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Puzzles of World Stage America - Geschichte

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Arthur Wynne wurde am 22. Juni 1871 in Liverpool, England, geboren. Im Alter von neunzehn Jahren wanderte er in die USA aus. Er lebte zunächst in Pittsburgh, Pennsylvania, und arbeitete für die Zeitung Pittsburgh Press. Eine interessante Randnotiz war, dass Wynne auch Geige im Pittsburgh Symphony Orchestra spielte.

Später zog Arthur Wynne nach Cedar Grove, New Jersey und begann für eine in New York City ansässige Zeitung namens New York World zu arbeiten. Er schrieb das erste Kreuzworträtsel für die New Yorker Welt, das am Sonntag, den 21. Dezember 1913, veröffentlicht wurde. Der Herausgeber hatte Wynne gebeten, ein neues Spiel für die Sonntagsunterhaltungsabteilung der Zeitung zu erfinden.


The Real Skinny: Experte spürt Amerikas dünner Obsession nach

Betrachtet man das Durchschnittsgewicht eines Supermodels, der 70-Milliarden-Dollar-Diätindustrie oder der 6 bis 11 Millionen Menschen, die mit Essstörungen zu kämpfen haben, kommt man zu einem Schluss: Amerika ist praktisch besessen von Schlankheit. Aber es war nicht immer so. Viele nicht-westliche Kulturen betrachten weibliche Fettleibigkeit als Zeichen von Gesundheit und Vitalität, und vor dem 19. Jahrhundert auch die Amerikaner.

Laut Sarah Lohman, einer "historischen Gastronomin" und Autorin von Four Pounds Flour, einem Blog, der sich den Koch- und Essgewohnheiten der Vergangenheit widmet, waren Amerikaner immer schwerer als unsere europäischen Kollegen. In diesem Land steht einfach mehr Land für den Anbau von Nahrungsmitteln zur Verfügung, und seit der Kolonialzeit tragen die Amerikaner die zusätzliche Prämie auf ihren Körpern. "Plump wie ein Rebhuhn" zu sein, war jedoch früher ein Kompliment, sagte Lohman gestern (24. Januar) bei einem Vortrag im American Museum of Natural History in New York. Dann änderte sich alles.

Die Saat für Diäten wurde in den 1840er Jahren gesät, als ein presbyterianischer Pfarrer namens Sylvester Graham begann, eine einfache, abstinente Ernährung für Frauen als Schlüssel zu Gesundheit und Moral zu befürworten. "Gewürze, Stimulanzien und andere übermäßige Genüsse führen zu Verdauungsstörungen, Krankheiten, sexuellem Exzess und Unruhen", predigte Graham. Seine Anhänger, bekannt als "Grahamites", aßen hauptsächlich Brot aus grobem Graham-Mehl (das auch zur Herstellung der ursprünglichen Graham-Cracker verwendet wurde) sowie Gemüse und Wasser. "Dies ist der Beginn des Mainstreams, im Gegensatz dazu, dass sich die Reichen ihrer Ernährung bewusst sind", sagte Lohman.

Als nächstes wurde in den 1860er Jahren die Banting-Diät – ein proteinreicher Prototyp für die heutige Atkins-Diät – sehr populär. Sein Schöpfer, William Banting, betrachtete Korpulenz als körperliche Behinderung, und seine Lehren bereiteten die Bühne für einen landesweiten Sprung in die Anti-Fett-Besessenheit.

"Am Ende des Jahrhunderts waren die Amerikaner kopfüber in diesen Kampf gegen das Fett geraten", sagte Lohman. "Insbesondere zwischen 1890 und 1920 hat sich Amerikas Bild des idealen Körpers von einer gesunden Fülle zu einer völlig verändert, in der Fettleibigkeit mit Trägheit in Verbindung gebracht wurde. Es gab eine überraschend starke Strömung des Ekels gegen Menschen, die als fettleibig wahrgenommen wurden."

Mehrere Schlüsselfaktoren konvergierten, um den grundlegenden Wandel herbeizuführen, sagte Lohman. Erstens wurden gesundheitliche Bedenken hinsichtlich des Korsetts immer mehr akzeptiert, und diese organzerdrückende Unterwäsche wurde aus der Mode genommen. Korsetts waren nie dazu gedacht, Frauen schlanker aussehen zu lassen, sondern ihr Fett neu zu ordnen und es in die zu dieser Zeit modische Richtung zu schieben. Der Abgang des Korsetts um die Jahrhundertwende ließ die Frauen allein und unzufrieden mit ihren natürlichen Formen. [Männer vs. Frauen: Unsere wichtigsten körperlichen Unterschiede erklärt]

Auch die industrielle Revolution spielte eine Rolle: Als standardisierte Kleidergrößen populär wurden, waren sich Frauen ihrer relativen Größe mehr denn je bewusst. "Früher gingst du zu einer Näherin und sie hat dir ein Kleid gemacht. Jetzt bist du in ein Kaufhaus gegangen und hast kleine, mittlere und große oder 8, 9 und 10 gekauft, und es war eine sehr einfache Möglichkeit," vergleichen, wer größer war als wer", sagte Lohman.

