. 533-1874). Es ist um 1580-c.1590 datiert und die Mitte der Schale ist mit Diana und Aktäon getrieben. Obwohl die beiden Tazzas sehr ähnlich hoch sind, beträgt der Durchmesser der Schale des Victoria & Albert Museum Beispiels etwa 3 cm. größer. Unterhalb des Museumsbeispiels befindet sich eine Plakette mit eingraviertem Wappen und der Aufschrift „H.C.E.PF.ZV.AESH UND.H.STOLL“. Interessant ist, dass beide Tazzas im 19. Jahrhundert neu vergoldet worden zu sein scheinen und möglicherweise ungefähr zur gleichen Zeit auf den Markt kamen. Die Museums-Tazza stammt aus der Sammlung des 1886 verstorbenen Joseph Bond, während das vorliegende Los 1897 erstmals aufgezeichnet wurde. Es besteht die starke Möglichkeit, dass beide Tazzas ursprünglich aus einem Set in unterschiedlichen Größen mit Szenen aus der klassischen Mythologie stammen.

Die brillante Ziselierung der zentralen Tafel des Pariser Urteils wurde als Beweis für "außergewöhnliche Beherrschung der Technik" beschrieben und ist wahrscheinlich das Werk eines Spezialisten (J. Hayward, op. Stadt. S.379). Es handelt sich offenbar um eine Zeichnung für die Plakette des Pariser Urteils, die sich in den Staatlichen Museen Preußischer Kulturbesitz, Kupferstichkabinett, Berlin (Inv.-Nr. KdZ 2119) erhalten hat. Diese Zeichnung ist signiert „P. . . V.V.N.' Theodor Hampe 1916, K. Pechstein 1979, H. Müller, (op. Stadt, P. 158, Anmerkungen) und zuletzt H. Seling (op. Stadt.) lassen vermuten, dass die Initialen für Paul Vlindt von Nürnberg stehen“, also Paul Flindt der Jüngere (1567-1630). Es wurden jedoch Vorbehalte geäußert, da seine Unterschrift normalerweise P.V.N.

Paul Flindt II. (geb. 1567) wurde 1601 Meister der Nürnberger Zunft, obwohl seine gesammelten Silberentwürfe ab 1592 oder 1593 veröffentlicht wurden Museum basieren auf Helmut Selings Die Kunst der Augsburger Goldschmiede, 1529-1868 veröffentlicht 1980, S. 18, nein. 14. Es sollte jedoch in seinem späteren Werk beachtet werden op.zit. dass Seling die Augsburger Ananas-Stadtmarke im Kreis spätestens 1586 gebräuchlich zeigt, obwohl dies durchaus falsch sein kann.

Die Renaissance-Tazza

In vielen Fällen wurden Tazzas häufig in Sätzen von mindestens einem halben Dutzend in Auftrag gegeben, obwohl die 54, die im Palazzo Pitti in Florenz erhalten sind, offensichtlich ganz außergewöhnlich sind (H. Seling, op. zit. vol. II, Pls.199-205 usw.). Im Auftrag von Wolf Dietrich von Raitenau, Erzbischof von Salzburg (1587-1612), wurden 1590 sechsunddreißig vom Augsburger Baumeister Paul Hübner angekauft und weitere achtzehn, davon ein Dutzend ebenfalls von Hübner und sechs wahrscheinlich von Kornelius Erb, wurden vier Jahre später hinzugefügt. Die zentralen Tafeln wurden mit verschiedenen Szenen aus dem Alten Testament und solchen, die die zwölf Monate, acht Kardinaltugenden und die vier Elemente darstellen, usw. gejagt. Wie bei der vorliegenden Tazza schlägt Haywood vor, dass die getriebenen Szenen in den von Raitenau-Beispielen aller Wahrscheinlichkeit nach waren von einem spezialisierten Ziselierer, der für eine Reihe von Goldschmieden (op. Stadt., S. 223-4).

Solche Sets dienten nicht nur als prachtvolle Präsentationsplatte auf einem Buffet, sondern hatten natürlich auch einen funktionalen Zweck. Ein zeitgenössisches Gemälde „Die Bürger von Brügge“ aus dem Jahr 1575 des flämischen Künstlers Antoon Claeissens (um 1536-1613) zeigt, wie sie trotz ihrer etwas unpraktischen Form sowohl zum Trinken von Getränken als auch als Ständer für Früchte verwendet werden können auf dem Esstisch.

