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Was ist der Ursprung des Raps?

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Ich möchte den Ursprung von wissenRap.

Geht sein Ursprung wirklich auf arabische Dichter zurück? Oder lässt sich Rap auch auf seine afrikanischen Wurzeln zurückführen?


Nach dem, was ich recherchieren konnte, führen zahlreiche Quellen wie diese und diese Rap zu den Griots des vorkolonialen Westafrikas zurück. Griots waren im Wesentlichen Dichter und Barden, die Geschichte und politische Botschaften durch Lieder übermittelten. Nach dem Artikel "Politik der Diaspora: Sahwari-Dichter und postkoloniale Transformationen eines transsaharischen Genres in Nordwestafrika" von Tara Flynn Deubel im Journal of North African Studies verbindet sie hassani-arabische Poesie mit den musikalischen Traditionen der Subsahara-Kulturen. Im Grunde lässt sich Rap also auf die Kombination arabischer Dichter UND subsahara-afrikanischer Musiktradition zurückführen.


Ja, es kam aus der arabischen Welt, es war, als würden sich 2 Dichter lyrisch herausfordern, was der heutigen Rap-Battle gleicht, und al khalil ibn ahmed el farahety hatte eine Idee, als er hörte, wie die Sowrds sich gegenseitig schlugen, sagte er, warum nicht Worte sagen? Beats, dann ging Rap durch Handelsverbindungen nach Afrika und als die USA die afrikanischen Sklaven zu uns mitnahmen, fingen die Afrikaner dort an zu rappen und die USA sagten, dass es sie gibt.


Rappen (n.)

frühes 14c., rappe , "a quick, light blow a hallingstroke," auch "a fart" (spätes 15c.), heimisch oder einer skandinavischen Quelle entlehnt (vgl klatschen, klatschen).

Der Slang, der "Zurechtweisung, die Schuld, die Verantwortung" bedeutet, stammt von 1777 schlag den rap ist von 1927. Die Bedeutung "Musik mit improvisierten Wörtern" war 1979 im New Yorker Slang (siehe Rap (V.2)).

Mitte des 14. Jh., rappen, " schlagen, schlagen, klopfen" von rap (n.). Verwandte: Geklopftes Rappen . (jemandem) Fingerknöchel zu rappen " scharf bestrafen" stammt aus dem Jahr 1749 (mit den Fingern (jemandem) im gleichen Sinne zu rappen ist von 1670.). Verwandte: Geklopftes Rappen .

intransitiv, "informell reden, auf einfache Weise chatten", 1929, nach OED, popularisiert c. 1965 in afroamerikanischer Umgangssprache, möglicherweise zuerst in karibischem Englisch und aus britischem Slang-Rap (v.) .1).

Als Substantiv in diesem Sinne von 1898. Die Bedeutung "Rap-Musik aufführen" wird von 1979 aufgenommen. Verwandte: Rapped rapping.


„Wohlfühlen“-Rap

Wie bereits erwähnt, deckte die Frühphase von Rap und Hip-Hop noch keine politischen Themen ab – stattdessen wurde immer ein peppiger Rhythmus und leichte Themen beibehalten, um die Party am Laufen zu halten. Dieses Genre wurde zur ersten Wahl von DJs bei der Auswahl von Musik für ihre Partys, wo es massenhaft an Popularität gewann, aber erst fast sieben Jahre, nachdem seine Technik von DJ Herc inspiriert wurde, in die Mainstream-Charts einbrach. Junger Rap und Hip-Hop, der noch keine Mainstream-Aufmerksamkeit erhalten hatte, blieb bis 1979 ein wachsendes Genre der Partymusik, als "King Tim III (Personality Jock)" von The Fatback Band kommerziell veröffentlicht wurde und zu einem Top-30-Hit in der Welt wurde Genre-Charts. Nach dem Erfolg dieses Songs begannen sich Rap und Hip-Hop in Clubs und auf den Werbetafeln einen Platz unter den erfolgreichsten Genres Amerikas zu erarbeiten und ebneten den Weg für eine Nachwelt von Musikhörern. Einige der kommerziell erfolgreichen Songs dieser frühen Ära in Rap und Hip Hop sind unten aufgeführt.

„König Tim III“ – Die Fatback Band

Rapper's Delight – Die Sugar Hill Gang

Du willst also ein Star sein – Mtume

Hinter dem Groove – Tenna Marie

Mehr Bounce To The Unze – Zapp & Roger


Die Geschichte von Rap und Hip Hop Musik

Der Ursprung des Hip-Hop lässt sich bis in die alten Stämme Afrikas zurückverfolgen. Rap wurde mit den Gesängen, Trommelschlägen und Fußstampfen afrikanischer Stämme verglichen, die vor Kriegen, der Geburt von Babys und dem Tod von Königen und Ältesten aufgeführt wurden. Historiker reichen weiter zurück als die anerkannten Ursprünge des Hip-Hop. Es wurde, wie wir es heute kennen, in der Bronx geboren, von der Jugend in den einkommensschwachen Gegenden von New York City umarmt und genährt.

Schneller Vorlauf von den Stämmen Afrikas zu den Ghettos von Kingston, Jamaika Ende der sechziger Jahre. Die Armen von Kingston versammelten sich in Gruppen zu DJ-Konglomeraten. Sie haben Wurzeln und Kulturrekorde gesponnen und über die Musik mit dem Publikum kommuniziert. Zu dieser Zeit waren die Kommentare des DJs nicht so wichtig wie die Qualität des Soundsystems und seine Fähigkeit, die Menge zu bewegen. Kool Herc wuchs in dieser Gemeinde auf, bevor er in die Bronx zog.

In den späten sechziger Jahren war Reggae bei den New Yorkern nicht beliebt. Als DJ legte Kool Herc Rhythm-and-Blues-Platten auf, um seinem Partypublikum zu gefallen. Aber er musste seine persönliche Note hinzufügen. In den Pausen begann Herc mit seinem Publikum zu sprechen, wie er es auf Jamaika gelernt hatte. Er rief, das Publikum reagierte, und dann drehte er die Lautstärke der Platte wieder auf. Diese Call-and-Response-Technik war für diese Gemeinschaft, die in baptistischen und methodistischen Kirchen aufgewachsen war, nichts Neues, wo Call-and-Response eine Technik war, die von den Rednern verwendet wurde, um die Gemeinde einzubeziehen. Historiker vergleichen es mit dem Ruf und der Antwort von Jazzmusikern und war während der Renaissance in Harlem fester Bestandteil der Kultur der Jazzmusik.

Der DJ-Stil von Herc hat sich durchgesetzt. Seine Partys wurden immer beliebter. Er begann, mehrere Kopien derselben Alben zu kaufen. Wenn er seine Pflichten als DJ ausübte, verlängerte er die Pausen, indem er mehrere Kopien derselben Platten verwendete. Er plauderte, wie es im Tanzsaal heißt, immer länger mit seinem Publikum.

Andere kopierten den Stil von Herc. Bald kam es zu einem freundschaftlichen Kampf zwischen New Yorker DJs. Sie alle lernten die Technik der Breakbeats. Herc verstärkte das Spiel, indem er den Leuten, die an den Partys teilnahmen, Shout-Outs gab und seinen charakteristischen Anruf und seine Antwort aussprach. Andere DJs reagierten, indem sie sich mit ihren Worten reimten, wenn sie mit dem Publikum sprachen. Immer mehr DJs nutzten zwei- und vierzeilige Reime und Anekdoten, um ihr Publikum auf diesen Partys einzubeziehen und zu hypen.

Eines Tages übergab Herc das Mikrofon an zwei seiner Freunde. Er kümmerte sich um den Turntable und erlaubte seinen Kumpels, die Menge mit Gesängen, Reimen und Anekdoten bei Laune zu halten, während er die Pausen verschiedener Songs auf unbestimmte Zeit verlängerte. Dies war die Geburtsstunde des Rap, wie wir ihn kennen.

Hip-Hop hat sich von den Tagen der Keller-Showdowns zum Big Business in der Musikindustrie entwickelt. In den siebziger und achtziger Jahren war der DJ der Pionier und Erneuerer der Rap-Platte. Er war der Typ, der seinen Plattenspieler benutzte, um mit alten Schallplatten frische Sounds zu kreieren. Dann wurde er der Typ, der diese bekannten Breaks mit Synthesizern mischte, um völlig neue Beats zu produzieren. An diesem Aspekt des Hip-Hop hat sich nicht viel geändert. Der Typ, der den Beat kreiert, ist immer noch das Herzstück des Tracks. Heute nennen wir ihn den Produzenten. Obwohl einige DJs sowohl als Produzenten als auch als DJs arbeiten (nicht wenige haben als DJs angefangen, bevor sie Produzenten wurden), hat der heutige Titel “DJ” nicht die gleiche konnotative Bedeutung wie in den Achtzigern. Der Hip-Hop-Produzent von heute erfüllt die gleichen Aufgaben wie der DJ der Achtziger.

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Für Eltern war Rock’n’Roll gefährlich. Für Teenager war es die Zukunft der Musik.

Michael Ochs Archives/Getty Image

Sternenmacht
Elvis Presley spielt in seiner Heimatstadt in Mississippi vor kreischenden Fans.

Wir schreiben das Jahr 1955. Die meisten Erwachsenen hatten den Rock ’n’ Roll gerade erst für sich entdeckt. Und sie waren entsetzt.

Im März kam ein Film namens Blackboard Jungle heraus. Im Film übernehmen Teenager eine städtische High School. Gangmitglieder kämpfen mit Messern. Schüler werfen Baseball auf Lehrer.

Die Musik der Teenager ist das Erste, was das Kinopublikum hört. Es beginnt mit einem Trommelschlag. Dann kommt das Lied „Rock Around the Clock“. Es gibt ein kreischendes Saxophon und ein schnelles Gitarrensolo. Und es wird alles in höchster Lautstärke gespielt.

Erwachsene hatten noch nie so etwas wie Rock ’n’ Roll gehört. Und für viele von ihnen klang es wie ein schlechter Einfluss. Es habe Kinder zu Kriminellen gemacht, sagten sie. Und es breitete sich aus wie eine Krankheit.

Aber es war egal, was die Erwachsenen dachten. Es dauerte nicht lange, Rock’n’Roll war hier, um zu bleiben.

Wir schreiben das Jahr 1955. Die meisten Erwachsenen hatten gerade Rock ’n’ Roll gehört. Und es hat ihnen nicht gefallen.

In diesem Jahr kam ein Film namens Blackboard Jungle heraus. Im Film übernehmen Teenager eine High School. Gangmitglieder kämpfen. Schüler werfen Baseball auf Lehrer.

Die Musik der Teenager ist das Erste, was das Kinopublikum hört. Es beginnt mit einem Trommelschlag. Dann kommt das Lied „Rock Around the Clock“. Es gibt ein lautes Saxophon. Es gibt ein Gitarrensolo. Und es wird alles in höchster Lautstärke gespielt.

Erwachsene hatten noch nie so etwas wie Rock ’n’ Roll gehört. Viele dachten, es sei ein schlechter Einfluss. Es habe Kinder zu Kriminellen gemacht, sagten sie.

Aber es war egal, was die Erwachsenen dachten. Rock’n’Roll war hier, um zu bleiben.

Wir schreiben das Jahr 1955. Die meisten Erwachsenen hatten den Rock ’n’ Roll gerade erst entdeckt – und waren entsetzt.

Im März kam ein Film namens Blackboard Jungle heraus. Im Film übernehmen Teenager eine städtische High School: Gangmitglieder kämpfen mit Messern, Schüler werfen Baseballbälle auf Lehrer.

Die Musik der Teenager ist das Erste, was das Kinopublikum hört. Es beginnt mit einem Trommelschlag. Dann kommt das Lied „Rock Around the Clock“. Es gibt ein kreischendes Saxophon und ein rasantes Gitarrensolo – und alles wird in höchster Lautstärke gespielt.

Erwachsene hatten noch nie etwas wie Rock ’n’ Roll gehört, und viele von ihnen hielten die Musik für einen schlechten Einfluss. Es habe anständige Kinder in Kriminelle verwandelt, behaupteten sie – und es breitete sich wie eine Krankheit aus.

Aber es machte keinen Unterschied, was die Erwachsenen dachten: Der Rock ’n’ Roll sollte bald bleiben.

Rock ’n’ Roll – oder so ähnlich – gab es eigentlich schon eine Weile. Es hieß Rhythm and Blues, kurz R&B. Und es wurde von schwarzen Musikern gespielt. R&B kam aus der Bluesmusik und aus der Gospelmusik der südlichen Kirchen.

Aber diese Musik war nicht für die Anbetung am Sonntagmorgen. R&B-Musiker spielten E-Gitarren – laut. Die Trommeln trugen einen schweren Beat. Und die Lieder machten Lust zum Tanzen.

Anfangs dachten Plattenfirmen nicht, dass weiße Hörer sich für R&B interessieren. Damals waren viele Teile des Landes abgesondert. Schwarze und weiße Kinder gingen auf getrennte Schulen. Sie konnten nicht zu denselben Konzerten gehen.

Aber in den frühen 1950er Jahren begannen Radiosender, mehr R&B zu spielen. Die meisten Shows fanden spät in der Nacht statt. Die Discjockeys klangen cool. Sie hatten Spitznamen wie Hound Dog und Jumpin' George.

Überall entdeckten Jugendliche den neuen Sound. Sie blieben lange wach, um R&B-Künstlern wie Fats Domino und Wynonie Harris zuzuhören. Sie benutzten Kopfhörer, damit ihre Eltern nichts hören konnten.

Bald reisten weiße Kinder in schwarze Viertel, um Schallplatten zu kaufen. Dann kamen weiße Musiker hinzu. Sie nahmen ihre eigenen Versionen von R&B-Songs auf. Manchmal fügten sie ein Country-Western-Feeling hinzu. Und Rock’n’Roll war geboren.

Rock ’n’ Roll – oder so ähnlich – gab es eigentlich schon eine Weile. Es hieß Rhythm and Blues, kurz R&B. Es wurde von schwarzen Musikern gespielt. R&B kam aus der Bluesmusik und aus der Gospelmusik der südlichen Kirchen.

Aber diese Musik war nicht für die Anbetung am Sonntagmorgen. R&B-Musiker spielten E-Gitarren. Die Musik machte Lust auf Tanzen.

Plattenfirmen dachten nicht, dass weiße Teenager R&B mögen. Damals waren viele Teile des Landes abgesondert. Schwarze und weiße Kinder gingen auf getrennte Schulen. Sie konnten nicht zu denselben Konzerten gehen.

Aber in den frühen 1950er Jahren begannen Radiosender, mehr R&B zu spielen. Sie haben es nachts gespielt. Teens mochten den neuen Sound. Sie blieben lange wach, um R&B-Künstler wie Fats Domino zu hören. Sie benutzten Kopfhörer, damit ihre Eltern nichts hören konnten.

Bald gingen weiße Kinder in schwarze Viertel, um Schallplatten zu kaufen. Dann kamen weiße Musiker hinzu. Sie nahmen ihre eigenen Versionen von R&B-Songs auf. Einige fügten ein Country-Western-Feeling hinzu. Und Rock’n’Roll war geboren.

Rock ’n’ Roll – oder so ähnlich – gab es tatsächlich schon eine Weile. Es hieß Rhythm and Blues, kurz R&B, und wurde von schwarzen Musikern gespielt. R&B entwickelte sich aus der Bluesmusik und der Gospelmusik der südlichen Kirchen.

Aber diese Musik war nicht für den Gottesdienst am Sonntagmorgen gedacht. R&B-Musiker spielten E-Gitarren – laut. Die Trommeln trugen einen schweren Beat, und die Lieder machten den Hörer zum Tanzen.

Anfangs dachten Plattenfirmen nicht, dass weiße Hörer sich für R&B interessieren. Damals waren viele Regionen des Landes abgesondert. Schwarze und weiße Kinder besuchten getrennte Schulen und konnten nicht zu denselben Konzerten gehen. Rassismus war im ganzen Land ein Problem.

Aber in den frühen 1950er Jahren begannen Radiosender, mehr R&B zu spielen. Die meisten Shows fanden spät in der Nacht statt. Die Discjockeys klangen cool und hatten Spitznamen wie Hound Dog und Jumpin’ George.

Überall entdeckten Jugendliche den neuen Sound. Sie blieben lange wach, um R&B-Künstler wie Fats Domino und Wynonie Harris zu hören, und benutzten Kopfhörer, damit ihre Eltern nichts hören konnten.

Es dauerte nicht lange, bis weiße Kinder in schwarze Viertel reisten, um Schallplatten zu kaufen. Dann stiegen weiße Musiker ein und nahmen ihre eigenen Versionen von R&B-Songs auf. Manchmal fügten sie ein Country-Western-Feeling hinzu. Und Rock’n’Roll war geboren.


Inhalt

Die Wörter "hip" und "hop" haben eine lange Geschichte hinter der gemeinsamen Verwendung der beiden Wörter. In den 1950er Jahren bezeichneten ältere Leute Teen-House-Partys als "Hippity-Hops". [19] Die Entstehung des Begriffs HipHop wird oft Keith Cowboy zugeschrieben, Rapper mit Grandmaster Flash und den Furious Five. [20] Lovebug Starski, Keith Cowboy und DJ Hollywood verwendeten den Begriff jedoch, als die Musik noch als bekannt war Disco-Rap. [21] Es wird angenommen, dass Cowboy den Begriff erfunden hat, als er einen Freund neckte, der gerade der US-Armee beigetreten war, indem er die Worte "hip/hop/hip/hop" in einer Weise sang, die die rhythmische Kadenz marschierender Soldaten nachahmte. [20] Cowboy verarbeitete später die "Hip-Hop" -Kadenz in einen Teil seiner Bühnenperformance. Zum Beispiel sagte er so etwas wie "Ich sagte Hip-Hop, Hibbit, Hibby-Dibby, Hip-Hip-Hop und du hörst nicht auf." [19] die schnell von anderen Künstlern wie The Sugarhill Gang in "Rapper's Delight" verwendet wurde. [20] Der Gründer der Universal Zulu Nation, Afrika Bambaataa, auch als "Der Pate" bekannt, wird zugeschrieben, den Begriff zuerst verwendet zu haben, um die Subkultur zu beschreiben, zu der die Musik gehörte, obwohl auch vorgeschlagen wird, dass es ein abfälliger Begriff war, um die Art von Musik zu beschreiben . [22] Der Begriff wurde erstmals in gedruckter Form verwendet, um sich auf die Musik des Reporters Robert Flipping Jr. in einem Artikel im Februar 1979 in The New Pittsburgh Courier zu beziehen, [23] [24] und um sich auf die Kultur in einem Interview vom Januar 1982 zu beziehen of Afrika Bambaataa von Michael Holman im East Village Eye. [25] Der Begriff gewann im September desselben Jahres in einem anderen Bambaataa-Interview in weitere Bedeutung Die Stimme des Dorfes, [26] von Steven Hager, dem späteren Autor einer 1984 erschienenen Hip-Hop-Geschichte. [27]

Es gibt Meinungsverschiedenheiten darüber, ob die Begriffe "Hip-Hop" und "Rap" austauschbar verwendet werden können oder nicht. Dies geschieht sogar unter den sachkundigsten Autoren, Darstellern und Zuhörern des Hip-Hop. [6] Die häufigste Ansicht ist, dass Hip-Hop eine kulturelle Bewegung ist, die in den 1970er Jahren in der South Bronx in New York City entstand, wobei MCing (oder Rappen) eines der wichtigsten vier Elemente ist. [6] Die anderen drei wesentlichen Elemente des Hip-Hop sind Graffiti-Kunst (oder Aerosol-Kunst), Breakdance und DJing. Rap-Musik ist bei weitem der berühmteste Ausdruck der Hip-Hop-Kultur geworden, vor allem weil sie sich am einfachsten an ein Massenpublikum vermarkten lässt. [6]

Musikalische Elemente, die Hip-Hop-Musik vorwegnehmen, wurden in Blues-, Jazz- und Rhythm-and-Blues-Aufnahmen aus den 1950er Jahren und früher identifiziert, darunter mehrere Platten von Bo Diddley. [ Zitat benötigt ] Muhammad Alis Spoken-Word-Album von 1963 Ich bin der Größte wird von einigen Schriftstellern als frühes Beispiel für Hip-Hop angesehen. [28] [29] [ bessere Quelle benötigt ] Pigmeat Markhams 1968er Single "Here Comes the Judge" ist einer von mehreren Songs, die als früheste Hip-Hop-Platte gelten. [30] Vor dem Hip-Hop gab es Spoken-Word-Künstler wie die Last Poets, die 1970 ihr Debütalbum veröffentlichten, und Gil Scott-Heron, der 1971 mit seinem Track "The Revolution Will Not Be Televised" ein breites Publikum erreichte ". Diese Künstler kombinierten gesprochenes Wort und Musik, um eine Art "Proto-Rap" -Vibe zu schaffen. [31]

Ursprünge

Hip Hop als Musik und Kultur entstand in den 1970er Jahren in New York City aus dem multikulturellen Austausch zwischen afroamerikanischen Jugendlichen aus den USA und jungen Einwanderern und Kindern von Einwanderern aus Ländern der Karibik. [32] Hip-Hop-Musik in den Kinderschuhen wurde als ein Ventil und eine Stimme für die entrechteten Jugendlichen mit marginalisierten Hintergründen und einkommensschwachen Gebieten beschrieben, da die Hip-Hop-Kultur die sozialen, wirtschaftlichen und politischen Realitäten ihres Lebens widerspiegelte. [33] [34] Viele der Leute, die dazu beigetragen haben, die Hip-Hop-Kultur zu etablieren, darunter DJ Kool Herc, DJ Disco Wiz, Grandmaster Flash und Afrika Bambaataa, waren lateinamerikanischer oder karibischer Herkunft.