Darüber hinaus verstädterte Amerika, und das bedeutete, dass mehr Menschen mit sitzender Tätigkeit Zugang zu mehr Nahrungsmitteln hatten. Die Amerikaner nahmen an Gewicht zu, und dieser Trend rückte Fettleibigkeit in den Vordergrund des nationalen Gesprächs.

Am einflussreichsten waren die Fortschritte in der Lebensmittelwissenschaft. "Wir haben die Kalorien entdeckt", sagte Lohman, und kurz darauf Proteine, Fette, Vitamine und Mineralstoffe. "Jetzt hatten wir eine Möglichkeit, unsere Gesundheit zu quantifizieren."

Die Entwicklung der Personenwaage vervollständigte das Bild und gab den Menschen die Möglichkeit, ihr eigenes Gewicht zu überwachen. "Jetzt kannten Sie die Kalorien (Ihre Aufnahme) und die Leistung (Ihr Gewicht). Je kleiner diese Zahlen waren, desto kerniger waren Sie", sagte Lohman.

In den 1920er Jahren gehörten Diäten und Kalorienzählen zum täglichen Leben, sagte sie. Die meisten amerikanischen Frauen waren entweder auf Diät oder fühlten sich schuldig, weil sie keine Diät gemacht hatten. Und der Rest ist Geschichte.

Diese Geschichte wurde von Life's Little Mysteries bereitgestellt, einer Schwesterseite von LiveScience. Folgen Sie Natalie Wolchover auf Twitter @nattyover. Folgen Sie den kleinen Mysterien des Lebens auf Twitter @llmysteries und schließen Sie sich uns dann auf Facebook an.


Inhalt

Trotz der Ähnlichkeit des Theaters mit der Aufführung ritueller Aktivitäten und der wichtigen Beziehung, die das Theater mit dem Ritual teilt, gibt es keine schlüssigen Beweise dafür, dass Theater aus Ritualen hervorgegangen ist. [2] Diese Ähnlichkeit des frühen Theaters mit dem Ritual wird von Aristoteles negativ bezeugt, der in seiner Poetik definiertes Theater im Gegensatz zu den Aufführungen heiliger Mysterien: Theater verlangte vom Zuschauer nicht, zu fasten, das Kykeon zu trinken oder in einer Prozession zu marschieren, jedoch ähnelte das Theater den heiligen Mysterien in dem Sinne, dass es dem Zuschauer Reinigung und Heilung brachte einer Vision, die theama. Der physische Ort solcher Aufführungen wurde dementsprechend benannt Theater. [3]

Laut den Historikern Oscar Brockett und Franklin Hildy beinhalten Rituale typischerweise Elemente, die unterhalten oder Freude bereiten, wie Kostüme und Masken sowie erfahrene Darsteller. Als die Gesellschaften komplexer wurden, begannen diese spektakulären Elemente unter nicht-ritualistischen Bedingungen ausgeführt zu werden. Dabei wurden die ersten Schritte in Richtung Theater als eigenständige Tätigkeit unternommen. [4]

Griechisches Theater Bearbeiten

Das griechische Theater, das in Athen am weitesten entwickelt wurde, ist die Wurzel der westlichen Tradition Theater ist ein Wort griechischen Ursprungs. [2] Es war Teil einer breiteren Kultur der Theatralik und Performance im klassischen Griechenland, die Festivals, religiöse Rituale, Politik, Recht, Leichtathletik und Gymnastik, Musik, Poesie, Hochzeiten, Beerdigungen und Symposien. [6] [a] Die Teilnahme an den vielen Festivals des Stadtstaates – und insbesondere die Teilnahme an der City Dionysia als Zuschauer (oder sogar als Teilnehmer an den Theaterproduktionen) – war ein wichtiger Teil der Bürgerschaft. [7] Zur Bürgerbeteiligung gehörte auch die Bewertung der Rhetorik von Rednern, die sich in Aufführungen vor Gericht oder in der politischen Versammlung zeigten, die beide analog zum Theater verstanden wurden und zunehmend dessen dramatisches Vokabular in Anspruch nahmen. Das Theater des antiken Griechenlands bestand aus drei Arten von Dramen: Tragödie, Komödie und Satyrspiel. [9]