Vor etwa einem Jahrhundert war diese prächtige Renaissance-Tazza Teil der wunderbaren Sammlung bzw. Sammlungen des deutschen Bankiers Eugen Gutmann (1840-1925). Neben Gemälden alter Meister umfasste es Renaissance-Schmuck, goldmontierte Hartsteinobjekte, Bronzen, Majolika, Uhren, Miniaturen und Goldkästchen des 18. Jahrhunderts – alles Bereiche, die von den Familien Rothschild in Europa, Julius Wernher in England und J. Pierpont Morgan in Amerika unter anderem. Auf dem Gebiet des europäischen und insbesondere des deutschen Renaissancesilbers glänzte die Sammlung Gutmann jedoch wirklich.

Zu den weiteren auf dem Markt erschienenen Stücken aus der Gutmann-Silbersammlung gehört der sehr schöne silbervergoldete Krug in Form einer nackten Nereide auf einem Triton sitzend von Johannes Lencker I., Augsburg, 1625-30, ein bedeutender Doppelbecher im gotischen Stil von Hans Petzolt, Nürnberg, datiert 1596 und ein außergewöhnlicher paketvergoldeter Pokal in Form eines nackten Reiters auf einem sich aufziehenden Hengst von Hans Ludwig Kienlin, Ulm, datiert 1630. Diese wurden von Christie's London (11. Juni 2003, Lots 161 .) verkauft -163) und befinden sich heute im Rijksmuseum, Amsterdam, dem Detroit Institute of Arts bzw. dem Chicago Art Institute. Ebenfalls in der Sammlung Gutmann befand sich ein sehr seltenes Paar silberner Globenbecher von Abraham Drentwett, Augsburg, 1695-1699 (Christie’s Paris, 13. April 2010, Lot 98), jetzt in Privatbesitz.

Die Geschichte der Sammlung Gutmann behandelt Anne Webber in ihrem Artikel, Die Sammlung Gutmann im Katalog von Christie's London (op. zit., S. 142-147). Eine ausführlichere und neuere Darstellung der Familiengeschichte gibt Simon Goodman, Die Orpheus-Uhr: Die Suche nach meiner Families Von den Nazis gestohlene Kunstschätze, Simon und Schuster, 2015.

Die oben erwähnten deutschen Silberstücke aus dem 16. und 17. Jahrhundert gehören zusammen mit der vorliegenden Tazza zweifellos zu den wichtigsten Auktionsobjekten dieses Jahrhunderts. Sie allein machen Eugen Gutmann als einen der größten Sammler von deutschem Renaissance- und Barocksilber fest. Mit musealen Objekten auf nahezu jeder Seite überrascht der Katalog der siebzig Kunstwerke, aus denen die Sammlung besteht. In seiner Einführung in die Kunstsammlung Eugen Gutmann 1912 veröffentlichte der angesehene Kunsthistoriker Otto von Falke über den Renaissance-Schmuck und das europäische Silber, dass die Liste seiner Schöpfer, "die Breite des Umfangs und die Vielfalt der Formen, (die Sammlung) würdig macht, neben die Schatzkammern der Prinzen.'

Baron Heinrich Thyssen-Bornemisza

Die Tazza des Urteils von Paris wurde später von Gutmanns Sammlerkollege Baron Heinrich Thyssen-Bornemisza (1875-1947) erworben und von seinem Sohn Baron Hans Heinrich Thyssen-Bornemisza (1921-2002) geerbt. Ihre ab den 1920er Jahren entstandenen Sammlungen waren ebenso umfangreich wie die Sammlung Gutmann. Am bekanntesten für Gemälde alter Meister, waren das europäische Silber, Goldkästchen, Renaissance-Schmuck und Fabergé von erheblicher Bedeutung. Die Silbersammlung ist breiter als die Gutmanns und umfasst Werke aus England, Frankreich, Ungarn und den Niederlanden sowie Deutschland und reicht vom 16. bis zum frühen 19. Jahrhundert.