Aufgrund des multikulturellen Charakters von New York City ist es schwierig, die genauen musikalischen Einflüsse zu bestimmen, die den Sound und die Kultur des frühen Hip-Hop am stärksten beeinflusst haben. Die frühen Pioniere des Hip-Hop wurden von einer Mischung aus Musik aus ihren Kulturen und den Kulturen, denen sie aufgrund der Vielfalt der USA ausgesetzt waren, beeinflusst.Städte. [35] New York City erlebte in den 1990er Jahren einen starken jamaikanischen Hip-Hop-Einfluss. Dieser Einfluss wurde durch kulturelle Verschiebungen hervorgerufen, insbesondere aufgrund der verstärkten Einwanderung von Jamaikanern nach New York City und der in den USA geborenen jamaikanischen Jugendlichen, die in den 1990er Jahren erwachsen wurden.

In den 1970er Jahren wurden Blockpartys in New York City immer beliebter, insbesondere bei afroamerikanischen, karibischen und lateinamerikanischen Jugendlichen, die in der Bronx lebten. Blockpartys umfassten DJs, die beliebte Musikgenres spielten, insbesondere Funk- und Soulmusik. Aufgrund der positiven Resonanz begannen DJs, die perkussiven Breaks beliebter Songs zu isolieren. Diese Technik war in der jamaikanischen Dub-Musik verbreitet [37] und wurde größtenteils von Einwanderern aus der Karibik nach New York eingeführt, darunter DJ Kool Herc, einer der Pioniere des Hip-Hop. [38] [39]

Da die perkussiven Pausen bei Funk-, Soul- und Disco-Platten im Allgemeinen kurz waren, begannen Herc und andere DJs, zwei Plattenspieler zu verwenden, um die Pausen zu verlängern. Herc schuf die Blaupause für Hip-Hop-Musik und -Kultur, indem er auf der jamaikanischen Tradition des improvisierten Toastens aufbaute, einer gesprochenen Art von prahlerischer Poesie und Rede über Musik. [40] Am 11. August 1973 war DJ Kool Herc der DJ bei der Schulanfangsparty seiner Schwester. Er verlängerte den Beat einer Schallplatte durch den Einsatz von zwei Plattenspielern und isolierte die Percussion-„Breaks“, indem er mit einem Mischpult zwischen den beiden Schallplatten wechselte. Hercs Experimente mit dem Musikmachen mit Plattenspielern wurden zu dem, was wir heute als Brechen oder "Kratzen" kennen. [41]

Ein zweites musikalisches Schlüsselelement in der Hip-Hop-Musik ist das Emceeing (auch MCing oder Rappen genannt). Emceeing ist die rhythmische gesprochene Darbietung von Reimen und Wortspielen, die zunächst ohne Begleitung und später über einen Beat vorgetragen wird. Dieser Sprechstil wurde vom afroamerikanischen Stil des "Capping" beeinflusst, einer Aufführung, bei der Männer versuchten, sich in der Originalität ihrer Sprache zu übertreffen und die Gunst der Zuhörer zu gewinnen. [42] Die Grundelemente des Hip-Hop – mit Raps, rivalisierenden „Posses“ (Gruppen), Uptown-„Throw-Downs“ und politischen und sozialen Kommentaren – waren in der afroamerikanischen Musik seit langem präsent. MCing- und Rapper-Performer bewegten sich hin und her zwischen der Vorherrschaft von "toastenden" Songs, die mit einer Mischung aus Prahlerei, "Slackness" und sexuellen Anspielungen und einem aktuelleren, politischen, gesellschaftsbewussteren Stil gefüllt waren. Die Rolle des MC war ursprünglich als Zeremonienmeister für ein DJ-Tanzevent. Der MC stellte den DJ vor und versuchte, das Publikum aufzupumpen. Der MC sprach zwischen den Songs des DJs und forderte alle auf, aufzustehen und zu tanzen. MCs erzählten auch Witze und nutzten ihre energische Sprache und ihren Enthusiasmus, um die Menge auf Touren zu bringen. Schließlich entwickelte sich diese Einführungsrolle zu längeren Sitzungen mit gesprochenem, rhythmischem Wortspiel und Reimen, die zum Rappen wurden.

Bis 1979 war Hip-Hop-Musik zu einem Mainstream-Genre geworden. Es verbreitete sich in den 1990er Jahren mit umstrittenem "Gangsta"-Rap über die ganze Welt. [43] Herc entwickelte sich auch auf Break-Beat-Deejaying, [44] wo die Breaks von Funk-Songs – der am besten zum Tanzen geeignete Teil, der normalerweise auf Percussion basiert – isoliert und für nächtliche Tanzpartys wiederholt wurden. Diese Form der Musikwiedergabe mit Hard-Funk und Rock bildete die Grundlage der Hip-Hop-Musik. Campbells Ankündigungen und Ermahnungen an die Tänzer führten zu der synkopierten, gereimten gesprochenen Begleitung, die heute als Rappen bekannt ist. Er nannte seine Tänzer "Break-Boys" und "Break-Girls", oder einfach B-Boys und B-Girls. Laut Herc war „Brechen“ auch ein Straßenslang für „sich aufregen“ und „energisch handeln“. [45]

DJs wie Grand Wizzard Theodore, Grandmaster Flash und Jazzy Jay verfeinerten und entwickelten die Verwendung von Breakbeats, einschließlich Schneiden und Scratchen. [47] Als sich die Manipulation des Plattenspielers weiterentwickelte, entwickelte sich eine neue Technik, die daraus entstand, das Nadelfallen. Needle Dropping wurde von Grandmaster Flash entwickelt, es sind verlängerte kurze Schlagzeugpausen durch gleichzeitiges Abspielen von zwei Kopien einer Schallplatte und Bewegen der Nadel auf einem Plattenspieler zurück zum Beginn der Pause, während der andere spielte. [48] ​​Der von Herc verwendete Ansatz wurde bald weithin kopiert, und in den späten 1970er Jahren veröffentlichten DJs 12-Zoll-Platten, auf denen sie zum Beat rappen. Beliebte Melodien waren „The Breaks“ von Kurtis Blow und „Rapper’s Delight“ von The Sugarhill Gang. [49] Herc und andere DJs schlossen ihre Geräte an Stromleitungen an und traten an Orten wie öffentlichen Basketballplätzen und in der 1520 Sedgwick Avenue, Bronx, New York auf, die jetzt offiziell ein historisches Gebäude ist. [50] Die Ausrüstung bestand aus zahlreichen Lautsprechern, Plattenspielern und einem oder mehreren Mikrofonen. [51] Mit dieser Technik könnten DJs eine Vielzahl von Musikstücken kreieren, aber laut Rap-Angriff von David Toop "Im schlimmsten Fall könnte die Technik die Nacht in einen endlosen und unvermeidlich langweiligen Song verwandeln". [52] KC The Prince of Soul, ein Rapper-Texter mit Pete DJ Jones, wird oft als der erste Rap-Texter bezeichnet, der sich selbst einen "MC" nannte. [53]

Straßengangs waren in der Armut der South Bronx weit verbreitet, und ein Großteil der Graffiti, Rappen und B-Boyings auf diesen Partys waren allesamt künstlerische Variationen der Konkurrenz und der Überlegenheit der Straßengangs. Da sie ahnten, dass die oft gewalttätigen Triebe der Gangmitglieder in kreative verwandelt werden könnten, gründete Afrika Bambaataa die Zulu Nation, einen losen Zusammenschluss von Streetdance-Crews, Graffiti-Künstlern und Rap-Musikern. In den späten 1970er Jahren hatte die Kultur mediale Aufmerksamkeit gewonnen, mit Plakat Zeitschrift einen Artikel mit dem Titel "B Beats Bombarding Bronx", der das lokale Phänomen kommentiert und einflussreiche Persönlichkeiten wie Kool Herc erwähnt. [54] Der Blackout in New York City von 1977 führte zu weit verbreiteten Plünderungen, Brandstiftungen und anderen stadtweiten Unruhen, insbesondere in der Bronx [55] wo eine Reihe von Plünderern DJ-Equipment aus Elektronikgeschäften stahlen. Infolgedessen wuchs das Hip-Hop-Genre, das außerhalb der Bronx damals kaum bekannt war, ab 1977 erstaunlich schnell. [56]

Die Hauspartys von DJ Kool Herc gewannen an Popularität und zogen später in Outdoor-Locations, um mehr Menschen unterzubringen. In Parks veranstaltet, wurden diese Outdoor-Partys zu einem Ausdrucksmittel und einem Ventil für Teenager, bei denen "Anstatt auf der Straße in Schwierigkeiten zu geraten, Teenager jetzt einen Ort hatten, an dem sie ihre aufgestaute Energie verbrauchen konnten". [57] Tony Tone, ein Mitglied der Cold Crush Brothers, erklärte, dass „Hip-Hop viele Leben gerettet hat“. [57] Für Jugendliche aus der Innenstadt wurde die Teilnahme an der Hip-Hop-Kultur zu einer Möglichkeit, mit den Härten des Lebens als Minderheiten in Amerika umzugehen, und zu einem Ventil, um mit dem Risiko von Gewalt und dem Aufstieg der Bandenkultur umzugehen. MC Kid Lucky erwähnt, dass "die Leute früher Breakdance gegeneinander gemacht haben, anstatt zu kämpfen". [58] [59] Inspiriert von DJ Kool Herc gründete Afrika Bambaataa eine Straßenorganisation namens Universal Zulu Nation, die sich um Hip-Hop drehte, um Teenager aus dem Bandenleben, Drogen und Gewalt zu ziehen. [57]

Der lyrische Inhalt vieler früher Rap-Gruppen konzentrierte sich auf soziale Themen, vor allem in dem bahnbrechenden Track "The Message" von Grandmaster Flash and the Furious Five, der die Lebenswirklichkeiten in den Wohnprojekten thematisierte. [60] "Junge schwarze Amerikaner, die aus der Bürgerrechtsbewegung hervorgegangen sind, haben in den 1980er und 1990er Jahren die Hip-Hop-Kultur genutzt, um die Grenzen der Hip-Hop-Bewegung aufzuzeigen." [61] Hip-Hop gab jungen Afroamerikanern eine Stimme, um ihren Problemen Gehör zu verschaffen. "Wie Rock-and-Roll wird Hip-Hop von Konservativen energisch bekämpft, weil es Gewalt, Gesetzesverstöße und Gangs romantisiert". [61] Es gab den Menschen auch eine Chance auf finanziellen Gewinn, indem es "den Rest der Welt auf seine sozialen Anliegen reduzierte". [61]

Ende 1979 nahm Debbie Harry von Blondie Nile Rodgers von Chic zu einem solchen Event mit, da der Hauptbackingtrack die Pause von Chics "Good Times" war. [49] Der neue Stil beeinflusste Harry, und Blondies spätere Hitsingle von 1981 „Rapture“ wurde die erste Single mit Hip-Hop-Elementen, die in den USA auf Platz eins landete. Plakat Hot 100 – der Song selbst wird normalerweise als New Wave bezeichnet und verbindet schwere Popmusikelemente, aber gegen Ende gibt es einen erweiterten Rap von Harry.

Boxer Muhammad Ali wurde als einflussreiche afroamerikanische Berühmtheit in den Medien breit diskutiert. Ali beeinflusste mehrere Elemente der Hip-Hop-Musik. Sowohl im Boxring als auch in Medieninterviews wurde Ali in den 1960er Jahren als „reimender Trickster“ in den 1960er Jahren bekannt. Ali verwendete für seine Kommentare eine "funky Delivery", die "prahlt, komisches Trash-Talk, [und] die endlosen zitierbaren" Zeilen enthielten. [62] Nach Rollender Stein, seine "Freestyle-Fähigkeiten" (ein Hinweis auf eine Art von Gesangsimprovisation, bei der Texte ohne bestimmtes Thema oder Struktur rezitiert werden) und seine "Reime, Flow und Prahlerei" würden "eines Tages typisch für Old-School-MCs" wie Run . werden –DMC und LL Cool J, [63] wobei letzterer Ali als Einfluss anführt. [62] Hip-Hop-Musik in ihren Kinderschuhen wurde als Ventil und „Stimme“ für die entrechtete Jugend aus einkommensschwachen und marginalisierten Wirtschaftsgebieten beschrieben, [33] da die Hip-Hop-Kultur die sozialen, wirtschaftlichen und politischen Realitäten von . widerspiegelte Ihr Leben. [34]

Technologie

Die frühe Entwicklung des Hip-Hop fand zu der Zeit statt, als Sampling-Technologie und Drum-Machines der breiten Öffentlichkeit zu einem Preis zugänglich wurden, der für den Durchschnittsverbraucher erschwinglich war – nicht nur für professionelle Studios. Drum-Machines und Sampler wurden in Maschinen kombiniert, die als MPCs oder 'Music Production Centers' bekannt wurden. Frühe Beispiele dafür waren der Linn 9000. Der erste Sampler, der allgemein für diese neue Art von Musik verwendet wurde, war der Mellotron in Kombination mit der TR-808 Drum Machine verwendet. Mellotrons und Linns wurden in den späten 1980er Jahren vom AKAI abgelöst. [64]

Turntablist-Techniken – wie rhythmisches "Scratching" (Schieben einer Schallplatte vor und zurück, während die Nadel im Groove ist, um neue Sounds und Soundeffekte zu erzeugen, ein Ansatz, der Grand Wizzard Theodore zugeschrieben wird [65] [66] ), Beat-Mixing und/ oder Beatmatching und Beat-Jonglieren – entwickelt sich schließlich zusammen mit den Percussion-Breaks, wodurch eine musikalische Begleitung oder Basis entsteht, die ähnlich wie Signifying rappt werden könnte. Auch die Kunst des jamaikanischen Toastens, einer Art, in ein Mikrofon zu sprechen oder zu singen, oft in prahlerischem Stil, während Beats über ein Soundsystem gespielt werden, war ein wichtiger Einfluss auf die Entwicklung der Hip-Hop-Musik. Toasting ist ein weiterer Einfluss der jamaikanischen Dub-Musik. [37] [67]

Einführung des Rappens

Rapping, auch als MCing oder Emceeing bezeichnet, ist ein Gesangsstil, bei dem der Künstler lyrisch und rhythmisch, in Reimen und Versen, im Allgemeinen zu einem instrumentalen oder synthetisierten Beat spricht. Beats, fast immer im 4/4-Takt, können durch Sampling und/oder Sequencing von Teilen anderer Songs durch einen Produzenten erzeugt werden. [68] Sie enthalten auch Synthesizer, Drum-Machines und Live-Bands. Rapper können ihre Texte schreiben, auswendig lernen oder improvisieren und ihre Werke a cappella oder im Takt aufführen. Hip-Hop-Musik geht älter als die Einführung des Raps in die Hip-Hop-Kultur, und Rap-Gesang fehlt in vielen Hip-Hop-Tracks, wie zum Beispiel "Hip Hop, Be Bop (Don't Stop)" von Man Parrish "Chinese Arithmetic" von Eric B. & Rakim "Al-Naafiysh (The Soul)" und "We're Rocking the Planet" von Hashim und "Destination Earth" von Newcleus. Der Großteil des Genres wurde jedoch von Rap-Vocals begleitet, wie etwa der Sci-Fi-beeinflussten Electro-Hip-Hop-Gruppe Warp 9. [69] In den späten 1970er und frühen 80er Jahren traten Rapperinnen auf der Bühne auf, darunter der Bronx-Künstler MC Sha . -Rock, Mitglied der Funky Four Plus One, gilt als der erste weibliche MC [70] und The Sequence, ein Hip-Hop-Trio, das bei Sugar Hill Records unter Vertrag steht, der ersten rein weiblichen Gruppe, die eine Rap-Platte, Funk You Up, veröffentlicht hat. [ Zitat benötigt ]

Die Wurzeln des Raps liegen in der afroamerikanischen Musik und letztendlich in der afrikanischen Musik, insbesondere der der Griots [71] der westafrikanischen Kultur. [72] Die afroamerikanischen Traditionen des Signifyin', der Dutzende und der Jazzpoesie beeinflussen alle die Hip-Hop-Musik sowie die Ruf- und Antwortmuster afrikanischer und afroamerikanischer religiöser Zeremonien. Frühe populäre Radio-Discjockeys der Black-Appeal-Radioperiode brachen in die Rundfunkankündigung ein, indem sie diese Techniken unter dem jive die Rede von der Swing-Ära nach dem Zweiten Weltkrieg in den späten 1940er und 1950er Jahren. [73] DJ Nat D. war der M.C. an einem der erbarmungslosesten Orte für jeden aufstrebenden Musiker, der versucht, ins Showgeschäft einzusteigen, die Amateur Night im Palace Theatre in der Beale Street in Memphis, Tennessee. Dort war er von 1935 bis 1947 zusammen mit seinem Sideman, D.J.Rufus Thomas, Zeremonienmeister. Dort perfektionierte er die Dutzende, Bedeutung und das Persönlichkeits-Jock-Jive-Pattern, das sein Schtick werden sollte, als er der erste schwarze Radiosprecher südlich der Mason-Dixon-Linie in der Luft wurde. [74] Jive popularisierte das schwarze Appell-Radio, es war die Sprache der schwarzen Jugend, die Doppeldeutigkeit und das leicht obszöne Wortspiel waren ein Glücksfall für das Radio, belebten die Einschaltquoten in schwächelnden Verkaufsstellen, die ihren Zuschaueranteil verloren, und wechselten zum neuen Format von R&B mit schwarzen Ansagern. Die 10 % der Afroamerikaner, die seine Sendungen hörten, fanden heraus, dass die Musik, die er 1949 im Radio verbreitete, auch in den Jukeboxen im Norden der Städte war. Sie fanden auch andere DJs wie Chicagos Al Benson bei WJJD, Austins Doctor Hep Cat bei KVET und Atlantas Jockey Jack bei WERD, die denselben reimenden, kadenzgeladenen Rap-Stil sprachen. [75] Als die weißen Sender erkannten, dass die neuen Emporkömmlinge ihren Schwarzmarktanteil eroberten und dass Big Band und Swing-Jazz nicht mehr "hip" waren, ahmten einige weiße DJs den südlichen "Mushmouth" und Jive-Talk nach und ließen ihr Publikum denken, dass sie auch Afroamerikaner waren und Blues und Be-Bop spielten. [76] John R. Richbourg hatte eine Südstaaten-Dehnung, dass Hörer von Nashvilles WLAC-[77] nächtlichen R&B-Programmen nie darüber informiert wurden, dass sie keinem schwarzen DJ angehörten, wie es auch andere weiße DJs im Sender waren. Die Reime von Dr. Hep Cat wurden in einem Wörterbuch für Jive-Talk veröffentlicht. Die Jives von Dr. Hepcat, 1953. Jockey Jack ist der berüchtigte Jack the Rapper von Familien-Angelegenheit Ruhm, nach seiner Radio-Convention, die in den 1980er und 1990er Jahren ein Muss für jeden Rap-Künstler war. Acts wie Rudy Ray Moore, Pigmeat Markham und Blowfly, die oft als "Paten" der Hip-Hop-Musik gelten. [79] In New York City hatten Aufführungen von Spoken-Word-Poesie und Musik von Künstlern wie The Last Poets, Gil Scott-Heron [80] und Jalal Mansur Nuriddin einen erheblichen Einfluss auf die Kultur der Post-Bürgerrechts-Ära der 1960er Jahre und 1970er Jahre und damit das soziale Umfeld, in dem Hip-Hop-Musik entstand.