Die athenische Tragödie – die älteste erhaltene Form der Tragödie – ist eine Art Tanzdrama, das einen wichtigen Bestandteil der Theaterkultur des Stadtstaats bildete. [10] [b] Sie entstand irgendwann im 6. Jahrhundert v. Chr., blühte während des 5. Jahrhunderts v. Chr. (ab dessen Ende begann sie sich in der gesamten griechischen Welt auszubreiten) und war bis zum Beginn der hellenistischen Zeit beliebt. [11] [c] Keine Tragödien aus dem 6. Jahrhundert und nur 32 der mehr als tausend, die im 5. Jahrhundert aufgeführt wurden, sind erhalten geblieben. [12] [d] Von Aischylos, Sophokles und Euripides sind vollständige Texte erhalten. [13] [e] Die Ursprünge der Tragödie bleiben im Dunkeln, obwohl sie im 5. Jahrhundert in Wettbewerben institutionalisiert wurde (agon) im Rahmen der Feierlichkeiten zu Ehren von Dionysos (dem Gott des Weines und der Fruchtbarkeit). [14] Als Teilnehmer im Wettbewerb der City Dionysia (dem renommiertesten Festival für die Inszenierung von Dramen) mussten Dramatiker eine Tetralogie von Theaterstücken präsentieren (obwohl die einzelnen Werke nicht unbedingt durch Geschichte oder Thema verbunden waren), die normalerweise aus drei Tragödien und ein Satyrspiel. [15] [f] Die Aufführung von Tragödien in der Stadt Dionysia könnte bereits 534 v.didaskaliai) beginnen ab 501 v. Chr., als das Satyrspiel eingeführt wurde. [16] [g] Die meisten Athener Tragödien dramatisieren jedoch Ereignisse aus der griechischen Mythologie Die Perser– die die persische Reaktion auf die Nachricht von ihrer militärischen Niederlage in der Schlacht von Salamis im Jahr 480 v. Chr. inszeniert – ist die bemerkenswerte Ausnahme in dem überlebenden Drama. [17] [h] Als Aischylos 472 v. Chr. bei der Stadtdionysien den ersten Preis dafür gewann, schrieb er seit mehr als 25 Jahren Tragödien, doch die tragische Behandlung der jüngeren Geschichte ist das früheste erhaltene Zeugnis eines Dramas. [18] Mehr als 130 Jahre später analysierte der Philosoph Aristoteles die athenische Tragödie des 5. Poetik (um 335 v. Chr.). Athenische Komödie wird konventionell in drei Perioden unterteilt, "Alte Komödie", "Mittlere Komödie" und "Neue Komödie". Die Alte Komödie überlebt heute größtenteils in Form der elf überlieferten Stücke des Aristophanes, während die Mittlere Komödie weitgehend verloren ist (nur in relativ kurzen Fragmenten bei Autoren wie Athenäus von Naukratis erhalten). Die Neue Komödie ist vor allem durch die umfangreichen Papyrusfragmente von Menanders Stücken bekannt. Aristoteles definierte Komödie als eine Darstellung lächerlicher Menschen, die eine Art von Fehler oder Hässlichkeit beinhaltet, die weder Schmerz noch Zerstörung verursacht. [19]

Römisches Theater Bearbeiten

Unter den Römern entwickelte und erweiterte sich das westliche Theater erheblich. Der römische Historiker Livius schrieb, dass die Römer das erste Theater im 4. Jahrhundert v. Chr. erlebten, mit einer Aufführung von etruskischen Schauspielern. [20] Beacham argumentiert, dass die Römer vor diesem aufgezeichneten Kontakt schon seit einiger Zeit mit "prä-theatralischen Praktiken" vertraut waren. [21] Das Theater des antiken Roms war eine blühende und vielfältige Kunstform, die von festlichen Aufführungen von Straßentheater, Akttanz und Akrobatik über die Inszenierung von Plautus' allgemein ansprechenden Situationskomödien bis hin zu den hochstilisierten, verbal ausgearbeiteten Tragödien der Seneca. Obwohl Rom eine einheimische Aufführungstradition hatte, hatte die Hellenisierung der römischen Kultur im 3. Jahrhundert v.

Nach der Expansion der Römischen Republik (509–27 v. Chr.) in mehrere griechische Gebiete zwischen 270 und 240 v. Chr. begegnete Rom dem griechischen Drama. [22] Ab den späteren Jahren der Republik und durch das Römische Reich (27 v. Chr.-476 n. Chr.) breitete sich das Theater westlich über Europa aus, um das Mittelmeer herum und erreichte England Kultur davor. [23] Während während der gesamten römischen Zeit weiterhin griechische Dramen aufgeführt wurden, markiert das Jahr 240 v. Chr. den Beginn der regulären römischen Dramen. [22] [i] Von den Anfängen des Reiches an ging jedoch das Interesse an abendfüllenden Dramen zugunsten einer breiteren Vielfalt von Theaterunterhaltungen zurück. [24]

Die ersten wichtigen Werke der römischen Literatur waren die Tragödien und Komödien, die Livius Andronicus ab 240 v. Chr. schrieb. [25] Fünf Jahre später begann auch Gnaeus Naevius, Dramen zu schreiben. [25] Keine Stücke von beiden Schriftstellern haben überlebt. Während beide Dramatiker in beiden Genres komponierten, wurde Andronicus für seine Tragödien und Naevius für seine Komödien am meisten geschätzt, ihre Nachfolger neigten dazu, sich auf das eine oder andere zu spezialisieren, was zu einer Trennung der späteren Entwicklung der einzelnen Dramatypen führte. [25] Zu Beginn des 2. Jahrhunderts v. Chr. war das Drama in Rom fest etabliert und eine Zunft von Schriftstellern (collegium poetarum) gebildet wurde. [26]