Das Silber wurde 1986 von Hannelore Müller katalogisiert (op. zit.) während Anna Somers Cocks und Charles Trumans Die Sammlung Thyssen-Bornemisza-Renaissance-Juwelen, Goldkästchen und Schmuckstücke wurde zwei Jahre zuvor veröffentlicht.

Der Erwerb der Schenauer Tazza durch zwei der größten Sammler des deutschen Renaissancesilbers des letzten Jahrhunderts zeugt von ihrer Bedeutung, Schönheit und Raffinesse.


Einige Sammlerstücke haben für den Sammler einen erheblichen historischen Wert. Artikel aus dem Zweiten Weltkrieg bleiben beispielsweise bei Kaufinteressenten beliebt. Sie können auch Erinnerungsstücke aus dem Ersten Weltkrieg durchsuchen, die von Vintage-Uniformen bis hin zu Medaillen reichen, um einen Moment noch weiter in die Vergangenheit einzufangen.

Die Welt der Werbung ist reich an sammelbaren Erinnerungsstücken. Natürlich gibt es Coca-Cola-Sammlerstücke, aber sie sind nicht die einzigen Sammlerstücke für Limonadenwerbung. Blättern Sie durch den eBay-Bereich mit Werbe-Erinnerungsstücken, der von Gas- und Öl-Erinnerungsstücken bis hin zu Nostalgie aus der Technologiebranche reicht, um eine Vorstellung von der großen Auswahl an eBay-Sammlergeschäften zu erhalten.


Das François-Grab

Das François-Grab ist voll von kunstvollen Fresken mit komplizierten Botschaften, die wir vielleicht nie ganz verstehen werden.

Die archäologische Stätte der antiken etruskischen Stadt Vulci, Italien (Foto: Robin Iversen Rönnlund, CC BY-SA 3.0)

Als Alessandro François und Adolphe Noël des Vergers 1857 das sogenannte François-Grab (benannt nach seinem Entdecker) betraten, beschrieben sie eine prächtige Schatzkammer, in der antike etruskische Krieger auf ihren Begräbnisliegen schliefen, umgeben von Grabbeigaben, Waffen und brillante Tableaus an bemalten Wänden. Dieses außergewöhnliche Grabmal aus der Nekropole Ponte Rotto in Vulci diente als Familiengrab und wurde in hellenistischer Zeit mehrere Jahrhunderte lang genutzt.

Plan des François-Grabes, Vulci

Die Etrusker glaubten, dass das Leben nach dem Tod ihre eigene Welt widerspiegelte, also stellten sie ihren Toten aufwendige „Häuser“ zur Verfügung. Der Grundriss des François-Grabes ist im Wesentlichen eine T-Form mit zwei Hauptkammern (genannt die Atrium und tablinum nach den Räumen typischer italienisch-römischer Häuser). Die Hauptkammern sind senkrecht angeordnet, von allen Seiten verzweigen sich kleine Grabkammern.

Das François-Grab ist vor allem wegen der Fresken seiner Hauptkammer berühmt, die in das vierte Jahrhundert v. u. Z. datiert werden können. Im Gegensatz zu den meisten etruskischen Grabmalereien scheinen die François-Grabfresken Kampfszenen zu enthalten – was sie zu einem seltenen, frühen Beispiel der antiken Historienmalerei macht.

Obwohl Gelehrte immer noch viele Fragen zur genauen Bedeutung dieser Gemälde haben, spiegeln sie wichtige etruskische Ideen über die Geschichte wider, und sie hätten dazu beigetragen, gemeinsame Erzählungen über Abstammung und Vergangenheit zu verstärken, da Familienmitglieder das Grab ständig besuchten, um die neu Verstorbenen zu beerdigen.

Schillernde Fresken

Fresken füllen die Wände und die Decke des Grabes. (Die ursprünglichen Fresken wurden im 19. Jahrhundert von einem Sammler entfernt und im Grab selbst durch Reproduktionen ersetzt.) Die Decke ist wie das Innere eines Gebäudes mit Fachwerkdachkonstruktion gestaltet, während die Wände verschiedene figurale Darstellungen und geometrische Designs.

