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Die silberne Perle: Forscher untersuchen die Entstehung eines mittelalterlichen Meisterwerks

Die silberne Perle: Forscher untersuchen die Entstehung eines mittelalterlichen Meisterwerks


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Eine wunderschön geformte Silberperle, die vor Jahren auf der Prager Burg ausgegraben und im Mittelalter hergestellt wurde, wurde vor kurzem untersucht und wiederaufbereitet, was die fortschrittliche Handwerkskunst offenbart, die in ihre Herstellung eingeflossen ist. Forscher nennen die alte Collierperle ein Meisterwerk der Filigranität (detaillierte Muster aus Gold- oder Silberdraht) und sagen, sie gehörte einem der reichsten Menschen, die auf Lumbes Gartenfriedhof auf dem Schlossgelände begraben sind.

Die Prager Burg wurde vor mehr als 1.000 Jahren erbaut und war ab etwa 900 n. Chr. Sitz der sektiererischen und kirchlichen Obrigkeit des Přemyslidenfürstentums und aller späteren mitteleuropäischen Staaten, deren Hauptstadt Prag war.

Blick auf die Prager Burg ( Edgar Barany C / Flickr )

„Der Gartenfriedhof von Lumbe ist ein Ort, an dem die Mitglieder des Adels vom Ende des neunten Jahrhunderts bis zum ersten Viertel des elften Jahrhunderts begraben wurden. Die Perle wurde im Grab einer der reichsten Frauen gefunden. Es war Teil einer Halskette aus 34 Halbedelsteinen, Glasperlen und vier Silberperlen. Auch eine silberne Kaptorga (Amulett-Behälter) und 14 S-förmige Tempelringe gehörten zu den Grabbeigaben“, heißt es in dem Artikel der Forscher in der Zeitschrift Studium der Konservierung .

„Die Perle ist ein Meisterwerk der Filigran- und Granulationsarbeit. Analysen haben die Natur der Löttechnik und die Art der Materialien gezeigt, die von frühmittelalterlichen Handwerkern zu ihrer Herstellung verwendet wurden“, schrieben sie.

Rasterelektronenmikroskopische Aufnahmen der Perle zeigen die detaillierte Arbeit, die in ihren Bau gesteckt wurde. ( Studium der Konservierung Fotos)

Die 12 mm (halbe Zoll) große Silberperle enthält in Teilen kleine Mengen an Gold und Kupfer, nicht mehr als 7 Prozent jedes Metalls. Die Legierung aus Silber plus Kupfer und Gold macht die Perle stärker. Es besteht aus vielen detaillierten und fein gearbeiteten Teilen, die aus zwei Halbkugeln gebildet sind, die mit einem Ring verbunden sind. Die Halbkugeln bestehen aus zwei Teilen aus einem gebogenen Draht, die an den Enden miteinander verlötet und von einem geschlossenen Ring überragt werden.

„Jede Halbkugel trägt eine Verzierung aus vier Ringen, die aus zwei dünneren zusammengelöteten Ringen bestehen und mit einer Körnchenreihe verziert sind. Die gedachten Zentren der Zierringe werden auf Kontaktteile innerer Konstruktionsdrähte gelegt und in ihrer Position ein kleiner geschlossener Ring“, berichten die Forscher.

Um die Perle wiederaufzubereiten, mussten die Experten ihre Ringe formen und schneiden, die omegaförmigen Drähte formen, das Granulat formen und die Stücke löten. Ein Teil des Prozesses ist oben abgebildet. ( Fotografien von L. Sˇ ejvlová und J. Sobek ).

Die Stätte der Prager Burg ist seit prähistorischer Zeit bewohnt, aber Gelehrte glauben, dass die erste dauerhafte Siedlung dort im neunten Jahrhundert bestand. Forscher versuchen, die Stadt zu finden, die die Burg unterstützt haben muss.

„Belastbare archäologische Beweise für eine stabile Siedlung während des gesamten 9. Jahrhunderts fehlen noch“, heißt es auf der Website Heritage Route. „Allerdings ist im angrenzenden Gebiet des heutigen Hradschin und der Kleinseite eine dichte Besiedlung bezeugt. Wir haben es nicht nur mit besiedelten Gebieten zu tun, sondern auch mit wichtigen Produktions- und Handelszentren, die über den dominierenden Hügel der heutigen Prager Burg verstreut waren. Zu dieser Zeit spielte es offenbar eine symbolische Rolle, worauf der Fund eines Kriegergrabs mit Schwert aus der Mitte des 9. Jahrhunderts hinweist. Der mythische Hügel „Žiži“ und der steinerne Thron auf der Spitze des Vorgebirges der Burg, wo die Herzöge installiert wurden, geben einen Eindruck von ihrem hauptsächlich spirituellen Aspekt. Die Überreste der Marienkirche aus dem 9. Jahrhundert, der ersten Kirche an dieser Stelle, stützen diese Theorie. Die Kirche stand auf einem kleinen Vorsprung des Nordhangs der Landzunge, und wir können davon ausgehen, dass sich in ihrer Nachbarschaft ein noch unentdeckter Siedlungskomplex befand.

Auf dem Friedhof rund um die Marienkirche wurde ein Bronzekreuz aus der Zeit um 1000 n. Chr. ausgegraben. ( Institut für Archäologie der Akademie der Wissenschaften der Tschechischen Republik , Prager Burg, Foto von Jan Gloc)

Auf Lumbes Gartenfriedhof wurden viele Artefakte, Metall und andere, gefunden.

Das Gräberfeld befand sich auf dem Gelände der Prager Burg rund um die um 885 n. Chr. erbaute und im 13. Jahrhundert niedergebrannte Marienkirche NS Jahrhundert. Die Marienkirche war erst die zweite Kirche in ganz Böhmen. Die Kirche wurde 1925, 1930, 1950 und 1970 ausgegraben. Archäologen des Instituts für Archäologie der Akademie der Wissenschaften der Tschechischen Republik haben auf dem Friedhof von Lumbe Gardens etwa 141 Gräber ausgegraben.

Dieser goldene Ohrring mit Mäuseköpfen wurde in den 1950er Jahren auf dem Friedhof der Marienkirche ausgegraben. ( Institut für Archäologie der Akademie der Wissenschaften der Tschechischen Republik , Prager Burg, Foto von Jan Gloc)

Ausgewähltes Bild: Die Silberperle auf der Prager Burg gefunden und Details der Perle ( Fotografien von L. Sobek ).

Von Mark Miller


Gemälde mit faszinierenden & geheimen Symbolen & Botschaften

In früheren Zeiten, als es den Menschen verboten war, ihre Meinung oder Überzeugungen öffentlich zu äußern, oder es als unhöflich galt, seine wahren Gefühle zu offenbaren, war ein Gemälde oder eine Skulptur ein geeignetes Medium, in dem ein Künstler eine Botschaft verbergen konnte.

Viele dieser Botschaften waren oft politisch, moralisch oder basierten auf religiösen Allegorien. Einige von ihnen hatten jedoch einen rein amüsanten Charakter – die Art des Künstlers, Spaß zu haben und seine persönlichen Spuren auf der Leinwand zu hinterlassen. Im Laufe der Geschichte, insbesondere im Mittelalter und in der Renaissance, haben berühmte Künstler ihren Kunstwerken verborgene Bedeutungen gegeben. Hier ist eine Auswahl einiger der faszinierendsten versteckten Botschaften in einer Sammlung von Gemälden aus der reichen Kunstgeschichte.


10 Fakten, die Sie vielleicht nicht über das Meisterwerk wissen

1. Sie lebte bei Francois I., Ludwig XIV. und Napoleon

Obwohl da Vinci mit der Arbeit an seinem Meisterwerk begann, während er in seiner Heimat Italien lebte, beendete er es erst, als er auf Wunsch von König François I. nach Frankreich zog. Der französische König stellte das Gemälde in seinem Palast von Fontainebleau aus, wo es ein Jahrhundert lang blieb. Ludwig XIV. brachte es in das große Schloss von Versailles. Zu Beginn des 19. Jahrhunderts behielt Napoleon Bonaparte das Gemälde in seinem Boudoir.

2. Einige Historiker glauben, dass Mona Lisa ein Selbstporträt von Leonardo da Vinci ist.

Leonardo da Vinci starb 1519 und wurde auf einem französischen Schloss begraben. Italiens Nationales Komitee für Kulturerbe führt eine Untersuchung durch und plant, seinen Schädel auszugraben. Sie wollen Leonardos Gesicht mit Hilfe von Technologie im CSI-Stil nachbilden. Wird er der mysteriösen Mona Lisa ähneln?

3. Sie hat ihr eigenes Zimmer im Louvre in Paris.

Nachdem der Louvre 2003 eine vierjährige Renovierung im Wert von 6,3 Millionen US-Dollar eingeleitet hatte, hat das Gemälde jetzt einen eigenen Raum. Eine Glasdecke lässt natürliches Licht herein, eine bruchsichere Glasvitrine hält eine kontrollierte Temperatur von 43 Grad F. und ein kleiner Scheinwerfer bringt die wahren Farben von da Vincis Originalfarben zur Geltung.

4. Es ist ein Gemälde, aber keine Leinwand.

Da Vincis berühmtes Meisterwerk ist auf einem Pappelbrett gemalt. Wenn man bedenkt, dass er es gewohnt war, größere Werke auf nassem Putz zu malen, erscheint ein Holzbrett nicht so abwegig. Leinwand stand Künstlern seit dem 14. Jahrhundert zur Verfügung, aber viele Meister der Renaissance bevorzugten Holz als Grundlage für ihre kleinen Kunstwerke.

5. Jackie Kennedy hat sie zu einem Besuch eingeladen.

Im Laufe der Jahrhunderte haben französische Beamte das Gemälde nur selten aus den Augen gelassen. Als First Lady Jackie Kennedy jedoch fragte, ob das Gemälde die USA besuchen könne, stimmte der französische Präsident de Gaulle zu. "Mona Lisa" wurde in der National Gallery of Art in Washington D.C. und dann im Metropolitan Museum of the Arts in New York City ausgestellt.

6. Ein Dieb hat sie berühmt gemacht.

Obwohl das Gemälde in der Kunstwelt seit jeher ein anerkanntes Meisterwerk war, erregte es erst nach seinem Diebstahl im Sommer 1911 die Aufmerksamkeit der Öffentlichkeit. Zeitungen verbreiten die Geschichte des Verbrechens weltweit. Als das Gemälde zwei Jahre später endlich in den Louvre zurückkehrte, jubelte praktisch die ganze Welt.

7. Picasso wurde des Diebstahls verdächtigt. Bei den Ermittlungen gingen die Gendarmen sogar so weit, bekannte Kunstdissidenten wie Pablo Picasso zu dem Diebstahl zu befragen. Sie nahmen den Dichter Guillaume Apollinaire kurzzeitig fest, der einmal gesagt hatte, das Gemälde solle verbrannt werden. Ihr Verdacht erwies sich als unbegründet.

8. Sie erhält Fanpost.

Seit das Gemälde 1815 zum ersten Mal im Louvre ankam, hat "Mona Lisa" viele Liebesbriefe und Blumen von Bewunderern erhalten. Sie hat sogar ihren eigenen Briefkasten.

9. Nicht jeder ist ein Fan.

Verschiedene Vandalen haben versucht, da Vincis berühmtes Meisterwerk zu beschädigen, und 1956 war ein besonders schlechtes Jahr. In zwei verschiedenen Angriffen warf eine Person Säure auf das Gemälde und eine andere Person bewarf es mit einem Stein. Der Schaden ist schwach, aber immer noch erkennbar. Die Zugabe von kugelsicherem Glas wehrte 1974 nachfolgende Angriffe mit Sprühfarbe und 2009 mit einer Kaffeetasse ab.

10. Sie kann nicht gekauft oder verkauft werden.

Das Gemälde ist wirklich unbezahlbar und kann gemäß dem französischen Denkmalschutzgesetz weder gekauft noch verkauft werden. Als Teil der Louvre-Kollektion gehört "Mona Lisa" der Öffentlichkeit, und nach allgemeiner Meinung gehört ihr ihr Herz.


Inhalt

Äußeres Bearbeiten

Wenn die Flügel des Triptychons geschlossen sind, wird das Design der Außenwände sichtbar. In grün-grauer Grisaille gehalten, [5] fehlt diesen Tafeln die Farbe, wahrscheinlich weil die meisten niederländischen Triptychen auf diese Weise gemalt wurden, was jedoch möglicherweise darauf hindeutet, dass das Gemälde eine Zeit vor der Erschaffung der Sonne und des Mondes widerspiegelt, die laut Christian . entstanden sind Theologie, "der Erde Licht zu geben". [6] Die typische Grisaille-Fassung niederländischer Altaraufsätze diente dazu, die prächtige Farbe im Inneren hervorzuheben. [7]

Es wird allgemein angenommen, dass die äußeren Platten die Erschaffung der Welt darstellen [8] und das Grün zeigt, das beginnt, die noch unberührte Erde zu kleiden. [9] Gott, der eine Krone ähnlich einer päpstlichen Tiara trägt (eine übliche Konvention in der niederländischen Malerei), [6] ist oben links als winzige Figur zu sehen. Bosch zeigt Gott als den Vater, der mit einer Bibel auf dem Schoß sitzt und die Erde passiv durch göttlichen Befehl erschafft. [10] Über ihm steht ein Zitat aus Psalm 33 mit der Aufschrift „Ipse dīxit, et facta sunt: ​​ipse mandāvit, et creāta sunt“—Denn er sprach und es geschah, befahl er, und es stand fest. [11] Die Erde ist in eine transparente Kugel eingekapselt, die an die traditionelle Darstellung der geschaffenen Welt als eine von Gott oder Christus gehaltene Kristallkugel erinnert. [12] Es hängt im Kosmos, der sich als undurchlässige Dunkelheit zeigt, deren einziger anderer Bewohner Gott selbst ist. [6]

Trotz der Vegetation enthält die Erde noch kein menschliches oder tierisches Leben, was darauf hindeutet, dass die Szene die Ereignisse des biblischen dritten Tages darstellt. [4] Bosch gibt das Pflanzenleben auf ungewöhnliche Weise wieder, indem er einheitlich graue Farbtöne verwendet, die es schwierig machen, zu erkennen, ob die Motive rein pflanzlich sind oder vielleicht mineralische Formationen enthalten. [4] Das Innere des Globus ist vom Meer umgeben, das teilweise von Lichtstrahlen beleuchtet wird, die durch Wolken scheinen. Die Außenflügel nehmen eine klare Position innerhalb der sequentiellen Erzählung des Gesamtwerks ein. Sie zeigen eine unbewohnte Erde, die nur aus Felsen und Pflanzen besteht, und kontrastiert scharf mit der inneren Mitteltafel, die ein Paradies voller lustvoller Menschlichkeit enthält.

Interieur Bearbeiten

Wissenschaftler haben vorgeschlagen, dass Bosch die äußeren Tafeln verwendet hat, um einen biblischen Rahmen für die inneren Elemente des Werks zu schaffen, [5] und das äußere Bild wird im Allgemeinen als in einer früheren Zeit als die im Inneren interpretiert interpretiert. Wie bei Bosch Haywain Triptychon, das innere Herzstück wird von himmlischen und höllischen Bildern flankiert. Es wird angenommen, dass die im Triptychon dargestellten Szenen einer chronologischen Reihenfolge folgen: Von links nach rechts fließend repräsentieren sie Eden, den Garten der irdischen Freuden, und die Hölle. [13] Gott erscheint als Schöpfer der Menschheit im linken Flügel, während die Folgen der Nichtbefolgung seines Willens durch die Menschheit auf der rechten Seite dargestellt werden.

Im Gegensatz zu den beiden anderen kompletten Triptychen von Bosch Das Jüngste Gericht (um 1482) und Der Haywain (nach 1510) fehlt Gott auf der Mitteltafel. Stattdessen zeigt dieses Panel die Menschheit, die mit scheinbar freiem Willen handelt, während nackte Männer und Frauen verschiedene vergnügensuchende Aktivitäten ausüben. Nach einigen Interpretationen wird angenommen, dass die rechte Tafel Gottes Strafen in einer Höllenlandschaft zeigt. [14]

Der Kunsthistoriker Charles de Tolnay glaubte, dass die linke Tafel durch den verführerischen Blick Adams bereits Gottes nachlassenden Einfluss auf die neu geschaffene Erde zeigt. Diese Ansicht wird durch die Darstellung Gottes in den Außentafeln als winzige Figur im Vergleich zur Unermesslichkeit der Erde verstärkt. [13] Laut Hans Belting versuchen die drei inneren Tafeln, die alttestamentliche Vorstellung im Großen und Ganzen zu vermitteln, dass es vor dem Sündenfall keine definierte Grenze zwischen Gut und Böse gab, deren Unschuld sich der Konsequenzen nicht bewusst war. [fünfzehn]

Linker Bereich Bearbeiten

Das linke Feld (manchmal auch als bekannt) Vereinigung von Adam und Eva) [17] zeigt eine Szene aus dem Paradies des Gartens Eden, die gemeinhin als der Moment interpretiert wird, in dem Gott Adam Eva präsentiert. Das Gemälde zeigt Adam, der aus einem tiefen Schlaf aufwacht und Gott Eva an ihrem Handgelenk hält und ihrer Vereinigung das Zeichen seines Segens gibt. Gott sieht jünger aus als auf den Außenwänden, blauäugig und mit goldenen Locken. Sein jugendliches Aussehen mag ein Mittel des Künstlers sein, um das Konzept von Christus als Menschwerdung des Wortes Gottes zu veranschaulichen. [18] Gottes rechte Hand ist segnend erhoben, während er mit der linken Evas Handgelenk hält. Der umstrittenste Interpret des Werks, der Volkskundler und Kunsthistoriker des 20. Jahrhunderts Wilhelm Fraenger:

Als ob er das Pulsieren des lebendigen Blutes genoss und als ob er auch die ewige und unveränderliche Gemeinschaft zwischen diesem Menschenblut und seinem eigenen besiegelte. Dieser physische Kontakt zwischen dem Schöpfer und Eva wiederholt sich noch deutlicher in der Art und Weise, wie Adams Zehen den Fuß des Herrn berühren. Hier ist die Betonung eines Rapports: Adam scheint sich tatsächlich zu seiner vollen Länge zu strecken, um Kontakt mit dem Schöpfer aufzunehmen. Und auch das Aufblähen des Mantels um das Herz des Schöpfers, von dem aus das Gewand in markanten Falten und Konturen zu Adams Füßen fällt, scheint auch darauf hinzuweisen, dass hier ein Strom göttlicher Kraft nach unten fließt, so dass diese Dreiergruppe tatsächlich eine geschlossene bildet Kreislauf, ein Komplex magischer Energie. [19]

Eve vermeidet Adams Blick, obwohl sie laut Walter S. Gibson "verführerisch ihren Körper Adam präsentiert" gezeigt wird. [20] Adams Ausdruck ist verblüfft, und Fraenger hat zu seiner scheinbaren Verwunderung drei Elemente identifiziert. Erstens ist die Gegenwart Gottes überrascht. Zweitens reagiert er auf das Bewusstsein, dass Eva von derselben Natur ist wie er selbst und aus seinem eigenen Körper geschaffen wurde. Schließlich kann aus der Intensität von Adams Blick geschlossen werden, dass er zum ersten Mal sexuelle Erregung und den ursprünglichen Drang zur Fortpflanzung erlebt. [21]

Die umliegende Landschaft wird von hüttenförmigen Formen bevölkert, die teilweise aus Stein, andere zumindest teilweise organisch sind. Hinter Eva spielen Kaninchen, die Fruchtbarkeit symbolisieren, im Gras, und ein Drachenbaum gegenüber soll das ewige Leben darstellen. [20] Der Hintergrund zeigt mehrere Tiere, die für zeitgenössische Europäer exotisch gewesen wären, darunter eine Giraffe, ein Elefant und ein Löwe, der seine Beute getötet hat und im Begriff ist, seine Beute zu verschlingen. Im Vordergrund, aus einem großen Loch im Boden, tauchen Vögel und geflügelte Tiere auf, teils realistisch, teils phantastisch. Hinter einem Fisch hält eine mit einer kurzärmeligen Kapuzenjacke bekleidete Person mit Entenschnabel ein aufgeschlagenes Buch, als würde sie lesen. Links neben dem Bereich hält eine Katze ein kleines eidechsenähnliches Wesen im Maul. Belting stellt fest, dass, obwohl die Kreaturen im Vordergrund phantastische Einbildungen sind, viele der Tiere in der Mitte und im Hintergrund der zeitgenössischen Reiseliteratur entnommen sind, und Bosch appelliert hier an "das Wissen einer humanistisch und aristokratischen Leserschaft". [22] Erhard Reuwichs Bilder zu Bernhard von Breydenbachs 1486 Pilgerreisen ins Heilige Land galten lange Zeit als Quelle sowohl für den Elefanten als auch für die Giraffe, obwohl neuere Forschungen darauf hinweisen, dass die Reiseberichte des Humanisten Cyriac von Ancona aus der Mitte des 15. [22]