Die römischen Komödien, die überlebt haben, sind alle Fabula Palliata (Komödien nach griechischen Themen) und stammen von zwei Dramatikern: Titus Maccius Plautus (Plautus) und Publius Terentius Afer (Terence). [27] Bei der Überarbeitung der griechischen Originale schafften die römischen Komödiendramatiker die Rolle des Chors bei der Aufteilung des Dramas in Episoden ab und führten eine musikalische Begleitung zu seinem Dialog ein (zwischen einem Drittel des Dialogs in den Komödien des Plautus und zwei Drittel in denen von Terence). [28] Die Handlung aller Szenen spielt im Außenbereich einer Straße und ihre Komplikationen ergeben sich oft aus dem Abhören. [28] Plautus, der populärere der beiden, schrieb zwischen 205 und 184 v . [29] Alle sechs Komödien, die Terence zwischen 166 und 160 v . [29]

Keine frühe römische Tragödie überlebt, obwohl sie zu ihrer Zeit hoch angesehen war. Historiker kennen drei frühe Tragiker – Quintus Ennius, Marcus Pacuvius und Lucius Accius. [28] Aus der Kaiserzeit ist das Werk zweier Tragiker überliefert – der eine ist ein unbekannter Autor, der andere der stoische Philosoph Seneca. [30] Neun von Senecas Tragödien überleben, die alle Fabula Crepidata (Tragödien nach griechischen Originalen) his Phädrabasierte beispielsweise auf Euripides' Hippolyt. [31] Historiker wissen nicht, wer das einzige erhaltene Beispiel der Fabula praetexta (Tragödien nach römischen Themen), Octavia, aber früher wurde es aufgrund seines Auftretens als Figur in der Tragödie fälschlicherweise Seneca zugeschrieben. [30]

Im Gegensatz zum antiken griechischen Theater erlaubte das Theater im antiken Rom weibliche Darsteller. Während die Mehrheit für Tanz und Gesang angestellt war, ist bekannt, dass eine Minderheit von Schauspielerinnen Sprechrollen gespielt hat, und es gab Schauspielerinnen, die für ihre Kunst Reichtum, Ruhm und Anerkennung erlangten, wie Eucharis, Dionysia, Galeria Copiola und Fabia Arete: Sie gründeten auch eine eigene Schauspielgilde, die Sociae Mimae, die offenbar recht wohlhabend war. [32]

Übergangs- und frühmittelalterliches Theater, 500–1050 Bearbeiten

Als das Weströmische Reich im 4. und 5. Jahrhundert verfiel, verlagerte sich der Sitz der römischen Macht nach Konstantinopel und in das Oströmische Reich, das heute Byzantinisches Reich genannt wird. Während die überlieferten Beweise für das byzantinische Theater gering sind, zeigen bestehende Aufzeichnungen, dass Pantomime, Pantomime, Szenen oder Rezitationen aus Tragödien und Komödien, Tänzen und anderen Unterhaltungen sehr beliebt waren. Konstantinopel hatte zwei Theater, die noch im 5. Jahrhundert in Betrieb waren. [33] Die wahre Bedeutung der Byzantiner in der Theatergeschichte ist jedoch ihre Erhaltung vieler klassischer griechischer Texte und die Zusammenstellung einer umfangreichen Enzyklopädie namens Suda, aus der eine große Menge zeitgenössischer Informationen über das griechische Theater abgeleitet wird.

Ab dem 5. Jahrhundert geriet Westeuropa in eine Periode allgemeiner Unordnung, die (mit einer kurzen Phase der Stabilität unter dem Karolingerreich im 9. Jahrhundert) bis ins 10. Jahrhundert andauerte. Als solche verschwanden die meisten organisierten Theateraktivitäten in Westeuropa. Während es scheint, dass kleine Nomadenbands während der gesamten Zeit durch Europa reisten und überall dort auftraten, wo sie ein Publikum fanden, gibt es keinen Beweis dafür, dass sie alles andere als krude Szenen produzierten. [34] Diese Künstler wurden während des Mittelalters von der Kirche denunziert, da sie als gefährlich und heidnisch angesehen wurden.

Im frühen Mittelalter begannen Kirchen in Europa, an bestimmten Tagen des Jahres dramatisierte Versionen bestimmter biblischer Ereignisse zu inszenieren. Diese Dramatisierungen wurden aufgenommen, um die jährlichen Feierlichkeiten zu beleben. [35] Symbolische Gegenstände und Handlungen – Gewänder, Altäre, Räuchergefäße und von Priestern aufgeführte Pantomimen – erinnerten an die Ereignisse, die christliche Rituale feiern. Dies waren umfangreiche visuelle Zeichen, die verwendet werden konnten, um mit einem weitgehend ungebildeten Publikum zu kommunizieren. Diese Aufführungen entwickelten sich zu liturgischen Dramen, von denen die früheste die Wen suchen Sie (Quem-Quaeritis) Ostertrope, aus ca. 925. [35] Liturgisches Drama wurde von zwei Gruppen reaktionsschnell gesungen und beinhaltete keine Schauspieler, die Charaktere nachahmten. Irgendwann zwischen 965 und 975 komponierte Æthelwold of Winchester die Regularis Concordia (Klostervertrag) die ein Playlet mit Anweisungen für die Aufführung enthält. [36]