Fries mit griechischem Schlüsselmuster und Jagdszene, Atrium des François-Grabes, Vulci (Villa Albani, Rom)

Porträt von Vel Saties, Atrium des François-Grabes, Vulci (Villa Albani, Rom)

Die Atrium , der der erste Raum war, den ein Besucher betrat, hat die kunstvollsten Fresken. Am oberen Wandrand befindet sich ein kleiner Lauffries in zwei Registern: oben ein griechisches Tastenmuster, unten eine Jagdszene. Unter der Jagdszene befinden sich größere Szenen mit fast lebensgroßen menschlichen Figuren.

Obwohl eine Wand stark beschädigt wurde, sind die meisten Figuren gut erhalten und mit Text beschriftet. Aus diesem Text wissen wir, dass diese Figuren eine Mischung aus mythologischen Charakteren (einschließlich Sisyphos, Eteokles und Polynices, die sich gegenseitig töten, und Ajax, der Cassandra vergewaltigt) und historischen Figuren umfassen, darunter der Gründer des Grabes, ein etruskischer Aristokrat namens Vel Saties. Dieses Porträt von Vel Saties in voller Länge trägt ein toga picta hat als erstes solches Porträt in der westlichen Kunst Anerkennung gefunden. [1] Es ist wahrscheinlich, dass das unterste Viertel der Mauer von Steinbänken verdeckt wurde, obwohl nicht alle dieser Bänke erhalten sind.

Szenen aus Mythologie und Geschichte

Die tablinum , oder Hinterzimmer des Grabes, hat auch unten Bänke, oben ein Fresko, das eine laufende Mäander darstellt, und eine Szene mit menschlichen Figuren dazwischen. Es gibt einige Unterschiede in der Ikonographie, die die Atrium und tablinum . Zuerst die tablinum hat keine Jagdszene unterhalb der Mäandersekunde, die Deckenmuster sind unterschiedlich und schließlich besteht das Figurenfresko aus zwei Erzählszenen mit jeweils beschrifteten Figuren.

Achilles opfert trojanische Gefangene im Schatten des Patroklos, tablinum des François-Grabes, Vulci (Villa Albani, Rom)

Auf der linken Seite des Grabes befindet sich eine Szene, in der Achilles trojanische Gefangene im Schatten des Patroklos opfert.

D ie rechte Seite des Grabes zeigt eine Schlacht zwischen zwei Gruppen von Etruskern. Es ist diese Kampfszene, die die meiste historische Aufmerksamkeit auf sich gezogen hat. An der langen Wand sind die Figuren zu einer Reihe duellierender Paare angeordnet. Inschriften identifizieren die Männer auf beiden Seiten als etruskisch, aber nur die Gestalten, die zu verlieren scheinen, werden mit einer bestimmten Stadt identifiziert. Diese Diskrepanz hat Wissenschaftler zu der Annahme veranlasst, dass die Gewinner aus Vulci stammen. Da viele der sterbenden Männer nur teilweise bekleidet sind, wurde diese Szene als nächtlicher Hinterhalt gedeutet: Im Schlaf überrascht, konnten sich die Besiegten offenbar nicht vollständig anziehen, bevor die Kämpfe begannen.

Kampfszene, tablinum des François-Grabes, Vulci (Villa Albani, Rom)

Eine Verbindung zwischen Text und Bild

Mastarna befreit Caelius Vibenna, tablinum des François-Grabes, Vulci (Villa Albani, Rom)

Um die Ecke des Freskos herum befindet sich eine Szene, die aus der legendären Geschichte Roms stammt. Mastarna (vielleicht ein alternativer Name für Servius Tullius, den legendären sechsten König von Rom) befreit Caelius Vibenna, einen etruskischen Aristokraten, der Roms Gründer Romulus in seinen Kriegen gegen Titus Tatius unterstützte. Obwohl diese beiden Männer nackt dargestellt werden (in der Art von mythologischen Figuren), gibt es einige Hinweise darauf, dass beide als historische Figuren galten.