Laut der Kunsthistorikerin Virginia Tuttle ist die Szene „sehr unkonventionell [und] kann nicht als eines der Ereignisse aus dem Buch Genesis identifiziert werden, die traditionell in der westlichen Kunst dargestellt werden“. [23] Einige der Bilder widersprechen der im Garten Eden erwarteten Unschuld. Tuttle und andere Kritiker haben den Blick Adams auf seine Frau als lustvoll interpretiert und als Hinweis auf den christlichen Glauben, dass die Menschheit von Anfang an dem Untergang geweiht war. [23] Gibson glaubt, dass Adams Gesichtsausdruck nicht nur Überraschung, sondern auch Erwartung verrät. Nach einem im Mittelalter verbreiteten Glauben hätten sich Adam und Eva vor dem Sündenfall ohne Begierde begattet, nur um sich fortzupflanzen. Viele glaubten, dass die erste Sünde, die begangen wurde, nachdem Eva die verbotene Frucht gekostet hatte, fleischliche Begierde war. [24] Rechts an einem Baum windet sich eine Schlange um einen Baumstamm, rechts kriecht nach Fraenger eine Maus, beide Tiere sind universelle phallische Symbole. [25]

Mittelfeld Bearbeiten

Die Skyline der Mitteltafel (220 × 195 cm) stimmt genau mit der des linken Flügels überein, während die Positionierung des zentralen Beckens und des dahinter liegenden Sees den See in der früheren Szene widerspiegelt. Das mittlere Bild zeigt die weitläufige Gartenlandschaft, die dem Triptychon seinen Namen gibt. Die Tafel hat mit dem linken Flügel einen gemeinsamen Horizont, was eine räumliche Verbindung zwischen den beiden Szenen suggeriert.[26] Im Garten wimmelt es von männlichen und weiblichen Akten sowie einer Vielzahl von Tieren, Pflanzen und Früchten. [27] Der Schauplatz ist nicht das im linken Feld gezeigte Paradies, aber auch nicht im irdischen Bereich. [28] Phantastische Kreaturen vermischen sich mit den echten ansonsten gewöhnlichen Früchten, die zu einer gigantischen Größe angeschwollen erscheinen. Die Figuren betreiben verschiedene Liebessportarten und -aktivitäten, sowohl in Paaren als auch in Gruppen. Gibson beschreibt sie als "offen und ohne Scham", während die Kunsthistorikerin Laurinda Dixon schreibt, dass die menschlichen Figuren "eine gewisse jugendliche sexuelle Neugier" aufweisen. [17]

Viele der zahlreichen Menschengestalten schwelgen in unschuldiger, selbstbezogener Freude bei unterschiedlichsten Aktivitäten, manche scheinen sinnliche Freuden zu haben, andere spielen unbefangen im Wasser und wieder andere tummeln sich auf Wiesen mit einer Vielzahl von Tieren, scheinbar eins mit der Natur. In der Mitte des Hintergrunds erhebt sich inmitten eines Sees eine große blaue Kugel, die einer Fruchtschote ähnelt. Durch das runde Fenster ist ein Mann zu sehen, der seine rechte Hand dicht an die Genitalien seines Partners hält, und in der Nähe schwebt das nackte Gesäß einer weiteren Figur. Laut Fraenger kann die Erotik des Mittelrahmens entweder als Allegorie des spirituellen Übergangs oder als Spielplatz der Korruption betrachtet werden. [30]

Rechts im Vordergrund steht eine Gruppe von vier Figuren, drei hell und eine schwarzhäutig. Die hellhäutigen Figuren, zwei Männchen und eine Weibchen, sind von Kopf bis Fuß mit hellbrauner Körperbehaarung bedeckt. Gelehrte sind sich im Allgemeinen einig, dass diese behaarten Figuren die wilde oder urzeitliche Menschheit repräsentieren, sind sich jedoch über die Symbolik ihrer Einbeziehung nicht einig. Der Kunsthistoriker Patrik Reuterswärd beispielsweise postuliert, dass sie als "edler Wilder" angesehen werden können, der "eine imaginierte Alternative zu unserem zivilisierten Leben" darstellt, und verleiht dem Panel "eine klarer primitivistische Note". [32] Der Schriftsteller Peter Glum hingegen sieht die Figuren als untrennbar mit Hurerei und Lust verbunden. [33]

In einer Höhle rechts unten zeigt eine männliche Figur auf eine liegende, ebenfalls behaarte Frau. Der zeigende Mann ist die einzige bekleidete Figur auf der Tafel, und wie Fraenger bemerkt, "ist er bis zum Hals mit nachdrücklicher Strenge bekleidet". [34] Außerdem ist er einer der wenigen Menschen mit dunklem Haar. Laut Fraenger:

Die Art und Weise, wie das dunkle Haar dieses Mannes wächst, mit der scharfen Wölbung in der Mitte seiner hohen Stirn, als ob dort die ganze Energie des männlichen M konzentriert würde, unterscheidet sein Gesicht von allen anderen. Seine kohlschwarzen Augen sind starr auf einen Blick gerichtet, der zwingende Kraft ausdrückt. Die Nase ist ungewöhnlich lang und kühn geschwungen. Der Mund ist weit und sinnlich, aber die Lippen sind fest in einer geraden Linie geschlossen, die Ecken stark gezeichnet und zu Endpunkten zusammengezogen, was den von den Augen schon angedeuteten Eindruck eines starken beherrschenden Willens verstärkt. Es ist ein außerordentlich faszinierendes Gesicht, das an Gesichter berühmter Männer, besonders an Machiavellis, erinnert, und das ganze Gesicht des Kopfes suggeriert etwas Mediterranes, als hätte dieser Mann sein offenes, forschendes, überlegenes Äußeres an italienischen Akademien erworben. [34]

Der zeigende Mann wurde verschiedentlich als Patron des Werkes (Fraenger 1947), als Verfechter Adams, der Eva denunzierte (Dirk Bax 1956), als Heiliger Johannes der Täufer in seiner Kamelhaut (Isabel Mateo Goméz 1963) beschrieben. , [35] oder als Selbstporträt. [15] Die Frau unter ihm liegt in einem halbzylindrischen transparenten Schild, während ihr Mund verschlossen ist, was darauf hindeutet, dass sie ein Geheimnis trägt. Zu ihrer Linken liegt ein von Blättern gekrönter Mann auf einer scheinbar riesigen Erdbeere, zu der sich ein Mann und eine Frau gesellen, die eine weitere ebenso riesige Erdbeere betrachten. [35]

Im Vordergrund steht keine perspektivische Ordnung, sondern eine Reihe kleiner Motive, in denen Proportionen und irdische Logik aufgegeben werden. Bosch präsentiert dem Betrachter gigantische Enten, die mit winzigen Menschen spielen, unter dem Deckmantel überdimensionaler Fruchtfische, die an Land laufen, während Vögel im Wasser leben, ein leidenschaftliches Paar in einer Fruchtblase und ein Mann in einer roten Frucht, der eine Maus in a . anstarrt transparenter Zylinder. [36]

Die Becken im Vorder- und Hintergrund enthalten Badegäste beiderlei Geschlechts. Im zentralen kreisförmigen Becken sind die Geschlechter meist getrennt, mit mehreren Weibchen, die von Pfauen und Früchten geschmückt sind. [31] Vier Frauen tragen kirschähnliche Früchte auf dem Kopf, vielleicht ein Symbol des damaligen Stolzes, wie aus dem zeitgenössischen Sprichwort abgeleitet wurde: „Esse keine Kirschen mit großen Herren – sie werfen die Kerne in deine Gesicht." [37] Die Frauen sind umgeben von einer Parade nackter Männer, die auf Pferden, Eseln, Einhörnern, Kamelen und anderen exotischen oder fantastischen Kreaturen reiten. [28] Mehrere Männer zeigen beim Reiten Akrobatik, offenbar Handlungen, die darauf abzielen, die Aufmerksamkeit der Frauen zu erregen, was die Anziehungskraft zwischen den beiden Geschlechtern als Gruppen unterstreicht. [31] Die beiden äußeren Quellen enthalten auch Männer und Frauen, die sich mit Hingabe tummeln. Um sie herum befallen Vögel das Wasser, während geflügelte Fische an Land kriechen. Der Mensch bewohnt riesige Muscheln. Alle sind von überdimensionalen Frucht- und Eierschalen umgeben, und Mensch und Tier schlemmen Erdbeeren und Kirschen.

Der Eindruck eines ohne Konsequenz gelebten Lebens oder was der Kunsthistoriker Hans Belting als "unberührtes und vormoralisches Dasein" bezeichnet, wird durch die Abwesenheit von Kindern und alten Menschen unterstrichen. [38] Gemäß dem zweiten und dritten Kapitel der Genesis wurden die Kinder von Adam und Eva geboren, nachdem sie aus Eden vertrieben worden waren. Dies hat einige Kommentatoren, insbesondere Belting, zu der Theorie veranlasst, dass das Panel die Welt repräsentiert, wenn die beiden nicht "zwischen den Dornen und Disteln der Welt" vertrieben worden wären. Nach Fraengers Ansicht illustriert die Szene "eine Utopie, einen Garten der göttlichen Wonne vor dem Sündenfall oder - da Bosch die Existenz des Dogmas der Erbsünde nicht leugnen konnte - einen tausendjährigen Zustand, der entstehen würde, wenn nach Sühne der Erbsünde der Menschheit wurde erlaubt, ins Paradies zurückzukehren und in einen Zustand friedlicher Harmonie, die die ganze Schöpfung umfasst." [39]

In großer Entfernung des Hintergrunds, über den hybriden Steinformationen, sind vier Gruppen von Menschen und Kreaturen im Flug zu sehen. Unmittelbar links reitet ein menschliches Männchen auf einem chthonischen Sonnenadlerlöwen. Der Mensch trägt einen dreiverzweigten Lebensbaum, auf dem nach Fraenger ein Vogel "ein symbolischer Todesvogel" thront. Fraenger glaubt, dass der Mann ein Genie darstellen soll, "er ist das Symbol für die Auslöschung der Dualität der Geschlechter, die im Äther in ihren ursprünglichen Zustand der Einheit aufgelöst werden". [40] Zu ihrer Rechten segelt ein Ritter mit einem Delphinschwanz auf einem geflügelten Fisch. Der Schwanz des Ritters rollt sich zurück, um seinen Hinterkopf zu berühren, was auf das gemeinsame Symbol der Ewigkeit verweist: die Schlange, die sich in den eigenen Schwanz beißt. Unmittelbar rechts von der Tafel erhebt sich ein geflügelter Jüngling mit einem Fisch in den Händen und einem Falken auf dem Rücken. [40] In diesen Passagen, so Belting, triumphiert Boschs „Imagination. [15] Fraenger betitelte sein Kapitel über den hohen Hintergrund "The Ascent to Heaven" und schrieb, dass die fliegenden Figuren wahrscheinlich als Verbindung zwischen "was oben" und "was unten ist" gedacht waren, genau wie die linke und rechte Hand Panels repräsentieren "was war" und "was sein wird". [41]

Rechtes Bedienfeld Bearbeiten

Die rechte Tafel (220 × 97,5 cm) zeigt die Hölle, die Kulisse mehrerer Bosch-Gemälde. Bosch schildert eine Welt, in der die Menschen den Versuchungen erlegen sind, die zum Bösen führen und die ewige Verdammnis ernten. Der Ton dieses letzten Panels steht in scharfem Kontrast zu den vorangegangenen. Die Szene spielt bei Nacht, und die natürliche Schönheit, die die früheren Tafeln schmückte, fehlt merklich. Im Vergleich zur Wärme des Mittelfeldes besitzt der rechte Flügel eine erschreckende Qualität – wiedergegeben durch kalte Farbgebung und gefrorene Wasserwege – und präsentiert ein Tableau, das sich vom Paradies des Mittelbildes zu einem Spektakel grausamer Folter und Vergeltung gewandelt hat. [42] In einer einzigen, detailgenauen Szene wird der Betrachter Zeuge von brennenden Städten im Hintergrund, Krieg, Folterkammern, höllischen Tavernen und Dämonen im Mittelgrund und mutierten Tieren, die sich im Vordergrund von menschlichem Fleisch ernähren. [43] Die Nacktheit der menschlichen Figuren hat ihre ganze Erotik verloren, und viele versuchen nun, ihre Genitalien und Brüste mit den Händen zu bedecken, beschämt vor ihrer Nacktheit. [18]

Große Explosionen im Hintergrund werfen Licht durch die Stadttore und ergießen sich im Mittelgrund ins Wasser, so der Schriftsteller Walter S. Gibson, "ihr feuriges Spiegelbild verwandelt das Wasser darunter in Blut". [18] Das Licht beleuchtet eine Straße voller fliehender Gestalten, während Horden von Peinigern sich darauf vorbereiten, ein benachbartes Dorf niederzubrennen. [44] In kurzer Entfernung trägt ein Kaninchen eine aufgespießte und blutende Leiche, während oben eine Gruppe von Opfern in eine brennende Laterne geworfen wird. [45] Der Vordergrund wird von einer Vielzahl von verzweifelten oder gequälten Figuren bevölkert. Einige werden beim Erbrechen oder Ausscheiden gezeigt, andere werden in einer Allegorie der Musik von Harfe und Laute gekreuzigt und verschärfen so den Kontrast zwischen Lust und Qual. Ein Chor singt aus einer Partitur, die auf ein Paar Hinterbacken geschrieben ist, [42] Teil einer Gruppe, die als "Musikerhölle" bezeichnet wird. [46]

Im Mittelpunkt der Szene steht der „Baum-Mann“, dessen höhlenartiger Torso von verrenkten Armen oder verrottenden Baumstämmen getragen wird. Sein Kopf trägt eine Scheibe, die von Dämonen und Opfern bevölkert ist, die um einen riesigen Dudelsack herumlaufen – oft als doppeltes sexuelles Symbol verwendet [42] – der an menschliche Hodensack und Penis erinnert. Der Torso des Baummannes besteht aus einer zerbrochenen Eierschale, und der tragende Stamm hat dornenartige Äste, die den zerbrechlichen Körper durchbohren. Eine graue Gestalt mit Kapuze, die einen Pfeil zwischen seinem Gesäß trägt, klettert über eine Leiter in die zentrale Höhle des Baummanns, wo nackte Männer in einer Taverne sitzen. Der Baummann blickt über den Betrachter hinaus, sein verschwörerischer Ausdruck eine Mischung aus Wehmut und Resignation. [47] Belting fragte sich, ob das Gesicht des Baummanns ein Selbstporträt sei, und zitierte den "Ausdruck der Ironie und den leicht seitlichen Blick der Figur, der dann die Signatur eines Künstlers darstellen würde, der eine bizarre Bildwelt für sich beanspruchte". Vorstellung". [42]

Viele Elemente des Panels beinhalten frühere ikonographische Konventionen, die die Hölle darstellen. Innovativ ist Bosch jedoch insofern, als er die Hölle nicht als einen fantastischen Ort beschreibt, sondern als eine realistische Welt, die viele Elemente des menschlichen Alltags enthält. [43]

Tiere werden gezeigt, wie sie Menschen bestrafen und sie alptraumhaften Qualen aussetzen, die die sieben Todsünden symbolisieren können und die Qual mit der Sünde in Einklang bringen. Auf einem Objekt sitzend, das eine Toilette oder ein Thron sein kann, ist das Herzstück der Tafel ein riesiges vogelköpfiges Monster, das sich an menschlichen Leichen labt, die er durch einen Hohlraum unter sich in den durchsichtigen Nachttopf, auf dem er sitzt, ausscheidet. [47] Das Monster wird manchmal als "Prinz der Hölle" bezeichnet, ein Name, der von dem Kessel abgeleitet ist, den er auf seinem Kopf trägt und möglicherweise eine entwürdigte Krone darstellt. [43] Zu seinen Füßen spiegelt sich das Gesicht einer Frau auf dem Gesäß eines Dämons. Weiter links, neben einem harsköpfigen Dämon, wird eine Gruppe nackter Personen um einen umgestürzten Spieltisch herum mit Schwertern und Messern massakriert. Andere brutale Gewalt zeigt ein Ritter, der rechts neben dem Baummann von einem Rudel Wölfe niedergerissen und aufgefressen wird.

Während des Mittelalters wurden Sexualität und Lust von manchen als Beweis für den Sündenfall der Menschheit angesehen. In den Augen einiger Betrachter wird diese Sünde in der linken Tafel durch Adams angeblich lüsternen Blick auf Eva dargestellt, und es wurde vorgeschlagen, dass die mittlere Tafel als Warnung an den Betrachter geschaffen wurde, ein sündiges Leben zu vermeiden Vergnügen. [48] ​​Nach dieser Ansicht wird die Strafe für solche Sünden in der rechten Tafel des Triptychons angezeigt. In der unteren rechten Ecke nähert sich einem Mann ein Schwein, das den Schleier einer Nonne trägt. Das Schwein wird gezeigt, wie es versucht, den Mann zu verführen, um juristische Dokumente zu unterschreiben. Lust soll auch durch die gigantischen Musikinstrumente und durch die Chorsänger im linken Vordergrund der Tafel symbolisiert werden. Musikinstrumente trugen oft erotische Konnotationen in Kunstwerken der Zeit, und Lust wurde in moralisierenden Quellen als "Musik des Fleisches" bezeichnet. Es gab auch die Ansicht, dass Boschs Verwendung von Musik hier eine Zurechtweisung gegen reisende Spielleute sein könnte, die oft als Lieferanten von unanständigen Liedern und Versen angesehen werden. [49]

Die Datierung von Der Garten der irdischen Freuden ist unsicher. Ludwig von Baldass (1917) hielt das Gemälde für ein Frühwerk Boschs. [50] Seit De Tolnay (1937) [51] wurde das Werk jedoch im Konsens der Kunsthistoriker des 20. Sowohl frühe als auch späte Datierungen basierten auf der "archaischen" Behandlung des Weltraums. [52] Die Dendrochronologie datiert die Eiche der Tafeln zwischen den Jahren 1460 und 1466 und liefert ein frühestes Datum (Endstation nach quem) für die Arbeit. [53] Holz, das in dieser Zeit für Tafelbilder verwendet wurde, wurde üblicherweise zu Würzzwecken einer längeren Lagerung unterzogen, so dass das Alter der Eiche wahrscheinlich um mehrere Jahre vor dem tatsächlichen Datum des Gemäldes liegt. Interne Beweise, insbesondere die Darstellung einer Ananas (einer Frucht der "Neuen Welt"), legen nahe, dass das Gemälde selbst auf die Reisen von Kolumbus nach Amerika zwischen 1492 und 1504 datiert. [53] Die dendrochronologische Forschung brachte Vermet [54] dazu, die frühe Datierung und folglich das Vorhandensein von Objekten der "Neuen Welt" zu bestreiten und stattdessen die Anwesenheit von afrikanischen zu betonen. [55]

Der Garten wurde erstmals 1517, ein Jahr nach dem Tod des Künstlers, urkundlich erwähnt, als Antonio de Beatis, ein Domherr aus Molfetta, Italien, das Werk als Teil der Dekoration im Stadtpalais der Grafen des Hauses Nassau in Brüssel beschrieb. [56] Der Palast war ein hochkarätiger Ort, ein Haus, das oft von Staatsoberhäuptern und führenden Persönlichkeiten des Hofes besucht wurde. Die Bedeutung des Gemäldes hat einige zu der Schlussfolgerung veranlasst, dass das Werk in Auftrag gegeben wurde und nicht "nur . ein Flug der Fantasie". [57] Eine Beschreibung des Triptychons im Jahr 1605 nannte es das "Erdbeergemälde", weil die Frucht des Erdbeerbaums (madroño auf Spanisch) ist prominent in der Mitteltafel zu finden. Frühe spanische Schriftsteller bezeichneten das Werk als La Lujuria ("Lust"). [52]