Hrosvitha (ca. 935 – 973), eine Kanonin in Norddeutschland, schrieb sechs Theaterstücke nach dem Vorbild von Terences Komödien, aber mit religiösen Themen. Diese sechs Stücke – Abraham, Kallimachus, Dulcitius, Gallicanus, Paphnutius, und Sapientia – sind die ersten bekannten Stücke einer Dramatikerin und die ersten identifizierbaren westlichen dramatischen Werke der nachklassischen Ära. [36] Sie wurden erstmals 1501 veröffentlicht und hatten erheblichen Einfluss auf religiöse und didaktische Theaterstücke des 16. Jahrhunderts. Hrosvitha folgte Hildegard von Bingen (gest. 1179), eine Benediktiner-Äbtissin, die ein lateinisches Musikdrama mit dem Titel Ordo Virtutum 1155.

Hoch- und spätmittelalterliches Theater, 1050–1500 Bearbeiten

Als die Invasionen der Wikinger Mitte des 11. Jahrhunderts aufhörten, hatte sich das liturgische Drama von Russland über Skandinavien bis nach Italien ausgebreitet. Nur auf der von Muslimen besetzten Iberischen Halbinsel wurden liturgische Dramen überhaupt nicht aufgeführt. Trotz der großen Anzahl von liturgischen Dramen, die aus dieser Zeit überliefert sind, haben viele Kirchen nur ein oder zwei pro Jahr und eine größere Anzahl überhaupt nie aufgeführt. [37]

Das Fest der Narren war besonders wichtig für die Entwicklung der Komödie. Das Festival kehrte den Status der niederen Geistlichen um und erlaubte ihnen, ihre Vorgesetzten und die Routine des kirchlichen Lebens zu verspotten. Manchmal wurden Theaterstücke als Teil dieser Gelegenheit aufgeführt und eine gewisse Menge Burleske und Komödie schlichen sich in diese Aufführungen ein. Obwohl komische Episoden wirklich warten mussten, bis das Drama von der Liturgie getrennt wurde, hatte das Fest der Narren zweifellos einen tiefgreifenden Einfluss auf die Entwicklung der Komödie sowohl in religiösen als auch in weltlichen Stücken. [38]

Die Aufführung religiöser Theaterstücke außerhalb der Kirche begann irgendwann im 12. Das Geheimnis von Adam (1150) bestätigt diese Theorie, da ihre detaillierte Regieanweisung darauf hindeutet, dass sie im Freien inszeniert wurde. Eine Reihe anderer Stücke aus dieser Zeit sind erhalten geblieben, darunter La Seinte Auferstehung (Normannisch), Das Spiel der Könige der Heiligen Drei Könige (Spanisch) und Sponsus (Französisch).

Die Bedeutung des Hochmittelalters für die Entwicklung des Theaters waren die wirtschaftlichen und politischen Veränderungen, die zur Bildung von Zünften und dem Wachstum von Städten führten. Dies würde zu bedeutenden Veränderungen im Spätmittelalter führen. Auf den Britischen Inseln wurden im Mittelalter in etwa 127 verschiedenen Städten Theaterstücke aufgeführt. Diese umgangssprachlichen Mystery-Stücke wurden in Zyklen einer großen Anzahl von Stücken geschrieben: York (48 Stücke), Chester (24), Wakefield (32) und Unknown (42). Aus dieser Zeit ist eine größere Anzahl von Theaterstücken aus Frankreich und Deutschland erhalten geblieben, und im Spätmittelalter wurden in fast allen europäischen Ländern religiöse Dramen aufgeführt. Viele dieser Stücke enthielten Komödien, Teufel, Schurken und Clowns. [39]

Die meisten Schauspieler in diesen Stücken wurden aus der lokalen Bevölkerung gezogen. In Valenciennes zum Beispiel wurden 1547 mehr als 100 Rollen an 72 Schauspieler vergeben. [40] Die Theaterstücke wurden auf Festwagenbühnen aufgeführt, bei denen es sich um Plattformen handelte, die auf Rädern montiert waren, um die Kulissen zu bewegen. Amateurdarsteller in England stellten oft ihre eigenen Kostüme zur Verfügung und waren ausschließlich männlich, aber in anderen Ländern gab es weibliche Darsteller. Die Plattformbühne, die ein nicht identifizierter Raum und kein bestimmter Ort war, ermöglichte abrupte Standortwechsel.

Moralstücke entstanden um 1400 als eigenständige dramatische Form und blühten bis 1550 auf. Das interessanteste Moralstück ist Das Schloss der Ausdauer die den Fortschritt der Menschheit von der Geburt bis zum Tod darstellt. Das berühmteste Moralstück und vielleicht bekannteste mittelalterliche Drama ist jedoch Jeder Mann. Jeder erhält die Vorladung des Todes, kämpft um die Flucht und gibt sich schließlich mit der Not ab. Unterwegs wird er von Kindred, Goods und Fellowship verlassen – nur Good Deeds geht mit ihm ins Grab.