Jamaikanische Ursprünge von Outdoor-Soundsystemen

AM-Radio an vielen Stationen war durch den „Broadcast Day“ eingeschränkt, da für das Senden in der Nacht spezielle Lizenzen erforderlich waren. Diejenigen, die solche Lizenzen hatten, wurden weit draußen auf dem Meer und in der Karibik gehört, wo Jocko Henderson und Jockey Jack amerikanische DJs waren, die nachts von Sendern in Miami, Florida, gehört wurden. Jocko hatte in den 50er Jahren einen übergroßen Einfluss auf die jamaikanischen Emcees, da die R&B-Musik, die auf den Sendern in Miami gespielt wurde, sich von der auf JBC unterschied, die BBC und lokale Musikstile erneut ausstrahlten. In Jamaika stellten DJs in Städten und Dörfern große Soundsysteme am Straßenrand auf und spielten Musik für informelle Zusammenkünfte. Dort erlaubten die DJs 'Toasts' von einem Emcee, die den Stil der amerikanischen DJs kopierten, die man auf AM-Transistorradios hörte. Auf diese Weise wurden Jive-Gespräche, -Rappungen und -Reime auf die Insel übertragen und lokal der Stil durch "jamaikanische Lyrik" oder das lokale Patois verändert.

Hip Hop als Musik und Kultur entstand in den 1970er Jahren in New York City aus dem multikulturellen Austausch zwischen afroamerikanischen Jugendlichen aus den USA und jungen Einwanderern und Kindern von Einwanderern aus Ländern der Karibik. [32] Was in den USA später als „Blockpartys“ bezeichnet wurde, war seit den 1950er Jahren in ganz Jamaika Realität, da MCs (in Jamaika DJs genannt) seit mindestens 1949 auf „Soundsystem“-Partys über Platten rappen und quatschen [81] Einige wurden vom Gesangsstil der frühesten afroamerikanischen Radio-MCs beeinflusst (einschließlich Jocko Hendersons Raketenschiff-Show der 1950er Jahre, der sich reimte und vom Scat-Gesang beeinflusst war), der in Jamaika im Radio zu hören war.

Die ersten Platten von jamaikanischen DJs, darunter Sir Lord Comic (Der große Wuga Wuga, 1967) kam als Teil der lokalen Dancehall-Kultur, die "Specials", einzigartige Mixe oder "Versionen", die auf Soft- oder Acetat-Discs gepresst wurden, und Rapper (genannt DJs) wie King Stitt, Count Machuki, U-Roy , I-Roy, Big Youth und viele andere. Aufnahmen von Talk-Over, der sich vom DJ-Stil der Dancehall unterscheidet, wurden auch von jamaikanischen Künstlern wie Prince Buster und Lee "Scratch" Perry (Richter Schrecken) bereits 1967, irgendwie in der Tradition des 'talking blues' verwurzelt. Die erste Jamaika-DJ-Platte in voller Länge war ein Duett zu einem Rastafari-Thema der Kingstoner Ghettobewohner U-Roy und Peter Tosh namens Gerechter Herrscher (produziert von Lee "Scratch" Perry im Jahr 1969). Die erste DJ-Hitplatte war Feuerecke von Coxsones Downbeat-Soundsystem-DJ King Stitt im selben Jahr 1970 sah eine Vielzahl von DJ-Hit-Platten im Gefolge von U-Roys frühen, massiven Hits, am bekanntesten Wecke die Stadt und viele andere. Als sich die Tradition des Remixes (die auch in Jamaika begann, wo es 'Version' und 'Dub' genannt wurde) entwickelte, wurden plötzlich etablierte junge jamaikanische DJ/Rapper aus dieser Zeit, die bereits seit Jahren für Soundsysteme arbeiteten, aufgenommen und hatte viele lokale Hit-Platten, die weit zum Reggae-Wahn beigetragen haben, der durch Bob Marleys Einfluss in den 1970er Jahren ausgelöst wurde. Die wichtigsten jamaikanischen DJs der frühen 1970er Jahre waren King Stitt, Samuel der Erste, Count Machuki, Johnny Lover (der bereits 1971 Songs von Bob Marley and the Wailers „versionierte“, Dave Barker, Scotty, Lloyd Young, Charlie Ace und andere, sowie die zukünftigen Reggae-Stars U-Roy , Dennis Alcapone, I-Roy, Prince Jazzbo, Prince Far I, Big Youth und Dillinger. Dillinger erzielte mit die erste internationale Rap-Hit-Platte Kokain in meinem Gehirn 1976 (basierend auf dem Mach es wie du willst Rhythmus von People's Choice, neu aufgenommen von Sly und Robbie), wobei er sogar einen New Yorker Akzent verwendet und bewusst auf den neuen NYC-Rap-Markt abzielt. Die jamaikanische DJ-Tanzmusik war tief in der Soundsystem-Tradition verwurzelt, die Musik für arme Menschen in einem sehr armen Land zugänglich machte, in dem Live-Musik nur in Clubs und Hotels gespielt wurde, die von der Mittel- und Oberschicht bevormundet wurden. 1973 zog der jamaikanische Soundsystem-Enthusiast DJ Kool Herc in die Bronx, nahm die Soundsystem-Kultur Jamaikas mit und tat sich mit einem anderen Jamaikaner, Coke La Rock, am Mikrofon zusammen. Obwohl andere Einflüsse, vor allem der musikalische Sequenzer Grandmaster Flowers of Brooklyn und Grandwizard Theodore of the Bronx, zur Geburt des Hip-Hop in New York beigetragen haben, und obwohl er in den meisten US-amerikanischen Büchern über Hip-Hop, die Hauptwurzel dieser Soundsystem-Kultur, heruntergespielt wurde war jamaikanisch. Die Wurzeln des Rap in Jamaika werden in Bruno Blums Buch „Le Rap“ ausführlich erklärt. [82]

DJ Kool Herc und Coke La Rock beeinflussten den Gesangsstil des Rappens, indem sie einfache Poesie-Verse über Funk-Musikpausen lieferten, nachdem Partygänger wenig Interesse an ihren früheren Versuchen zeigten, Reggae-getränkte Toastings in musikalische Sets zu integrieren. [37] [83] DJs und MCs fügten oft Ruf- und Antwortgesänge hinzu, die oft aus einem einfachen Refrain bestanden, damit der Performer seine Gedanken sammeln konnte (zB "one, two, three, y'all, to the beat") . Später wurden die MCs in ihrer stimmlichen und rhythmischen Darbietung vielfältiger und enthielten kurze Reime, oft mit einem sexuellen oder skatologischen Thema, um sich zu differenzieren und das Publikum zu unterhalten. Diese frühen Raps beinhalteten die Dutzende, ein Produkt der afroamerikanischen Kultur. Kool Herc & the Herculoids waren die erste Hip-Hop-Gruppe, die in New York Anerkennung fand, [83] aber die Zahl der MC-Teams stieg im Laufe der Zeit.

Oft handelte es sich dabei um Kollaborationen zwischen ehemaligen Gangs, wie der Universal Zulu Nation von Afrikaa Bambaataa – heute eine internationale Organisation. Melle Mel, eine Rapperin bei The Furious Five, wird oft als die erste Rap-Texterin bezeichnet, die sich selbst als "MC" bezeichnet. [84] In den frühen 1970er Jahren entstand B-Boying während Blockpartys, als B-Boys und B-Girls vor dem Publikum in einem unverwechselbaren und frenetischen Stil tanzen. Der Stil wurde zum ersten Mal in Dokumentarfilmen und Filmen wie Stilkriege, Wilder Stil, und Beat Street. Der Begriff "B-Boy" wurde von DJ Kool Herc geprägt, um die Leute zu beschreiben, die auf die Pause des Songs warteten und sich vor das Publikum stellten, um in einem unverwechselbaren, frenetischen Stil zu tanzen. [85]

Obwohl es einige frühe MCs gab, die bedeutende Soloprojekte aufzeichneten, wie DJ Hollywood, Kurtis Blow und Spoonie Gee, stieg die Häufigkeit von Solokünstlern erst später mit dem Aufkommen von Solisten mit Bühnenpräsenz und Dramatik, wie LL Cool J. Der früheste Hip-Hop wurde von Gruppen dominiert, bei denen die Zusammenarbeit zwischen den Mitgliedern ein wesentlicher Bestandteil der Show war. [86] Ein Beispiel wäre die frühe Hip-Hop-Gruppe Funky Four Plus One, die auf solche Weise auf Samstagabend Live 1981. [87]

Übergang zur Aufnahme

Die früheste Hip-Hop-Musik wurde live gespielt, auf Hauspartys und Blockparty-Events, und sie wurde nicht aufgenommen. Vor 1979 bestand die aufgenommene Hip-Hop-Musik hauptsächlich aus Soundboard-Aufnahmen von Live-Party-Shows und frühen Hip-Hop-Mixtapes von DJs. Der puertorikanische DJ Disco Wiz gilt als der erste Hip-Hop-DJ, der eine "Mixed Plate" oder Mixed-Dub-Aufnahme erstellte, als er 1977 Soundbites, Spezialeffekte und pausierte Beats kombinierte, um technisch eine Tonaufnahme zu produzieren. [88] Die erste Hip-Hop-Platte wird weithin als "Rapper's Delight" der Sugarhill Gang von 1979 angesehen. Es war die erste Hip-Hop-Platte, die im Mainstream weit verbreitet war und von der Hip-Hop-Musik ihren Namen erhielt (von der Eröffnungsbalken). [89] Allerdings umgibt diese Behauptung viele Kontroversen, da einige die Single "King Tim III (Personality Jock)" vom März 1979 von The Fatback Band als Rap-Platte betrachten. [90] Es gibt verschiedene andere Anwärter auf den Titel der ersten Hip-Hop-Platte.

In den frühen 1980er Jahren waren alle wichtigen Elemente und Techniken des Hip-Hop-Genres vorhanden, und 1982 war der elektronische (Elektro-)Sound auf der Straße und in Tanzclubs zum Trend geworden. Der New Yorker Radiosender WKTU zeigte Warp 9s "Nunk" in einem Werbespot, um den charakteristischen Sound des Senders des aufstrebenden Hip-Hop zu fördern in so unterschiedlichen Städten wie Los Angeles, Atlanta, Chicago, Washington, DC, Baltimore, Dallas, Kansas City, San Antonio, Miami, Seattle, St. Louis, New Orleans, Houston und Toronto zu finden. Tatsächlich wurde "Funk You Up" (1979), die erste Hip-Hop-Platte einer weiblichen Gruppe und die zweite Single von Sugar Hill Records, von The Sequence, einer Gruppe aus Columbia, South Carolina, mit Angie Stone aufgeführt. [92] Trotz der wachsenden Popularität des Genres war Philadelphia viele Jahre lang die einzige Stadt, deren Beiträge mit denen von New York City verglichen werden konnten. Hip-Hop-Musik wurde Ende der 1970er Jahre in Philadelphia populär. Die erste veröffentlichte Platte trug den Titel "Rhythm Talk" von Jocko Henderson.

Die New York Times hatte Philadelphia 1971 als "Graffiti-Hauptstadt der Welt" bezeichnet. Die aus Philadelphia stammende DJ Lady B nahm 1979 "To the Beat Y'All" auf und war die erste weibliche Solo-Hip-Hop-Künstlerin, die Musik aufnahm. [93] Schoolly D begann 1984, ebenfalls aus Philadelphia, einen Stil zu kreieren, der später als Gangsta-Rap bekannt wurde.

Einfluss von Disco

Hip-Hop-Musik wurde von Disco-Musik beeinflusst, da Disco auch die Schlüsselrolle des DJs bei der Kreation von Tracks und Mixes für Tänzer betonte und Old School Hip-Hop oft Disco-Tracks als Beats verwendete. Gleichzeitig war die Hip-Hop-Musik aber auch eine Gegenreaktion gegen bestimmte Subgenres der Disco der späten 1970er Jahre. Während die frühe Disco afroamerikanische und italienisch-amerikanisch kreierte Underground-Musik war, die von DJs und Produzenten für die Tanzclub-Subkultur entwickelt wurde, wurden in den späten 1970er Jahren die Disco-Ära von Mainstream-, teuer aufgenommenen Disco-Songs der Musikindustrie dominiert. Laut Kurtis Blow waren die frühen Tage des Hip-Hop geprägt von Spaltungen zwischen Fans und Kritikern der Disco-Musik. Hip-Hop war weitgehend als "eine direkte Antwort auf die verwässerte, europäisierte Disco-Musik, die den Äther durchdrang" entstanden. [94] [95] Der früheste Hip-Hop basierte hauptsächlich auf harten Funk-Loops, die von Vintage-Funk-Platten bezogen wurden. Bis 1979 waren Disco-Instrumental-Loops / -Tracks jedoch die Grundlage vieler Hip-Hop-Musik. Dieses Genre wurde "Disco-Rap" genannt. Ironischerweise spielte der Aufstieg der Hip-Hop-Musik auch eine Rolle für den schließlichen Rückgang der Popularität der Disco.

Der Disco-Sound hatte einen starken Einfluss auf die frühe Hip-Hop-Musik. Die meisten der frühen Rap/Hip-Hop-Songs wurden durch Isolieren bestehender Disco-Bass-Gitarren-Basslinien und Überspielen mit MC-Reimen erstellt. Die Sugarhill Gang benutzte Chics "Good Times" als Grundlage für ihren 1979er Hit "Rapper's Delight", der allgemein als der Song gilt, der Rap-Musik in den Vereinigten Staaten und auf der ganzen Welt zuerst populär machte. 1982 veröffentlichte Afrika Bambaataa die Single "Planet Rock", die Electronica-Elemente aus Kraftwerks "Trans-Europe Express" und "Numbers" sowie YMOs "Riot in Lagos" enthielt. Der Planet Rock-Sound brachte auch einen elektronischen Hip-Hop-Dance-Trend hervor, Elektromusik, zu der Songs wie "Play at Your Own Risk" (1982) von Planet Patrol, "One More Shot" von C Bank (1982) und "Club Underworld" von Cerrone gehörten " (1984), Shannons "Let the Music Play" (1983), Freeez's "IOU" (1983), Midnight Stars „Freak-a-Zoid“ (1983), Chaka Khans „I Feel For You“ (1984).

DJ Pete Jones, Eddie Cheeba, DJ Hollywood und Love Bug Starski waren von der Disco beeinflusste Hip-Hop-DJs. Ihre Stile unterschieden sich von anderen Hip-Hop-Musikern, die sich auf schnelle Reime und komplexere rhythmische Schemata konzentrierten. Afrika Bambaataa, Paul Winley, Großmeister Flash und Bobby Robinson waren alle Mitglieder der letztgenannten Gruppe. In Washington entstand D.C. Go-Go als Reaktion auf die Disco und übernahm schließlich in den frühen 1980er Jahren Merkmale des Hip-Hop. Das DJ-basierte Genre der elektronischen Musik verhielt sich ähnlich und entwickelte sich schließlich zu Underground-Stilen, die in Chicago als House-Musik und in Detroit als Techno bekannt sind.

Diversifizierung der Stile

Die 1980er Jahre markierten die Diversifizierung des Hip-Hop, als das Genre komplexere Stile entwickelte. [96] New York City wurde zu einem wahren Labor für die Kreation neuer Hip-Hop-Sounds. Frühe Beispiele des Diversifizierungsprozesses sind in Tracks wie Grandmaster Flashs "The Adventures of Grandmaster Flash on the Wheels of Steel" (1981), einer Single, die ausschließlich aus gesampelten Tracks besteht [97], sowie Afrika Bambaataas "Planet Rock" zu hören. (1982) und Warp 9s "Nunk" (1982) [98], das die Verschmelzung von Hip-Hop-Musik mit Elektro bedeutete. Darüber hinaus war "Beat Bop" (1983) von Rammellzee & K-Rob ein "Slow Jam", der durch die Verwendung von Hall und Echo als Textur und verspielten Soundeffekten einen Dub-Einfluss hatte. "Light Years Away" von Warp 9 (1983), (produziert und geschrieben von Lotti Golden und Richard Scher) wird von der britischen Zeitung als "Eckpfeiler des Beatbox-Afrofuturismus der frühen 80er" beschrieben. Der Wächter, [69] führte den Sozialkommentar aus einer Science-Fiction-Perspektive ein. In den 1970er Jahren verwendete Hip-Hop-Musik typischerweise Samples aus dem Funk und später aus der Disco. Mitte der 1980er Jahre markierte mit der Einführung von Samples aus der Rockmusik einen Paradigmenwechsel in der Entwicklung des Hip-Hop, wie die Alben zeigen King of Rock und Lizenziert für Ill. Hip-Hop vor dieser Schicht wird als Old-School-Hip-Hop bezeichnet.

1980 brachte die Roland Corporation den TR-808 Rhythm Composer auf den Markt. Es war einer der frühesten programmierbaren Drumcomputer, mit dem Benutzer ihre eigenen Rhythmen erstellen konnten, anstatt voreingestellte Patterns verwenden zu müssen. Obwohl es ein kommerzieller Misserfolg war, zog der 808 im Laufe des Jahrzehnts aufgrund seiner Erschwinglichkeit auf dem Gebrauchtmarkt, [99] Benutzerfreundlichkeit [100] und seiner eigenwilligen Klänge, insbesondere seiner tiefen, "boomenden" " Schlagzeug. [101] Es wurde zu einem Eckpfeiler der aufstrebenden elektronischen, Dance- und Hip-Hop-Genres, die durch frühe Hits wie Afrika Bambaataa und den "Planet Rock" der Soulsonic Force populär wurden. [102] Der 808 wurde schließlich auf mehr Hit-Platten verwendet als jeder andere Drumcomputer [103] seine Popularität insbesondere beim Hip-Hop hat ihn zu einer der einflussreichsten Erfindungen in der populären Musik gemacht, vergleichbar mit dem Einfluss der Fender Stratocaster auf den Rock. [104] [105]

Im Laufe der Zeit wurde die Sampling-Technologie immer fortschrittlicher. Frühere Produzenten wie Marley Marl verwendeten jedoch Drum-Machines, um ihre Beats aus kleinen Ausschnitten anderer Beats synchron zu konstruieren, in seinem Fall, indem er drei Korg-Sampling-Delay-Einheiten über einen Roland 808 triggerte. Später Sampler wie der E-mu SP -1200 ermöglichte nicht nur mehr Speicher, sondern auch mehr Flexibilität für die kreative Produktion. Dies ermöglichte die Filterung und Schichtung verschiedener Hits und mit der Möglichkeit, sie zu einem einzigen Stück neu zu sequenzieren. Mit dem Aufkommen einer neuen Generation von Samplern wie dem AKAI S900 in den späten 1980er Jahren mussten Produzenten keine komplexen, zeitaufwendigen Bandschleifen erstellen. Das erste Album von Public Enemy entstand mit Hilfe von großen Tape-Loops. Der Prozess, einen Break in einen Breakbeat zu loopen, wurde nun häufiger mit einem Sampler erledigt und erledigte jetzt die Arbeit, die bisher von den DJs manuell mit Turntables erledigt wurde. 1989 veröffentlichte DJ Mark James unter dem Spitznamen "45 King" "The 900 Number", einen Breakbeat-Track, der durch Synchronisieren von Samplern und Schallplatten entstand. [86]

Der lyrische Inhalt und andere instrumentale Begleitung des Hip-Hop entwickelten sich ebenfalls. Die frühen lyrischen Stile in den 1970er Jahren, die eher Prahlereien und klischeehafte Gesänge waren, wurden durch metaphorische Texte ersetzt, die ein breiteres Spektrum von Themen ausloteten. Außerdem wurden die Texte über eine komplexere, vielschichtigere Instrumentalbegleitung vorgetragen. Künstler wie Melle Mel, Rakim, Chuck D, KRS-One und Warp 9 revolutionierten den Hip-Hop, indem sie ihn in eine ausgereiftere Kunstform verwandelten, mit ausgeklügelten Arrangements, oft mit "wunderschönen Texturen und mehreren Schichten" [106] Die einflussreiche Single " The Message" (1982) von Grandmaster Flash and the Furious Five gilt weithin als Pionier für bewussten Rap.