Die vom Humanismus beeinflusste Aristokratie der burgundischen Niederlande war der wahrscheinlichste Sammler von Boschs Gemälden, aber es gibt nur wenige Aufzeichnungen über den Standort seiner Werke in den Jahren unmittelbar nach seinem Tod. [58] Der Auftraggeber des Werkes dürfte der 1504 verstorbene Engelbrecht II. von Nassau oder sein Nachfolger Heinrich III. von Nassau-Breda, Statthalter mehrerer habsburgischer Provinzen in den Niederlanden, gewesen sein. De Beatis schrieb in seinem Reisetagebuch, dass "es gibt einige Tafeln, auf denen bizarre Dinge gemalt sind. Sie stellen Meere, Himmel, Wälder, Wiesen und viele andere Dinge dar, wie zum Beispiel Menschen, die aus einer Muschel kriechen, andere, die Vögel hervorbringen." , Männer und Frauen, Weiße und Schwarze, die alle möglichen Aktivitäten und Posen ausführen." [59] Da das Triptychon im Palast des Hauses Nassau öffentlich ausgestellt wurde, war es für viele sichtbar und Boschs Ruf verbreitete sich schnell in ganz Europa. Die Popularität des Werks lässt sich an den zahlreichen erhaltenen Kopien – in Öl, Kupferstich und Wandteppich – messen, die von wohlhabenden Auftraggebern in Auftrag gegeben wurden, sowie an der Zahl der Fälschungen, die nach seinem Tod im Umlauf waren. [60] Die meisten sind nur von der Mitteltafel und weichen nicht vom Original ab. Diese Kopien wurden in der Regel in viel kleinerem Maßstab gemalt und unterscheiden sich in ihrer Qualität erheblich. Viele wurden eine Generation nach Bosch geschaffen, und einige nahmen die Form von Wandteppichen an. [61]

Die erst in den 1960er Jahren von Steppe wiederentdeckte De Beatis-Beschreibung [56] wirft ein neues Licht auf die Beauftragung eines Werkes, das zuvor – da es kein zentrales religiöses Bild hat – für ein atypisches Altarbild gehalten wurde. Viele niederländische Diptychen für den privaten Gebrauch sind bekannt, sogar einige Triptychen, aber die Bosch-Tafeln sind im Vergleich zu diesen ungewöhnlich groß und enthalten keine Stifterporträts. Möglicherweise wurden sie beauftragt, eine Hochzeit zu feiern, wie es häufig große italienische Gemälde für Privathäuser waren. [62] Trotzdem Der Garten 's kühne Darstellungen schließen einen kirchlichen Auftrag nicht aus, so eifrig warnte er gleichzeitig vor Unmoral. [52] 1566 diente das Triptychon als Vorlage für einen Wandteppich, der im Kloster El Escorial bei Madrid hängt. [63]

Nach dem Tod Heinrichs III. gelangte das Gemälde in die Hände seines Neffen Wilhelm des Schweigenden, des Gründers des Hauses Oranien-Nassau und Anführer der niederländischen Revolte gegen Spanien. 1568 jedoch beschlagnahmte der Herzog von Alba das Bild und brachte es nach Spanien, [64] wo es Eigentum eines Don Fernando wurde, des unehelichen Sohnes und Erben des Herzogs und des spanischen Feldherrn in den Niederlanden. [65] Philipp II. erwarb das Gemälde 1591 bei einer Auktion, zwei Jahre später schenkte er es El Escorial. Eine zeitgleiche Beschreibung der Übergabe berichtet von der Schenkung am 8. Juli 1593 [52] eines "Ölgemäldes mit zwei Flügeln, die die Vielfalt der Welt darstellen, illustriert mit Grotesken von Hieronymus Bosch, bekannt als 'Del Madroño'". [66] Nach ununterbrochenen 342 Jahren in El Escorial zog das Werk 1939 zusammen mit anderen Werken von Bosch ins Museo del Prado [67]. Das Triptychon war nicht besonders gut erhalten, die Farbe der Mitteltafel war vor allem im Bereich der Holzfugen abgeplatzt. [52] Durch jüngste Restaurierungsarbeiten ist es jedoch gelungen, es in einem sehr guten Zustand von Qualität und Erhaltung wiederherzustellen und zu erhalten. [68] Das Gemälde ist normalerweise in einem Raum mit anderen Werken von Bosch zu sehen. [69]

Über das Leben von Hieronymus Bosch oder die Aufträge oder Einflüsse, die der Ikonographie seines Werkes zugrunde lagen, ist wenig bekannt. Sein Geburtsdatum, seine Ausbildung und seine Gönner bleiben unbekannt.Es gibt keine überlieferten Aufzeichnungen über Boschs Gedanken oder Beweise dafür, was ihn zu einer so individuellen Ausdrucksweise angezogen und inspiriert hat. [70] Im Laufe der Jahrhunderte haben sich Kunsthistoriker bemüht, diese Frage zu lösen, doch die Schlussfolgerungen bleiben bestenfalls fragmentarisch. Gelehrte haben Boschs Ikonographie ausführlicher diskutiert als die jedes anderen niederländischen Künstlers. [71] Seine Werke werden allgemein als rätselhaft angesehen, was einige zu der Vermutung veranlasst, dass sich ihr Inhalt auf zeitgenössisches esoterisches Wissen bezieht, das seit der Geschichte verloren gegangen ist.

Obwohl Boschs Karriere während der Hochrenaissance florierte, lebte er in einer Gegend, in der die Überzeugungen der mittelalterlichen Kirche noch moralische Autorität hatten. [73] Einige der neuen Ausdrucksformen, vor allem in Südeuropa, dürften ihm geläufig gewesen sein, wobei es schwer ist, mit Sicherheit zu sagen, welche Künstler, Schriftsteller und Konventionen seine Arbeit beeinflussten. [71] José de Sigüenza wird die erste umfassende Kritik an Der Garten der irdischen Freuden, in seinem 1605 Geschichte des St. Hieronymus-Ordens. [74] Er argumentierte dagegen, das Gemälde entweder als ketzerisch oder nur absurd abzutun, und kommentierte, dass die Tafeln "ein satirisches Kommentar zur Schande und Sündhaftigkeit der Menschheit sind". [74] Der Kunsthistoriker Carl Justi beobachtete, dass die linke und mittlere Tafel von tropischer und ozeanischer Atmosphäre durchtränkt sind, und kam zu dem Schluss, dass Bosch von "der Nachricht von der kürzlich entdeckten Atlantis und von Zeichnungen seiner tropischen Landschaften inspiriert wurde, genau wie Kolumbus selbst, als er sich dem Festland näherte, dachte er, der Ort, den er an der Mündung des Orinoco gefunden hatte, sei der Ort des irdischen Paradieses". [75] Die Zeit, in der das Triptychon entstand, war eine Zeit der Abenteuer und Entdeckungen, als Geschichten und Trophäen aus der Neuen Welt die Fantasie von Dichtern, Malern und Schriftstellern beflügelten. [76] Obwohl das Triptychon viele überirdische und phantastische Kreaturen enthält, sprach Bosch mit seinen Bildern und kulturellen Bezügen dennoch ein elitäres humanistisches und aristokratisches Publikum an. Bosch reproduziert eine Szene aus dem Stich von Martin Schongauer Flug nach Ägypten. [77]

Die Eroberung Afrikas und des Ostens brachte den europäischen Intellektuellen sowohl Verwunderung als auch Schrecken, da sie zu der Schlussfolgerung führte, dass Eden niemals ein tatsächlicher geografischer Ort gewesen sein konnte. Der Garten verweist auf exotische Reiseliteratur des 15. Jahrhunderts durch die Tiere, darunter Löwen und eine Giraffe, in der linken Tafel. Die Giraffe wurde auf Cyriak von Ancona zurückgeführt, einen Reiseschriftsteller, der für seine Besuche in Ägypten in den 1440er Jahren bekannt war. Die Exotik von Cyriacs kostbaren Manuskripten mag Boschs Phantasie beflügelt haben. [78]

Die Kartierung und Eroberung dieser neuen Welt machten reale Regionen, die zuvor nur in der Vorstellung von Künstlern und Dichtern idealisiert wurden. Gleichzeitig begann die Gewissheit des alten biblischen Paradieses aus dem Griff der Denker in die Gefilde der Mythologie zu gleiten. Als Reaktion darauf verlagerte sich die Behandlung des Paradieses in Literatur, Poesie und Kunst hin zu einer selbstbewusst fiktionalen utopischen Darstellung, wie dies die Schriften von Thomas More (1478–1535) beispielhaft zeigen. [79]

Albrecht Dürer war ein begeisterter Student exotischer Tiere und zeichnete viele Skizzen nach seinen Besuchen in europäischen Zoos. Dürer besuchte 's-Hertogenbosch zu Boschs Lebzeiten, und es ist wahrscheinlich, dass sich die beiden Künstler kennengelernt haben und Bosch sich von der Arbeit des Deutschen inspirieren ließ. [80]

Versuche, Quellen für das Werk in der Literatur aus dieser Zeit zu finden, waren nicht erfolgreich. Der Kunsthistoriker Erwin Panofsky schrieb 1953: "Trotz all der genialen, gelehrten und zum Teil äußerst nützlichen Forschungen zur "Entschlüsselung von Jerome Bosch" kann ich nicht umhin zu fühlen, dass das wahre Geheimnis seiner großartigen Alpträume und Tagträume noch zu verraten. Wir haben ein paar Löcher durch die Tür des verschlossenen Zimmers gebohrt, aber irgendwie scheinen wir den Schlüssel nicht gefunden zu haben." [81] [82] Der Humanist Desiderius Erasmus wurde als möglicher Einfluss vorgeschlagen, den der Schriftsteller in den 1480er Jahren in 's-Hertogenbosch lebte, und wahrscheinlich kannte er Bosch. Glum bemerkte die Ähnlichkeit des Triptychons mit der Ansicht von Erasmus, dass Theologen „die schwierigsten Mysterien (nach eigenem Ermessen) erklären , ein Esel, ein Kürbis, ein Stein?" [83]

Da von Boschs Leben nur die nackten Details bekannt sind, kann die Interpretation seines Werks für Wissenschaftler ein äußerst schwieriges Feld sein, da sie weitgehend auf Vermutungen angewiesen ist. Einzelne Motive und Elemente der Symbolik lassen sich erklären, aber der Bezug zueinander und zu seinem Gesamtwerk ist bislang schwer fassbar. [17] Die rätselhaften Szenen auf den Tafeln des inneren Triptychons von Der Garten der irdischen Freuden wurden von vielen Gelehrten untersucht, die oft zu widersprüchlichen Interpretationen gelangt sind. [59] Analysen auf der Grundlage symbolischer Systeme, die von alchemistischen, astrologischen und ketzerischen bis hin zu folkloristischen und unbewussten reichen, haben alle versucht, die komplexen Objekte und Ideen zu erklären, die in der Arbeit präsentiert werden. [84] Bis zum frühen 20. Jahrhundert wurde allgemein angenommen, dass Boschs Gemälde Einstellungen der mittelalterlichen didaktischen Literatur und Predigten enthalten. Charles De Tolnay hat das geschrieben

Die ältesten Schriftsteller, Dominicus Lampsonius und Karel van Mander, schlossen sich seiner augenfälligsten Seite an, dem Thema ihrer Auffassung von Bosch, dem Erfinder phantastischer Teufelswerke und höllischer Szenen, die heute (1937) in der breiten Öffentlichkeit vorherrscht, und setzte sich bei Historikern bis ins letzte Viertel des 19. Jahrhunderts durch. [85]

Allgemein wird sein Werk als Warnung vor Lust und die zentrale Tafel als Darstellung der Vergänglichkeit weltlicher Lust beschrieben. Der Kunsthistoriker Ludwig von Baldass schrieb 1960, Bosch zeige, „wie die Sünde durch die Erschaffung Evas in die Welt kam, wie sich fleischliche Lüste über die ganze Erde ausbreiteten, alle Todsünden befördern und wie dies notwendigerweise direkt in die Hölle führt“ . [86] De Tolnay schrieb, dass die Mitteltafel „den Albtraum der Menschheit“ darstellt, wobei „die Absicht des Künstlers vor allem darin besteht, die bösen Folgen des sinnlichen Vergnügens zu zeigen und seinen ephemeren Charakter zu betonen“. [87] Befürworter dieser Ansicht sind der Meinung, dass das Gemälde eine sequentielle Erzählung ist, die den anfänglichen Zustand der Unschuld der Menschheit im Eden darstellt, gefolgt von der anschließenden Korruption dieser Unschuld und schließlich ihrer Bestrafung in der Hölle. Zu verschiedenen Zeiten in seiner Geschichte wurde das Triptychon als La Lujuria, Die Sünden der Welt und Der Lohn der Sünde. [30]

Befürworter dieser Idee weisen darauf hin, dass Moralisten während der Bosch-Ära glaubten, dass es die Versuchung der Frau – letztendlich Evas – war, die Männer in ein Leben voller Lüsternheit und Sünde hineinzog. Dies würde erklären, warum die Frauen im mittleren Panel sehr aktiv an der Herbeiführung des Falls beteiligt sind. Damals wurde die Kraft der Weiblichkeit oft dadurch wiedergegeben, dass eine Frau von einem Kreis von Männern umgeben war. Ein Stich aus dem späten 15. Jahrhundert von Israhel van Meckenem zeigt eine Gruppe von Männern, die ekstatisch um eine weibliche Figur herumtänzelt. Das Werk des Meisters der Banderolen aus dem Jahr 1460 Jugendpool zeigt in ähnlicher Weise eine Gruppe von Frauen, die in einem Raum stehen, umgeben von bewundernden Figuren. [31]

Diese Argumentation steht im Einklang mit Interpretationen von Boschs anderen großen moralisierenden Werken, die die Torheit des Menschen hochhalten Der Tod und der Geizhals und der Heuwagen. Obwohl, so der Kunsthistoriker Walter Bosing, jedes dieser Werke so wiedergegeben ist, dass es kaum zu glauben ist, "dass Bosch das, was er mit so bildschönen Formen und Farben malte, verdammen wollte". Bosing kommt zu dem Schluss, dass eine mittelalterliche Denkweise von Natur aus gegenüber materieller Schönheit in jeder Form misstrauisch war und dass die Pracht von Boschs Beschreibung möglicherweise ein falsches Paradies vermitteln sollte, das von vergänglicher Schönheit wimmelt. [88]

1947 argumentierte Wilhelm Fränger, dass die Mitteltafel des Triptychons eine freudige Welt darstellt, in der die Menschheit eine Wiedergeburt der Unschuld erleben wird, die Adam und Eva vor ihrem Fall genossen. [89] In seinem Buch Das Millennium des Hieronymus Bosch, schrieb Fränger, dass Bosch ein Mitglied der ketzerischen Sekte war, die als Adamiten bekannt war – die auch als die . bekannt waren Homines Intelligenz und Brüder und Schwestern des Freien Geistes. Diese radikale Gruppe, die im Rhein- und niederländischen Raum aktiv war, strebte nach einer Spiritualität, die auch im Fleisch von Sünden immun ist, und gab dem Begriff der Lust eine paradiesische Unschuld. [90]

Franz hat geglaubt Der Garten der irdischen Freuden wurde vom Großmeister des Ordens in Auftrag gegeben. Spätere Kritiker waren sich einig, dass Boschs "Altarbilder" aufgrund ihrer undurchsichtigen Komplexität möglicherweise für nicht-andachtsvolle Zwecke in Auftrag gegeben wurden. Die Homines Intelligenz Der Kult versuchte, die unschuldige Sexualität von Adam und Eva vor dem Sündenfall wiederzuerlangen. Fränger schreibt, dass die Figuren in Boschs Werk "in vegetativer Unschuld friedlich im ruhigen Garten herumtoben, eins mit Tieren und Pflanzen, und die Sexualität, die sie beseelt, scheint reine Freude, reine Glückseligkeit zu sein." [91] Fränger argumentierte gegen die Vorstellung, dass die Höllenlandschaft die überlieferte Vergeltung für begangene Sünden im Mittelfeld zeigt. Fränger empfand die Figuren im Garten als friedlich, naiv und unschuldig im Ausdruck ihrer Sexualität und im Einklang mit der Natur. Im Gegensatz dazu gehören zu den Bestraften in der Hölle "Musiker, Spieler, Urteils- und Strafverbrecher". [30]

Bei der Untersuchung der Symbolik in Boschs Kunst – „die verrückten Rätsel … die unverantwortliche Phantasmagorie einer Ekstase“ – kam Fränger zu dem Schluss, dass seine Interpretation nur auf Boschs drei Altarbilder zutraf: Der Garten der irdischen Freuden, Die Versuchung des Heiligen Antonius, und der Haywain Triptychon. Fränger unterschied diese Stücke von den anderen Werken des Künstlers und argumentierte, dass es sich trotz ihrer antiklerikalen Polemik dennoch um Altarbilder handelte, die wahrscheinlich zu Andachtszwecken eines Mysterienkults in Auftrag gegeben wurden. [92] Während Kommentatoren Frängers Analyse als scharfsinnig und umfassend anerkennen, haben sie seine endgültigen Schlussfolgerungen oft in Frage gestellt. Diese werden von vielen Gelehrten nur als Hypothesen betrachtet und basieren auf einer instabilen Grundlage und können nur Vermutungen sein. Kritiker argumentieren, dass Künstler dieser Zeit nicht zum eigenen Vergnügen, sondern im Auftrag malten, während die auf Bosch projizierte Sprache und Säkularisierung einer Post-Renaissance-Mentalität dem spätmittelalterlichen Maler fremd gewesen wäre. [93]

Frängers Dissertation regte andere zur Auseinandersetzung an Der Garten genauer. Auch der Schriftsteller Carl Linfert spürt die Freude der Menschen im Mittelfeld, weist jedoch Frängers Behauptung zurück, das Gemälde sei ein "doktrinäres" Werk, das die "schuldlose Sexualität" der Adamiten-Sekte vertritt. [94] Während sich die Figuren ohne Hinweis auf das Verbotene in Liebesakte begeben, weist Linfert auf die Elemente im Mittelfeld hin, die Tod und Zeitlichkeit suggerieren: Einige Figuren wenden sich von der Aktivität ab und scheinen die Hoffnung zu verlieren, Freude am leidenschaftlichen Herumtollen zu haben ihrer Kohorten. EH Gombrich schrieb 1969 und stützte sich auf eine genaue Lektüre der Genesis und des Matthäusevangeliums, um darauf hinzuweisen, dass die zentrale Tafel laut Linfert "der Zustand der Menschheit am Vorabend der Sintflut ist, als die Menschen noch nach Vergnügen mit kein Gedanke an morgen, ihre einzige Sünde ist die Unkenntnis der Sünde." [94]


Inhalt

Frühen Lebensjahren

Samuel Langhorne Clemens wurde am 30. November 1835 in Florida, Missouri, geboren. Er war das sechste von sieben Kindern von Jane (geborene Lampton 1803–1890), gebürtig aus Kentucky, und John Marshall Clemens (1798–1847), gebürtig aus Virginia. Seine Eltern lernten sich kennen, als sein Vater nach Missouri zog. Sie heirateten 1823. [7] [8] Twain war kornischer, englischer und schottisch-irischer Abstammung. [9] [10] [11] [12] Nur drei seiner Geschwister überlebten die Kindheit: Orion (1825–1897), Henry (1838–1858) und Pamela (1827–1904). Sein Bruder Pleasant Hannibal (1828) starb im Alter von drei Wochen, [13] [14] seine Schwester Margaret (1830–1839), als Twain drei Jahre alt war, und sein Bruder Benjamin (1832–1842) drei Jahre später.