Im Mittelalter gab es auch eine Reihe von weltlichen Aufführungen, von denen die früheste ist Das Spiel des Grünwaldes von Adam de la Halle im Jahr 1276. Es enthält satirische Szenen und Volksmaterial wie Feen und andere übernatürliche Ereignisse. Auch Farcen gewannen nach dem 13. Jahrhundert dramatisch an Popularität. Die meisten dieser Stücke stammen aus Frankreich und Deutschland und sind in Ton und Form ähnlich und betonen Sex und körperliche Ausscheidungen. [41] Der bekannteste Dramatiker der Farce ist Hans Sachs (1494–1576), der 198 dramatische Werke geschrieben hat. In England ist The Second Shepherds' Play of the Wakefield Cycle die bekannteste frühe Farce. Die Farce erschien jedoch erst im 16. Jahrhundert mit dem Werk von John Heywood (1497-1580) unabhängig in England.

Ein bedeutender Vorläufer der Entwicklung des elisabethanischen Dramas waren die Kammern der Rhetorik in den Niederlanden. [42] Diese Gesellschaften beschäftigten sich mit Poesie, Musik und Schauspiel und veranstalteten Wettbewerbe, um zu sehen, welche Gesellschaft das beste Drama in Bezug auf eine gestellte Frage komponieren konnte.

Am Ende des Spätmittelalters traten professionelle Schauspieler in England und Europa auf. Richard III. und Heinrich VII. unterhielten beide kleine Kompanien professioneller Schauspieler. Ihre Stücke wurden in der Großen Halle eines Adelswohnsitzes aufgeführt, oft mit einer erhöhten Bühne an einem Ende für das Publikum und einer "Leinwand" am anderen für die Schauspieler. Wichtig waren auch die Stücke von Mummers, die während der Weihnachtszeit aufgeführt wurden, und Hofmasken. Besonders beliebt waren diese Masken während der Herrschaft von Heinrich VIII.

Das Ende des mittelalterlichen Dramas kam durch eine Reihe von Faktoren zustande, darunter die nachlassende Macht der katholischen Kirche, die protestantische Reformation und das Verbot religiöser Theaterstücke in vielen Ländern. Elisabeth I. verbot 1558 alle religiösen Theaterstücke, und die großen Zyklusstücke wurden in den 1580er Jahren zum Schweigen gebracht. Ebenso wurden religiöse Theaterstücke 1539 in den Niederlanden, 1547 im Kirchenstaat und 1548 in Paris verboten. Die Aufgabe dieser Stücke zerstörte das bis dahin bestehende internationale Theater und zwang jedes Land, seine eigene Form des Dramas zu entwickeln. Es ermöglichte den Dramatikern auch, sich weltlichen Themen zuzuwenden, und das wiederauflebende Interesse am griechischen und römischen Theater bot ihnen die perfekte Gelegenheit. [43]

Commedia dell'arte und Renaissance Bearbeiten

Commedia dell'arte Truppen führten jahrhundertelang lebhafte improvisatorische Playlets in ganz Europa auf [44]. Es entstand in Italien [44] in den 1560er Jahren. Komödie ist schauspielerzentriertes Theater, das wenig Bühnenbild und sehr wenige Requisiten erfordert. Theaterstücke entstanden nicht aus geschriebenen Dramen, sondern aus lazzi, lose Rahmen, die die Situationen, Komplikationen und das Ergebnis der Handlung vorgeben, um die herum die Akteure improvisieren. Die Stücke verwenden Aktienfiguren, die in drei Gruppen unterteilt werden können: die Liebenden, die Meister und die Diener. Die Liebenden hatten in den meisten Stücken unterschiedliche Namen und Eigenschaften und waren oft die Kinder des Meisters. Die Rolle des Meisters basiert auf einem von drei Stereotypen: Pantalone, ein älterer venezianischer Kaufmann Dottore, Pantalones Freund oder Rivale, ein pedantischer Arzt oder Anwalt und Capitano, der einst eine Liebesfigur war, sich aber zu einem Angeber entwickelt hat, der sich seiner Heldentaten rühmt in Liebe und Krieg, während er in beiden schrecklich ungelernt ist. Der Dienercharakter (genannt zanni) hat nur eine wiederkehrende Rolle: Arlecchino (auch Harlekin genannt). Er ist sowohl listig als auch ignorant, aber ein versierter Tänzer und Akrobat. Er trägt typischerweise einen Holzstab mit einem Riss in der Mitte, der beim Aufschlagen ein lautes Geräusch macht. Diese "Waffe" hat uns den Begriff "Slapstick" eingebracht.

Eine Truppe bestand in der Regel aus 13 bis 14 Mitgliedern. Die meisten Schauspieler wurden mit einem Anteil am Gewinn des Stücks bezahlt, der ungefähr der Größe ihrer Rolle entsprach. Der Theaterstil erlebte von 1575 bis 1650 seinen Höhepunkt, aber auch nach dieser Zeit wurden neue Szenarien geschrieben und aufgeführt. Der venezianische Dramatiker Carlo Goldoni schrieb ab 1734 einige Szenarien, aber da er das Genre als vulgär betrachtete, verfeinerte er die Themen, um anspruchsvoller zu werden. Er schrieb auch mehrere Theaterstücke, die auf realen Ereignissen basieren, in die er einschloss Komödie Zeichen.