Unabhängige Plattenlabels wie Tommy Boy, Prism Records und Profile Records wurden in den frühen 1980er Jahren erfolgreich und veröffentlichten Platten in rasantem Tempo als Reaktion auf die Nachfrage lokaler Radiosender und Club-DJs. Elektromusik und Rap der frühen 1980er waren Katalysatoren, die die Hip-Hop-Bewegung entzündeten, angeführt von Künstlern wie Cybotron, Hashim, Afrika Bambaataa, Planet Patrol, Newcleus und Warp 9. In der New Yorker Aufnahmeszene arbeiteten Künstler mit Produzenten/Autoren wie wie Arthur Baker, John Robie, Lotti Golden und Richard Scher, die Ideen austauschen, die zur Entwicklung des Hip-Hop beigetragen haben. [107] Einige Rapper wurden schließlich Mainstream-Pop-Darsteller. Kurtis Blows Auftritt in einem Sprite-Soda-Pop-Werbespot [108] war der erste Hip-Hop-Musiker, der einen Werbespot für ein bedeutendes Produkt drehte. Die 1981er Songs "Rapture" von Blondie und "Christmas Wrapping" von der New-Wave-Band The Waitresses gehörten zu den ersten Popsongs, die Rap verwendeten. 1982 machte Afrika Bambaataa mit "Planet Rock" Hip-Hop einem internationalen Publikum bekannt.

Vor den 1980er Jahren war Hip-Hop-Musik weitgehend auf den Kontext der Vereinigten Staaten beschränkt. In den 1980er Jahren begann sie jedoch ihre Verbreitung und wurde in Dutzenden von Ländern zu einem Teil der Musikszene. Greg Wilson war der erste DJ, der in den frühen 1980er Jahren dem britischen Clubpublikum Elektro-Hip-Hop vorstellte ) von Man Parrish, Planet Rock und Dirty Talk. [109]

Zu Beginn des Jahrzehnts wurde B-Boying der erste Aspekt der Hip-Hop-Kultur, der Japan, Australien und Südafrika erreichte. In Südafrika etablierte die Breakdance-Crew Black Noise die Praxis, bevor sie später im Jahrzehnt zu rappen begann. Musiker und Moderator Sidney wurde mit seiner Show der erste schwarze Fernsehmoderator Frankreichs HÜFTE. H.O.P. [110] die 1984 auf TF1 ausgestrahlt wurde, eine weltweite Premiere für das Genre. Sidney gilt als Vater des französischen Hip-Hop. Radio Nova half bei der Einführung anderer französischer Hip-Hop-Stars, darunter Dee Nasty, deren Album von 1984 Paname City Rappin' zusammen mit den Compilations Rapattitude 1 und 2 trugen sie zu einem allgemeinen Bewusstsein für Hip-Hop in Frankreich bei.

Hip-Hop pflegt seit jeher eine sehr enge Beziehung zur Latino-Community in New York. DJ Disco Wiz und die Rock Steady Crew gehörten zu den frühen Innovatoren aus Puerto Rico und kombinierten Englisch und Spanisch in ihren Texten. The Mean Machine nahmen 1981 ihren ersten Song unter dem Label "Disco Dreams" auf, während Kid Frost aus Los Angeles seine Karriere 1982 begann. Cypress Hill wurde 1988 in einem Vorort von South Gate außerhalb von Los Angeles gegründet, als Senen Reyes (geb Havanna) und sein jüngerer Bruder Ulpiano Sergio (Mellow Man Ace) zogen 1971 mit seiner Familie von Kuba nach South Gate. Sie taten sich mit DVX aus Queens (New York), Lawrence Muggerud (DJ Muggs) und Louis Freese (B-Real .) zusammen ), ein mexikanisch/kubanisch-amerikanischer Eingeborener aus Los Angeles. Nach dem Weggang von "Ace", um seine Solokarriere zu beginnen, nahm die Gruppe den Namen Cypress Hill an, benannt nach einer Straße, die durch ein nahe gelegenes Viertel in South Los Angeles führt.

Der japanische Hip-Hop soll seinen Anfang genommen haben, als Hiroshi Fujiwara nach Japan zurückkehrte und Anfang der 1980er Jahre anfing, Hip-Hop-Platten zu spielen. [111] Japanischer Hip-Hop wird im Allgemeinen am direktesten vom Hip-Hop der alten Schule beeinflusst und nimmt die eingängigen Beats, die Tanzkultur und den insgesamt lustigen und unbeschwerten Charakter der Ära auf und integriert sie in ihre Musik. Hip-Hop wurde zu einem der kommerziell rentabelsten Mainstream-Musikgenres in Japan, und die Grenze zwischen ihm und der Popmusik ist häufig verwischt.

Die neue Hip-Hop-Schule war die zweite Welle der Hip-Hop-Musik, die 1983-84 mit den frühen Platten von Run-D.M.C. und LL Cool J. Wie schon beim Hip-Hop (der später als Old-School-Hip-Hop bekannt wurde) kam die neue Schule überwiegend aus New York City. Formal war die neue Schule zunächst von Drum Machine-geführtem Minimalismus geprägt, mit Einflüssen aus Rockmusik, einer Hip-Hop-"Metalmusik für die 80er - eine hässliche/beauty-Hard-Edge-Trance, so verzweifelt und anregend wie New York selbst". [112] Es war bemerkenswert für Sticheleien und Prahlereien über das Rappen und gesellschaftspolitische Kommentare, die beide in einem aggressiven, selbstbewussten Stil vorgetragen wurden. Im Bild wie im Lied projizierten seine Künstler eine harte, coole Street-B-Boy-Attitüde.

Diese Elemente standen im scharfen Kontrast zu vielen der früheren Funk- und Disco-beeinflussten Hip-Hop-Gruppen, deren Musik oft von neuen Hits, Live-Bands, Synthesizern und "Party-Reimen" geprägt war (nicht alle Künstler vor 1983-84 hatten diese Stile). ). New-School-Künstler machten kürzere Songs, die leichter ins Hörspiel kamen, und sie produzierten zusammenhängendere LP-Alben als ihre Gegenstücke der alten Schule. 1986 begannen ihre Veröffentlichungen, das Hip-Hop-Album als Fixpunkt der Mainstream-Musik zu etablieren. Hip-Hop-Musik wurde kommerziell erfolgreich, wie das 1986er Album der Beastie Boys zeigt Lizenziert für Ill, das war das erste Rap-Album, das auf Platz 1 der Plakat Diagramme. [113]

Das "goldene Zeitalter" (oder "goldene Ära") des Hip-Hop ist ein Name für eine Periode im Mainstream-Hip-Hop, die zwischen Mitte der 1980er und Mitte der 1990er Jahre produziert wurde, [114] [115] [116], die gekennzeichnet ist durch seine Vielfalt, Qualität, Innovation und Einfluss. [117] [118] Es gab starke Themen des Afrozentrismus und der politischen Militanz in den Hip-Hop-Texten des Goldenen Zeitalters. Die Musik war experimentell und das Sampling stützte sich auf eklektische Quellen. [119] Es gab oft einen starken Jazz-Einfluss in der Musik. Die am häufigsten mit dieser Phase in Verbindung gebrachten Künstler und Gruppen sind Public Enemy, Boogie Down Productions, Eric B. & Rakim, De La Soul, A Tribe Called Quest, Gang Starr, Big Daddy Kane und die Jungle Brothers. [120]

Das goldene Zeitalter ist für seine Innovation bekannt – eine Zeit, „in der es so aussah, als ob jede neue Single das Genre neu erfand“ [121], so Rollender Stein. Bezug nehmend auf "Hip-Hop in seinem goldenen Zeitalter", [122] Drehen 's Chefredakteurin Sia Michel sagt, "zu dieser Zeit kamen so viele wichtige, bahnbrechende Alben heraus", [122] und Sway Calloway von MTV fügt hinzu: "Das, was diese Ära so großartig gemacht hat, ist, dass nichts war erfunden. Alles war noch im Entstehen und alles war noch innovativ und neu". [123] Der Schriftsteller William Jelani Cobb sagt: "Was die von ihnen eingeleitete Ära des Begriffs Golden verdiente, war die schiere Anzahl stilistischer Innovationen, die aufkamen. In diesen goldenen Jahren schufen eine kritische Masse von Mikrofon-Wunderkindern buchstäblich sich selbst und ihre Kunst." gleichzeitig bilden". [124]

Das goldene Zeitalter erstreckt sich "von ungefähr 1986 bis 1997", so Carl Stoffers of New York Daily News. [114] In ihrem Artikel "In Search of the Golden Age Hip-Hop Sound" schreiben die Musiktheoretiker Ben Duinker und Denis Martin von Empirische Musikwissenschaft Rezension Verwenden Sie "die 11 Jahre zwischen 1986 und 1996 als chronologische Grenzen", um das goldene Zeitalter zu definieren, beginnend mit den Veröffentlichungen von Run-DMCs Aufsteigende Hölle und die Beastie Boys Lizenziert für Ill, und endet mit dem Tod von Tupac Shakur und dem Notorious B.I.G.. [116] Die Boombox Schriftsteller Todd "Stereo" Williams zitiert auch die Veröffentlichung von Mai 1986 Aufsteigende Hölle (von dem mehr als drei Millionen Exemplare verkauft wurden) als Beginn des Zeitraums und stellt fest, dass im Laufe des nächsten Jahres andere wichtige Alben mit Erfolg veröffentlicht wurden, darunter Lizenziert für Ill, Boogie Down Productions' Kriminell gesinnt (1987), Staatsfeind Jo! Bum Rush die Show (1987) und Eric B. & Rakims Vollständig bezahlt (1987). Williams sieht in dieser Entwicklung den Beginn der eigenen "Album-Ära" des Hip-Hop von den späten 1980er bis in die späten 1990er Jahre, in der Hip-Hop-Alben eine beispiellose kritische Anerkennung fanden und "der Maßstab sein würden, an dem sich die meisten Größen des Genres messen würden". beurteilt". [125]

Gangsta-Rap und Westcoast-Hip-Hop

Gangsta-Rap ist ein Subgenre des Hip-Hop, das den gewalttätigen Lebensstil amerikanischer schwarzer Jugendlicher in der Innenstadt widerspiegelt. [127] Gangsta ist eine nicht rhotische Aussprache des Wortes Gangster. Das Genre wurde Mitte der 1980er Jahre von Rappern wie Schoolly D und Ice-T entwickelt und Ende der 1980er Jahre von Gruppen wie N.W.A. 1985 veröffentlichte Schoolly D "PSK What Does It Mean?", das oft als erster Gangsta-Rap-Song angesehen wird, dem 1986 Ice-Ts "6 in the Mornin'" folgte -T und NWA, die in den späten 1980er und frühen 1990er Jahren gegründet wurden, sowie das Mainstreaming des G-Funk Mitte der 1990er Jahre, wurde Gangsta-Rap zum kommerziell lukrativsten Subgenre des Hip-Hop. Einige Gangsta-Rapper waren dafür bekannt, den politischen und sozialen Kommentar des politischen Raps mit den kriminellen Elementen und Kriminalgeschichten des Gangsta-Rap zu mischen. [128]

N.W.A ist die Gruppe, die am häufigsten mit der Gründung des Gangsta-Rap in Verbindung gebracht wird. Ihre Texte waren gewalttätiger, offener konfrontativ und schockierend als die etablierter Rap-Acts, mit unaufhörlicher Obszönität und kontroverser Verwendung des Wortes "Nigga". Diese Texte wurden über rauen, rockigen, gitarrengetriebenen Beats platziert und trugen zum kantigen Gefühl der Musik bei. Das erste Blockbuster-Gangsta-Rap-Album war N.W.A's Direkt aus Compton, erschienen 1988. Direkt aus Compton würde den Hip-Hop der Westküste als ein wichtiges Genre etablieren und Los Angeles als legitimen Rivalen der langjährigen Hauptstadt des Hip-Hop, New York City, etablieren. Direkt aus Compton löste die erste große Kontroverse über Hip-Hop-Texte aus, als ihr Song "Fuck tha Police" einen Brief des stellvertretenden FBI-Direktors Milt Ahlerich erhielt, der den Groll der Strafverfolgungsbehörden gegenüber dem Lied stark zum Ausdruck brachte. [129] [130]

Kontroverse um das Album von Ice-T Zählung der Toten, insbesondere über seinen Song "Cop Killer". Das Lied sollte aus der Sicht eines Kriminellen sprechen, der sich an rassistischen, brutalen Polizisten rächt. Der Rocksong von Ice-T machte Regierungsbeamte, die National Rifle Association und verschiedene Interessengruppen der Polizei wütend. [131] Folglich weigerte sich Time Warner Music, das kommende Album von Ice-T zu veröffentlichen Einbruch wegen der Kontroverse um "Cop Killer". Ice-T schlug vor, dass die Aufregung über das Lied eine Überreaktion war, und erzählte dem Journalisten Chuck Philips ". Sie haben Filme über Krankenschwestermörder und Lehrermörder und Studentenmörder gedreht. [Schauspieler] Arnold Schwarzenegger hat als Terminator Dutzende von Polizisten in die Luft gesprengt. Aber Ich höre niemanden, der sich darüber beschwert." Im selben Interview schlug Ice-T Philips vor, dass das Missverständnis von Polizistenmörder und die Versuche, es zu zensieren, hatten rassistische Untertöne: "Der Oberste Gerichtshof sagt, es ist in Ordnung, dass ein Weißer in der Öffentlichkeit ein Kreuz verbrennt. Aber niemand möchte, dass ein Schwarzer eine Aufzeichnung über einen Polizistenmörder schreibt." [131]

Das Thema, das Gangsta-Rap im Allgemeinen innewohnt, hat Kontroversen ausgelöst. Die Verwaltungen des Weißen Hauses von George H.W. Bush und Bill Clinton kritisierten das Genre. [126] "Der Grund, warum Rap angegriffen wird, ist, dass er alle Widersprüche der amerikanischen Kultur aufdeckt. Was als Underground-Kunstform begann, ist zu einem Vehikel geworden, um viele kritische Themen aufzudecken, die normalerweise in der amerikanischen Politik nicht diskutiert werden. Das Problem hier ist, dass das Weiße Haus und Möchtegerns wie Bill Clinton ein politisches System repräsentieren, das niemals beabsichtigt, sich mit dem städtischen Chaos in der Innenstadt zu befassen", sagte Schwester Souljah Die Zeiten. [126] Aufgrund des Einflusses von Ice-T und N.W.A wird Gangsta-Rap oft als ein hauptsächlich Westküsten-Phänomen angesehen, trotz der Beiträge von Ostküsten-Acts wie Schoolly D und Boogie Down Productions zur Gestaltung des Genres.

Mainstream-Durchbruch

Im Jahr 1990, Public Enemy's Angst vor einem schwarzen Planeten war ein bedeutender Erfolg bei Musikkritikern und Verbrauchern. [132] Das Album spielte eine Schlüsselrolle bei der Entstehung des Hip-Hop im Jahr 1990, genannt von Plakat Redakteur Paul Grein als "das Jahr, in dem Rap explodierte". [132] In einem Artikel aus dem Jahr 1990 über seinen kommerziellen Durchbruch schreibt Janice C. Thompson von Zeit schrieb, dass sich Hip-Hop "zur aufregendsten Entwicklung in der amerikanischen Popmusik seit mehr als einem Jahrzehnt entwickelt hat". [133] Thompson bemerkte die Wirkung von Public Enemys 1989er Single "Fight the Power", Rapper Tone Lōcs Single Wild Thing war die meistverkaufte Single des Jahres 1989, und dass zum Zeitpunkt ihres Artikels fast ein Drittel der Songs auf der Plakat Hot 100 waren Hip-Hop-Songs. [133] In einem ähnlichen Artikel von 1990 schreibt Robert Hilburn von der Los Angeles Zeiten relativieren die kommerzielle Entstehung der Hip-Hop-Musik:

Vor 10 Jahren war die Sugarhill Gang mit "Rapper's Delight" die erste Rap-Single, die es in die nationalen Top 20 geschafft hat als Staatsfeind und NWA? "Rapper's Delight" war eine Neuheitsplatte, die von einem Großteil der Pop-Community einfach als leichter Ableger der Disco angesehen wurde - und dieses Image blieb jahrelang hängen. Gelegentliche Platten – darunter Grandmaster Flashs „The Message“ im Jahr 1982 und Run-DMCs „It’s Like That“ im Jahr 1984 – fanden kritische Zustimmung, aber Rap wurde meistens als vorübergehende Phantasie abgetan – zu eintönig, zu eindimensional. Rap ging jedoch nicht weg, und eine Explosion von Energie und Fantasie in den späten 1980er Jahren macht Rap heute wohl zum wichtigsten neuen Street-orientierten Sound im Pop seit der Geburt des Rocks in den 1950er Jahren. [134]

Im Jahr 1990, während er mit der hippen House-Gruppe Snap! Aufnahmen des Feindes. Die "Sechs Elemente der Hip-Hop-Bewegung" sind: Bewusstseinsbewusstsein, Bürgerrechtsbewusstsein, Aktivismusbewusstsein, Gerechtigkeit, politisches Bewusstsein und Gemeinschaftsbewusstsein in der Musik Savage ist als Sohn der Hip-Hop-Bewegung bekannt. [135] [136] [137]

MC Hammer hat mit dem Multi-Platin-Album den Mainstream-Erfolg erreicht Bitte hämmern Sie, verletzen Sie sie nicht. Die Platte erreichte Platz 1 und die erste Single "U Can't Touch This" landete in den Top Ten der Plakat Hot 100. MC Hammer wurde einer der erfolgreichsten Rapper der frühen Neunziger und einer der ersten bekannten Namen des Genres. Das Album hob Rap-Musik auf eine neue Ebene der Popularität. Es war das erste Hip-Hop-Album, das von der RIAA als Diamant mit einem Umsatz von über zehn Millionen verkauft wurde. [138] Es bleibt eines der meistverkauften Alben des Genres. [139] Bis heute hat sich das Album bis zu 18 Millionen Mal verkauft. [140] [141] [142] [143] "Ice Ice Baby" von Vanilla Ice wurde 1990 veröffentlicht und war die erste Hip-Hop-Single, die die Plakat Charts in den USA erreichte es unter anderem auch in Großbritannien und Australien die Nummer eins und wurde dafür verantwortlich gemacht, Hip-Hop zu diversifizieren, indem es einem Mainstream-Publikum vorgestellt wurde. [144] 1992 veröffentlichte Dr. Dre Die Chronik. Dieses Album trug nicht nur dazu bei, den Gangsta-Rap der Westküste als kommerziell rentabler zu etablieren als der Hip-Hop der Ostküste, [145] und begründete mit diesem Album einen Stil namens G Funk, der bald den Westküsten-Hip-Hop dominierte. Der Stil wurde durch das 1993er Album von Snoop Dogg weiterentwickelt und populär gemacht Doggystyle. Hip-Hop stieß jedoch immer noch auf Widerstand im schwarzen Radio, einschließlich urbaner zeitgenössischer Radiosender. Russell Simmons sagte 1990: "Schwarze Radiosender hassten Rap von Anfang an und es gibt immer noch viel Widerstand dagegen". [134]

Trotz der mangelnden Unterstützung einiger schwarzer Radiosender wurde Hip-Hop Mitte der 1990er Jahre zu einem meistverkauften Musikgenre und bis 1999 mit 81 Millionen verkauften CDs zum meistverkauften Musikgenre. [146] [147] [148] In den späten 1990er Jahren wurde Hip-Hop künstlerisch vom Wu-Tang-Clan, Diddy und den Fugees dominiert. [145] Die Beastie Boys setzten ihren Erfolg während des gesamten Jahrzehnts fort, überquerten Farbgrenzen und gewannen Respekt von vielen verschiedenen Künstlern. Plattenlabels mit Sitz in Atlanta, St. Louis und New Orleans wurden auch für ihre lokalen Szenen bekannt. Bemerkenswert war auch die Rap-Szene des Mittleren Westens mit den schnellen Gesangsstilen von Künstlern wie Bone Thugs-n-Harmony, Tech N9ne und Twista. Am Ende des Jahrzehnts war Hip-Hop ein fester Bestandteil der populären Musik, und viele amerikanische Popsongs hatten Hip-Hop-Komponenten.