Als er vier Jahre alt war, zog Twains Familie nach Hannibal, Missouri, [15] eine Hafenstadt am Mississippi, die die fiktive Stadt St. Petersburg inspirierte Die Abenteuer von Tom Sawyer und der Abenteuer von Huckleberry Finn. [16] Sklaverei war zu dieser Zeit in Missouri legal und wurde ein Thema in diesen Schriften. Sein Vater war Rechtsanwalt und Richter, der 1847 an einer Lungenentzündung starb, als Twain 11 Jahre alt war. [17] Im folgenden Jahr verließ Twain die Schule nach der fünften Klasse, um Druckerlehrling zu werden. [1] Im Jahr 1851 begann er als Schriftsetzer zu arbeiten und steuerte Artikel und humorvolle Skizzen bei Hannibal-Tagebuch, eine Zeitung, die Orion besaß. Als er 18 Jahre alt war, verließ er Hannibal und arbeitete als Drucker in New York City, Philadelphia, St. Louis und Cincinnati und trat der neu gegründeten International Typographical Union, der Druckergewerkschaft, bei. Abends bildete er sich in öffentlichen Bibliotheken weiter und fand dort umfassendere Informationen als an einer herkömmlichen Schule. [18]

Twain beschreibt seine Kindheit in Leben auf dem Mississippi, dass es unter seinen Kameraden "nur einen permanenten Ehrgeiz" gab: Dampfschiffer zu werden. "Der Pilot war die großartigste Position von allen. Der Pilot hatte selbst in diesen Tagen mit bescheidenen Löhnen ein fürstliches Gehalt - von hundertfünfzig bis zweihundertfünfzig Dollar im Monat und keine Verpflegung." Wie Twain es beschrieb, übertraf das Prestige des Piloten das des Kapitäns. Der Pilot musste "mit jedem alten Baumstumpf und eingliedrigen Pappeln und jedem obskuren Holzhaufen, der über zwölfhundert Meilen und mehr die Ufer dieses Flusses schmückt, eine herzliche persönliche Bekanntschaft machen, muss eigentlich wissen, wo diese Dinger sind" die Dunkelheit". Der Dampfbootpilot Horace E. Bixby nahm Twain als Jungpiloten an, um ihm den Fluss zwischen New Orleans und St. Louis für 500 US-Dollar (entspricht 15.000 US-Dollar im Jahr 2020) beizubringen, zahlbar aus Twains erstem Gehalt nach seinem Abschluss. Twain studierte den Mississippi, lernte seine Orientierungspunkte, lernte, wie man seine Strömungen effektiv navigiert und wie man den Fluss und seine sich ständig verändernden Kanäle, Riffe, versunkenen Haken und Felsen liest, die "das Leben aus dem stärksten Schiff reißen würden, das jemals trieb". . [19] Es dauerte mehr als zwei Jahre, bis er seinen Pilotenschein erhielt. Piloten gab ihm auch seinen Pseudonym von "mark twain", dem Ruf des Lotsen nach einer gemessenen Flusstiefe von zwei Faden (12 Fuß), was für ein Dampfschiff sicheres Wasser war. [20] [21]

Als junger Pilot diente Clemens auf dem Dampfer A. B. Kammern mit Grant Marsh, der für seine Heldentaten als Dampfschiffkapitän auf dem Missouri berühmt wurde. Die beiden mochten sich, bewunderten einander und pflegten viele Jahre lang eine Korrespondenz, nachdem Clemens den Fluss verlassen hatte. [22]

Während des Trainings überzeugte Samuel seinen jüngeren Bruder Henry, mit ihm zu arbeiten, und vermittelte ihm sogar eine Stelle als Schlammschreiber auf dem Dampfschiff Pennsylvania. Am 13. Juni 1858 explodierte der Kessel des Dampfschiffs Henry erlag am 21. Juni seinen Wunden. Twain behauptete, diesen Tod einen Monat zuvor in einem Traum vorausgesehen zu haben, [23]: 275, was sein Interesse an der Parapsychologie weckte, bei der er ein frühes Mitglied war der Gesellschaft für Psychische Forschung. [24] Twain war schuldig und hielt sich für den Rest seines Lebens für verantwortlich. Er arbeitete weiterhin auf dem Fluss und war Flusslotse, bis 1861 der Bürgerkrieg ausbrach, als der Verkehr entlang des Mississippi eingeschränkt wurde. Zu Beginn der Feindseligkeiten meldete er sich kurzzeitig in einer lokalen Einheit der Konföderierten. Später schrieb er den Sketch "The Private History of a Campaign That Failed", in dem er beschrieb, wie er und seine Freunde zwei Wochen lang Freiwillige der Konföderierten waren, bevor sie sich auflösten. [25]

Dann ging er nach Nevada, um für seinen Bruder Orion zu arbeiten, der Sekretär des Nevada-Territoriums war. Twain beschreibt die Episode in seinem Buch Schruppen. [26] [27] : 147

Im amerikanischen Westen

Orion wurde 1861 Sekretär des Gouverneurs des Nevada-Territoriums James W. Nye, und Twain schloss sich ihm an, als er nach Westen zog. Die Brüder reisten mehr als zwei Wochen mit einer Postkutsche durch die Great Plains und die Rocky Mountains und besuchten die Mormonengemeinde in Salt Lake City.

Twains Reise endete in der Silberbergbaustadt Virginia City, Nevada, wo er Bergmann auf der Comstock Lode wurde. [25] Er scheiterte als Bergmann und arbeitete bei der Zeitung von Virginia City Territoriales Unternehmen, [28] arbeitet unter einem Freund, dem Schriftsteller Dan DeQuille. Sein Pseudonym benutzte er hier zum ersten Mal am 3. Februar 1863, als er einen humorvollen Reisebericht mit dem Titel "Letter From Carson – re: Joe Goodman party at Gov. Johnson's music" schrieb und mit "Mark Twain" signierte. [29] [30]

Seine Erfahrungen im amerikanischen Westen inspirierten Schruppen, geschrieben 1870–71 und veröffentlicht 1872. Seine Erfahrungen im Angels Camp (in Calaveras County, Kalifornien) lieferten Material für "The Celebrated Jumping Frog of Calaveras County" (1865).

Twain zog 1864, noch als Journalist, nach San Francisco und lernte Schriftsteller wie Bret Harte und Artemus Ward kennen. Möglicherweise war er romantisch mit der Dichterin Ina Coolbrith verbunden. [31]

Seinen ersten Erfolg als Schriftsteller hatte er, als am 18. Die Samstagspresse, was ihm nationale Aufmerksamkeit verschafft. Ein Jahr später reiste er als Reporter für die Sacramento-Union. Seine Briefe an die Union waren beliebt und wurden zur Grundlage seiner ersten Vorlesungen. [32]

Im Jahr 1867 finanzierte eine lokale Zeitung seine Reise ins Mittelmeer an Bord der Quäkerstadt, einschließlich einer Tour durch Europa und den Nahen Osten. Er schrieb eine Sammlung von Reisebriefen, die später als Die Unschuldigen im Ausland (1869). Auf dieser Reise lernte er seinen Mitfahrer Charles Langdon kennen, der ihm ein Bild seiner Schwester Olivia zeigte. Twain behauptete später, sich auf den ersten Blick verliebt zu haben. [33]

Nach seiner Rückkehr in die Vereinigten Staaten wurde Twain 1868 die Ehrenmitgliedschaft in der Geheimgesellschaft Scroll and Key der Yale University angeboten. [34]

Ehe und Kinder

Twain und Olivia Langdon korrespondierten während des gesamten Jahres 1868. Nachdem sie seinen ersten Heiratsantrag abgelehnt hatte, heirateten sie im Februar 1870 in Elmira, New York, [32] wo er sie umwarb und es schaffte, die anfängliche Zurückhaltung ihres Vaters zu überwinden. [36] Sie stammte aus einer "reichen, aber liberalen Familie", durch sie traf er Abolitionisten, "Sozialisten, prinzipielle Atheisten und Aktivisten für Frauenrechte und soziale Gleichheit", darunter Harriet Beecher Stowe, Frederick Douglass und den utopischen sozialistischen Schriftsteller William Dean Howells , [37] der ein langjähriger Freund wurde. Die Clemenses lebten von 1869 bis 1871 in Buffalo, New York Büffel-Express Zeitung und arbeitete als Redakteurin und Autorin. [38] [35] Während sie in Buffalo lebten, starb ihr Sohn Langdon im Alter von 19 Monaten an Diphtherie. Sie hatten drei Töchter: Susy (1872–1896), Clara (1874–1962), [39] und Jean (1880–1909). Die Clemenses schlossen eine Freundschaft mit David Gray, der als Redakteur des Rivalen arbeitete Büffelkurier, und seine Frau Martha. Twain schrieb später, dass die Grays „aller Trost“ waren, den er und Livy während ihres „schmerzvollen und erbärmlichen kurzen Aufenthalts in Buffalo“ hatten, und dass Grays „zarte Begabung für Poesie“ verschwendet wurde, um für eine Zeitung zu arbeiten. [35]

Im November 1872 war Twain Passagier auf dem Dampfschiff der Cunard Line Batavia die die neun überlebenden Besatzungsmitglieder der britischen Bark rettete Charles Ward. Twain war Zeuge der Rettung und schrieb an die Royal Humane Society und empfahl sie zu ehren Batavia 's Kapitän und die Besatzung, die das Rettungsboot bemannte. [40] Ab 1873 zog Twain mit seiner Familie nach Hartford, Connecticut, wo er den Bau eines Hauses neben Stowe arrangierte. In den 1870er und 1880er Jahren verbrachte die Familie den Sommer auf der Quarry Farm in Elmira, dem Haus von Olivias Schwester Susan Crane. [41] [42] Im Jahr 1874 [41] ließ Susan ein Arbeitszimmer abseits des Haupthauses bauen, damit Twain einen ruhigen Ort zum Schreiben hatte. Außerdem rauchte er ständig Zigarren, und Susan wollte nicht, dass er dies in ihrem Haus tat.

Twain schrieb viele seiner klassischen Romane während seiner 17 Jahre in Hartford (1874–1891) und über 20 Sommer auf der Quarry Farm. Sie beinhalten Die Abenteuer von Tom Sawyer (1876), Der Prinz und der Bettler (1881), Leben auf dem Mississippi (1883), Abenteuer von Huckleberry Finn (1884), und Ein Yankee aus Connecticut am Hof ​​von König Arthur (1889). [ Zitat benötigt ]

Die Ehe des Paares dauerte 34 Jahre, bis Olivia 1904 starb. Die gesamte Familie Clemens ist auf Elmiras Woodlawn Cemetery begraben.

Liebe zu Wissenschaft und Technik

Twain war fasziniert von Wissenschaft und wissenschaftlichen Untersuchungen. Er entwickelte eine enge und dauerhafte Freundschaft mit Nikola Tesla, und die beiden verbrachten viel Zeit miteinander in Teslas Labor.

Twain patentierte drei Erfindungen, darunter eine "Verbesserung der verstellbaren und abnehmbaren Träger für Kleidungsstücke" (um Hosenträger zu ersetzen) und ein historisches Quizspiel. [43] [44] Am kommerziell erfolgreichsten war ein selbstklebendes Sammelalbum, ein getrockneter Klebstoff auf den Seiten musste vor der Verwendung nur angefeuchtet werden. [43] Über 25.000 wurden verkauft. [43]

Twain war ein früher Befürworter des Fingerabdrucks als forensische Technik und stellte ihn in einer großen Geschichte vor Leben auf dem Mississippi (1883) und als zentrales Handlungselement im Roman Pudd'nhead Wilson (1894).

Twains Roman Ein Yankee aus Connecticut am Hof ​​von König Arthur (1889) zeigt einen Zeitreisenden aus den heutigen USA, der sein Wissen über die Wissenschaft nutzt, um moderne Technologie in das Artus-England einzuführen. Diese Art der historischen Manipulation wurde zu einem Trope der spekulativen Fiktion als alternative Geschichten.

1909 besuchte Thomas Edison Twain in Stormfield, sein Zuhause in Redding, Connecticut und filmte ihn. Ein Teil des Filmmaterials wurde in verwendet Der Prinz und der Bettler (1909), ein Kurzfilm mit zwei Rollen. Es ist das einzige bekannte existierende Filmmaterial von Twain. [45]

Finanzielle Probleme

Twain hat mit seinem Schreiben viel Geld verdient, aber durch Investitionen viel verloren. Er investierte hauptsächlich in neue Erfindungen und Technologien, insbesondere in die Paige-Satzmaschine. Es war ein wunderschön konstruiertes mechanisches Wunderwerk, das die Zuschauer verblüffte, wenn es funktionierte, aber es war anfällig für Pannen. Twain gab zwischen 1880 und 1894 300.000 US-Dollar (entspricht 9.00.000 US-Dollar inflationsbereinigt [46] ) dafür aus, [47] aber bevor es perfektioniert werden konnte, wurde es durch die Linotypie obsolet. Er verlor den Großteil seiner Buchgewinne sowie einen erheblichen Teil des Erbes seiner Frau. [48]

Twain verlor auch Geld durch seinen Verlag Charles L. Webster and Company, der anfänglichen Erfolg beim Verkauf der Memoiren von Ulysses S. Grant hatte, aber bald darauf scheiterte und Geld für eine Biographie von Papst Leo XIII. verlor. Weniger als 200 Exemplare wurden verkauft. [48]

Twain und seine Familie schlossen ihr teures Haus in Hartford als Reaktion auf das schwindende Einkommen und zogen im Juni 1891 nach Europa. William M. Laffan of Die New Yorker Sonne und das McClure Newspaper Syndicate bot ihm die Veröffentlichung einer Serie von sechs europäischen Briefen an. Twain, Olivia und ihre Tochter Susy waren alle mit gesundheitlichen Problemen konfrontiert und glaubten, dass es von Vorteil wäre, europäische Bäder zu besuchen. [49] : 175 Die Familie hielt sich bis Mai 1895 hauptsächlich in Frankreich, Deutschland und Italien auf, mit längeren Aufenthalten in Berlin (Winter 1891-92), Florenz (Herbst und Winter 1892-93) und Paris (Winter und Frühjahr 1893- 94 und 1894–95). Während dieser Zeit kehrte Twain aufgrund seiner anhaltenden geschäftlichen Probleme viermal nach New York zurück. Er nahm im September 1893 ein "billiges Zimmer" für 1,50 US-Dollar pro Tag (entspricht 43 US-Dollar im Jahr 2020) im Players Club, das er bis März 1894 behalten musste Biograf Albert Bigelow Paine. [49] : 176–190

Twains Schriften und Vorträge ermöglichten es ihm, sich finanziell zu erholen, zusammen mit der Hilfe seines Freundes Henry Huttleston Rogers. [50] Im Jahr 1893 begann er eine Freundschaft mit dem Finanzier, einem Direktor von Standard Oil, die den Rest seines Lebens andauerte. Rogers zwang ihn im April 1894 zum ersten Mal, Konkurs anzumelden, und ließ ihn dann die Urheberrechte an seinen schriftlichen Werken an seine Frau übertragen, um zu verhindern, dass Gläubiger in den Besitz dieser Werke gelangen. Schließlich übernahm Rogers die absolute Verantwortung für Twains Geld, bis alle seine Gläubiger bezahlt waren. [49] : 188

Twain nahm ein Angebot von Robert Sparrow Smythe [51] an und unternahm im Juli 1895 eine einjährige Vortragsreise um die Welt [52], um seine Gläubiger vollständig abzubezahlen, obwohl er dazu rechtlich nicht mehr verpflichtet war . [53] Es war eine lange, beschwerliche Reise und er war die meiste Zeit krank, meistens von einer Erkältung und einem Karbunkel. Der erste Teil der Reiseroute führte ihn bis in die zweite Augusthälfte quer durch Nordamerika nach British Columbia, Kanada. Im zweiten Teil segelte er über den Pazifischen Ozean. Sein geplanter Vortrag in Honolulu, Hawaii, musste wegen einer Cholera-Epidemie abgesagt werden. [49] : 188 [54] Twain ging weiter nach Fidschi, Australien, Neuseeland, Sri Lanka, Indien, Mauritius und Südafrika. Seine drei Monate in Indien wurden zum Kernstück seines 712-seitigen Buches Dem Äquator folgen. In der zweiten Julihälfte 1896 segelte er zurück nach England und vollendete seine 14 Monate zuvor begonnene Weltumsegelung. [49] : 188

Twain und seine Familie verbrachten vier weitere Jahre in Europa, hauptsächlich in England und Österreich (Oktober 1897 bis Mai 1899), mit längeren Aufenthalten in London und Wien. Clara hatte sich gewünscht, bei Theodor Leschetizky in Wien Klavier zu studieren. [49] : 192–211 Allerdings profitierte Jean nicht von der Konsultation mit Fachärzten in Wien, der "Stadt der Ärzte". [55] Die Familie zog im Frühjahr 1899 nach London, auf Anregung von Poultney Bigelow, der gute Erfahrungen mit der Behandlung von Dr. Jonas Henrik Kellgren, einem schwedischen Osteopathen in Belgravia, gemacht hatte. Sie wurden überredet, den Sommer in Kellgrens Sanatorium am See im schwedischen Dorf Sanna zu verbringen. Im Herbst zurückgekehrt, setzten sie die Behandlung in London fort, bis Twain durch lange Anfragen in Amerika davon überzeugt wurde, dass dort ähnliche osteopathische Expertise vorhanden war. [56]

Mitte 1900 war er Gast des Zeitungsinhabers Hugh Gilzean-Reid im Dollis Hill House im Norden Londons. Twain schrieb, er habe "noch nie einen Ort gesehen, der so zufriedenstellend gelegen war, mit seinen edlen Bäumen und Landstrichen und allem, was das Leben angenehm machte, und das alles nur einen Kekswurf von der Metropole der Welt entfernt." [57] Im Oktober 1900 kehrte er dann nach Amerika zurück, nachdem er genug verdient hatte, um seine Schulden zu begleichen. Im Winter 1900/01 wurde er in seinen Reden, Interviews und Schriften zum prominentesten Gegner des Imperialismus seines Landes. Im Januar 1901 wurde er Vizepräsident der Anti-Imperialist League of New York. [58]

Vortragsverpflichtungen

Twain war ein gefragter Redner, der humorvolle Sologespräche ähnlich der modernen Stand-up-Comedy führte. [59] Er hielt bezahlte Vorträge in vielen Männerclubs, darunter dem Authors' Club, dem Beefsteak Club, den Vagabonds, den White Friars und dem Monday Evening Club of Hartford.