Diese Gemälde stellen eine wichtige potenzielle Verbindung zwischen antiken Bild- und Textquellen dar. Der römische Kaiser Claudius behauptete in einer Rede, Mastarna sei der etruskische Name von Roms sechstem König Servius Tullius, der ein Freund von Caelius Vibenna war ( ILS 212). Dies ist dem, was in den Fresken im Grab von François dargestellt ist, sehr ähnlich, und so scheint die Ikonographie des Grabes eine unabhängige Bestätigung für Claudius‘ Bericht zu sein.

Viele Gelehrte interpretieren die Ikonographie des Grabes als pro-etruskisch und antirömisch. Da der römische Staat im 4. Jahrhundert v.

Camillus tötet Gaius Tarquinius, Atrium des Francois-Grabes, Vulci (Villa Albani, Rom)

Unbeantwortete Fragen

Trotz weitgehender Übereinstimmung über das Fresko von Mastarna und Caelius Vibenna bleiben Fragen über die Bedeutung vieler anderer Fresken im Grab von Franç ois.

Die Atrium Fresko zeigt Camillus, der eine Figur tötet, die als "Gaius Tarquinius von Rom" identifiziert wurde.

Während sowohl Camillus als auch Tarquinius Figuren aus der frühen römischen Geschichte sind, ist ihre Anwesenheit im Gemälde nicht klar verstanden. Der Name Tarquinius kann sich auf einen von zwei männlichen Tarquin-Herrschern (oder Tarquinii) aus der frühen römischen Geschichte beziehen, ihre Vornamen waren jedoch nicht Gaius, sondern Lucius, und keiner dieser Männer wurde von Camillus getötet. Beide Tarquinii lebten um die Zeit von Mastarna im 6. Jahrhundert v. u. Z., während römische Autoren glaubten, dass Camillus etwa ein Jahrhundert später lebte, näher am Baudatum des Grabes. Um die Dinge noch komplizierter zu machen, war Camillus nach der römischen Tradition dafür berühmt, die Etrusker zu besiegen. Seine Anwesenheit im Grab und seine Ermordung von Tarquinius sind daher beide mysteriös.

Auch über die Beziehung zwischen dem Camillus/Tarquinius-Fresko und dem anderen historischen Fresko sind die wissenschaftlichen Meinungen geteilt. Viele Gelehrte sehen sie als Teil derselben Erzählung, andere argumentieren jedoch, dass die beiden getrennt gehalten werden müssen. Es ist unwahrscheinlich, dass diese Debatte gelöst wird, wenn keine neuen Beweise gefunden werden.

Geheimnisse bleiben

Das François-Grab wird zu Recht für seine aufwendige Dekoration gefeiert. Obwohl wir die Entscheidungen des Patrons des Grabes nicht vollständig verstehen können, ist es wahrscheinlich, dass die Fresken geschaffen wurden, um eine bestimmte Botschaft zu übermitteln. Diese Botschaft kann politisch (pro-etruskisch/antirömisch), religiös (da sich die meisten Szenen auf Blutvergießen konzentrieren), familiär (die Familiengeschichte der Besitzer darstellen) oder ethisch (veranschaulichen moralische Qualitäten, die den Besitzern wichtig waren) gewesen sein. . Alle diese Interpretationen wurden vorgeschlagen, und es ist möglich, dass sie alle richtig sind – das heißt, dass der Besitzer des Grabes all diese Aspekte bei der Wahl der Ikonographie im Auge hatte. Das historische Fresko hat jedoch das meiste Interesse geweckt, da es seltene Informationen über das etruskische historische Denken zu bewahren scheint.

Wir werden die Antworten auf viele dieser Fragen vielleicht nie erfahren, aber das François-Grab bleibt ein leuchtendes Beispiel etruskischer Freskenmalerei, das uns einen Einblick in die turbulente Geschichte der antiken Mittelmeerwelt bietet.

[1] Siehe Lisa C. Pieraccini, „Etruscan Wall Painting: Insights, Innovations, and Legacy“ in Sinclair Bell und Alexandra A. Carpino, Ein Begleiter der Etrusker (John Wiley & Sons, 2016), S. 256.

B. Andreae, „Die Tomba François. Anspruch und historische Wirklichkeit eines etruskischen Familiengrabes.“ In B. Andreae, A. Hoffman, C. Weder-Lehman (Hrsg.), Die Etrusker: Luxus für das Jenseits. (München: Hirmer, 2004), S. 176-207.

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