Ost-West-Rivalität

Die Hip-Hop-Rivalität zwischen der Ostküste und der Westküste war eine Fehde von 1991 bis 1997 zwischen Künstlern und Fans der Hip-Hop-Szene der Ostküste und der Hip-Hop-Szene der Westküste in den Vereinigten Staaten, insbesondere von 1994 bis 1997. Schwerpunkte der Fehde waren Ost Der an der Küste ansässige Rapper The Notorious BIG (und sein in New York ansässiges Label Bad Boy Records) und der an der Westküste ansässige Rapper Tupac Shakur (und sein in Los Angeles ansässiges Label), Death Row Records). Diese Rivalität begann, bevor die Rapper selbst die Szene betraten. Da New York der Geburtsort des Hip-Hop ist, hatten Künstler von der Westküste das Gefühl, dass sie nicht die gleiche Medienberichterstattung und öffentliche Aufmerksamkeit erhalten wie die Ostküste. [149] Im Laufe der Zeit wurden beide Rapper berühmter und als sie beide bekannter wurden, stiegen die Spannungen weiter. Schließlich wurden beide Künstler 1997 bzw. 1996 nach Drive-by-Schießereien durch unbekannte Angreifer tödlich erschossen.

Hip-Hop an der Ostküste

In den frühen 1990er Jahren wurde der Hip-Hop an der Ostküste von der Native Tongues Posse dominiert, die sich lose aus De La Soul mit dem Produzenten Prince Paul, A Tribe Called Quest, den Jungle Brothers sowie ihren losen Partnern 3rd Bass, Main Source, und die weniger erfolgreichen Black Sheep und KMD. Obwohl ursprünglich eine "Daisy Age"-Konzeption, die die positiven Aspekte des Lebens betonte, schlich sich bald dunkleres Material (wie De La Souls zum Nachdenken anregendes "Millie Pulled a Pistol on Santa") ein. Künstler wie Masta Ace (insbesondere für Schlachthaus), Brand Nubian, Public Enemy, Organized Konfusion und Tragedy Khadafi hatten eine offen-militantere Pose, sowohl im Klang als auch in der Art und Weise. 1993 wurde der Wu-Tang-Clan Betritt den Wu-Tang (36 Kammern) revitalisierte die New Yorker Hip-Hop-Szene, indem er einen Ostküsten-Hardcore-Rap entwickelte, der in seiner Intensität dem entspricht, was an der Westküste produziert wurde. [150] Laut Allmusic ist die Produktion auf zwei Mobb Deep-Alben, Der Berüchtigte (1995) und Hölle auf Erden (1996), sind RZAs frühen Produktionen mit dem Wu-Tang-Clan "zu Dank verpflichtet". [151] [152]

Der Erfolg von Alben wie Nas's Illmatic und Notorious B.I.G.s Bereit zu sterben 1994 zementierte den Status der Ostküste während einer Zeit der Dominanz der Westküste. In einer Ausgabe vom März 2002 von Das Quellenmagazin, Nas bezeichnete das Jahr 1994 als "Renaissance von New York [City] Hip-Hop." [153] Die Produktionen von RZA, insbesondere für den Wu-Tang-Clan, wurden bei Künstlern wie Mobb Deep durch die Kombination von etwas losgelösten Instrumentalloops, stark komprimierten und bearbeiteten Drums und lyrischen Gangsta-Inhalten einflussreich. Wu-Tang-Soloalben wie Raekwon the Chef's Nur 4 kubanische Linx gebaut, Ghostface Killahs Ironman, und GZAs Flüssige Schwerter werden heute zusammen mit Wu-Tang-"Kern"-Material als Klassiker angesehen. Die Basis des Clans erweiterte sich in weitere Gruppen, die "Wu-Affiliates" genannt wurden. Produzenten wie DJ Premier (hauptsächlich für Gang Starr, aber auch für andere verbundene Künstler wie Jeru the Damaja), Pete Rock (mit CL Smooth und liefert Beats für viele andere), Buckwild, Large Professor, Diamond D und Q- Tip lieferte zu dieser Zeit Beats für zahlreiche MCs, unabhängig vom Standort. Alben wie Nas's Illmatic, O.C.s Wort. Leben (1994) und Jay-Zs Berechtigter Zweifel (1996) setzen sich aus Beats aus diesem Pool von Produzenten zusammen.

Die Rivalität zwischen den Rappern der Ostküste und der Westküste wurde schließlich persönlich. [154] Später im Jahrzehnt testete sich der Geschäftssinn der Bad Boy Records gegen Jay-Z und seine Roc-A-Fella-Platten und an der Westküste gegen Death Row Records. Mitte bis Ende der 1990er Jahre erlebte eine Generation von Rappern wie die Mitglieder von D.I.T.C. wie das verstorbene Big L und Big Pun. An der Ostküste gab es in den späten 1990er bis frühen 2000er Jahren eine Reihe relativ erfolgreicher Indie-Labels wie Rawkus Records (mit denen Mos Def und Talib Kweli erfolgreich waren) und später Def Jux. Die Geschichte der beiden Labels ist miteinander verflochten, letzteres wurde von EL-P von Company Flow als Reaktion auf das erstere ins Leben gerufen und bot mehr Underground-Künstlern wie Mike Ladd, Aesop Rock, Mr. Lif, RJD2, Cage und Kannibale Ochse. Andere Acts wie der hispanische Brandstifter und der Slam-Poet, der zum MC Saul Williams wurde, hatten unterschiedlichen Erfolg.

Hip-Hop an der Westküste

Nach N.W.A. getrennt, ehemaliges Mitglied Dr. Dre entlassen Die Chronik im Jahr 1992, die auf Platz 1 der R&B/Hip-Hop-Charts, [155] Platz 3 der Pop-Charts erreichte und mit „Nuthin' but a 'G' Thang“ eine Nr. 2-Pop-Single hervorbrachte. Die Chronik nahm Westküsten-Rap in eine neue Richtung, [156] stark beeinflusst von P-Funk-Künstlern und verschmolz sanfte und leichte Funk-Beats mit langsam gezogenen Texten. Dies wurde als G-Funk bekannt und dominierte Anfang/Mitte der 1990er Jahre den Mainstream-Hip-Hop durch eine Liste von Künstlern auf Suge Knights Death Row Records, darunter Tupac Shakur, dessen Doppel-CD-Album Alle Eyez auf mich war ein großer Hit mit den Hits "Ambitionz az a Ridah" ​​und "2 of Amerikaz Most Wanted" [ Zitat benötigt ] und Snoop Doggy Dogg, deren Doggystyle enthalten die Top-Ten-Hits "What's My Name?" und "Gin und Saft". [157] Als der in Los Angeles ansässige Todestrakt ein Imperium um Dre, Snoop und Tupac aufbaute, trat es auch eine Rivalität mit New York Citys Bad Boy Records ein, angeführt von Puff Daddy und The Notorious B.I.G..

Von dieser Szene losgelöst waren andere Künstler wie Freestyle Fellowship und The Pharcyde, aber auch Underground-Künstler wie das Solesides-Kollektiv (unter anderem DJ Shadow und Blackalicious), Jurassic 5, Ugly Duckling, People Under The Stairs, Tha Alkaholiks und früher Souls of Mischief, die eine Rückkehr zu den Wurzeln des Hip-Hop mit Sampling und gut geplanten Reimschemata darstellten.

Weitere Diversifikation

In den 1990er Jahren begann sich Hip-Hop mit anderen regionalen Stilen zu diversifizieren, die auf der nationalen Bühne auftauchten. Der Südstaaten-Rap wurde in den frühen 1990er Jahren populär. [158] Die ersten Rapper aus dem Süden, die nationale Aufmerksamkeit erregten, waren die Geto Boys aus Houston, Texas. [159] Die Wurzeln des Südstaaten-Rap lassen sich auf den Erfolg von Geto Boys zurückführen Greif es! Auf dieser anderen Ebene 1989 produzierte der Rick Rubin Die Geto-Boys im Jahr 1990, und Wir sind nicht aufzuhalten 1991. [160] Die Gegend von Houston produzierte auch andere Künstler, die den frühen südlichen Rap-Sound wie UGK und die Solokarriere von Scarface Pionierarbeit leisteten.

Hip-Hop-Künstler aus Atlanta waren der Schlüssel zum weiteren Ausbau der Rap-Musik und zur Verbreitung des Hip-Hop aus dem Süden. Veröffentlichungen wie Arrested Development's 3 Jahre, 5 Monate und 2 Tage im Leben von. 1992, Goodie Mobs Seelennahrung 1995 und OutKasts ATLiens 1996 wurden alle von der Kritik gefeiert. Andere unverwechselbare regionale Klänge aus St. Louis, Chicago, Washington D.C., Detroit und anderen begannen an Popularität zu gewinnen.

Während des goldenen Zeitalters wurden Elemente des Hip-Hop weiterhin in andere Genres der populären Musik aufgenommen. Die ersten Wellen von Rap-Rock, Rapcore und Rap-Metal – jeweilige Fusionen von Hip-Hop und Rock, Hardcore-Punk und Heavy Metal [162] – wurden zu dieser Zeit beim Mainstream-Publikum populär Run-DMC, die Beastie Boys und Rage Against the Machine gehörten zu den bekanntesten Bands in diesen Bereichen. Auf Hawaii kombinierten Bands wie Sudden Rush Hip-Hop-Elemente mit der lokalen Sprache und politischen Themen, um einen Stil namens na mele paleoleo zu formen. [163]

Kommerzialisierung und neue Richtungen

In den späten 1990er Jahren, nach dem Tod von Tupac Shakur und The Notorious BIG, entstand in der Hip-Hop-Szene ein neuer kommerzieller Sound, der manchmal als "Bling-Ära" bezeichnet wird [165] (abgeleitet von Lil Waynes "Bling Bling "), [166] "jiggy era" [167] [168] (abgeleitet von Will Smiths "Gettin' Jiggy wit It") oder "shiny suit era" (abgeleitet von metallischen Anzügen, die von einigen Rappern in Musikvideos an der wie in "Mo Money Mo Problems" von The Notorious BIG, Puff Daddy und Mase). [169] Vor den späten 1990er Jahren galt Gangsta-Rap, obwohl es sich um ein umsatzstarkes Genre handelte, auch außerhalb des Pop-Mainstreams. Der Aufstieg von Sean "Puff Daddy" Combs' Bad Boy Records, angetrieben durch den massiven Crossover-Erfolg von Combs' 1997er Ensemble-Album Kein Ausweg, signalisierte einen großen stilistischen Wandel im Gangsta-Rap (und im Mainstream-Hip-Hop im Allgemeinen), da er kommerziell noch erfolgreicher und populärer werden würde. Seidige Hooks und Produktionen im R&B-Stil, materialistischere Themen und Samples von Hit-Soul- und Popsongs aus den 1970er und 1980er Jahren waren die Grundpfeiler dieses Sounds, der von Produzenten wie Combs, Timbaland, The Trackmasters, The Neptunes, und Scott Storch. Zu dieser Zeit erreichten auch Master P und sein No-Limit-Label in New Orleans einen ähnlichen Erfolg Musik. Das New Orleans Emporkömmling Cash Money Label gewann in dieser Zeit ebenfalls an Popularität [170] mit aufstrebenden Künstlern wie Birdman, Lil Wayne, B.G und Juvenile.

Viele der Rapper, die zu dieser Zeit Mainstream-Erfolge erzielten, wie Nelly, Puff Daddy, Jay-Z, die spätere Karriere von Fat Joe und seinem Terror Squad, Mase, Ja Rule, Fabolous und Cam'ron, hatten eine Pop- orientierten Stil, während andere wie Big Pun, Fat Joe (in seiner früheren Karriere), DMX, Eminem, 50 Cent und seine G-Unit und The Game zu dieser Zeit mit einem mutigeren Stil kommerziellen Erfolg hatten. Obwohl weiße Rapper wie die Beastie Boys, House of Pain und 3rd Bass zuvor einige populäre Erfolge oder kritische Akzeptanz in der Hip-Hop-Community hatten, begann Eminems Erfolg im Jahr 1999 mit dem Platin Die Slim Shady LP, [171] überraschte viele. Hip-Hop-Einflüsse fanden in dieser Zeit auch zunehmend Eingang in den Mainstream-Pop, insbesondere in Genres wie R&B (zB R. Kelly, Akon, TLC, Destiny's Child, Beyonce, Ashanti, Aliyah, Usher), Neo-Soul (zB Lauryn Hill, Erykah Badu, Jill Scott) und Nu Metal (zB Korn, Limp Bizkit).

Dr. Dre blieb eine wichtige Figur in dieser Ära und feierte 1999 mit dem Album sein Comeback 2001. Im Jahr 2000 produzierte er Die Marshall Mathers LP von Eminem und produzierte auch das 2003er Album von 50 Cent Werde reich oder sterbe bei dem Versuch', das auf Platz eins der US Billboard 200 Charts debütierte. [172] Jay-Z repräsentierte den kulturellen Triumph des Hip-Hop in dieser Ära. Im Laufe seiner Karriere wurde er vom darstellenden Künstler zum Unternehmer, Labelpräsidenten, Leiter einer Modelinie, Clubbesitzer und Marktberater – auf dem Weg, den Rekord von Elvis Presley für die meisten Nummer-Eins-Alben der Welt zu brechen Plakat Zeitschriften-Charts eines Solokünstlers.

Aufstieg des alternativen Hip-Hop

Alternativer Hip-Hop, der in den 1980er Jahren eingeführt und dann zurückgegangen war, erwachte Anfang/Mitte der 2000er Jahre mit dem wiederbelebten Interesse der breiten Öffentlichkeit an Indie-Musik. Das Genre begann einen Platz im Mainstream zu erreichen, teilweise aufgrund des Crossover-Erfolgs von Künstlern wie OutKast, Kanye West und Gnarls Barkley. [173] OutKasts 2003er Album Speakerboxx/Die Liebe unten wurde von Musikkritikern hoch gelobt und sprach ein breites Publikum an, da es zahlreiche Musikgenres umfasste – darunter Rap, Rock, R&B, Punk, Jazz, Indie, Country, Pop, Electronica und Gospel. Das Album brachte auch zwei Nummer-eins-Hit-Singles hervor und wurde von der RIAA für den Versand von mehr als 11 Millionen Einheiten als Diamant ausgezeichnet, [174] und wurde damit zu einem der meistverkauften Hip-Hop-Alben aller Zeiten. Es gewann auch einen Grammy Award für das Album des Jahres bei den 46. jährlichen Grammy Awards und war erst das zweite Rap-Album, das dies erreichte. Zuvor hatten alternative Hip-Hop-Acts viel Kritikerlob erhalten, aber während dieser Zeit relativ wenig Aufmerksamkeit durch Radio und andere Medien erfahren, alternative Hip-Hop-Künstler wie MF Doom, [175] The Roots, Dilated Peoples, Gnarls Barkley, Mos Def , und Aesop Rock [176] [177] begannen, bedeutende Anerkennung zu erlangen.

Glitch Hop und wackelige Musik

Glitch Hop und Wonky Music entwickelten sich nach dem Aufkommen von Trip Hop, Dubstep und intelligenter Tanzmusik (IDM). Sowohl Glitch-Hop als auch Wonky-Musik spiegeln häufig die experimentelle Natur von IDM und den schweren Bass in Dubstep-Songs wider. Während Trip-Hop als eigenständige britische Interpretation des Hip-Hop der oberen Mittelschicht beschrieben wurde, haben Glitch-Hop und Wonky-Musik eine viel größere stilistische Vielfalt. Beide Genres sind Schmelztiegel des Einflusses. Glitch Hop enthält Anklänge an Popmusik der 1980er Jahre, indische Ragas, vielseitigen Jazz und Westküsten-Rap. Los Angeles, London, Glasgow und eine Reihe anderer Städte sind zu Hot Spots für diese Szenen geworden, und Underground-Szenen haben sich auf der ganzen Welt in kleineren Gemeinden entwickelt. Beide Genres huldigen oft älteren und etablierteren Künstlern der elektronischen Musik wie Radiohead, Aphex Twin und Boards of Canada sowie unabhängigen Hip-Hop-Produzenten wie J Dilla und Madlib.

Glitch Hop ist ein Fusionsgenre aus Hip-Hop und Glitch-Musik, das Anfang bis Mitte der 2000er Jahre in den USA und Europa entstand. Musikalisch basiert es auf unregelmäßigen, chaotischen Breakbeats, glitzernden Basslines und anderen typischen Soundeffekten, die in der Glitch-Musik verwendet werden, wie zum Beispiel Sprünge. Zu den Glitch-Hop-Künstlern gehören Prefuse 73, Dabrye und Flying Lotus. Wonky ist ein Subgenre des Hip-Hop, das um 2008 entstanden ist, aber vor allem in den Vereinigten Staaten und im Vereinigten Königreich und unter den internationalen Künstlern des Musiklabels Hyperdub unter dem Einfluss von Glitch Hop und Dubstep. Wonky-Musik hat den gleichen Glitch-Stil wie Glitch-Hop, wurde jedoch speziell für ihre Melodien bekannt, die reich an "instabilen Midrange-Synths" sind. Schottland ist mit Künstlern wie Hudson Mohawke und Rustie zu einer der bekanntesten Wonky-Szenen geworden.

Glitch Hop und Wonky sind bei einem relativ kleineren Publikum beliebt, das an alternativem Hip-Hop und elektronischer Musik (insbesondere Dubstep) interessiert ist. Weder Glitch Hop noch Wonky haben Mainstream-Popularität erreicht. Künstler wie Flying Lotus, The Glitch Mob und Hudson Mohawke haben jedoch auch auf anderen Wegen Erfolg gehabt. Die Musik von Flying Lotus hat mehrere positive Kritiken auf der unabhängigen Musikrezensionsseite Pitchfork.com sowie einen prominenten (noch nicht im Abspann befindlichen) Spot während der Werbepausen für Adult Swim erhalten. Hudson Mohawke ist einer der wenigen Glitch-Hop-Künstler, die auf großen Musikfestivals wie Sasquatch auftreten! Musikfestival.

Crunk-Musik

Crunk ist ein regionales Hip-Hop-Genre, das in den 1990er Jahren in Tennessee im Süden der USA entstand und vom Miami-Bass beeinflusst wurde. Einer der Pioniere von Crunk, Lil Jon, sagte, dass es eine Fusion aus Hip-Hop, Elektro und elektronischer Tanzmusik sei. Der Stil wurde von Künstlern aus Memphis, Tennessee und Atlanta, Georgia, entwickelt und kommerzialisiert und erlangte Mitte der 2000er Jahre durch Lil Jon und die Ying Yang Twins beträchtliche Popularität. Üblicherweise werden geloopte, abgespeckte Drum-Machine-Rhythmen verwendet. Die Roland TR-808 und 909 gehören zu den beliebtesten. Begleitet werden die Drum-Machine-Loops meist von einfachen, sich wiederholenden Synthesizer-Melodien und schweren Bass-„Stabs“. Das Tempo der Musik ist etwas langsamer als bei Hip-Hop, ungefähr in der Geschwindigkeit von Reggaeton. Im Mittelpunkt von Crunk stehen häufiger die Beats und die Instrumentalmusik als die Texte. Crunk-Rapper schreien und schreien jedoch oft ihre Texte, wodurch ein aggressiver, fast schon schwerer Hip-Hop-Stil entsteht. Während andere Subgenres des Hip-Hop gesellschaftspolitische oder persönliche Anliegen ansprechen, ist Crunk fast ausschließlich "Partymusik" und bevorzugt Call-and-Response-Hip-Hop-Slogans anstelle von substanziellen Ansätzen. [178] Crunk verhalf dem Hip-Hop des Südens in dieser Zeit zu Mainstream-Prominenz, als die klassischen Stile der Ost- und Westküste der 1990er Jahre allmählich an Kraft verloren.