In den späten 1890er Jahren sprach er mit dem Savage Club in London und wurde zum Ehrenmitglied gewählt. Ihm wurde gesagt, dass nur drei Männer so geehrt worden seien, darunter der Prinz von Wales, und er antwortete: "Nun, es muss dem Prinzen ein gutes Gefühl geben." [49] : 197 Er besuchte 1895 Melbourne und Sydney im Rahmen einer Weltvortragsreise. 1897 sprach er als Ehrengast im Concordia Press Club in Wien, im Anschluss an den Diplomaten Karlsturm Jr. Er hielt die Rede "Die Schrecken der Deutschen Sprache" ("The Horrors of the German Language") - auf Deutsch - zur großen Belustigung des Publikums. [27] : 50 1901 wurde er als Redner in die Cliosophic Literary Society der Princeton University eingeladen, wo er zum Ehrenmitglied ernannt wurde [60]

Kanadische Besuche

Im Jahr 1881 wurde Twain bei einem Bankett in Montreal, Kanada, geehrt, wo er auf die Sicherung eines Urheberrechts verwies. [61] Im Jahr 1883 stattete er Ottawa einen kurzen Besuch ab, [62] und er besuchte Toronto zweimal, 1884 und 1885, auf einer Lesereise mit George Washington Cable, bekannt als "Twins of Genius"-Tour. [62] [63] [64]

Der Grund für die Besuche in Toronto war, kanadische und britische Urheberrechte für sein kommendes Buch zu sichern Abenteuer von Huckleberry Finn, [62] [64] auf die er bei seinem Besuch in Montreal angespielt hatte. Der Grund für den Besuch in Ottawa war die Sicherung kanadischer und britischer Urheberrechte für Leben auf dem Mississippi. [62] Verleger in Toronto hatten zu dieser Zeit nicht autorisierte Ausgaben seiner Bücher gedruckt, bevor 1891 ein internationales Urheberrechtsabkommen geschlossen wurde. [62] Diese wurden sowohl in den Vereinigten Staaten als auch in Kanada verkauft, was ihm Lizenzgebühren entzog. Er schätzte, dass die Ausgabe von Belford Brothers von Die Abenteuer von Tom Sawyer allein hatte ihn zehntausend Dollar gekostet (umgerechnet 290.000 Dollar im Jahr 2020). [62] Er hatte erfolglos versucht, die Rechte für Der Prinz und der Bettler im Jahr 1881 in Verbindung mit seiner Montreal-Reise. [62] Schließlich erhielt er vor der Veröffentlichung in den Vereinigten Staaten eine Rechtsberatung, um ein Urheberrecht in Kanada (sowohl für Kanada als auch für Großbritannien) zu registrieren, was die kanadischen Verleger daran hindern würde, eine Version zu drucken, wenn die amerikanische Ausgabe veröffentlicht wurde. [62] [64] Es gab eine Anforderung, dass einem kanadischen Einwohner ein Urheberrecht registriert werden musste. Er sprach dies durch seine kurzen Besuche im Land an. [62] [64]

Späteres Leben und Tod

Twain lebte in seinen späteren Jahren in der West 10th Street 14 in Manhattan. [66] Er durchlebte eine Phase tiefer Depression, die 1896 begann, als seine Tochter Susy an Meningitis starb. Olivias Tod im Jahr 1904 und Jeans am 24. Dezember 1909 vertieften seine Trübsal. [1] Am 20. Mai 1909 starb sein enger Freund Henry Rogers plötzlich. Im April 1906 erfuhr er, dass seine Freundin Ina Coolbrith beim Erdbeben von San Francisco 1906 fast alles verloren hatte, was sie besaß, und er bot freiwillig ein paar handsignierte Porträtfotos an, um sie zu ihren Gunsten zu verkaufen. Um Coolbrith weiter zu helfen, besuchte George Wharton James Twain in New York und arrangierte eine neue Portrait-Session. Er war anfangs resistent, gab aber schließlich zu, dass vier der daraus resultierenden Bilder die besten waren, die jemals von ihm aufgenommen wurden. [67] Im September begann Twain mit der Veröffentlichung von Kapiteln seiner Autobiografie in der Nordamerika-Rezension. [68] Im selben Jahr begann Charlotte Teller, eine Schriftstellerin, die bei ihrer Großmutter in der Fifth Avenue 3 lebte, eine Bekanntschaft mit ihm, die "mehrere Jahre andauerte und seinerseits möglicherweise romantische Absichten beinhaltete". [69]

Twain gründete 1906 einen Club für Mädchen, den er als Ersatzenkelinnen ansah, den Angel Fish and Aquarium Club. Das Dutzend Mitglieder waren zwischen 10 und 16 Jahre alt. Er tauschte Briefe mit seinen "Angel Fish"-Mädchen aus und lud sie zu Konzerten, Theater und Spielen ein. Twain schrieb 1908, dass der Club sein „Lebensglück“ sei. [27] : 28 1907 lernte er Dorothy Quick (11 Jahre alt) auf einer Transatlantiküberquerung kennen und begann "eine Freundschaft, die bis zu seinem Tode andauern sollte". [70]

Twain wurde 1907 von der Universität Oxford die Ehrendoktorwürde (D.Litt.) verliehen.

Twain wurde zwei Wochen nach der nächsten Annäherung des Halleyschen Kometen im Jahr 1835 geboren, sagte er 1909: [49]

Ich kam 1835 mit dem Halleyschen Kometen herein. Er kommt nächstes Jahr wieder, und ich gehe davon aus, dass ich damit ausgehen werde. Es wird die größte Enttäuschung meines Lebens sein, wenn ich nicht mit Halley's Comet ausgehe. Der Allmächtige hat ohne Zweifel gesagt: "Jetzt sind hier diese beiden unerklärlichen Freaks, sie sind zusammen reingekommen, sie müssen zusammen rausgehen".

Twains Vorhersage war zutreffend, er starb am 21. April 1910 in Stormfield an einem Herzinfarkt, einen Tag nach der nächsten Annäherung des Kometen an die Erde.

Als Präsident William Howard Taft von Twains Tod hörte, sagte er: [71] [72]

Mark Twain bereitete Millionen Freude – wirklichen intellektuellen Genuss – und seine Werke werden auch künftigen Millionen weiterhin solche Freude bereiten … Sein Humor war amerikanisch, aber er wurde von Engländern und Menschen anderer Länder fast genauso geschätzt wie von seinen eigenen Landsleute. Er hat einen bleibenden Teil der amerikanischen Literatur gemacht.

Twains Beerdigung fand in der Brick Presbyterian Church in der Fifth Avenue in New York statt. [73] Er wird auf dem Familiengrab seiner Frau auf dem Woodlawn Cemetery in Elmira, New York, begraben. Das Grundstück der Familie Langdon ist durch ein 12-Fuß-Denkmal (zwei Faden oder "mark twain") gekennzeichnet, das von seiner überlebenden Tochter Clara dort aufgestellt wurde. [74] Es gibt auch einen kleineren Grabstein. Er äußerte eine Präferenz für die Einäscherung (zum Beispiel in Leben auf dem Mississippi), aber er räumte ein, dass seine überlebende Familie das letzte Wort haben würde.

Beamte in Connecticut und New York schätzten den Wert von Twains Nachlass auf 471.000 US-Dollar (heute 13.000.000 US-Dollar). [75]

Überblick

Twain begann seine Karriere mit dem Schreiben von leichten, humorvollen Versen, aber er wurde ein Chronist der Eitelkeiten, Heucheleien und mörderischen Taten der Menschheit. In der Mitte seiner Karriere kombinierte er reichen Humor, solide Erzählung und Gesellschaftskritik in Heidelbeerfinne. Er war ein Meister der Umgangssprache und half, eine unverwechselbare amerikanische Literatur zu schaffen und zu popularisieren, die auf amerikanischen Themen und Sprache aufbaute.

Viele seiner Werke wurden aus verschiedenen Gründen zeitweise unterdrückt. Die Abenteuer von Huckleberry Finn wurde an amerikanischen High Schools wiederholt eingeschränkt, nicht zuletzt wegen der häufigen Verwendung des Wortes "Nigger", [76] das in der Zeit vor dem Bürgerkrieg, in der der Roman spielt, gebräuchlich war.

Eine vollständige Bibliographie von Twains Werken ist aufgrund der großen Anzahl von Artikeln, die er verfasste (oft in obskuren Zeitungen) und seiner Verwendung verschiedener Pseudonyme fast unmöglich, zusammenzustellen. Darüber hinaus sind viele seiner Reden und Vorträge verloren gegangen oder wurden nicht aufgezeichnet, so dass die Zusammenstellung von Twains Werken ein fortlaufender Prozess ist. Forscher haben erst 1995 und 2015 veröffentlichtes Material wiederentdeckt. [48] [77]

Früher Journalismus und Reiseberichte

Twain schrieb für die Zeitung Virginia City Territoriales Unternehmen 1863 lernte er den Anwalt Tom Fitch kennen, den Herausgeber der konkurrierenden Zeitung Virginia Daily Union und bekannt als der "silberzüngige Redner des Pazifiks". [78] : 51 Er schrieb Fitch zu, ihm seine "erste wirklich gewinnbringende Lektion" schriftlich gegeben zu haben. "Als ich anfing, Vorträge zu halten, und in meinen früheren Schriften", sagte Twain später, "war meine einzige Idee, aus allem, was ich sah und hörte, Comic-Kapital zu machen." [79] Im Jahr 1866 hielt er in Washoe City, Nevada, seinen Vortrag über die Sandwich Islands vor einer Menge. [80] Danach sagte Fitch zu ihm:

Clemens, Ihr Vortrag war großartig. Es war beredt, bewegend, aufrichtig. Noch nie in meinem ganzen Leben habe ich ein so großartiges Stück beschreibender Erzählung gehört. Aber Sie haben eine unverzeihliche Sünde begangen – die unverzeihliche Sünde. Es ist eine Sünde, die Sie nie wieder begehen dürfen. Sie haben eine äußerst beredte Beschreibung, mit der Sie Ihr Publikum auf eine Tonhöhe des intensivsten Interesses gebracht hatten, mit einem Stück grauenhafter Antiklimax abgeschlossen, das all die wirklich schöne Wirkung, die Sie erzeugt hatten, zunichte machte. [81]

In diesen Tagen wurde Twain Autor der Sagebrush School, die er später als ihr berühmtestes Mitglied bezeichnete. [82] Sein erstes wichtiges Werk war "The Celebrated Jumping Frog of Calaveras County", veröffentlicht in der New Yorker Samstagspresse am 18. November 1865. Nach einem Popularitätsschub Sacramento-Union beauftragt ihn, Briefe über seine Reiseerfahrungen zu schreiben. Die erste Reise, die er für diesen Job unternahm, war eine Fahrt mit dem Dampfer Ajax auf seiner Jungfernfahrt zu den Sandwich Islands (Hawaii). Währenddessen schrieb er Briefe an die Zeitung, die für die Veröffentlichung bestimmt waren, und berichtete mit Humor von seinen Erlebnissen. Diese Briefe erwiesen sich als Ausgangspunkt für seine Arbeit mit dem San Francisco Alta California Zeitung, die ihn als Reisekorrespondenten für eine Reise von San Francisco nach New York City über die Landenge von Panama bezeichnete.

Am 8. Juni 1867 stach er mit dem Vergnügungskreuzer in See Quäkerstadt für fünf Monate, und diese Reise führte zu Die Unschuldigen im Ausland oder der Fortschritt der neuen Pilger. 1872 veröffentlichte er seine zweite Reiseliteratur, Schruppen, als Bericht über seine Reise von Missouri nach Nevada, sein späteres Leben im amerikanischen Westen und seinen Besuch auf Hawaii. Das Buch verspottet die amerikanische und die westliche Gesellschaft auf die gleiche Weise wie Unschuldige kritisierte die verschiedenen Länder Europas und des Nahen Ostens. Seine nächste Arbeit war Das vergoldete Zeitalter: Eine Geschichte von heute, sein erster Versuch, einen Roman zu schreiben. Das Buch, das er zusammen mit seinem Nachbarn Charles Dudley Warner geschrieben hat, ist auch seine einzige Zusammenarbeit.

Twains nächste Arbeit stützte sich auf seine Erfahrungen am Mississippi. Alte Zeiten am Mississippi war eine Reihe von Skizzen, die in der Atlantik monatlich 1875 mit seiner Desillusionierung gegenüber der Romantik. [83] Alte Zeiten wurde schließlich der Ausgangspunkt für Leben auf dem Mississippi.

Tom Sawyer und Heidelbeerfinne

Twains nächste große Veröffentlichung war Die Abenteuer von Tom Sawyer, die auf seine Jugend in Hannibal zurückgreift. Tom Sawyer wurde als Kind Twain nachempfunden, mit Spuren der Schulkameraden John Briggs und Will Bowen. [ Zitat benötigt ] Das Buch stellt auch Huckleberry Finn in einer Nebenrolle vor, basierend auf Twains Jugendfreund Tom Blankenship.

Der Prinz und der Bettler wurde trotz einer Handlung, die heute in Film und Literatur üblich ist, nicht so gut aufgenommen. Das Buch erzählt die Geschichte von zwei am selben Tag geborenen Jungen, die physisch identisch sind und als Gesellschaftskommentar fungieren, während Prinz und Bettler die Plätze tauschen. Twain hatte angefangen Abenteuer von Huckleberry Finn (die er immer wieder mit Schwierigkeiten beim Ausfüllen hatte) [84] und hatte sein Reisebuch abgeschlossen Ein Landstreicher im Ausland, das seine Reisen durch Mittel- und Südeuropa beschreibt.

Twains nächste große veröffentlichte Arbeit war die Abenteuer von Huckleberry Finn, was ihn als bemerkenswerten amerikanischen Schriftsteller bestätigte. Einige haben es den ersten großen amerikanischen Roman genannt, und das Buch ist in vielen Schulen in den Vereinigten Staaten zur Pflichtlektüre geworden. Heidelbeerfinne war ein Ableger von Tom Sawyer und hatte einen ernsteren Ton als sein Vorgänger. Vierhundert Manuskriptseiten wurden Mitte 1876 geschrieben, gleich nach der Veröffentlichung von Tom Sawyer. Das letzte Fünftel von Heidelbeerfinne ist Gegenstand vieler Kontroversen. Manche sagen, Twain habe einen "Nervenversagen" erlitten, wie es der Kritiker Leo Marx ausdrückt. Ernest Hemingway sagte einmal von Heidelbeerfinne:

Wenn Sie es lesen, müssen Sie dort aufhören, wo der Nigger Jim den Jungs gestohlen wird. Das ist das wahre Ende. Der Rest ist nur Betrug.

Hemingway schrieb auch in demselben Aufsatz:

Die gesamte moderne amerikanische Literatur stammt aus einem Buch von Mark Twain namens Heidelbeerfinne. [85]

Nahe dem Abschluss von Heidelbeerfinne, Twain schrieb Leben auf dem Mississippi, die den Roman stark beeinflusst haben soll. [48] ​​Die Reisearbeit erzählt Twains Erinnerungen und neue Erfahrungen nach einer 22-jährigen Abwesenheit vom Mississippi. Darin erklärt er auch, dass "Mark Twain" der Ruf war, der getätigt wurde, als das Boot in sicherem Wasser war und eine Tiefe von zwei (oder zwei) Faden (12 Fuß oder 3,7 Meter) anzeigte.

Die McDowell-Höhle – heute bekannt als Mark Twain Cave in Hannibal, Missouri, und häufig in Twains Buch erwähnt Die Abenteuer von Tom Sawyer- hat "Sam Clemens", Twains richtiger Name, von Twain selbst in die Wand eingraviert. [86]

Später schreiben

Twain produzierte Präsident Ulysses S. Grants Erinnerungen durch seinen noch jungen Verlag Charles L. Webster & Company, den er zusammen mit Charles L. Webster, seinem angeheirateten Neffen, besaß. [87]

Zu dieser Zeit schrieb er auch "The Private History of a Campaign That Failed" für Das Jahrhundert-Magazin. Dieses Stück beschreibt seinen zweiwöchigen Aufenthalt in einer konföderierten Miliz während des Bürgerkriegs. Als nächstes konzentrierte er sich auf Ein Yankee aus Connecticut am Hof ​​von König Arthur, geschrieben mit dem gleichen historischen Fiktionsstil wie Der Prinz und der Bettler. Ein Yankee aus Connecticut zeigte die Absurdität politischer und sozialer Normen, indem er sie vor den Hof von König Artus stellte. Das Buch wurde im Dezember 1885 begonnen, einige Monate später bis zum Sommer 1887 auf Eis gelegt und schließlich im Frühjahr 1889 fertiggestellt. [ Zitat benötigt ]

Seine nächste großangelegte Arbeit war Pudd'nhead Wilson, die er schnell schrieb, als er verzweifelt versuchte, den Bankrott abzuwenden. Vom 12. November bis 14. Dezember 1893 schrieb Twain 60.000 Wörter für den Roman. [48] ​​Kritiker [ Wer? ] haben auf diese übereilte Fertigstellung als Ursache für die grobe Organisation des Romans und die ständige Unterbrechung der Handlung hingewiesen. Dieser Roman enthält auch die Geschichte von zwei Jungen, die am selben Tag geboren wurden und die Positionen im Leben wechseln, wie Der Prinz und der Bettler. Es wurde erstmals seriell in . veröffentlicht Jahrhundert-Magazin und als es schließlich in Buchform veröffentlicht wurde, Pudd'nhead Wilson erschien jedoch als Haupttitel, die "Untertitel" lassen den gesamten Titel lesen: Die Tragödie von Pudd'nhead Wilson und die Komödie von The Extraordinary Twins. [48]

Twains nächstes Projekt war ein Werk der reinen Fiktion, das er nannte Persönliche Erinnerungen von Jeanne d'Arc und seiner Frau gewidmet. Er hatte lange gesagt [ wo? ], dass dies die Arbeit war, auf die er trotz der Kritik, die er dafür erhielt, am stolzesten war. Das Buch war seit seiner Kindheit ein Traum von ihm gewesen, und er behauptete, ein Manuskript gefunden zu haben, das das Leben von Jeanne d'Arc als Jugendlicher beschreibt. [48] ​​Dies war ein weiteres Stück, von dem er überzeugt war, dass es seinen Verlag retten würde. Sein Finanzberater Henry Huttleston Rogers verwarf diese Idee und holte Twain ganz aus diesem Geschäft, aber das Buch wurde trotzdem veröffentlicht. [ Zitat benötigt ]

Um die Rechnungen zu bezahlen und seine Geschäftsprojekte am Laufen zu halten, hatte Twain begonnen, wütend Artikel und Kommentare zu schreiben, mit abnehmenden Erträgen, aber es reichte nicht. 1894 meldete er Konkurs an. Während dieser Zeit der finanziellen Notlage veröffentlichte er mehrere Literaturkritiken in Zeitungen, um über die Runden zu kommen. Er verspottete James Fenimore Cooper in seinem Artikel, der Coopers "Literary Offenses" detailliert beschreibt. Er wurde ein äußerst freimütiger Kritiker anderer Autoren und anderen Kritikern schlug er vor, dass Thomas Lounsbury, Brander Matthews und Wilkie Collins, bevor sie Coopers Arbeit lobten, "einige davon hätten lesen sollen". [88]

George Eliot, Jane Austen und Robert Louis Stevenson fielen während dieser Zeit, beginnend um 1890 und bis zu seinem Tod, ebenfalls unter Twains Angriff. [89] In mehreren Briefen und Aufsätzen skizziert er das, was er als "Qualitätsschreiben" bezeichnet, und liefert eine Quelle für den "Zahn-und-Klauen"-Stil der Literaturkritik. Er legt Wert auf Prägnanz, Nützlichkeit der Wortwahl und Realismus. Er beklagt beispielsweise, dass Coopers Hirschtöter soll realistisch sein, weist aber einige Mängel auf. Ironischerweise wurden mehrere seiner eigenen Werke später wegen mangelnder Kontinuität kritisiert (Abenteuer von Huckleberry Finn) und Organisation (Pudd'nhead Wilson).

Twains Frau starb 1904 während des Aufenthalts des Paares in der Villa di Quarto in Florenz. Nach einiger Zeit veröffentlichte er einige Werke, die seine Frau, seine de facto Redakteurin und Zensorin während ihres ganzen Ehelebens, auf die sie herabgeblickt hatte. Der mysteriöse Fremde ist vielleicht die bekannteste und zeigt verschiedene Besuche Satans auf der Erde. Dieses besondere Werk wurde zu Twains Lebzeiten nicht veröffentlicht. Seine Manuskripte umfassten drei Versionen, die zwischen 1897 und 1905 entstanden: die sogenannten Hannibal-, Eseldorf- und Printshop-Versionen. Die daraus resultierende Verwirrung führte zu einer umfangreichen Veröffentlichung einer durcheinandergebrachten Version, und erst seit kurzem sind die Originalversionen verfügbar, wie Twain sie geschrieben hat.

Twains letztes Werk war seine Autobiographie, die er diktierte und die er für am unterhaltsamsten hielt, wenn er nach Launen und Tangenten in nicht chronologischer Reihenfolge vorgehen würde. Einige Archivare und Compiler haben die Biografie in eine konventionellere Form gebracht, wodurch ein Teil von Twains Humor und dem Fluss des Buches eliminiert wurde. Der erste Band der Autobiographie, über 736 Seiten, wurde im November 2010, 100 Jahre nach seinem Tod, von der University of California veröffentlicht, wie Twain es wünschte. [90] [91] Es wurde bald ein unerwarteter Bestseller, [92] was Twain zu einem der wenigen Autoren machte, die im 19., 20. und 21. Jahrhundert neue Bestseller veröffentlichten.