Die Commedia dell'arte ermöglichte schon früh Berufsfrauen Auftritte: Lucrezia Di Siena, deren Name auf einem Schauspielervertrag von 1564 steht, wurde als erste namentlich bekannte italienische Schauspielerin bezeichnet, Vincenza Armani und Barbara Flaminia als erste primadonna und die gut dokumentierten Schauspielerinnen in Europa. [45]

Englisches elisabethanisches Theater Bearbeiten

Renaissance-Theater, abgeleitet von mehreren mittelalterlichen Theatertraditionen, wie den Mysterienspielen, die im Mittelalter Teil religiöser Feste in England und anderen Teilen Europas waren. Andere Quellen sind die "Moralstücke" und das "Universitätsdrama", das versuchte, die Athener Tragödie nachzubilden. Die italienische Tradition von Commedia dell'arte, sowie die häufig bei Hofe präsentierten aufwendigen Maskenspiele trugen auch zur Gestaltung des öffentlichen Theaters bei.

Schon vor der Regierungszeit von Elisabeth I. waren Spielerkompanien mit Haushalten führender Aristokraten verbunden und traten saisonal an verschiedenen Orten auf. Diese wurden zur Grundlage für die professionellen Spieler, die auf der elisabethanischen Bühne auftraten. Die Tourneen dieser Spieler ersetzten nach und nach die Aufführungen der Mysterien- und Moralstücke durch lokale Spieler, und ein Gesetz von 1572 beseitigte die verbleibenden Gesellschaften, die keine formelle Schirmherrschaft hatten, indem sie sie als Vagabunden bezeichneten.

Die Behörden der City of London standen öffentlichen Aufführungen im Allgemeinen feindlich gegenüber, aber ihre Feindseligkeit wurde von der Vorliebe der Königin für Theaterstücke und der Unterstützung des Geheimen Rates übertroffen. Theater entstanden in Vororten, insbesondere in der Freiheit von Southwark, die über die Themse für die Stadtbewohner zugänglich waren, jedoch außerhalb der Kontrolle der Behörden. Die Kompanien behaupteten, ihre öffentlichen Auftritte seien bloße Proben für die häufigen Auftritte vor der Königin, aber während letztere Prestige verlieh, waren erstere die eigentliche Einnahmequelle für die professionellen Spieler.

Zusammen mit der Berufsökonomie änderte sich der Charakter des Dramas gegen Ende der Periode. Unter Elizabeth war das Drama in Bezug auf die soziale Klasse ein einheitlicher Ausdruck: Der Hof sah die gleichen Theaterstücke, die die Bürgerlichen in den öffentlichen Schauspielhäusern sahen. Mit der Entwicklung der Privattheater orientierte sich das Theater mehr an den Geschmäckern und Werten eines gehobenen Publikums. In der späteren Regierungszeit Karls I. wurden nur wenige neue Stücke für die öffentlichen Theater geschrieben, die sich auf den angesammelten Werken der vorangegangenen Jahrzehnte stützen. [46]

Die puritanische Opposition gegen die Bühne (unterstützt durch die Argumente der frühen Kirchenväter, die Schriften gegen die dekadenten und gewalttätigen Unterhaltungen der Römer geschrieben hatten) argumentierte nicht nur, dass die Bühne im Allgemeinen heidnisch war, sondern dass jedes Stück, das eine religiöse Figur darstellte, von Natur aus abgöttisch. 1642, bei Ausbruch des englischen Bürgerkriegs, verbot die puritanische Regierung die Aufführung aller Theaterstücke innerhalb der Stadtgrenzen Londons. Ein umfassender Angriff auf die angeblichen Unsittlichkeiten des Theaters zerschmetterte alles, was in England von der dramatischen Tradition übrig geblieben war.

Spanisches Goldenes Zeitalter-Theater Bearbeiten

Während seines Goldenen Zeitalters, ungefähr von 1590 bis 1681, [47] erlebte Spanien einen monumentalen Anstieg in der Produktion von Live-Theater sowie in der Bedeutung des Theaters in der spanischen Gesellschaft. Es war eine zugängliche Kunstform für alle Teilnehmer des Spaniens der Renaissance, die sowohl von der aristokratischen Klasse stark gefördert als auch von den unteren Klassen stark besucht wurde. [48] ​​Umfang und Vielfalt spanischer Stücke während des Goldenen Zeitalters waren in der Geschichte des Welttheaters beispiellos und übertrafen beispielsweise die dramatische Produktion der englischen Renaissance um mindestens das Vierfache. [47] [48] [49] Obwohl dieser Band ebenso Kritik wie Lob für das spanische Theater des Goldenen Zeitalters auslöste, da es die Quantität vor der Qualität betonte, [50] eine große Zahl der 10.000 [48] bis 30.000 [50 ] Stücke dieser Zeit gelten noch heute als Meisterwerke. [51] [52]