Snap-Musik und Einfluss des Internets

Snap-Rap (auch als Klingelton-Rap bekannt) ist ein Subgenre von Crunk, das Ende der 1990er Jahre aus Atlanta, Georgia, hervorgegangen ist. [179] Das Genre gewann Mitte der späten 2000er Jahre an Popularität, und Künstler aus anderen Südstaaten wie Tennessee traten ebenfalls in diesem Stil auf. Tracks bestehen normalerweise aus einer Roland TR-808 Bassdrum, Hi-Hat, Bass, Finger Snapping, einem Main Groove und einem simplen Vocal Hook. Zu den Hits gehören "Lean wit It, Rock wit It" von Dem Franchize Boyz, "Laffy Taffy" von D4L, "It's Goin' Down" von Yung Joc und "Crank That (Soulja Boy)" von Soulja Boy Tell 'Em . Rückblickend wird Soulja Boy zugeschrieben, Trends im Hip-Hop gesetzt zu haben, wie die Selbstveröffentlichung seiner Songs über das Internet (was ihnen half, viral zu werden) und den Weg für eine neue Welle jüngerer Künstler zu ebnen. [180] [181]

Umsatzrückgang

Ab 2005 ging der Verkauf von Hip-Hop-Musik in den Vereinigten Staaten stark zurück Zeit Magazin, um zu fragen, ob der Mainstream-Hip-Hop "aussterben" würde. Plakat Das Magazin stellte fest, dass die Rap-Verkäufe seit dem Jahr 2000 um 44 % zurückgegangen sind und auf 10 % aller Musikverkäufe zurückgegangen sind Musik regelmäßig platziert. [182] [183] ​​Laut Courtland Milloy von Die Washington Post, zum ersten Mal seit fünf Jahren, gehörten 2006 keine Rap-Alben zu den Top 10 der Verkäufer ." Der Bericht von 2005 Generation M: Medien im Leben von 8–18-Jährigen fanden heraus, dass Hip-Hop-Musik bei Kindern und Jugendlichen mit Abstand das beliebteste Musikgenre ist. 65 Prozent der 8- bis 18-Jährigen hören sie täglich. [185]

Andere Journalisten sagen, dass die Musik genauso beliebt ist wie eh und je, aber dass die Fans andere Mittel gefunden haben, um die Musik zu konsumieren, [186] wie das illegale Herunterladen von Musik über P2P-Netzwerke, anstatt Alben und Singles in legitimen Geschäften zu kaufen. Zum Beispiel ist Flo Rida für seine geringen Albumverkäufe bekannt, unabhängig davon, dass seine Singles Mainstream sind und digitalen Erfolg haben. Sein zweites Album WURZELN. verkaufte in den USA nur mehr als 200.000 Einheiten, was nicht mit den Verkäufen der Lead-Single "Right Round" des Albums mithalten konnte. Das passierte ihm auch 2008. [187] Manche machten den Hip-Hop dafür verantwortlich, dass er mit der Zeit weniger lyrisch wurde, wie etwa Soulja Boys Debütalbum von 2007 souljaboytellem.com was auf negative Bewertungen stieß. [188] Mangelndes Sampling, ein Schlüsselelement des frühen Hip-Hop, wurde auch für die Abnahme der Qualität moderner Alben festgestellt. Zum Beispiel wurden 2008 nur vier Stichproben verwendet Papier Spur von T.I., während es 1998 35 Samples gibt Moment der Wahrheit von Gang Starr. Der Rückgang der Stichproben ist teilweise darauf zurückzuführen, dass sie für die Hersteller zu teuer sind. [189]

In Byron Hurts Dokumentation Hip Hop: Jenseits von Beats und Reimen, behauptet er, Hip-Hop habe sich von "cleveren Reimen und Dance-Beats" zu "Befürwortung persönlicher, sozialer und krimineller Korruption" gewandelt. [190] Trotz des Rückgangs der Plattenverkäufe in der gesamten Musikindustrie [191] ist Hip-Hop ein beliebtes Genre geblieben, wobei Hip-Hop-Künstler immer noch regelmäßig an der Spitze stehen Plakat 200 Diagramme. Allein in der ersten Hälfte des Jahres 2009 hatten Künstler wie Eminem, [192] Rick Ross, [193] The Black Eyed Peas, [194] und Fabolous [195] alle Alben, die auf Platz 1 der Plakat 200 Diagramme. Eminems Album Rückfall war eines der am schnellsten verkauften Alben des Jahres 2009. [196]

Innovation und Revitalisierung

In den späten 2000er Jahren hatte sich alternativer Hip-Hop seinen Platz im Mainstream gesichert, teilweise aufgrund der abnehmenden kommerziellen Lebensfähigkeit von Gangsta-Rap. Branchenbeobachter beobachten das Verkaufsrennen zwischen Kanye Wests Abschluss und 50 Cent Curtis als Wendepunkt für Hip-Hop. West ging als Sieger hervor und verkaufte allein in der ersten Woche fast eine Million Exemplare. [197] Obwohl er es eher als melancholisches Pop-Album denn als Rap-Album konzipierte, folgte Kanye 808s & Herzschmerz einen erheblichen Einfluss auf die Hip-Hop-Musik haben würde. Während seine Entscheidung, während des gesamten Albums über Liebe, Einsamkeit und Herzschmerz zu singen, zunächst vom Musikpublikum heftig kritisiert wurde und das Album als Flop vorhergesagt wurde, ermutigten sein späterer Kritikerlob und sein kommerzieller Erfolg andere Mainstream-Rapper, mehr zu nehmen kreative Risiken mit ihrer Musik. [198] [199] Während der Veröffentlichung von Die Blaupause 3, New Yorker Rap-Mogul Jay-Z enthüllte, dass das nächste Studioalbum eine experimentelle Anstrengung sein würde, und erklärte: „Es wird kein Nummer 1-Album werden. Da bin ich gerade. Ich möchte das experimentellste Album aller Zeiten machen gemacht." [200] Jay-Z erklärte, dass er wie Kanye mit dem zeitgenössischen Hip-Hop unzufrieden war, sich von Indie-Rockern wie Grizzly Bear inspirieren ließ und seine Überzeugung bekräftigte, dass die Indie-Rock-Bewegung eine wichtige Rolle in der weiteren Entwicklung der Hip spielen würde -hüpfen. [201]

Die alternative Hip-Hop-Bewegung war nicht nur auf die Vereinigten Staaten beschränkt, da Rapper wie der somalisch-kanadische Dichter K'naan, der japanische Rapper Shing02 und der srilankische britische Künstler M.I.A. erlangte weltweit große Anerkennung. In 2009, Zeit Das Magazin platzierte M.I.A. auf der Time 100-Liste der „einflussreichsten Menschen der Welt“, weil sie „globalen Einfluss in vielen Genres“ hatte. [202] [203] Globale Themenbewegungen sind auch aus der internationalen Hip-Hop-Szene entstanden, wobei Mikrogenres wie "Islamic Eco-Rap" Themen von weltweiter Bedeutung durch traditionell entrechtete Stimmen ansprechen. [204] [205]

Teilweise aufgrund der zunehmenden Verbreitung von Musik über soziale Medien und Blogging fanden viele alternative und nicht-alternative Rapper Akzeptanz bei einem weitreichenden Publikum, weshalb diese Ära des Hip-Hop manchmal als "Blog-Ära" bezeichnet wird. [206] [207] Mehrere Künstler, wie Kid Cudi und Drake, schafften es, die Hit-Songs "Day 'n' Nite" bzw. "Best I Ever Had" zu erreichen, indem sie ihre Musik auf kostenlosen Online-Mixtapes veröffentlichten, ohne die Hilfe eines großen Plattenlabels. Aufstrebende Künstler wie Wale, Kendrick Lamar, [208] J. Cole, Lupe Fiasco, The Cool Kids, Jay Electronica und BoB wurden von Kritikern als Ausdruck eklektischer Klänge, sensibler Lebenserfahrungen und verletzlicher Emotionen bezeichnet, die selten waren gesehen in der vorherigen Bling-Ära. [209] [210]

Auch zu dieser Zeit wurde der Auto-Tune-Gesangseffekt durch Rapper T-Pain in der Popularität verstärkt, der den Effekt ausarbeitete und Auto-Tune in seinen Songs aktiv einsetzte. [211] Er zitiert den neuen Jack-Swing-Produzenten Teddy Riley und die Verwendung der Talk Box durch den Funk-Künstler Roger Troutman als Inspiration für seinen eigenen Gebrauch von Auto-Tune. [212] T-Pain wurde so mit Auto-Tune in Verbindung gebracht, dass er eine iPhone-App namens "I Am T-Pain" nach ihm benannte, die den Effekt simulierte. [213] Schließlich als "T-Pain-Effekt" bezeichnet, [214] wurde die Verwendung von Auto-Tune zu einem beliebten Fixpunkt des Hip-Hop der späten 2000er und frühen 2010er Jahre, Beispiele sind Snoop Doggs "Sexual Eruption", [215] Lil Waynes " Lollipop", [216] Kanye Wests Album 808s & Herzschmerz, [217] und der Nummer-eins-Hit "Boom Boom Pow" von The Black Eyed Peas. [214]

Trap-Musik ist ein Subgenre des Southern-Rap, das in den frühen 1990er Jahren entstand. Es wuchs in den 2000er Jahren zu einer Mainstream-Sensation, [218] erreichte schließlich Mitte und Ende der 2010er Jahre allgegenwärtige und hatte häufig Songs an der Spitze der Plakat Hip-Hop-Charts. [219] [220] [221] Typisch für ihn sind zwei- oder dreifach unterteilte Hi-Hats, [222] schwere Kickdrums der Roland TR-808 Drum Machine, geschichtete Synthesizer und ein insgesamt dunkles, bedrohliches oder düsteres Atmosphäre. [223] Der starke Einfluss des Sounds führte dazu, dass andere Künstler innerhalb des Genres sich dem Trap-Sound zuwandten, mit einem bemerkenswerten Beispiel von Jay-Z und Kanye West auf ihrem gemeinsamen Song. "SCHINKEN". Andere Künstler außerhalb des Hip-Hop-Genres haben ebenfalls mit Trap experimentiert, wie "7/11" von Beyoncé und "Dark Horse" von Katy Perry mit Juicy J.

Zu den wichtigsten Künstlern, die in den 2010er Jahren aus dem Genre hervorgegangen sind, gehören Waka Flocka Flame, Future, Chief Keef, Migos, Young Thug, Travis Scott, Kodak Black, 21 Savage, Yung Lean, Lil Uzi Vert, XXXTentacion, Ski Mask the Slump God, Juice Wrld, Trippie Redd, Lil Pump, Smokepurpp, Rae Sremmurd, Tekashi 6ix9ine, NBA YoungBoy, Lil Baby, Fetty Wap und andere. Auch die Rapperinnen Cardi B und Megan Thee Stallion traten in den Mainstream ein. Trap-Künstler, die in den 2000er Jahren entstanden, konnten in den 2010er Jahren mit dem Aufstieg von Trap den Mainstream-Erfolg wiedererlangen, darunter 2 Chainz, Gucci Mane und Juicy J, die im letzten Teil ihrer Karriere erfolgreicher wurden als bei ihrem Debüt. Zu den Trap-Produzenten, die Mainstream-Erfolge erzielen, gehören Metro Boomin, London on da Track und Mike WiLL Made-It.

Kritiker des Trap-Genres haben den Begriff "Mumble-Rap" verwendet, um die stark automatisch abgestimmte und manchmal schwer verständliche Lieferung von Versen der Mehrheit der Künstler zu beschreiben. [224] Künstler, die seit langem innerhalb des Genres tätig sind, haben ihre eigenen Kommentare zum Aufstieg des Mumble-Rap abgegeben, wie Rick Rubin, der feststellt, dass Eminem davon verwirrt ist, [225] und Snoop Dogg, der behauptet, dass er nicht zwischen Künstlern unterscheiden kann. [226] Black Thought, Lead-Rapper von The Roots, erklärte, dass „das Spiel sich verändert hat. Es ist anders. Die Standards sind anders, die Kriterien, die bei der Bestimmung der Gültigkeit berücksichtigt werden, sind unterschiedlich. Wir befinden uns an einem Punkt in der Geschichte, an dem Lyrik kommt in vielerlei Hinsicht fast an letzter Stelle." [227]

Am 17. Juli 2017, Forbes berichteten, dass Hip-Hop/R&B (den Nielsen SoundScan als dasselbe Genre einstuft) Rock als das am meisten konsumierte Musikgenre an sich gerissen und zum ersten Mal in der Geschichte der USA zum beliebtesten Musikgenre aufgestiegen ist. [228] [229] [230] [231]

Alter des Streamings

Der Aufstieg von Streaming-Plattformen wie Spotify und Apple Music Mitte der späten 2010er Jahre hatte große Auswirkungen auf das gesamte Musikgeschäft als Ganzes. [232] [233] Obwohl es sich um ein kostenloses Streaming-only-Mixtape ohne kommerzielle Veröffentlichung handelt, ist Chance the Rapper's Malbuch wurde bei den Grammy Awards 2017 als bestes Rap-Album ausgezeichnet und ist das erste Streaming-Album aller Zeiten, das einen Grammy Award gewonnen hat. [234] [235] Kanye West hat erklärt, dass sein eigenes Album, Yeezus, markierte den Tod von CDs und damit seine anschließende Veröffentlichung, Das Leben des Pablo wurde nur digital veröffentlicht. [236] Das Leben des Pablo wurde auch für das beste Rap-Album 2017 nominiert. Im Jahr 2017 veröffentlichte Drake ein kostenloses Streaming-Only-Projekt mit dem Titel Mehr Leben, die er eine "Playlist" nannte und darauf bestand, dass es sich weder um ein Mixtape noch um ein Album handelte. [237]

Die Online-Audio-Vertriebsplattform SoundCloud spielte in der zweiten Hälfte der 2010er Jahre eine große Rolle bei der Entstehung verschiedener Künstlerkarrieren.Zu den Mainstream-Acts, die auf SoundCloud starten, gehören Post Malone, Lil Uzi Vert, Russ, Bryson Tiller, Lil Xan, Lil Pump, Lil Peep, Lil Skies, Smokepurpp, Ski Mask the Slump God, XXXTentacion, Trippie Redd, Playboi Carti, YBN Nahmir, Tay-K, ZillaKami, Ugly God, NAV unter anderem. Diese Songs sind normalerweise eng mit Trap verwandt, wurden aber auch separat als SoundCloud-Rap bezeichnet. Sie wurden dadurch charakterisiert, dass sie normalerweise launische, traurige Untertöne haben und normalerweise eine raue Lo-Fi-Produktion aufweisen. Das Genre wurde wegen seines geringen Aufwands in Texten und Produktion [238] und der daraus resultierenden Problematik der Künstler auf viel Kritik gestoßen, wie zum Beispiel der Drogenmissbrauch von Lil Peep, der zu seinem Tod führte, [239] der Mehrfachangriff Anklage gegen XXXTentacion, [240] 6ix9ine bekennt sich schuldig, ein Kind bei einer sexuellen Darbietung benutzt zu haben, [241] und die Anklage wegen Mordes gegen Tay-K. [242]

Hip-Hop-Musik hat die kulturellen Korridore der Welt erreicht und wurde auf der ganzen Welt absorbiert und neu erfunden. [243] Hip-Hop-Musik expandierte über die USA hinaus und mischte oft lokale Stile mit Hip-Hop. Hip-Hop hat sich in viele Kulturen weltweit globalisiert, was durch die Entstehung zahlreicher regionaler Szenen deutlich wird. Es ist weltweit als eine Bewegung entstanden, die auf den wichtigsten Grundsätzen der Hip-Hop-Kultur basiert. Musik und Kunst nehmen weiterhin ihre transnationalen Dimensionen an und feiern sie sogar, während sie den lokalen Kulturen, in denen sie verwurzelt sind, treu bleiben. Die Wirkung von Hip-Hop unterscheidet sich je nach Kultur. Was jedoch praktisch alle Hip-Hop-Künstler weltweit gemeinsam haben, ist, dass sie den Afroamerikanern in New York, die die globale Bewegung ins Leben gerufen haben, ihre Schuld bekennen. [244]

Latinos und Menschen aus der Karibik spielten eine wichtige Rolle bei der frühen Entwicklung des Hip-Hop in New York, und der Stil verbreitete sich in fast jedem Land dieser Region. Hip-Hop entwickelte sich zuerst in der South Bronx, die in den 1970er Jahren eine hohe lateinamerikanische, insbesondere puertoricanische Bevölkerung hatte. [245] Einige berühmte Rapper aus New York City puerto-ricanischer Herkunft sind der verstorbene Big Pun, Fat Joe und Angie Martinez. Mit Latino-Rap-Gruppen wie Cypress Hill in den amerikanischen Charts wurden mexikanische Rap-Rock-Gruppen wie Control Machete in ihrer Heimat bekannt.

In vielen lateinamerikanischen Ländern, wie auch in den USA, ist Hip-Hop ein Werkzeug, mit dem marginalisierte Menschen ihren Kampf artikulieren können. Hip-Hop wurde in Kuba in den 1980er und 1990er Jahren durch die Sonderperiode Kubas, die mit dem Fall der Sowjetunion kam, immer beliebter. [246] Während dieser Zeit der Wirtschaftskrise, die die arme und schwarze Bevölkerung des Landes besonders hart traf, wurde Hip-Hop zu einer Möglichkeit für die afro-stämmige Bevölkerung des Landes, ihre Schwärze zu akzeptieren und eine Forderung nach Rassengleichheit für Schwarze in Kuba zu artikulieren. [247] Die Idee der Schwärze und der schwarzen Befreiung war nicht immer mit den Zielen der kubanischen Regierung vereinbar, die immer noch unter der Idee operierte, dass eine rassenlose Gesellschaft die richtige Verwirklichung der kubanischen Revolution sei. Als Hip-Hop aufkam, wandte sich die kubanische Regierung gegen das vulgäre Image, das Rapper darstellten, akzeptierte jedoch später, dass es besser sein könnte, Hip-Hop unter dem Einfluss des Kulturministeriums als authentischen Ausdruck der kubanischen Kultur zu haben. [248] Rapper, die in Kuba ausdrücklich über Rasse oder Rassismus sprechen, stehen immer noch unter der Kontrolle der Regierung. [249] Ein jährliches kubanisches Hip-Hop-Konzert, das 1995 in Alamar in Havanna stattfand, trug zur Popularisierung des kubanischen Hip-Hop bei. Bekannte kubanische Rap-Gruppen sind Krudas Cubensi und Supercrónica Obsesión.

Schwarze und indigene Völker in Lateinamerika und auf den karibischen Inseln nutzen Hip-Hop seit Jahrzehnten, um in ihren jeweiligen Ländern über Rassen- und Klassenfragen zu diskutieren. Brasilianischer Hip-Hop wird stark mit rassischen und wirtschaftlichen Problemen in dem Land in Verbindung gebracht, in dem viele Afro-Brasilianer in wirtschaftlich benachteiligten Gemeinden leben, die in Brasilien als Favelas bekannt sind. In São Paulo begann Hip-Hop im Land, verbreitete sich jedoch bald in ganz Brasilien, und heute hat fast jede brasilianische Großstadt, darunter Rio de Janeiro, Salvador, Curitiba, Porto Alegre, Belo Horizonte, Recife und Brasilia, eine Hip Hop Szene. Einige bemerkenswerte Künstler sind Racionais MCs, Thaide und Marcelo D2. Einer der beliebtesten Rapper Brasiliens, MV Bill, hat seine Karriere damit verbracht, sich für die schwarze Jugend in Rio de Janeiro einzusetzen. [249]

Reggaeton, ein Musikstil aus Puerto Rico, hat viele Ähnlichkeiten mit dem US-amerikanischen Hip-Hop. Beide wurden von der jamaikanischen Musik beeinflusst und beide beinhalten Rap und Call and Response. [250] Dancehall-Musik und Hip aus den Vereinigten Staaten sind beides populäre Musik in Puerto Rico, und Reggaeton ist die Ansammlung verschiedener Musiktraditionen, die von Menschen mit Afro-Abstammung in der Karibik und den Vereinigten Staaten gegründet wurden. [251] Einige der beliebtesten Reggaeton-Künstler sind Don Omar, Tego Calderón und Daddy Yankee.