Zensur

Twains Werke wurden Zensurbemühungen unterzogen. Laut Stuart (2013) „führten diese Verbotskampagnen im Allgemeinen religiöse Organisationen oder Einzelpersonen in einflussreichen Positionen – weniger arbeitende Bibliothekare, denen der amerikanische „Bibliotheksgeist“ eingeflößt worden war, der die intellektuelle Freiheit ehrte (innerhalb der Grenzen von Kurs)". 1905 verbot die Brooklyn Public Library beides Die Abenteuer von Huckleberry Finn und Die Abenteuer von Tom Sawyer wegen ihrer Sprache aus der Kinderabteilung. [93]

Twains Ansichten wurden mit zunehmendem Alter radikaler. In einem Brief an seinen Freund und Schriftstellerkollegen William Dean Howells im Jahr 1887 bestätigte er, dass sich seine Ansichten im Laufe seines Lebens geändert und weiterentwickelt hatten, und bezog sich dabei auf eines seiner Lieblingswerke:

Als ich mit Carlyle fertig war Französische Revolution 1871 war ich jedes Mal, wenn ich es lese, Girondin, seitdem habe ich es anders gelesen – nach und nach beeinflusst und verändert vom Leben und der Umwelt . und jetzt lege ich das Buch noch einmal hin und erkenne, dass ich eine Sansculotte bin! Und keine blasse, charakterlose Sansculotte, sondern ein Marat. [94] [95]

Antiimperialistisch

Vor 1899 war Twain ein glühender Imperialist. In den späten 1860er und frühen 1870er Jahren sprach er sich nachdrücklich für die amerikanischen Interessen auf den Hawaii-Inseln aus. [96] Er sagte, der Krieg mit Spanien im Jahr 1898 sei "der würdigste" Krieg gewesen, der je geführt wurde. [97] 1899 kehrte er jedoch um. In dem New York Herald, 16. Oktober 1900, beschreibt Twain seine Transformation und sein politisches Erwachen im Kontext des Philippinisch-Amerikanischen Krieges zum Antiimperialismus:

Ich wollte, dass der amerikanische Adler schreiend in den Pazifik geht. Warum nicht seine Flügel über den Philippinen ausbreiten, fragte ich mich? . Ich sagte mir: Hier ist ein Volk, das drei Jahrhunderte lang gelitten hat. Wir können sie so frei machen wie wir selbst, ihnen eine eigene Regierung und ein eigenes Land geben, eine Miniatur der amerikanischen Verfassung im Pazifik schwimmen lassen, eine brandneue Republik gründen, die ihren Platz unter den freien Nationen der Welt einnimmt. Es schien mir eine große Aufgabe, der wir uns gestellt hatten.

Aber seitdem habe ich weiter nachgedacht, und ich habe den Vertrag von Paris (der den Spanisch-Amerikanischen Krieg beendete) sorgfältig gelesen und gesehen, dass wir nicht beabsichtigen, das philippinische Volk zu befreien, sondern zu unterwerfen. Wir sind dorthin gegangen, um zu erobern, nicht um zu erlösen.

Es sollte mir, so scheint es, unser Vergnügen und unsere Pflicht sein, diese Menschen frei zu machen und sie auf ihre eigene Art und Weise mit ihren eigenen häuslichen Fragen umgehen zu lassen. Und deshalb bin ich ein Antiimperialist. Ich bin dagegen, dass der Adler seine Krallen auf jedes andere Land legt. [98] [99]

Während der Boxer-Rebellion sagte Twain, dass "der Boxer ein Patriot ist. Er liebt sein Land mehr als die Länder anderer Leute. Ich wünsche ihm viel Erfolg." [100]

Von 1901, kurz nach seiner Rückkehr aus Europa, bis zu seinem Tod im Jahr 1910, war Twain Vizepräsident der American Anti-Imperialist League, [101] die sich gegen die Annexion der Philippinen durch die Vereinigten Staaten wandte und „Zehntausende von Mitglieder". [37] Er schrieb viele politische Broschüren für die Organisation. Die Vorfall auf den Philippinen, posthum 1924 veröffentlicht, war eine Reaktion auf das Moro-Krater-Massaker, bei dem sechshundert Moros getötet wurden. [102] Viele seiner vernachlässigten und bisher nicht gesammelten Schriften zum Antiimperialismus erschienen 1992 erstmals in Buchform. [101]

Auch in anderen Ländern stand Twain dem Imperialismus kritisch gegenüber. In Dem Äquator folgen, Twain drückt "Hass und Verurteilung des Imperialismus aller Couleur" aus. [37] Er war sehr kritisch gegenüber europäischen Imperialisten wie Cecil Rhodes und König Leopold II. von Belgien, die beide versuchten, während des Kampfes um Afrika Kolonien auf dem afrikanischen Kontinent zu errichten. [37] Das Selbstgespräch von König Leopold ist eine politische Satire über seine Privatkolonie, den Kongo-Freistaat. Berichte über unerhörte Ausbeutung und groteske Übergriffe führten Anfang des 20. Jahrhunderts zu einem weit verbreiteten internationalen Aufschrei, der wohl ersten groß angelegten Menschenrechtsbewegung. In dem Selbstgespräch argumentiert der König, dass das Bringen des Christentums in die Kolonie „ein bisschen Hunger“ aufwiegt. Die Misshandlungen gegen kongolesische Zwangsarbeiter dauerten an, bis die Bewegung die belgische Regierung zwang, die Kolonie direkt zu kontrollieren. [103] [104]

Während des Philippinisch-Amerikanischen Krieges schrieb Twain eine kurze pazifistische Geschichte mit dem Titel Das Kriegsgebet, die darauf hindeutet, dass Humanismus und christliche Liebespredigt mit Kriegsführung unvereinbar sind. Es wurde eingereicht an Harper's Bazaar zur Veröffentlichung, aber am 22. März 1905 lehnte die Zeitschrift die Geschichte als "nicht ganz geeignet für eine Frauenzeitschrift" ab. Acht Tage später schrieb Twain an seinen Freund Daniel Carter Beard, dem er die Geschichte vorgelesen hatte: „Ich glaube nicht, dass das Gebet zu meiner Zeit veröffentlicht wird. Da er einen Exklusivvertrag mit Harper & Brothers hatte, konnte Twain nicht veröffentlichen Das Kriegsgebet andernorts blieb es bis 1923 unveröffentlicht. Es wurde von Demonstranten des Vietnamkriegs als Wahlkampfmaterial erneut veröffentlicht. [37]

Twain gab zu, dass er ursprünglich mit den gemäßigteren Girondisten der Französischen Revolution sympathisierte und dann seine Sympathien auf die radikaleren Sansculottes verlagerte, sich tatsächlich als "ein Marat" identifizierte und schrieb, dass die Schreckensherrschaft im Vergleich zu den älteren Terroristen verblasste ging ihm voraus. [105] Twain unterstützte die Revolutionäre in Russland gegen die Reformisten und argumentierte, dass der Zar mit gewaltsamen Mitteln beseitigt werden müsse, weil friedliche nicht funktionieren würden. [106] Er fasste seine Ansichten über Revolutionen in der folgenden Aussage zusammen:

Ich bin ein Revolutionär in meinen Sympathien, von Geburt an, von Zucht und Prinzip. Ich bin immer auf der Seite der Revolutionäre, denn es gab nie eine Revolution, es sei denn, es gab unterdrückerische und unerträgliche Bedingungen, gegen die man revoltieren könnte. [107]

Bürgerrechte

Twain war ein unerschütterlicher Befürworter der Abschaffung der Sklaverei und der Emanzipation der Sklaven und ging sogar so weit zu sagen: "Lincolns Proklamation. Befreie nicht nur die schwarzen Sklaven, sondern befreie auch den weißen Mann". [108] Er argumentierte, dass Nicht-Weiße in den Vereinigten Staaten keine Gerechtigkeit erhielten, und sagte einmal: „Ich habe gesehen, wie Chinesen auf alle möglichen gemeinen, feigen Arten missbraucht und misshandelt wurden, um eine erniedrigte Natur zu erfinden Chinesen vor Gericht für das ihm so angetane Unrecht entschädigt". [109] Er bezahlte für mindestens einen Schwarzen, um die Yale Law School zu besuchen, und für einen anderen Schwarzen, um eine südliche Universität zu besuchen, um Minister zu werden. [110]

Twains zukunftsweisende Ansichten über die Rasse wurden in seinen frühen Schriften über die Indianer nicht reflektiert. Von ihnen schrieb Twain 1870:

Sein Herz ist eine Senkgrube der Lüge, des Verrats und der niederen und teuflischen Instinkte. Bei ihm ist Dankbarkeit ein unbekanntes Gefühl, und wenn man ihm eine Freundlichkeit erweist, ist es am sichersten, das Gesicht zu ihm zu halten, damit die Belohnung nicht ein Pfeil in den Rücken ist. Einen Gefallen von ihm anzunehmen bedeutet, eine Schuld auf sich zu nehmen, die Sie nie zu seiner Zufriedenheit zurückzahlen können, obwohl Sie sich bei dem Versuch selbst bankrott machen. Der Abschaum der Erde! [111]

Als Kontrapunkt bietet Twains Essay über "The Literary Offenses of Fenimore Cooper" einen viel freundlicheren Blick auf die Indianer. [88] "Nein, andere Indianer hätten diese Dinge bemerkt, aber Coopers Indianer bemerken nie etwas. Cooper denkt, dass sie wunderbare Kreaturen sind, um sie zu bemerken, aber er irrte sich fast immer in Bezug auf seine Indianer. Es gab selten einen vernünftigen unter ihnen. " [112] In seinem späteren Reisebericht Dem Äquator folgen (1897) stellt Twain fest, dass in kolonisierten Ländern auf der ganzen Welt "Wilden" von "Weißen" immer auf gnadenlose Weise Unrecht getan wurde, wie "Raub, Demütigung und langsamer, langsamer Mord, durch Armut und die Weißen". man's Whisky" lautet seine Schlussfolgerung: "Es gibt viele humorvolle Dinge auf dieser Welt, darunter die Vorstellung des weißen Mannes, dass er weniger wild ist als die anderen Wilden". [113] In einem Ausdruck, der seine ostindischen Erfahrungen einfängt, schrieb er: "Soweit ich das beurteilen kann, wurde weder vom Menschen noch von der Natur nichts unversucht gelassen, um Indien zum außergewöhnlichsten Land zu machen, das die Sonne auf ihrem Weg besucht Runden. Wo jeder Interessent gefällt und nur der Mensch abscheulich ist." [114]

Twain war auch ein überzeugter Verfechter der Frauenrechte und ein aktiver Kämpfer für das Frauenwahlrecht. Seine Rede "Votes for Women", in der er auf die Gewährung des Stimmrechts für Frauen drängte, gilt als eine der berühmtesten der Geschichte. [115]

Helen Keller profitierte von Twains Unterstützung, als sie trotz ihrer Behinderungen und finanziellen Beschränkungen ihre College-Ausbildung und ihre Veröffentlichung fortsetzte. Die beiden waren ungefähr 16 Jahre lang befreundet. [116]

Durch Twains Bemühungen stimmte der Gesetzgeber von Connecticut Prudence Crandall, seit 1995 Connecticuts offizielle Heldin, für ihre Bemühungen um die Ausbildung junger afroamerikanischer Frauen in Connecticut eine Rente zu. Twain bot auch an, ihr ehemaliges Haus in Canterbury, Heimat der Canterbury Female Boarding School, für ihre Nutzung zu kaufen, lehnte jedoch ab. [117] : 528

Arbeit

Twain schrieb glühend über Gewerkschaften in der Flussschifffahrtsindustrie in Leben auf dem Mississippi, die Jahrzehnte später in Gewerkschaftssälen gelesen wurde. [118] Er unterstützte die Arbeiterbewegung, insbesondere eine der wichtigsten Gewerkschaften, die Knights of Labor. [37] In einer Rede an sie sagte er:

Wer sind die Unterdrücker? Die wenigen: der König, der Kapitalist und eine Handvoll anderer Aufseher und Superintendenten. Wer sind die Unterdrückten? Die vielen: die Nationen der Erde die wertvollen Persönlichkeiten die Arbeiter die das Brot backen, das die Sanftmütigen und Müßigen essen. [119]

Religion

Twain war Presbyterianer.[120] Er war in seinem späteren Leben kritisch gegenüber der organisierten Religion und bestimmten Elementen des Christentums. Er schrieb zum Beispiel: „Glaube ist zu glauben, was man weiß, ist nicht so“ und „Wenn Christus jetzt hier wäre, wäre er eines nicht – ein Christ“. [121] Mit antikatholischen Gefühlen, die im Amerika des 19. [122] Als Erwachsener nahm er an religiösen Diskussionen teil und besuchte Gottesdienste. Seine Theologie entwickelte sich, während er mit dem Tod seiner Lieben und seiner eigenen Sterblichkeit rang. [123]

Twain vermied es im Allgemeinen, seine umstrittensten [124] Meinungen über Religion zu seinen Lebzeiten zu veröffentlichen, und sie sind aus Essays und Erzählungen bekannt, die später veröffentlicht wurden. Im Aufsatz Drei Statements der Achtziger in den 1880er Jahren erklärte Twain, dass er an einen allmächtigen Gott glaubte, aber nicht an Botschaften, Offenbarungen, heilige Schriften wie die Bibel, die Vorsehung oder Vergeltung im Jenseits. Er erklärte, dass "die Güte, die Gerechtigkeit und die Barmherzigkeit Gottes in Seinen Werken manifestiert sind", aber auch, dass "das Universum von strengen und unveränderlichen Gesetzen regiert wird", die "Kleinigkeiten" bestimmen, wie z eine Pest. [125] Zu anderen Zeiten schrieb oder sprach er in einer Weise, die einer strengen deistischen Sichtweise widersprach, beispielsweise indem er eindeutig einen Glauben an die Vorsehung bekundete. [126] In einigen späteren Schriften in den 1890er Jahren war er weniger optimistisch in Bezug auf die Güte Gottes und bemerkte, dass "wenn unser Schöpfer ist Allmächtig zum Guten oder Bösen, Er ist nicht bei Seinem Verstand". Zu anderen Zeiten vermutete er sardonisch, dass Gott vielleicht die Welt mit all ihren Qualen zu einem eigenen Zweck erschaffen hatte, aber ansonsten war er der Menschheit gegenüber gleichgültig, was war sowieso zu kleinlich und unbedeutend, um Seine Aufmerksamkeit zu verdienen.[127]

1901 kritisierte Twain die Handlungen des Missionars Dr. William Scott Ament (1851–1909), weil Ament und andere Missionare nach dem Boxeraufstand von 1900 von chinesischen Untertanen Entschädigungen gesammelt hatten. Twains Antwort auf die Anhörung von Aments Methoden wurde veröffentlicht in dem Nordamerika-Rezension im Februar 1901: An die Person, die in der Dunkelheit sitzt, und befasst sich mit Beispielen des Imperialismus in China, Südafrika und der US-Besatzung der Philippinen. [128] Ein nachfolgender Artikel, "An meine Missionskritiker", veröffentlicht in Die nordamerikanische Rezension im April 1901 setzt seinen Angriff ohne Entschuldigung fort, aber mit dem Fokus von Ament zu seinen missionarischen Vorgesetzten, dem American Board of Commissioners for Foreign Missions. [129]

Nach seinem Tod unterdrückte Twains Familie einige seiner Werke, die der konventionellen Religion gegenüber besonders respektlos waren, darunter Briefe von der Erde, das erst veröffentlicht wurde, als seine Tochter Clara ihre Position 1962 als Reaktion auf die sowjetische Propaganda über die Zurückhaltung revidierte. [130] Die antireligiösen Der mysteriöse Fremde wurde 1916 veröffentlicht. Kleine Bessie, eine Geschichte, die das Christentum lächerlich macht, wurde erstmals 1972 in der Sammlung veröffentlicht Mark Twains Menschenfabeln. [131]

Er sammelte Geld, um 1864 eine presbyterianische Kirche in Nevada zu bauen. [132]

Twain schuf eine ehrfürchtige Darstellung von Jeanne d'Arc, einem Thema, von dem er vierzig Jahre lang besessen war, ein Dutzend Jahre lang studiert und zwei Jahre lang darüber geschrieben hatte. [133] Im Jahr 1900 und erneut im Jahr 1908 erklärte er: "Ich mag Jeanne d'Arc das beste aller meiner Bücher, es ist das beste." [133] [134]

Diejenigen, die Twain spät im Leben gut kannten, erzählen, dass er sich mit dem Thema des Jenseits beschäftigt hat, seine Tochter Clara sagte: "Manchmal glaubte er, dass der Tod alles beendete, aber meistens fühlte er sich eines Lebens darüber hinaus sicher." [135]

Twains offenste Ansichten zur Religion erschienen in seinem letzten Werk Autobiographie von Mark Twain, dessen Veröffentlichung im November 2010, 100 Jahre nach seinem Tod, begann. Darin sagte er: [136]

An unserem Christentum ist eines bemerkenswert: schlecht, blutig, gnadenlos, geldgierig und räuberisch wie es ist – gerade in unserem Land und in allen anderen christlichen Ländern in etwas abgewandelter Form – ist es immer noch hundertmal besser als das Das Christentum der Bibel mit seinem ungeheuerlichen Verbrechen – der Erfindung der Hölle. Gemessen an unserem Christentum von heute, so schlecht es auch ist, heuchlerisch wie es ist, leer und hohl wie es ist, weder die Gottheit noch sein Sohn sind Christen, noch für diese mäßig hohe Stellung qualifiziert. Unsere ist eine schreckliche Religion. Die Flotten der Welt könnten in dem unschuldigen Blut, das sie vergossen hat, in geräumigem Komfort schwimmen.

Twain war Freimaurer. [137] [138] Er gehörte zur Polar Star Lodge Nr. 79 A.F.&.A.M. mit Sitz in St. Louis. Er wurde am 22. Mai 1861 als eingetragener Lehrling initiiert, am 12. Juni zum Fellow Craft und am 10. Juli zum Master Mason erhoben.

Twain besuchte Salt Lake City für zwei Tage und traf dort Mitglieder der Kirche Jesu Christi der Heiligen der Letzten Tage. Sie gaben ihm auch ein Buch Mormon. [139] Später schrieb er in Schruppen über dieses Buch: [140] [141]

Das Buch scheint nur ein prosaisches Detail der imaginären Geschichte zu sein, mit dem Alten Testament als Vorbild, gefolgt von einem langweiligen Plagiat des Neuen Testaments.

Vivisektion

Twain war gegen die Vivisektionspraktiken seiner Zeit. Sein Einwand war nicht wissenschaftlich begründet, sondern eher ethisch. Als Grundlage seines Widerspruchs nannte er ausdrücklich die Schmerzen, die dem Tier zugefügt wurden: [142] [143]

Es interessiert mich nicht, ob Vivisektion Ergebnisse liefert, die für die Menschheit profitabel sind oder nicht. . Die Schmerzen, die es widerwilligen Tieren zufügt, sind die Grundlage meiner Feindschaft ihm gegenüber, und es ist mir eine ausreichende Rechtfertigung der Feindschaft, ohne weiter zu suchen.

Twain verwendete verschiedene Pseudonyme, bevor er sich für "Mark Twain" entschied. Bis 1863 unterschrieb er humorvolle und fantasievolle Skizzen als "Josh". Außerdem benutzte er das Pseudonym "Thomas Jefferson Snodgrass" für eine Reihe humorvoller Briefe. [144]

Er behauptete, dass sein primärer Pseudonym von seiner Arbeit auf Mississippi-Flussbooten stammte, wo zwei Faden, eine Tiefe, die angibt, dass Wasser sicher für die Durchfahrt des Bootes ist, ein Maß auf der Peillinie war. Twain ist ein archaischer Begriff für „zwei“, wie in „Der Schleier des Tempels wurde in zwei Teile zerrissen“. [145] Der Ruf des Flussschiffers war "mark twain" oder, genauer gesagt, "by the mark twain", was "entsprechend der Markierung [auf der Linie] bedeutet, [die Tiefe ist] zwei [Faden]", das heißt " Das Wasser ist 12 Fuß (3,7 m) tief und es ist sicher zu passieren."