In Venezuela fielen Ende der 1980er und Anfang der 1990er Jahre soziale Unruhen mit dem Aufstieg des Gangsta-Rap in den USA zusammen und führten auch in Venezuela zum Aufstieg dieser Musik. Venezolanische Rapper modellierten ihre Musik in den 1990er Jahren im Allgemeinen nach Gangsta-Rap, indem sie negative Stereotypen über arme und schwarze Jugendliche als gefährlich und materialistisch umarmten und versuchten, diese neu zu definieren und sozialbewusste Kritik an Venezuelas Kriminalisierung junger, armer Menschen mit Afro-Abstammung in ihre Musik einfließen zu lassen. [252]

In Haiti entwickelte sich Hip-Hop Anfang der 1980er Jahre. Master Dji und seine Songs "Vakans" und "Politik Pa m" werden hauptsächlich mit dem Aufstieg des haitianischen Hip-Hop zugeschrieben. Was später als "Rap Kreyòl" bekannt wurde, wurde Ende der 1990er Jahre mit King Posse und Original Rap Stuff immer beliebter. Aufgrund der billigeren Aufnahmetechnologie und des Materialflusses nach Haiti nehmen mehr Rap-Kreyòl-Gruppen Songs auf, selbst nach dem Erdbeben vom 12. Januar. Haitianischer Hip-Hop ist in letzter Zeit für Künstler mit haitianischem Hintergrund in Haiti und im Ausland zu einer Möglichkeit geworden, ihre nationale Identität und politische Meinungen über ihr Herkunftsland auszudrücken. [253] Rapper haben das Rot und Blau der Flagge von Haiti angenommen und rappen auf haitianischem Kreolisch, um ihre nationale Herkunft zu zeigen. In der Dominikanischen Republik wurde eine Aufnahme von Santi Y Sus Duendes und Lisa M zur ersten Single von Merenrap, einer Fusion aus Hip-Hop und Merengue.

In Europa, Afrika und Asien begann sich Hip-Hop vom Underground zum Mainstream-Publikum zu bewegen. In Europa war Hip-Hop die Domäne von ethnischen Staatsangehörigen und Einwanderern. Britischer Hip-Hop zum Beispiel wurde zu einem eigenen Genre und brachte Künstler wie Wiley, Dizzee Rascal, The Streets und viele mehr hervor. Deutschland produzierte die bekannten Die Fantastischen Vier sowie mehrere türkische Künstler wie das umstrittene Kartell, Kool Savaş und Azad. In ähnlicher Weise hat Frankreich eine Reihe von gebürtigen Stars hervorgebracht, wie IAM und Suprême NTM, MC Solaar, Rohff, Rim'K oder Booba. In den Niederlanden gehören zu den wichtigsten Rappern der Neunzigerjahre The Osdorp Posse, eine Crew aus Amsterdam, Extince aus Oosterhout und Postmen. Italien fand seine eigenen Rapper, darunter Jovanotti und Articolo 31, die landesweit bekannt wurden, während die polnische Szene Anfang des Jahrzehnts mit dem Aufstieg von PM Cool Lee ernsthaft begann. In Rumänien, B.U.G. Mafia kam aus dem Bukarester Viertel Pantelimon, und ihr Gangsta-Rap unterstreicht die Parallelen zwischen dem Leben in Rumäniens kommunistischen Wohnblocks und den Wohnprojekten der amerikanischen Ghettos.

Eines der Länder außerhalb der USA, in denen Hip-Hop am beliebtesten ist, ist Großbritannien. Grime, ein Musikgenre, das von UK Garage und Drum and Bass abgeleitet und vom Hip-Hop beeinflusst wurde, entstand in den frühen 2000er Jahren mit Künstlern wie Dizzee Rascal, die erfolgreich wurden. Obwohl sie immens beliebt ist, kritisieren viele britische Politiker die Musik für das, was sie als Förderung von Diebstahl und Mord sehen, ähnlich wie beim Gangsta-Rap in Amerika. Diese Kritik wurde von der meist schwarzen britischen Schmutzindustrie als rassistisch eingestuft. Trotz seiner umstrittenen Natur hat Grime einen großen Einfluss auf die britische Mode und Popmusik, wobei viele junge Arbeiter der Arbeiterklasse die Kleidung von Grime-Stars wie Dizzee Rascal und Wiley nachahmen. Es gibt viele Subgenres von Grime, darunter "Rhythm and Grime", eine Mischung aus R&B und Grime, und Grindie, eine Mischung aus Indie-Rock und Grime, die von der Indie-Rock-Band Hadouken populär gemacht wurde!

In Deutschland und Frankreich ist Gangsta-Rap bei Jugendlichen populär geworden, die die gewalttätigen und aggressiven Texte mögen. Einige deutsche Rapper flirten offen oder komisch mit dem Nationalsozialismus zum Beispiel, Bushido (geboren Anis Mohamed Youssef Ferchichi) rappt "Salutiert, steht stramm, Ich bin der Leader wie A". und Fler hatte einen Hit mit der Platte Neue Deutsche Welle (Neue Deutsche Welle) komplett mit dem Titel im gotischen Druck im Stil des Dritten Reiches geschrieben und mit einem Adolf Hitler-Zitat beworben. Diese Referenzen haben auch in Deutschland zu großen Kontroversen geführt. In Frankreich behielten Künstler wie Idéal J von Kery James eine radikale, antiautoritäre Haltung bei und veröffentlichten Songs wie Hardcore die das Wachstum der französischen extremen Rechten angriff. In den Niederlanden wurde MC Brainpower vom Underground-Battle-Rapper zum Mainstream in den Benelux-Ländern und beeinflusste so zahlreiche Rap-Künstler in der Region. In Israel wendet sich der Rapper Subliminal an israelische Jugendliche mit politischen und religiösen Texten, normalerweise mit einer zionistischen Botschaft.

In Asien wurden Mainstream-Stars auf den Philippinen bekannt, angeführt von Francis Magalona, ​​Rap Asia, MC Lara und Lady Diane. In Japan, wo Underground-Rapper zuvor ein begrenztes Publikum gefunden hatten, brachten beliebte Teenie-Idole Mitte der 1990er Jahre einen Stil namens J-Rap an die Spitze der Charts. Von besonderer Bedeutung ist der Einfluss auf ostasiatische Nationen, wo Hip-Hop-Musik mit lokaler Popmusik zu verschiedenen Stilen wie K-Pop, C-Pop und J-Pop verschmolzen ist.

Israels Hip-Hop gewann am Ende des Jahrzehnts stark an Popularität, mit mehreren Stars, sowohl palästinensischen (Tamer Nafar) als auch israelischen (Subliminal). In Portugal hat Hip-Hop seine eigene Art des Rappens, die eher politische und Underground-Szene ist, sie sind bekannt für Valete, Dealema und Halloween. Russischer Hip-Hop entstand in den letzten Jahren der Sowjetunion und festigte sich später, wobei Gruppen wie Malchishnik und Bad Balance in den 1990er Jahren Mainstream-Popularität genossen, während Ligalize und Kasta in den 2000er Jahren populär waren. Im ehemaligen Jugoslawien trat Hip-Hop erstmals in den 1980er Jahren auf, hauptsächlich mit serbischem Hip-Hop mit Künstlern wie B-Boy, The Master Scratch Band, Badvajzer und anderen. In den späten 1990er Jahren erlebte Hip-Hop einen Boom, wobei Rambo Amadeus und später Beogradski sindikat zu einem der Hauptdarsteller wurden. Der bosnisch-herzegowinische Hip-Hop wird heute von Edo Maajka dominiert. In der Region wird Hip-Hop oft als politische und soziale Botschaft in Song-Themen wie Krieg, Profitgier, Korruption usw. verwendet. Frenkie, ein weiterer bosnischer Rapper, wird mit Edo Maajka in Verbindung gebracht und hat über die bosnischen Grenzen hinweg zusammengearbeitet.

In Tansania wurden in den frühen 2000er Jahren lokale Hip-Hop-Künstler populär, indem sie lokale Stile von Afrobeat und arabesken Melodien, Dancehall- und Hip-Hop-Beats mit Swahili-Texten vermischten.


Was ist der Ursprung des Raps? - Geschichte

In den letzten Wochen sorgten eine Reihe von Rap-Fehden international für Schlagzeilen. Zuerst kam Eminems Überraschungsalbum Kamikaze, bei dem der erfahrene Battle-Rapper jeden von Vince Staples und Drake bis hin zu Machine Gun Kelly und Tyler ins Visier nahm, The Creator (natürlich mit einer homophoben Beleidigung natürlich) Tage später zerquetschten Meek Mill und Drake endlich ihre langen Running Beef (nur wenige Tage nachdem sich Kanye für seine Rolle in Pusha-Ts Diss-Tracks entschuldigt hatte) eskalierte Cardi B, nachdem sie die von vielen als eine Reihe von Sneak-Disses wahrgenommenen ignoriert hatte, ihre Fehde mit Nicki Minaj, indem sie während New York einen Schuh auf sie warf Fashion Week und startet dann einen Instagram-Angriff.

Es war eine turbulente Woche, um es gelinde auszudrücken, aber all diese Geschichten scheinen darauf hinzudeuten, dass die lange Rap-Kultur des Hip-Hop – sowie die Diss-Tracks und Schlachten, die sie so legendär gemacht haben – nirgendwo hinführen. Pusha selbst hat dies kürzlich bezweifelt und argumentiert, dass sie einfach keinen Spaß mehr machen, aber der öffentliche Appetit auf diese Nachrichten scheint etwas anderes zu suggerieren.

Es lohnt sich also zu erkunden: Wie und wann wurden die lyrischen Tiefschläge und wilden Diss-Tracks zu einem Rap-Grundnahrungsmittel? Und wie hat sich die Rolle dieser Rinder im heutigen zunehmend digitalen Zeitalter verändert?

Um die Antwort vollständig zu verstehen, ist eine Reise zurück in die Hip-Hop-Geschichte erforderlich. Obwohl es eine Handvoll früher Vorläufer gibt – Harlems wegweisende Jazz-Poeten, die westafrikanischen Griots und das Werk von „Grandfather of Rap“ Gil Scott-Heron sind nur einige Beispiele – werden die Ursprünge der Hip-Hop-Musik wie sie bekannt ist, normalerweise verfolgt zurück in einen bescheidenen Wohnblock (1520 Sedgwick Avenue, um genau zu sein) in der Bronx.

Es war im Sommer 1973, als Cindy Campbells Wunsch, Geld für ein paar neue Garderobenzusätze zu verdienen, sie dazu veranlasste, eine „Back to School“-Blockparty zu veranstalten. Campbell hatte wenig Geld, war aber entschlossen, es zum Laufen zu bringen, also verfasste sie einige von Graffiti inspirierte Einladungen und schaute in ihre eigene Familie, wenn es darum ging, alles von Catering bis Unterhaltung einzustellen. Für Essen und Getränke sorgten ihre Eltern und ihr Bruder – ein 16-jähriger, der aufgrund seiner Größe und Statur zuerst als Hercules und dann als DJ Kool Herc bekannt war – trat an die Plattenteller. Mehr als 40 Jahre später wird diese schicksalhafte Nacht im Nachhinein als erste Hip-Hop-Party bezeichnet.

An DJ Kool Herc war etwas anderes. Er war der Pionier einer DJ-Technik, die bald zu einem festen Bestandteil der Hip-Hop-Musik wurde. Er spielte Funk-Platten, erweiterte aber ihre Instrumentalsegmente, rief seine Freunde über die Beats und wechselte schnell zu Breaks in anderen Tracks. Wie viele andere MCs rappte er auch Zeilen an die Menge, die sie im charakteristischen Call-and-Response-Stil mit der Zeit zurückrappen würden. Diese Zeilen wurden allmählich komplexer, verzweigten sich in Verse und entwickelten sich dann zu Rap, wie man ihn heute kennt.

Schwieriger ist es, die Ursprünge des Battle-Rap zurückzuverfolgen, da diese Schnellfeuer-Trade-offs normalerweise auf der Straße stattfanden und der Gewinner einen kleinen Siegerpreis erhielt. Auch hier lassen sich einige der frühesten Beispiele bis nach New York zurückverfolgen. 1981 spielte der Rapper Busy Bee Starski – der hauptsächlich für seine Comedy-Reime bekannt ist – bei der Weihnachtsfeier in Harlem World ein Set, bei dem einige Scheiße geredet wurden Veranstaltungsort, und er würde die Diss nicht rutschen lassen. Als angesehener Texter und Mitglied der Treacherous Three schlüpfte Dee auf die Bühne, um eine Freestyle-Reaktion zu liefern, die zu einem der berühmtesten Momente in der Rap-Battle-Geschichte wurde.

In Bezug auf Rap-Beef, das sich auf aufgezeichnete Disses im Gegensatz zu Straßenschlachten stützte, wird eines der ersten großen Beispiele oft Roxanne Shanté zugeschrieben. Der kriminell übersehene Star verbrachte ihre prägenden Jahre in Queensbridge, einem New Yorker Sozialwohnungskomplex, der auch Legenden wie Nas und Mobb Deep hervorgebracht hat wilde Texter im Gebäude.

Erst als sie von Marley Marl – einer Denim-Fabrikarbeiterin, die gelegentlich Beats produzierte – gebeten wurde, über einen Beat zu freestylen, ging sie wirklich in die Annalen des Rap ein. Der fragliche Beat wurde ursprünglich von einem Track der Rap-Gruppe U.T.F.O. "Roxanne, Roxanne" übernommen, deren Texte einer unbekannten Frau gewidmet waren, die sich ihren Avancen widersetzte. 1984 machten sie den Fehler, Marl zu verärgern, indem sie eine Radio-Promo-Show absagten, und als Vergeltung beauftragte er eine damals 14-jährige Shanté, eine vernichtende Antwort zu geben, in der sie als die fragliche Roxanne spielte. Der Track explodierte fast sofort, und obwohl rechtliche Schritte dazu führten, dass neue Beats erstellt und einige Flüche beseitigt wurden, verkaufte sich die resultierende Single „Roxanne’s Revenge“ mehr als 250.000 Mal.

Es wurden eine Reihe von Antworttracks aufgenommen – die Fehde ist heute als „Roxanne Wars“ bekannt – aber Shantés aufstrebende Karriere wurde im Wesentlichen von männlichen Managern gestoppt, die sie dann misshandelten. "Männliche Rapper hatten das Gefühl, ich würde Dinge abwerfen", erklärte sie in a Plakat Interview, das im Zuge ihres Netflix-Biopics von 2018 veröffentlicht wurde. "Wenn das Beste im Spiel ein kleines Mädchen ist, dann wird Rap nicht mehr als dieses männliche Ding angesehen."

Dieser Erfolg führte in den 1980er Jahren zu einer explosionsartigen Popularität von Diss-Tracks. Einige der bekanntesten Diss-Tracks stammen aus der Juice Crew – zu der auch Shanté gehörte –, aber eine andere legendäre Rivalität betraf Kool Moe Dee und einen damals aufstrebenden Texter namens LL Cool J. 1987 beschuldigte Dee LL zum ersten Mal der in seinen Flow beißen (eine Anschuldigung, die auch MC Shan auf "Beat Biter" erhoben hat) und zielte auf seine prahlerischen Texte auf "How Ya Like Me Now" LL antwortete mit "Jack the Ripper", was eine Reihe von Hin-und- -Fort-Tracks, die seitdem zu Ikonen geworden sind.

Die Mehrheit der frühen hochkarätigen Rap-Beefs – und viele neuere Fehden – wurden durch den Vorwurf des „Beißens“ ausgelöst, mit anderen Worten, sich stark vom Stil, dem Flow oder dem Beat eines anderen Künstlers zu leihen oder einfach nur direkt zu kopieren. Manche empfinden es als Hommage, andere als Diebstahl – bis heute eine Debatte, die noch andauert. Es ist auch erwähnenswert, dass Rindfleisch hässlich werden kann. Obwohl einige Fehden unbestreitbar persönlich werden, sind Rap-Battles und Diss-Tracks ein wesentlicher Bestandteil der Hip-Hop-Kultur, die hauptsächlich entweder für Preisgelder oder Respekt betrieben werden. Es ist kompetitiv, aber letztendlich geht es um Können. Leider ist hier nicht immer Schluss.

Die Morde an Notorious B.I.G. und 2Pac bleiben ungelöst, aber es wurde bei unzähligen Gelegenheiten argumentiert, dass ihr langjähriges Rindfleisch – Teil der Ost-West-Küstenfehde, die die Blütezeit des Gangster-Rap dominierte – ihren vorzeitigen Tod verursachte. In einem Dokumentarfilm, der letztes Jahr veröffentlicht wurde, beschrieb Ice-T ihre Geschichte als „eine Tragödie, die nicht passieren musste“ und gibt zu, dass er ihre lyrischen Stiche nie gedacht hätte (er erklärte, dass Wettbewerb Teil dessen ist, was Hip-Hop aufgebaut hat). ) würde zu einer echten Gefahr werden. Die beiden Rapper mögen für einige der kultigsten Diss-Tracks der Branche verantwortlich sein ("Hit Em Up" und "Who Shot Ya?" werden oft als die besten der Geschichte gefeiert), aber ihre Rivalität erinnert daran, dass diese Fehden nicht t endet immer im Studio, zum Schaden aller.

Andere Beefs sind ähnlich gefährlich geworden – siehe den Angriff von Lil B, Styles Ps Kommentare zur Beanie-Siegel-Fehde und natürlich Cardis Fersenwurf als Beispiele. Ein Künstler mit einem Haufen Fehden auf dem Buckel ist 50 Cent, dessen lange Rivalitäten mit allen von Ja Rule (noch im Gange) bis hin zu mehreren ehemaligen Mitgliedern der G-Unit (größtenteils noch im Gange) ihm einen Ruf als einer der am meisten verschafften. umkämpfte Männer im Rap. Sie mögen das Drama inzwischen zerquetscht haben, aber sein Rindfleisch mit The Game wurde auch 2005 hässlich, als eine Schießerei außerhalb des New Yorker Radiostudios Hot 97 folgte, nachdem 50 ihn offiziell aus der Gruppe geworfen hatten, wobei eine Person verletzt wurde.

Trotz der oft damit verbundenen rechtlichen und finanziellen Schwierigkeiten werden die meisten Fehden beigelegt. Sogar das berühmte Beef von Ice Cube mit seiner ehemaligen Crew N.W.A. – die mit unbezahlten Lizenzgebühren sowie Cubes Behauptungen, die politischen Rapper seien ausverkauft, begann – endete nach fünf Jahren, obwohl ihr Vermächtnis in Form von „No Vaseline“ weiterlebt, einer der härtesten Dissen, die jemals aufgenommen wurden .

Dann ist da noch die fast jahrzehntelange Fehde zwischen Nas und JAY-Z, die 2005 endlich auf der Bühne niedergeschlagen wurde. Die Spannungen zwischen den beiden Titanen begannen bereits 1996, als Nas Berichten zufolge nicht zu einer Aufnahmesession erschien Wir haben vor kurzem genau aufgeschlüsselt, was sich in dem Jahrzehnt abgespielt hat, nachdem Nas zum ersten Mal ein Unterbewusstsein auf "The Message" veröffentlicht hatte. Übrigens spielte Jay den Gerüchten nach, dass seine Show "I Declare War" einige hochkarätige Namen ausstrahlen würde, aber in der Nacht veränderte er das Gesicht der Hip-Hop-Geschichte, indem er Nas auf die Bühne brachte. „Der ganze Rindfleischscheiß ist fertig“, erklärte er. "Wir hatten unseren Spaß."

Aber Schüsse werden nicht immer über aufgenommene Spuren abgefeuert. Obwohl viele Disses im Studio völlig frei gestylt sind, findet man die reinste musikalische Destillation des Rap-Genies in Battle-Turnieren. Die Hin- und Her-Wettbewerbe unterliegen in der Regel strengen Regeln und sind mit einem Geldpreis verbunden, aber sie sind auch dafür verantwortlich, einige der talentiertesten Rapper der Musikgeschichte zu entdecken. Kendrick Lamar – damals bekannt als K Dot – stahl in dieser Schlacht 2009 als Zuschauer die Show, während Eminems eigene Erfahrungen auf der Rennstrecke die 2002er inspirierten 8 Meilen und half ihm, die Schnellfeuertechnik und die schnellen Putdowns zu entwickeln, für die er heute bekannt ist.

In Bezug auf die Veranstaltungsorte sind sie nicht viel berühmter als der New Yorker Fight Klub. Irgendwann Mitte der neunziger Jahre gegründet, war es Gastgeber eines ikonischen, unerbittlichen Kampfes zwischen Lady Luck und Remy Ma (der selbst nach ihrer Entlassung aus dem Gefängnis keine Unbekannten in Bezug auf hochkarätige Beefs war) und wurde sogar die erste Liga im Fernsehen ausgestrahlt werden. Obwohl die Ausstrahlung von Fight Klub auf MTV2 nur von kurzer Dauer war, führte sie zu einer Reihe beeindruckender Schlachten und zeigte sogar Rap-Tierärzte wie Murda Mook und French Montana. Auditions wurden 2016 wiedereröffnet, aber seine Mainstream-Geschichte ist weitgehend vergessen – mit Ausnahme einiger Archivclips, die online bleiben.

Auch die Rolle der Frau in der Rap-Beef-Geschichte wird zu oft ignoriert. Shanté hat im Grunde die Blaupause geschrieben, und ihr Einfluss hat viele andere Frauen dazu inspiriert, 2017 wieder zu klatschen Ich würde Interview Salt-N-Pepa enthüllte, dass sie ihr „Vorbild“ war und dass sie ein großer Teil des Grundes war, warum sie sich auch mit Marley Marl zusammengetan haben, um einen Response-Track bei Slick Rick und Doug E Fresh abzufeuern, der im Wesentlichen ihre Karriere startete .

Jahrzehnte später kamen Frauen im Rap regelmäßig füreinander – zum Teil, weil Beef so ein fester Bestandteil der Hip-Hop-Kultur ist, aber auch, weil Frauen allzu oft wegen des Einen (und nur eines) gegeneinander ausgespielt werden ) 'weiblicher Rapper'-Spot in der Branche. Diese Idee ist offensichtlich im Sexismus verwurzelt. Funkmaster Flex gab kürzlich in einem längeren Interview mit Nicki Minaj sogar zu, dass einer der Hauptgründe, warum er glaubte, dass die gegen sie erhobenen Ghostwriting-Anschuldigungen die Tatsache waren, dass sie eine Frau war.


Was ist der Ursprung des Raps? - Geschichte

Dubspots Rory PQ führt uns durch die Geschichte zurück zu den Ursprüngen des Hip-Hop und erforscht die explosive kulturelle Evolution des Genres.

Hip-Hop-Ursprünge

Hip-Hop ist eine Kultur, die aus der Asche der Disco und der Entwicklung des Funks geboren wurde. In den frühen 70er Jahren begannen viele Funkgruppen Disco zu spielen, weil es damals der neueste Trend war. Ausgehend von Disco-Produktionstechniken begann die Funkmusik technologiegetrieben zu werden, da sie mehr elektronische Klänge von Synthesizern und Drumcomputern absorbierte. Mitte der 70er Jahre wurde Funk zur neuen Tanzmusik im urbanen Amerika.

Wenn wir auf New York während dieser Ära zurückblicken, sehen wir einen wirtschaftlichen Zusammenbruch. New York City befand sich in einer Finanzkrise und die Wirtschaft der Stadt brach aufgrund des Niedergangs der verarbeitenden Industrie zusammen. Auch ein Großteil der weißen Mittelschicht zog in die Vororte, und die Bandengewalt nahm zu. Viele der Möglichkeiten in der Musikindustrie und Freizeitmöglichkeiten verpufften. Discos und Nachtclubs schlossen ihre Türen, weil nicht genug Geld vorhanden war, um die Unterhaltung zu bezahlen. Infolgedessen brachten urbane Jugendliche die Party mit mobilen Audiogeräten namens „Sound Systems“, die von der jamaikanischen Kultur eingeführt wurden, auf die Straße.

Während dieser Blockpartys spielten DJs beliebte Musikgenres, insbesondere Funk- und Soulmusik. Ähnlich dem Stil von Disco-DJs zu ihrer Zeit mischten Funk-DJs perkussive Breaks in Songs. Das Mischen und Mischen von Breaks war eine gängige Technik in der jamaikanischen Dub-Musik und wurde später hauptsächlich von Einwanderern aus der Karibik nach New York eingeführt. Diese rhythmischen Neuinterpretationen wurden zu den am meisten erwarteten Teilen von Liedern, zu denen die Leute am meisten tanzten. Ein ganz neuer Tanzstil, der auf den Breaks basiert, entstand, der Breakdance oder „B-Boying“ genannt wird.

Einer der einflussreichsten frühen Hip-Hop-DJs war DJ Kool Herc, der als „Gründervater des Hip-Hop“ bezeichnet wurde. Kool Herc isolierte den Instrumentalteil einer Platte, der den Drumbeat oder „Break“ betonte, und wechselte dann mit zwei Plattenspielern von einem Break zum anderen. Er würde auch zwei Kopien derselben Platte spielen, um die Pause zu verlängern. Dieser Breakbeat-Jonglage-Stil des DJings bildete die Grundlage des Turntablism, der den Aufstieg der Hip-Hop-Musik stark beeinflusste.

Der MC

Um die Menge bei diesen Blockpartys zu hypen, wurden die DJs von einem Master of Ceremonies, auch MC oder Emcee genannt, begleitet. Ein MC würde die DJs präsentieren, die Menge unterhalten, mit dem Publikum sprechen oder sich reimen und gesprochene Vocals über die Musik liefern. In den späten 70er Jahren begannen Plattenlabels wie „Sugar Hill“ vom wachsenden DJ- und MC-Trend zu profitieren. Einige der ersten Rap-Musikplatten wurden von Live-Disco-Bands und einem MC aufgenommen, der über die Musik rappte.

Der Pate des Hip-Hop

Eine der einflussreichsten und wichtigsten Persönlichkeiten der New Yorker Straßenmusikszene war Afrika Bambaataa, auch bekannt als "The Godfather". In vielerlei Hinsicht war Bambaataa ein Visionär, der half, die Jugend der Stadt von Bandengewalt und in die vielen Ausdrucksformen der Hip-Hop-Kultur durch DJing, Rap, Beatboxing, Breakdance und bildende Kunst. Er gründete Zulu Nation, eine musikorientierte Bewegung kreativer Menschen, die an Einheit durch eine positive Hip-Hop-Kultur glaubten.

Schauen Sie sich „Planet Rock“ und „Looking for the Perfect Beat“ an, zwei von Bambaataas Songs, die zu Hip-Hop-Hymnen geworden sind.

Alte Musiktechnologie

In den späten 70er und frühen 80er Jahren begannen Musikinstrumentenhersteller, mehr Hardware-Instrumente zu entwickeln, wie den legendären Roland TR-808, der einer der ersten programmierbaren Drumcomputer war. Als sich die Rap-Musik entwickelte, sahen wir, dass Live-Schlagzeuger durch Drum-Machines ersetzt wurden und vermehrt DJs eingesetzt wurden, die Platten scratchten, um der Musik ein perkussives Element hinzuzufügen. Zu dieser Zeit entstand die Sampling-Technologie und Drum Machines wurden der breiten Öffentlichkeit zu einem für den Durchschnittsverbraucher erschwinglichen Preis zugänglich gemacht. DJs begannen auch, Produzenten zu werden und begannen, Sampling-Technologien zu verwenden, um Breaks in Songs zusammenzusetzen, anstatt Plattenspieler zu verwenden. Legendäre Sampler wie Akais MPC ermöglichten es Produzenten, einen Abschnitt eines Songs zu nehmen und ihn so zu bearbeiten, dass er als Instrument in einer Sequenz gespielt oder zusätzliche Sounds und Texturen hinzugefügt werden konnte. Im Wesentlichen war diese Technik ein frühes Remixing.

Goldenes Zeitalter des Hip-Hop

In den späten 80er Jahren hatte sich Hip-Hop im ganzen Land verbreitet. Plattenfirmen erkannten das Genre als aufkommenden Trend und begannen, viel Geld in die Bewegung zu investieren. Mit der Popularisierung der Kultur entstanden von Stadt zu Stadt neue Szenen und unterschiedliche Stile. Die Musik entwickelte sich schnell und wurde auch komplexer. Die neue Generation von Hip-Hop-Produzenten hatte Zugang zu fortschrittlicheren Drum-Machines und Samplern, die es ihnen ermöglichten, Sampling- und Layering-Sounds auf die nächste Stufe zu heben. Diese neue Ära wurde als das „Goldene Zeitalter“ des Hip-Hop bezeichnet und dauerte in den 80er und frühen 90er Jahren. Hip-Hop war in dieser Zeit weitgehend experimentell und zeichnete sich durch seinen Sound, seine Vielfalt, Innovation, Attitüde und Einflüsse aus verschiedenen Regionen aus. Neue und innovative Produktionstechniken wurden entdeckt, die zu fortschrittlicheren Stilen führten. Sogar der lyrische Inhalt von Hip-Hop-Rappern hat sich weiterentwickelt.

Bemusterung und Urheberrecht

In den frühen 90er Jahren wurde Sampling in der Rap-Musik stark verwendet. Die ursprünglichen Urheberrechtsinhaber der gesampelten Musik hörten, wie Teile ihrer Songs in neuer Rap-Musik verwendet wurden, und stellten fest, dass sie dafür nicht bezahlt werden. Nach vielen rechtlichen Schritten wurden Urheberrechtsgesetze eingeführt, die Künstler dazu verpflichteten, alle Proben im Voraus zu löschen, um Klagen zu vermeiden. Das Clearing von Samples war sehr teuer, und viele Plattenfirmen konnten es sich nicht leisten, alle Samples zu löschen. Die Rap-Musik begann eine ganz neue Richtung einzuschlagen und die Produzenten mussten anfangen, ihre eigenen Sounds zu kreieren, anstatt sich stark auf Samples zu verlassen. Wir fingen an, einen völlig anderen Sound zu hören, weil die Produzenten nicht mehr aus Samples von Funk-, Disco- und Rocksongs schöpften. Die Musik begann viel von ihrem Jazz, Soul und ihrer Ästhetik zu verlieren.

Globale Kultur

Nach der Explosion der Vielfalt Mitte der 80er und 90er Jahre wurde Hip-Hop-Musik kommerzieller und war Ende der 90er Jahre das meistverkaufte Musikgenre. Die Popularität der Hip-Hop-Musik hielt in den 2000er Jahren an und fand schließlich ihren Weg in den Mainstream-Pop und die elektronische Musik. Bis heute ist Hip-Hop weltweit anerkannt und beeinflusst weiterhin Musik, Stile und Kultur auf der ganzen Welt. Es ist ein Lebensstil geworden. Mit den Worten von KRS-One: „Hip-Hop ist etwas, was man lebt, Rap ist etwas, was man tut.“

Musikstiftungsprogramm

Entwirre die Ursprünge der elektronischen Musik, baue deine Koteletts, lerne Musiksprache und -theorie und mache und spiele Musik nach deinen Wünschen. Die Studierenden entwickeln ein tieferes Verständnis der Wurzeln und Abstammung einer Vielzahl von elektronischen und Tanzmusik-Genres, stärken ihre Keyboard-Fähigkeiten und lernen wertvolle Musiktheorie, vertiefen ihre kreative Praxis und ermöglichen eine effektive Zusammenarbeit mit musikalischen Partnern.

Über dieses Programm

Die besten Produzenten, DJs und Musiker der Welt streben danach, abgerundet zu sein. Das solltest du auch. Im Music Foundations Program von Dubspot erkunden Sie drei Hauptaspekte der Musik: rhythmische Theorie, Melodietheorie und kritisches Hören.

Die meisten Pioniere der frühen elektronischen Musiker hatten eine jahrelange Ausbildung am Konservatorium in Theorie und Aufführung, hatten jedoch Zugang zu sehr begrenzten Technologien. In der heutigen Musikwelt ist das Gegenteil der Fall: Wir verfügen über eine leistungsstarke und vielseitige Palette von Werkzeugen zum Erstellen elektronischer Musik, aber oft fehlt unser theoretisches Verständnis dafür, wie elektronische Musik funktioniert.

Unser Music Foundations-Programm wurde entwickelt, um diese Lücke zu schließen und Schulungen in grundlegenden Fähigkeiten und Konzepten mit Blick auf elektronische Musiker, DJs und Produzenten anzubieten. In diesem Kurs bauen Sie Ihre Fähigkeiten auf und lernen die Grundlagen der Musiksprache und -theorie, damit Sie die Musik machen und spielen können, die Sie wollen. Sie werden auch ein tieferes Verständnis der Wurzeln und Abstammung einer Vielzahl von elektronischen und Tanzmusikgenres entwickeln und Kompositionstechniken und Songstrukturen erkunden. Die wöchentlichen Hausaufgabenstunden für alle drei Kurse wurden mit Ableton Live entworfen und nebenbei lernen Sie auch die Grundlagen von Ableton und wie Sie es als leistungsstarkes Werkzeug verwenden können, um Ihre Musikalität auf vielfältige Weise zu verbessern.

Was ist inbegriffen

  • Musikgrundlagen Level 1: Pads & Rhythmic Theory
  • Music Foundations Level 2: Keys & Melodic Theory
  • Music Foundations Level 3: Critical Listening

Weitere Informationen

Besuchen Sie die Musikstiftungen Kursseite für detaillierte Informationen zu diesem Programm Hier.

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Was ist der Ursprung des Raps? - Geschichte

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Die Kunst, Wörter zu rhythmisieren, findet sich in vielen Kulturen. In China nennen sie es Qin-Songs die Ashantes von Afrika nennen ihre Version Opo-Verse auf Jamaika heißt es chatten und in Trinidad ist es Synchronisieren oder Mamaguy. In Westeuropa wird es Poesie genannt.

Doch Rap ist eine afroamerikanische Erfindung. So wie die afroamerikanische Kultur ihr eigenes erkennbares musikalisches Erbe in der Jazzmusik entwickelt hat, ist auch der Rap zu einer Signatur nicht nur der afroamerikanischen Kultur, sondern der Kultur der modernen Jugend geworden, die Meinungen äußert und nach Antworten sucht. Der Rap geht über die Grenzen von Kunst, Kultur, Politik und Gesellschaft hinaus und verwischt die Grenzen von Musik, Texten und Poesie. .

Gedichte in “Roots of Rap: Poetry”

“Alles ist laut” (Pigmy Reim)
“Sangaree” (Sklavenlied)
“Neger spricht von Flüssen” (Langston Hughes)
“Ich selbst” (Angel Gonzales)
“Wir tragen die Maske” (Paul Lawrence Dunbar)
“Starke Männer” (Sterling A. Brown)
“Runagate I & II” (Robert Hayden)
“Am Jüngsten Tag” (Sepho Sempamla)
“Weary Blues” (Langston Hughes)
“Heritage” (Countee Cullen)
“Little Brown Baby” (Paul Lawrence Dunbar)
"Aber er war cool" (Don L. Lee)

Wie Rap verwendet konventionelle Poesie Worte und Rhythmus, um Bild und Bedeutung auf künstlerische und einprägsame Weise zu vermitteln. Die Elemente der Poesie, die wir in The Roots of Rap: Poetry erforschen, umfassen: Symbolik, Standpunkt, Metrum, Reim und Dialekt.

Rap und Geschichte

Vor Tausenden von Jahren haben afrikanische Geschichtenerzähler die Geschichte ihrer Stämme auswendig gelernt und in Worte und Lieder übersetzt. Diese Geschichtenerzähler nannten sich Jollees.

Könige stellten diesen besonderen Geschichtenerzählern Unterkunft, Nahrung und Unterkunft zur Verfügung, die auch aufgerufen waren, Streitigkeiten beizulegen und den Herrschern Ratschläge zu erteilen.

Als Afrikaner im 16. Jahrhundert als Sklaven auf diese Hemisphäre gebracht wurden, brachten sie eine uralte Tradition des Sprechens im Takt mit sich: das, was wir heute als Rappen bezeichnen würden.

Sklaven in den Vereinigten Staaten, beeinflusst vom Rap ihrer afrikanischen Herkunft, sendeten verschlüsselte Botschaften in Form von Liedern und Trommelschlägen. Die Verwendung von Wörtern im Rhythmus zur Übermittlung von Nachrichten (entweder geheim oder öffentlich) ist ein sehr effektiver Sprachgebrauch.

Auch heute noch verwenden Menschen Gesänge und Slogans, wenn sie politisch demonstrieren. Werbetreibende nutzen die Kraft dieser Technik in kommerziellen Jingles.

Rap-Musik ist oft kontrovers und knallhart und nutzt die Kraft der Worte und des Rhythmus, die durch Jahrhunderte des Gebrauchs geschärft wurden, voll aus.

Was die Leute sagen…

“Wow! Du hattest sie in deinen Handflächen. Ich weiß, dass sie diese Lektion noch lange mit sich tragen werden. Ein Muss.” — Genia Flammia, Pearls Hawthorne ES

“Ich habe meine Klassen noch nie so begeistert von einer Aufführung gesehen – ich musste keinem von ihnen sagen, er solle aufhören zu reden! Sie waren so begeistert von den Schauspielern, der Musik, dem Tanz und der Botschaft.” — Denise Casale, Robert Moses MS

“Roots of Rap war sowohl für den Black History Month als auch für unsere Poesie-Genre-Studie hervorragend. Das Material bereichert unseren Lehrplan erheblich und ist eine ausgezeichnete und unterhaltsame Art zu lernen. Lass dieses Programm nicht los!!” — Michele Bodanza, Östliches Suffolk BOCES


Eine Geschichte des Hick-Hop: Die 27-jährige Geschichte des Country-Rap

Es ist einfach nicht möglich, das Hick-Hop-Phänomen zu ignorieren. It&aposs brachte eine Reality-Show, virale Videos und eine blühende Randszene hervor, zusammen mit dem traditionellen Maßstab für Country-Erfolg — Chart-Top-Singles. Diesem aktuellen Trend gingen über ein halbes Jahrhundert Talking-Blues-Aufnahmen voraus: Western-Swinger Tex Williams&aposs "Smoke! Rauch! Rauch! (That Cigarette)" der tüftelnde Southern-Rocker Charlie Daniels"."The Devil Went Down to Georgia" der funky Picker-Erzähler Jerry Reed","When You&aposre Hot, You&aposre Hot" und Johnny Cash", "A Boy Named Sue", um nur einige zu nennen.

Aber Cash und Co. rappen technisch nicht. Animiertes, synkopiertes Sing-Talking war ihre Art, erzählerische Balladen mit Elan zu vermitteln. Die Tradition rhythmischer Country-Rezitationen hat so übergroße Persönlichkeiten wie Toby Keith, Trace Adkins und Big & Rich dazu gebracht, sich auf Hip-Hop-Einflüsse zu stützen. Die Country-Rap-Ästhetik kristallisierte sich, als ein Netzwerk von Musikschaffenden aus Georgia – der Heimat der südlichen Rap-Hauptstadt Atlanta – in Nashville präsent war. Bald wanderten Country-orientierte Mainstream-Rapper zum Country-Format und eine neue Generation von Fans trat mit Twang, Rock und Tupac auf. Hier sind die Meilensteine ​​der Bewegung in Form einer Zeitleiste. Von Jewly Hight



Bemerkungen:

  1. Elisha

    Und dass wir ohne Ihre bemerkenswerte Idee tun würden

  2. Mezile

    Entschuldigung, ich habe diese Nachricht entfernt

  3. Darcell

    Ich habe eine Idee, wenn Sie interessiert sind, können Sie darüber sprechen ...

  4. Malcom

    Es ist nicht klar



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