Twain sagte, dass sein berühmtes Pseudonym nicht ganz seine Erfindung sei. In Leben auf dem Mississippi, er schrieb:

Kapitän Isaiah Sellers war weder literarisch noch begabt, aber er pflegte kurze Absätze mit einfachen praktischen Informationen über den Fluss zu notieren und sie mit "MARK TWAIN" zu unterschreiben und sie dem New Orleans Picayune. Sie bezogen sich auf das Stadium und den Zustand des Flusses und waren genau und wertvoll. Als der Telegraph die Nachricht von seinem Tod brachte, war ich an der Pazifikküste. Ich war ein frischer neuer Journalist und brauchte einen nom de guerre, also beschlagnahmte ich den weggeworfenen des alten Seemanns und habe mein Bestes getan, damit er in seinen Händen bleibt, was er war – ein Zeichen und Symbol und eine Garantie dafür, dass alles, was in ihm gefunden wird, bleibt Gesellschaft als die versteinerte Wahrheit verspielt werden kann, wie es mir gelungen ist, würde ich nicht bescheiden sagen. [146]

Twains Geschichte über sein Pseudonym wurde von einigen [147] mit dem Hinweis in Frage gestellt, dass "mark twain" sich auf eine laufende Bar-Tabak bezieht, die Twain regelmäßig beim Trinken in John Pipers Saloon in Virginia City, Nevada, zugezogen hat. Samuel Clemens selbst reagierte auf diesen Vorschlag mit den Worten: "Mark Twain war der nom de plume eines Kapitäns Isaiah Sellers, der für die New Orleans Picayune. Er starb 1863, und da er diese Unterschrift nicht mehr brauchte, legte ich ihr gewaltsam die Hände auf, ohne die sterblichen Überreste des Eigentümers um Erlaubnis zu bitten. Das ist die Geschichte des Nom de Plume, den ich trage." [148]

In seiner Autobiographie schreibt Twain weiter über die Verwendung von "Mark Twain" durch Captain Sellers:

Ich war damals ein Junglotse auf dem Mississippi, und eines Tages schrieb ich eine grobe und grobe Satire, die auf Kapitän Isaiah Sellers gerichtet war, den ältesten Dampfschiffslotsen auf dem Mississippi und den angesehensten, angesehensten und verehrten. Viele Jahre lang hatte er gelegentlich kurze Absätze über den Fluss und die Veränderungen, die er während fünfzig Jahren unter seiner Beobachtung erfahren hatte, geschrieben und diese Absätze mit "Mark Twain" unterzeichnet und in den Zeitschriften von St. Louis und New Orleans veröffentlicht. In meiner Satire habe ich seine Erinnerungen unhöflich gespielt. Es war eine schäbige schlechte Leistung, aber ich wusste es nicht und die Piloten wussten es nicht. Die Piloten fanden es genial. Sie waren eifersüchtig auf Sellers, denn wenn die Grauhaarigen unter ihnen ihre Eitelkeit erfreuten, indem sie im Gehör der jüngeren Handwerker Wunder schilderten, die sie vor langer Zeit auf dem Fluss gesehen hatten, griff Sellers wahrscheinlich immer im psychologischen Moment ein und löschte sie mit seinen eigenen Wundern aus, die ihre kleinen Wunder blass und krank aussehen ließen. Ich habe jedoch alles darüber in "Old Times on the Mississippi" erzählt. Die Piloten übergaben meine extravagante Satire einem Flussreporter, und sie wurde im New Orleans True Delta veröffentlicht. Dieser arme alte Kapitän Sellers war zutiefst verwundet. Er war nie lächerlich gemacht worden, bevor er sensibel war, und er kam nie über die Verletzung hinweg, die ich mutwillig und dumm seiner Würde zugefügt hatte. Ich war eine Zeitlang stolz auf meine Leistung und fand sie ganz wunderbar, aber ich habe meine Meinung dazu längst geändert. Sellers hat nie wieder einen Absatz veröffentlicht und nie wieder sein Nom de guerre verwendet. [149]

Markenzeichen weißer Anzug

Während Twain oft in einem weißen Anzug dargestellt wird, sind moderne Darstellungen, die darauf hindeuten, dass er sie sein ganzes Leben lang getragen hat, unbegründet. Es gibt Hinweise darauf, dass Twain nach dem Tod seiner Frau im Jahr 1904 anfing, weiße Anzüge zu tragen. Es gibt jedoch auch Hinweise darauf, dass er vor 1904 einen weißen Anzug trug. 1882 schickte er ein Foto von sich in einem weißen Anzug an den 18-jährigen Edward W. Bok, den späteren Herausgeber der Damen Home Journal, mit handschriftlicher Datierung. Der weiße Anzug wurde schließlich zu seinem Markenzeichen, wie Anekdoten über diese Exzentrizität zeigen (wie die Zeit, als er im Winter einen weißen Sommeranzug zu einer Kongressanhörung trug). [48] ​​McMasters' Die Mark-Twain-Enzyklopädie stellt fest, dass Twain in seinen letzten drei Jahren keinen weißen Anzug getragen hat, außer bei einer Bankettrede. [150]

In seiner Autobiographie schreibt Twain über seine frühen Experimente mit dem Tragen von Weiß außerhalb der Saison: [151]

Nach feinen Farben mag ich schlichtes Weiß. Einer meiner Kummer ist es, wenn der Sommer zu Ende geht, dass ich meine fröhlichen und bequemen weißen Kleider ablegen muss und für den Winter in die deprimierende Gefangenschaft der formlosen und erniedrigenden Schwarzen eintreten muss. Es ist jetzt Mitte Oktober, und das Wetter wird hier oben in den Hügeln von New Hampshire kalt, aber es wird mir nicht gelingen, mich aus diesen weißen Kleidern zu frieren, denn hier sind die Nachbarn nur wenige, und ich bin ängstlich. [151]

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    Ich bin fast einundsiebzig, und ich erkenne an, dass mein Alter mir viele Privilegien verschafft hat, wertvolle Privilegien Privilegien, die jüngeren Menschen nicht gewährt werden. Nach und nach hoffe ich, in New York den Mut zu finden, den ganzen Winter weiße Kleidung zu tragen. Es wird mir eine große Genugtuung sein, auf diese Weise anzugeben, und die vielleicht größte Genugtuung wird das Wissen sein, dass jeder Spötter meines Geschlechts mich heimlich beneiden und wünschen wird, er wagte es, meinem Beispiel zu folgen. "Autobiographie von Mark Twain", Band 2, 8. Oktober 1906 (2013, 2008), Absatz 14
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Online-Ausgaben

Bibliotheken

    der Bancroft Library, University of California Berkeley. Archiv von Mark Twains Papieren und Schriften in der Buffalo & Erie County Public Library der New York Public Library Shapell Manuscript Foundation der Northern Illinois University Libraries. Yale Collection of American Literature, Beinecke Rare Book and Manuscript Library.

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So wählen Sie ein überschaubares Forschungsthema aus

  1. Bedingungen für Sklaven beim Bau der Großen Pyramide
  2. Drei Ereignisse der ersten griechischen Olympiade
  3. Wie, wo und wann Rom gegründet wurde
  4. Die Schlacht von Marathon: Wie die Griechen Persien besiegten
  5. Wie Platon und Aristoteles zusammengearbeitet haben, um die Philosophie neu zu erfinden
  6. Alexanders Eroberung Ägyptens: Strategien für den Sieg
  7. Die Chinesische Mauer: Baupläne und Umsetzung
  8. Julius Caesars erfolgreichste Angriffe auf Großbritannien
  9. Die Hunnen’ Erste Invasion in Europa
  10. Mohammed: Von Mekka nach Medina

Was ist es?

In erster Linie ist es wichtig, die Funktion des Schmuckstücks einzuordnen. Die Untersuchung eines Rings, einer Brosche, eines Armbands, einer Halskette usw. erfolgt im Wesentlichen auf die gleiche Weise, aber da sich einige Designer, Hersteller und Einzelhändler auf bestimmte Arten von Schmuck spezialisiert haben, ist es wichtig, die Funktion des Artikels zu berücksichtigen.

Wichtig ist auch zu prüfen, ob das Stück grundlegend verändert wurde. Grundlegende Reparaturen wie Größenanpassungen und Austausch von Nadelstangen können gefunden werden, und obwohl diese den Zweck des Artikels nicht grundlegend ändern, können sie wichtige Details ändern oder entfernen. Ein Ring mit veränderter Größe oder ein reparierter Pin-Mechanismus weist möglicherweise Punzen, Herstellermarken und/oder Reinheits-/Testmarken auf, und die Reparatur oder Änderung hat die Marken möglicherweise entfernt. Dies kann es schwierig machen, genau zu identifizieren, wer das Stück gemacht hat, aber im Grunde bleibt es eine Brosche oder ein Ring. Wenn hingegen der obere Teil eines Rings von seinem Schaft abgenommen und ein Nadelstiel auf der Rückseite platziert wurde, ist das Stück jetzt eine Nadel und kein Ring mehr. Dies ist wichtig zu beachten bei der Recherche zum Wer, Was, Wann und Wo der Schmuckidentifikation… ist es ein Ring oder eine Brosche? Manchmal ist die Antwort nicht sofort ersichtlich.


Ausgewählte Bilder

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Norditalienischer Künstler
Gebläutes, geprägtes Eisen, vergoldet und versilbert, mit Golddamaszenerarbeit
Kunsthistorisches Museum, Wien

Der Stil dieses Helms spiegelt die Popularität der griechischen und römischen Antike während der Renaissance wider. Das Gesicht eines Drachen dominiert die Vorderseite des Helms, sein wilder Mund öffnet sich direkt über dem Gesicht des Trägers. Die Seiten sind mit mythologischen Szenen geschmückt, darunter Poseidon, der Gott des Meeres, in einer von Seepferdchen gezogenen Kutsche. Solch ein aufwendiger und dekorativer Helm wäre zu festlichen Anlässen getragen worden und nicht im Kampf.

Sockel: vor 1449 Deckel: 1564
Bergkristall, Silber und Goldplatte
Kunsthistorisches Museum, Wien

Dieser kostbare Kelch war im Besitz von Friedrich III. (1415-1493), dessen persönliches Zeichen (AEIOU) neben der Jahreszahl 1449 auf seinem Sockel eingraviert ist. Die Vokale AEIOU sind wahrscheinlich eine Abkürzung für die Anfangsbuchstaben der Wörter in der lateinischen Phrase „Österreichs Pflicht, die ganze Welt zu regieren.“ Der Kelch wurde aus einem einzigen Stück Bergkristall geschliffen. Um die Kostbarkeit seines Materials und seine eigene Virtuosität zu unterstreichen, fertigte der Schnitzer einen 12-seitigen Kelch an. In der mittelalterlichen Welt symbolisierte die Zahl 12 Perfektion.

Nikolaus Pfaff zugeschrieben
Deutsch, ca. 1556 – 1612
Nashornhorn
Kunsthistorisches Museum, Wien

Das Trinken aus dieser Tasse hätte ein glückliches und gesundes Liebesleben garantiert. Drei Satyrn, Fabelwesen, die teils Tier und teils Mensch sind und ihre sexuellen Begierden nicht kontrollieren konnten, bilden die Basis dieses Kelches. Sie verwandeln sich vom zoologischen zum menschlichen zum botanischen, da ihre Tierbeine menschliche Arme stützen, die sich in verzweigte Korallen verwandeln. Das Horn von Nashörnern galt als Aphrodisiakum (sexuelles Stimulans) und sollte Böses und Unglück abwehren, ebenso wie Korallen.

Giuseppe Arcimboldo
Italienisch, 1527 – 1593
Öl auf Lindenholz
Kunsthistorisches Museum, Wien

Diese Darstellung von Feuer besteht buchstäblich aus feurigen Objekten. Feuerstein und Stahl stehen für Nase und Ohr. Den Hals bildet eine Öllampe. Streichhölzer bilden einen Schnurrbart, Musketen und Kanonen bilden Brust und Schulter. Wer dies im 16. Jahrhundert sah, hätte den Hinweis verstanden: Habsburger Kaiser Maximilian II., für den das Gemälde geschaffen wurde, behielt mit militärischer Feuerkraft die Kontrolle über sein Reich. Der Kragen des Goldenen Vlieses und der darunter liegende Doppeladler verweisen auf die Erbmacht des Kaisers.

Antonio Allegri, genannt Correggio
Italienisch, 1489 – 1534
Öl auf Leinwand
Kunsthistorisches Museum, Wien

Dieses Meisterwerk von Correggio bleibt eines der gewagtesten, erotischsten und schockierendsten Gemälde der Kunstgeschichte. Correggio malte vier sinnliche Leinwände über Jupiters Lieben. In der römischen Mythologie verkleidete sich der lustvolle Gott oft, damit er Jungfrauen verführen konnte, ohne dass seine Frau Juno auffiel. An einem sonnigen Tag ist er hier zu einer dicken schwarzen Wolke geworden. Jupiters Gesicht erscheint schwach in der Dunkelheit, als er seinen großen, pfotenartigen Arm ausstreckt, um die Nymphe Io zu umarmen.

Giorgio da Castelfranco, genannt Giorgione
Italienisch, 1477 – 1510
Öl auf Leinwand
Kunsthistorisches Museum, Wien

Hier verlieren sich drei Männer unterschiedlichen Alters vor einer Höhle in Gedanken. Der Jüngste sitzt mit Quadrat und Zirkel, der Älteste steht mit Zirkel und Tafel, der Mann in der Mitte trägt orientalische Kleidung und Turban.

Die Malerei von Giorgione kann ein bestimmtes Thema haben oder auch nicht. Die drei Figuren könnten die drei frühesten griechischen Philosophen darstellen, die versuchten, die Prinzipien der Natur zu verstehen oder die drei Zeitalter des Menschen zu veranschaulichen. In jedem Fall fördert Giorgiones poetische Art auch beim Betrachter nachdenkliche Kontemplation und erfinderische Interpretation.

Jacopo Robusti, genannt Tintoretto
Italienisch, ca. 1518 – 19 – 1594
Öl auf Leinwand
Kunsthistorisches Museum, Wien

Nach dem biblischen Buch Daniel beschloss Susanna eines heißen Nachmittags, in einem Gartenbrunnen zu baden. Zwei ältere Männer beobachteten sie heimlich und machten ihr dann einen Vorschlag. Die tugendhafte Susanna lehnte sie ab, wurde aber später des Ehebruchs angeklagt. Während ihres Prozesses wurde der Verrat der Ältesten aufgedeckt und sie wurden hingerichtet.

Dieses poetische Gemälde funkelt in Farbe und Licht. Die dramatische diagonale Komposition, die Üppigkeit des Gartens und die imposante Figur der Susanna ziehen uns trotz der anzüglichen Präsenz der guckenden Toms in ihren Bann.

Michelangelo Merisi, genannt Caravaggio
Italienisch, 1571 – 1610
Öl auf Leinwand
Kunsthistorisches Museum, Wien

Mit Gewalt und Pathos werden wir Zeugen eines der letzten irdischen Leiden Christi. Er sackt zur Seite, als seine schmutzigen, zerlumpten Peiniger ihn mit Stöcken schlagen. Das leuchtende Rot seines Umhangs lässt sein blutiges Schicksal am Kreuz ahnen, während wir zusammen mit einem verstörend desinteressierten Soldaten die schreckliche Geschichte beobachten. Caravaggio, einer der großen Erneuerer des italienischen Barocks, verstärkte die Dramatik der Szene durch seinen markanten Einsatz von Hell und Dunkel und starken Diagonalen.

Andreas Möller
Dänisch, 1684 – ca. 1762
Öl auf Leinwand
Kunsthistorisches Museum, Wien

Maria Theresia war bereits im Alter von 10 Jahren souverän und charmant. Um die österreichische Habsburgerherrschaft in Abwesenheit männlicher Erben zu bewahren, erklärte ihr Vater, Kaiser Karl VI., dass Töchter königlicher Fürsten den Thron der Habsburger besteigen könnten. Hier posiert Maria Theresia mit einem Erzherzogshut hinter der rechten Hand, der anzeigt, dass sie bereits mit Autorität ausgestattet ist. Ihr hermelingefütterter Umhang verstärkt ihren Adel.

Holzpaneele, Bronze, Glas, Eisen, Samt, Seide und Goldstickerei
Kunsthistorisches Museum, Wien

Der kaiserlichen Sattlerei zugeschrieben
Zwei Sets Geschirre von einem Sechs-Pferde-Galateam, ca. 1740–50
Posamenten aus Leder, Samt, vergoldetem Messing, Gold und Seide
Kunsthistorisches Museum, Wien

Diese modische Galakutsche beförderte die Kinder der kaiserlichen Familie bei feierlichen Prozessionen in Wien. Auf der Rückseite wurde 1896 ein Fenster hinzugefügt, um den Transport der ungarischen Kronjuwelen anzuzeigen.

Besonders prachtvoll sind die aufwendigen Applikationen und vergoldeten Messingguss-Schnallen an diesen beiden Geschirrsets aus einem benötigten Sechser-Set. Sie zeigen das Wappen der nicht regierenden Mitglieder des Kaiserhauses, das österreichische Wappen mit darüberliegender Erzherzogskrone und für den Barock typische filigrane Schnörkel und Banderolen.

Seidensamt, Seide und Gold
Kunsthistorisches Museum, Wien

Der Orden vom Goldenen Vlies zählt seit seiner Gründung durch den Herzog von Burgund im Jahr 1430 zu den edelsten Ritterorden. Es erhielt seinen Namen ursprünglich von dem antiken Helden Jason und seinen Argonauten, wurde aber auch mit Gideons Vlies identifiziert, das ihn als Anführer des hebräischen Volkes kennzeichnete. Als Maximilian I. 1477 Maria von Burgund heiratete, kam der Orden unter habsburgische Schirmherrschaft. Später spaltete er sich – wie die Familie – in einen spanischen und einen österreichischen Zweig.

Im Stil von Charles Frederick Worth
Samt und Seide
Kunsthistorisches Museum, Wien

Kaiserin Elisabeth, besser bekannt unter ihrem Spitznamen Sisi, wurde eine der ersten weiblichen Prominenten der modernen Welt. Als passionierte Sportlerin und Leistungsreiterin ließ sie sich in der Kaiserpfalz ein Fitnesscenter einrichten und war bekannt für ihre unkonventionellen Ansichten über die höfische Gesellschaft und ihre heftigen Auseinandersetzungen mit ihrer Schwiegermutter. Unglaublich schlank, ihre “Vienna Wespentaille” wurde zum Höhepunkt der Mode. Besonders akzentuiert wurde es in einem relativ schlichten, aber eleganten Tageskleid wie diesem.

Lorenz Helmschmid zugeschrieben
Deutsch, ca. 1445 – 1516
Rüstung: Eisen, Messing und Leder Ziel: Holz, Knochen(?) und Leder
Kunsthistorisches Museum, Wien

Diese Ritterrüstung, bestehend aus einem Metallmieder und -helm, einer hölzernen Lanze und einem Lederschild, wurde für den jungen Philipp I., auch bekannt als “Philip the Handsome” oder “the Fair, angefertigt junge Adlige nahmen an Ritterturnieren teil, einer militärischen Ausbildung, die sich zu einem Spitzensport entwickelte. Die Teilnehmer stürmten auf Pferden aufeinander zu und zielten mit ihren spitzen Lanzen auf den Schild ihres Gegners. Obwohl sie einen Kampf simulieren sollten, fanden Turniere oft bei festlichen gesellschaftlichen Veranstaltungen statt, zu denen auch Musik, Tanz und große Prozessionen gehörten.

Koralle, vergoldetes Silber, Stahl, Holz und Samt
Kunsthistorisches Museum, Wien

Erzherzog Ferdinand II. war ein leidenschaftlicher Sammler seltener Gegenstände aus Korallen, denen man mythische Kräfte zugesprochen hatte und die vor dem bösen Blick schützten. In diesem Beispiel bilden die spindeldürren, leuchtend roten Äste den Griff dieses Coltelaggio oder großen Messers. Da Korallen teuer und spröde waren, waren Waffen wie diese reine Schauwaffen und wurden bei festlichen Umzügen mit antiker Rüstung getragen. Die einzigen Säbel mit Korallengriff, die aus der Spätrenaissance überlebt haben, stammen alle aus der Wundersammlung Ferdinands II.

Jörg Seusenhofer
Österreicher, ca. 1510 – 1580
Hans Perckhammer
Unbekannte Nationalität, 1527-1557
Eisen, Messing, Leder und Stoff
Kunsthistorisches Museum, Wien

Die „Adlergarnitur” von Erzherzog Ferdinand II. von Tirol ist das umfangreichste noch erhaltene und am besten dokumentierte Rüstungsensemble. Seine 87 Teile können je nach Verwendungszweck auf 12 verschiedene Arten zusammengebaut werden, z. B. im Reit- oder Fußgängerkampf oder für verschiedene Arten von Turnieren. Die “Eagle Garniture” wurde erstmals Anfang 1548 von Ferdinand II. bei einem Turnier in Prag getragen. Ihr Name stammt von dem österreichischen Wappenadler, der viele ihrer Stücke ziert.

Hellgrauer Chalcedon und vergoldetes Silber, Anfang 1600
Kunsthistorisches Museum, Wien

Als Kaiser des Heiligen Römischen Reiches suchten die Habsburger nach künstlerischer Inspiration und Bestätigung ihrer Autorität im antiken Rom. Sie stellten römische Porträtskulpturen in den großen öffentlichen Räumen ihrer Paläste aus und restaurierten oft antike Stücke mit moderneren Teilen, wie im Fall dieser Porträtkameo. Die Habsburger Kaiser gaben exquisite Porträts in Auftrag, die gleichermaßen römisch anmuten, sich visuell an antike Herrscher anknüpfen und durch technisch ausgereifte Marmorschnitztechnik ihre Überlegenheit beanspruchen.

Hans Jakob I. Bachmann, Goldschmied
Deutsch, 1574 – 1651
Meister IPG, Elfenbeinschnitzer
Aktiv c. 1640
Elfenbein und vergoldetes Silber
Kunsthistorisches Museum, Wien

Szenen betrunkener Feierlichkeiten zieren diesen kunstvollen Elfenbeinhumpen. Bacchus, der Gott des Weins, verfolgt eine Nymphe, während seine Kohorte von Nachtschwärmern ihn umgibt, lachend, musiziert und Weintrauben erntet. Oben auf dem Deckel beobachtet eine kleine Figur von Amor, dem Gott der Liebe, den Weg eines Pfeils, den er gerade abgeschossen zu haben scheint. Solche Bilder hängen mit dem berauschenden Inhalt des Krugs zusammen – obwohl er wahrscheinlich nie als Trinkgefäß verwendet wurde. Stattdessen wurde das prächtige Objekt aus Elfenbein und vergoldetem Silber als Symbol für den Reichtum und die Raffinesse der Habsburger ausgestellt.

Leonhard Kern
Deutsch, 1588 – 1662
Walross Stoßzahn
Kunsthistorisches Museum, Wien

In dieser Skulptur verwandelt sich die Natur in ein Kunstwerk. Aus einem Stück Walrosszahn geschnitzt, stellt diese üppige Frauenfigur mit einem Füllhorn von Früchten Abundantia, die Göttin des Überflusses, oder Pomona, die Göttin der Obstbäume und Obstgärten, dar. Die natürliche Form des Materials – insbesondere die körnige Struktur des Elfenbeins – wird in das Design aufgenommen. Diese Textur ist besonders auf den Schultern, dem Arm und dem linken Bein der Göttin sichtbar. Diese Spannung zwischen Kunst und Natur war charakteristisch für die Kuriositätenkabinette des 16. und 17. Jahrhunderts.

Hans Holbein der Jüngere
Deutsch, 1497 – 1543
Öl auf Eiche
Kunsthistorisches Museum, Wien

Jane Seymour war die dritte und beliebteste Ehefrau des englischen Königs Heinrich VIII. – die einzige seiner sechs Ehefrauen, die einen männlichen Erben hervorbrachte, der die Kindheit überlebte. Sie starb wenige Tage nach der Geburt. Heinrich VIII. gab das Werk wahrscheinlich für sich selbst in Auftrag, aber es befand sich 1720 in der Habsburger Sammlung. Holbein betonte Janes ursprüngliche Frömmigkeit und königliche Haltung. Sie trägt eine Halskette mit dem Monogramm Christi (IHS), die die Zuschauer daran erinnert, dass Henry England zwar vom Papsttum getrennt hatte, es aber immer noch ein frommer Staat war.

Tiziano Vecellio, genannt Tizian, und Werkstatt
Italienisch, ca. 1488 – 1576
Öl auf Leinwand
Kunsthistorisches Museum, Wien

In diesem prächtigen Gemälde der venezianischen Renaissance kehrte Tizian, einer der großen Meister dieser Zeit, zu einem Thema zurück, das er viele Male gemalt hatte: dem Mythos von Danaë. Der Mythologie zufolge erhielt Danaës Vater, der König von Argos, eine Prophezeiung, dass der Sohn seiner Tochter ihn eines Tages töten würde. Um zu verhindern, dass Danaë jemals ein solches Kind zur Welt bringt, sperrte der König sie in einen Kerker. Dieses Gemälde zeigt Danae, die von Jupiter in Form einer Goldwolke besucht wird, die Danae imprägniert und die Prophezeiung erfüllt. Es wurde im Jahr 1600 an Kaiser Rudolf II. geschenkt.

Diego Rodríguez de Silva und Velázquez
Spanisch, 1599 – 1660
Öl auf Leinwand
Kunsthistorisches Museum, Wien

Vor der Fotografie und weit verbreiteten Reisen wurden gemalte Porträts von heiratsfähigen jungen Mädchen oft zur Überprüfung an die Familien potenzieller Ehemänner geschickt. Die junge spanische Infantin Maria Teresa galt als Gemahlin mehrerer Habsburger, und mehrere Porträts von ihr, darunter dieses, wurden nach Wien geschickt. Schließlich heiratete sie ihren Cousin, König Ludwig XIV. von Frankreich.

In diesem Porträt ist Maria Teresa modisch gekleidet und ihr Ausdruck, zusammen mit der Spontaneität des Pinsels der Künstlerin, projiziert ein frisches, lebendiges Erscheinungsbild.

Jan Thomas
Flämisch, 1617 – 1678
Öl auf Kupfer
Kunsthistorisches Museum, Wien

Am 24. Januar 1667 wurde auf dem Burgplatz in Wien anlässlich der Hochzeit von Kaiser Leopold I. und der spanischen Infantin Margarita Teresa ein Reiterballett aufgeführt. Dieses kleine Gemälde zeigt Leopold in seinem Kostüm für die Veranstaltung. Das Ballett erzählte die Geschichte eines Wettbewerbs zwischen den Vier Elementen. Luft oder Wasser, unterstützt von Feuer und Erde – was hatte die schönste Perle geschaffen? Es war nicht wirklich wichtig. Der Punkt war das Spektakel und dass die Braut die perfekte Perle war. Im Lateinischen bedeutet Margarita Perle.

Bernardo Bellotto, bekannt als Canaletto
Italienisch, 1722 – 1780
Öl auf Leinwand
Kunsthistorisches Museum, Wien

In diesem Gemälde stellte Bernardo Bellotto das riesige Schloss und den Innenhof von Schönbrunn, Maria Theresias beliebtester Sommerresidenz, westlich von Wien dar.Maria Theresia und ihre Höflinge stehen in der Ferne auf einem Balkon des linken Flügels der Kaiserpfalz. Im Mittelgrund rollt die Kutsche des Grafen Joseph Kinsky über den Hof, gefolgt von seinem galoppierenden Gefolge, das von einem Triumph der Habsburger über die Preußen spricht. Das Gemälde trägt das Datum 16. August 1759, als Maria Theresia diese Nachricht erhielt, nicht als das Gemälde fertiggestellt wurde.

Seidensamt, Seide, Kunsthermelin, Goldstickerei und Federn
Kunsthistorisches Museum, Wien

Die Farben der vom Königlich Ungarischen Stephansorden getragenen Gewänder sind die Ungarns: Rot (für das Gewand), Grün (für den Umhang) und Weiß (für die künstliche Hermelinborte). Alle Kleider sind mit goldenen Eichenblättern bestickt, die auf die alte römische Tradition verweisen, außergewöhnliche Bürger mit Eichenkränzen zu ehren.

Der Orden des Heiligen Stephan von Ungarn wurde 1764 von Kaiserin Maria Theresia gegründet. Im Gegensatz zu anderen Orden, deren Mitglieder gleichberechtigte Mitglieder waren, bot dieser Orden dem Kaiser die Möglichkeit, Personen unterschiedlicher Herkunft und Rang für ihren hervorragenden öffentlichen Dienst anzuerkennen.

Diese Ausstellung nahm die Besucher mit auf eine Reise, die sechshundert Jahre Kunstsammlung der Familie Habsburg, einer der mächtigsten und langlebigsten Dynastien Europas, erforschte. Die Habsburger dienten als Kaiser des Heiligen Römischen Reiches, der höchsten weltlichen Autorität im Europa des Mittelalters und der Renaissance. Mit seinem Zentrum in Wien, Österreich, erstreckte sich ihr Imperium auch auf Amerika.

Alle Werke dieser Ausstellung stammen aus dem Kunsthistorischen Museum in Wien, Österreich, das von Kaiser Franz Josef für die kaiserlichen Sammlungen erbaut wurde. Die Habsburger gaben einige der prächtigsten Gemälde, Skulpturen, dekorativen Künste, Waffen und Rüstungen und sogar Prunkwagen der Welt in Auftrag und sammelten sie, von denen die meisten noch nie in Nordamerika ausgestellt wurden.

Habsburgisches Spektakel und Aufführung waren legendär. Generation für Generation erbitten die Herrscher der Habsburger um Respekt und Loyalität ihrer Untertanen – und gewannen sie – durch die Sammlung, Schaffung und Ausstellung spektakulärer Architektur, Skulptur, Malerei und dekorativer Kunst. Habsburger Glanz ist heute in den ehemaligen Hauptstädten des Kaiserreichs Wien, Madrid, Budapest und Prag sowie in kleineren Städten in ganz Europa zu erleben.

Königliches Spektakel

Das Spektakel war für die Habsburger ein wesentlicher Bestandteil des höfischen Lebens. Prunk und Prunk waren seit dem Mittelalter ebenso wichtig wie militärische Macht. Teilnehmer an Ritterturnieren trugen aufwendige Rüstungen, um die Zuschauer zu beeindrucken. In späteren Jahrhunderten demonstrierten Adlige ihren Reichtum und ihre politische Macht, indem sie in exquisiten Kutschen und vergoldeten Schlitten durch die Kaiserstadt zogen.

Die Habsburger beauftragten und sammelten auch Kunst, um Untertanen und Aristokraten zu beeindrucken. Wunderkammern zeigten seltene Exemplare der natürlichen und menschlichen Produktion. Die Habsburger betrachteten diese Sammlungen als Mikrokosmen der Welt und füllten sie mit exotischen und mysteriösen Naturobjekten, darunter die Schalen von Straußeneiern, Tierhäute und Skelette, kostbare Edelsteine ​​und Mineralien, Fossilien und sogar “Einhornhörner” (eigentlich Narwal-Stoßzähne). ). Bis Ende des 16. Jahrhunderts besaßen die Habsburger über 3.000 Gemälde, die sie in ihren Palästen in ganz Europa ausstellten.

Diese Ausstellungen ermöglichten die Betrachtung natürlicher Kuriositäten und von Menschenhand geschaffener Wunder, dienten aber auch als Propaganda, um die Pracht, den Reichtum und die Macht der Sammler zu demonstrieren.

Kunsthistorisches Museum

Die Werke dieser Ausstellung stammen aus dem Kunsthistorischen Museum in Wien, Österreich. Das Museum wurde 1891 von Kaiser Franz Joseph I. der Öffentlichkeit zugänglich gemacht und steht in der Ringstraße, einem eleganten Boulevard, der die historische Wiener Innenstadt umrundet. Das Kunsthistorische beherbergt die prächtigen Kunstsammlungen der Habsburger, die sie über Jahrhunderte hinweg angehäuft haben. Zu den bedeutendsten Sammlern der Habsburger zählte Erzherzog Leopold Wilhelm (1614–1662), der den ersten gedruckten Katalog einer Gemäldesammlung herausgab. Das Museum beherbergt auch die Rüstungssammlungen Ferdinands II. von Tirol und einige der vielen Wunder aus der Wunderkammer Rudolfs II.

Obwohl die königliche Familie 1918 die Macht verlor, lebt das Erbe der Habsburger bis heute weiter. Sein Glanz und sein Spektakel erinnern uns an die herrschaftliche Art und Weise, in der diese Familie 650 Jahre europäischer Kunst, Politik und Kultur mitgeprägt hat.


Kiki Smith, Mit dem Wolf liegen

Diese zarte, aber großformatige Papierarbeit, die einen weiblichen Akt zeigt, der innig neben einem Wolf ruht, repräsentiert die Assimilation mehrerer Themen, die Kiki Smith während ihrer jahrzehntelangen Karriere erforscht hat. Mit einem Akt der Bindung zwischen Mensch und Tier spricht das Stück nicht nur von Smiths Faszination und Ehrfurcht für die Natur, sondern auch von ihrem ausgeprägten Interesse an religiösen Erzählungen und Mythologie, der Geschichte der Figuration in der westlichen Kunst und zeitgenössischen Vorstellungen von Weiblichkeit Häuslichkeit, spirituelle Sehnsucht und sexuelle Identität.

Mit dem Wolf liegen ist eine in einer kurzen Werkserie, die zwischen 2000 und 2002 entstanden ist und die die Beziehung von Frauen zu Tieren illustriert und auf Darstellungen in visuellen, literarischen und mündlichen Geschichten basiert. Smith interessiert sich vor allem für Erzählungen, die von kollektiv geteilten Mythologien sprechen, darunter Volksmärchen, biblische Geschichten und viktorianische Literatur, doch die einst vertrauten Geschichten werden dann fragmentiert und miteinander verschmolzen, um neue Bedeutungsbündel und Assoziationen zu bilden.

Intime Beziehungen zur Natur

Kiki Smith, Entrückung, 2001, Bronze, 67-1/4 x 62 x 26-1/2″, Auflage von 3, © Kiki Smith

Viele von Smiths Arbeiten aus dieser Zeit zeigen eine weibliche Protagonistin, die auf Rotkäppchen sowie Sainte Geneviève, der Schutzpatronin von Paris, basiert. Geneviève selbst wird wegen ihrer engen Beziehungen zu Tieren und ihrer Fähigkeit, insbesondere Wölfe zu domestizieren, oft mit dem Heiligen Franziskus von Assisi in Verbindung gebracht.

Weitere Werke der Reihe sind Geneviève und der Maiwolfeine Bronzeskulptur, in der eine stehende weibliche Figur den Wolf ruhig umarmt – und Entrückung, das vielleicht näher an Rotkäppchen angelehnt ist, da es eine Frau zeigt, die aus dem Bauch der liegenden Kreatur heraustritt.

Das Paar wie abgebildet in Mit dem Wolf liegenSie scheint jedoch in einer intimeren Umarmung gefangen zu sein, als der Wolf sich liebevoll in die Arme der nackten Frau schmiegt. Sie wickelt sich in einer tröstenden Geste um den Körper des Tieres und streichelt mit den Fingern das weiche Fell unter den Ohren und seitlich am Bauch. Die Wildheit des Wolfes wird gezähmt, und beide Figuren scheinen sich gegenseitig zu nähren, schwebend im abstrakten Raum der strukturierten Papieroberfläche, auf der sie zart gezeichnet sind. Smith verleiht einer normalerweise ziemlich gewalttätigen Geschichte eine Zärtlichkeit, die für ihre Gesamtästhetik charakteristisch ist.

Feministische Ansätze zur Erzählung

Es wurde von einigen Kritikern vorgeschlagen, dass Smiths Neuinterpretationen von Rotkäppchen und Sainte Geneviève eine feministische Herangehensweise an populäre Volksmärchen darstellen. Dies wird unterstützt durch ihre Platzierung der „Frau“ inmitten der Natur, aber vor allem auch auf einer strukturellen Ebene: in der Art und Weise, wie die beiden Erzählungen fragmentiert und kombiniert werden. In Anlehnung an unterschiedliche Quellen, um eine neue Handlung zu schmieden, demonstriert Smith die schlüpfrige Beziehung zwischen einem visuellen Bild und seinen vielfältigen Referenzen und übernimmt einen Erzählstil, der feministischen Neuschreibungen der Geschichte verpflichtet ist.

Wie die Kuratorin Helaine Posner erklärt: „Anstatt sie in ihrer traditionellen Rolle als Raubtier und Beute zu präsentieren, hat Smith diese Charaktere als Gefährten neu erfunden, die in Zweck und Größe gleich sind.“ Die Unterscheidung zwischen „Raubtier“ und „Beute“ könnte als Metapher für Machthierarchien in menschlichen Beziehungen verstanden werden, die traditionell nach Geschlecht, Rasse und Klasse gezogen wurden. Da patriarchalische Gesellschaften den Männern typischerweise mehr Macht einräumen, während sie von Frauen verlangen, unterwürfig oder abhängig zu sein, können wir uns diese „Umkippung“ in Smiths Kunst als ein politisches Statement gegen solche Ungleichheiten vorstellen. Die künstlerischen Erzählungen, die in ihrer Arbeit dargestellt werden, sind solche, in denen Binärdateien umgedreht und gegensätzliche Qualitäten verschmolzen werden. Smith behauptet eine kritische feministische Position, die die Artikulation mehrerer Bedeutungen begünstigt.

„In einem Garten herumlaufen“

“Meine Karriere ist nicht mehr linear. Vor ein paar Jahren fiel die Handlung oder Erzählung auseinander…” 1

Wie bei Mit dem Wolf liegen, integrieren mehrere Arbeiten von Smith eine vielfältige Liste von Themen und Motiven, die sie im Laufe ihrer Karriere gesammelt hat. Die Künstlerin erfindet Tropen, die sie in früheren Arbeiten verwendet hat, ständig neu, mit dem Ergebnis, dass ihre Praxis nicht durch einzelne künstlerische Stadien zu gehen scheint. Vielmehr arbeitet sie in Zyklen und Schichten, ihre Karriere hat sie als einen Akt des Mäanderns oder „Herumlaufens im Garten“ beschrieben.

Kiki Smith wuchs in einer lebendigen Künstlerfamilie auf, sie ist die Tochter des Bildhauers Tony Smith und der Opernsängerin Jane Lawrence Smith. Sie hat liebevoll über das viktorianische Haus, in dem sie in South Orange, New Jersey, aufgewachsen ist, gesprochen und wie es ihre junge Fantasie als historisches Artefakt mit seinen eigenen Erinnerungen und Indizes in die Vergangenheit anregte. Der Begriff „Heimat“ stand im Mittelpunkt ihrer Arbeit, und sie vergleicht ihn mit dem menschlichen Körper, ein Thema, das ihr Werk durchdringt. Häuslichkeit, Zerbrechlichkeit und die bescheidenen Materialien des Handwerks und der Volkskunst prägen ihre Arbeit stark.

Verwerfung und der Körper

Während sich Kiki Smiths Frühwerk an die kollaborative und aktivistische Kunstszene der 1980er Jahre anlehnt, wurde sie im folgenden Jahrzehnt für intime Erkundungen des menschlichen Körpers bekannt, oft durch lebensgroße Skulpturen, die die figurale Tradition in der westlichen Kunst ehrten.

Kiki Smith, Blutlache, 1992, Wachs, Gaze und Pigment, 42 x 24 x 16″, © Kiki Smith

Diese Arbeiten betonten die Verletzlichkeit des Körpers und nahmen Bezug auf feministische Theorien des „Abjekts“, die den Körper als ein unordentliches, poröses und grenzenloses System konzipierten. Blutlache, zum Beispiel, zeigt eine kleine, scheinbar verletzte Figur, die in einer fötalen Position auf dem Boden zusammengekauert ist . Viele andere Werke dieser Zeit weisen Körperflüssigkeiten oder Verletzungsspuren auf.

Mystik und Mythologien

In den 1990er Jahren nahm Smith ihre religiöse Erziehung an und schuf Werke, die spirituell, ätherisch und deutlich dekorativer sind. Himmlische Motive und Bezüge zur Natur wurden allgegenwärtig, obwohl diese Themen immer noch tief mit dem Körper verbunden sind. Als Untersuchung des Körpers in seiner Fähigkeit zur Fruchtbarkeit, Fortpflanzung und Ernährung würde diese Hinwendung zur natürlichen Umgebung Smith schließlich zu ihrem Interesse an Tieren und unseren Verbindungen zu ihnen führen.

Mit dem Wolf liegen ist eine Erweiterung dieser Sehnsucht, das Irdische mit dem Geistigen und das Persönliche mit dem Kollektiven zu verbinden.

1. Wie in Christopher Lyon zitiert, „Free Fall: Kiki Smith on Her Art“ in Kiki Smith, Hrsg. Helaine Posner und Christopher Lyon, New York, NY: The Monacelli Press, Inc: Seite 37.


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