Zu den wichtigsten Künstlern dieser Zeit gehörten Lope de Vega, ein Zeitgenosse von Shakespeare, der oft und gleichzeitig seine Parallele für die spanische Bühne sah, [53] und Calderon de la Barca, Erfinder der Zarzuela [54] und Lopes Nachfolger als herausragender Spanischer Dramatiker. [55] Gil Vicente, Lope de Rueda und Juan del Encina trugen zur Gründung des spanischen Theaters in der Mitte des 16. Jahrhunderts bei, [56] [57] [58] während Francisco de Rojas Zorrilla und Tirso de Molina bedeutende Beiträge leisteten in der zweiten Hälfte des Goldenen Zeitalters. [59] [60] Wichtige Darsteller waren Lope de Rueda (zuvor unter den Dramatikern erwähnt) und später Juan Rana. [61] [62]

Die Quellen des Einflusses für das aufstrebende Nationaltheater Spaniens waren so vielfältig wie das Theater, das diese Nation schließlich hervorbrachte. Erzähltraditionen, die ihren Ursprung in der italienischen Commedia dell'arte [63] haben, und der einzigartige spanische Ausdruck der reisenden Spielmannsunterhaltungen Westeuropas [64] [65] trugen einen populistischen Einfluss auf die Erzählungen bzw. die Musik des frühen spanischen Theaters. Neuaristotelische Kritik und liturgische Dramen steuerten dagegen literarische und moralistische Perspektiven bei. [66] [67] Das spanische Theater des Goldenen Zeitalters wiederum hat das Theater späterer Generationen in Europa und der ganzen Welt dramatisch beeinflusst. Das spanische Drama hatte einen unmittelbaren und bedeutenden Einfluss auf die zeitgenössischen Entwicklungen im englischen Renaissance-Theater. [51] Es hatte auch einen nachhaltigen Einfluss auf das Theater in der spanischsprachigen Welt. [68] Darüber hinaus wird eine wachsende Zahl von Werken übersetzt, was die Reichweite des spanischen Theaters des Goldenen Zeitalters erhöht und seinen Ruf bei Kritikern und Theatermäzenen stärkt. [69]

Französisches klassisches Theater Bearbeiten

Restaurierungskomödie Bearbeiten

Nachdem das puritanische Regime 18 Jahre lang öffentliche Bühnenaufführungen verboten hatte, läutete die Wiedereröffnung der Theater 1660 eine Renaissance des englischen Dramas ein. Mit der Restauration des Monarchen 1660 kam die Restaurierung und Wiedereröffnung des Theaters. Englische Komödien, die in der Restaurationszeit von 1660 bis 1710 geschrieben und aufgeführt wurden, werden zusammenfassend als "Restaurationskomödie" bezeichnet. Die Restaurationskomödie ist berüchtigt für ihre sexuelle Explizitheit, eine Eigenschaft, die von Karl II. (1660–1685) persönlich und durch das verwegene aristokratische Ethos seines Hofes gefördert wurde. Zum ersten Mal durften Frauen schauspielern, was der Praxis des Spielerjungen, der die Rolle der Frauen verkörperte, ein Ende machte. Das gesellschaftlich vielfältige Publikum umfasste sowohl Aristokraten, ihre Diener und Mitläufer als auch ein beträchtliches Mittelklassesegment. Das Publikum der Restauration sah gerne gute Triumphe in ihren Tragödien und die Wiederherstellung der rechtmäßigen Regierung. In der Komödie sahen sie gerne das Liebesleben der Jungen und Modebewussten, wobei ein zentrales Paar ihre Werbung zu einem erfolgreichen Abschluss brachte (oft den Widerstand der Älteren überwindend). Heldinnen mussten keusch sein, aber jetzt, da sie von Frauen gespielt wurden, waren sie unabhängig und freimütig, und der Dramatiker hatte mehr Mühe, sie in Männerkleider zu verkleiden oder ihnen eine knappe Flucht vor Vergewaltigungen zu ermöglichen. Diese Theaterbesucher wurden von den Komödien angezogen durch aktuelles Schreiben, überfüllte und geschäftige Handlungen, durch die Einführung der ersten professionellen Schauspielerinnen und durch den Aufstieg der ersten prominenten Schauspieler. Für Nicht-Theaterbesucher wurden diese Komödien weithin als ausschweifend und moralisch verdächtig angesehen, da sie die Possen einer kleinen, privilegierten und dekadenten Klasse zur Bewunderung hochhielten. Dieselbe Klasse dominierte das Publikum des Restaurationstheaters. In dieser Zeit entstand die erste professionelle Dramatikerin, Aphra Behn.

Als Reaktion auf die Dekadenz der Produktionen aus der Zeit Karls II. gewann die sentimentale Komödie an Popularität. Dieses Genre konzentrierte sich darauf, tugendhaftes Verhalten zu fördern, indem es Mittelklasse-Charaktere zeigt, die eine Reihe von moralischen Prüfungen überwinden. Dramatiker wie Colley Cibber und Richard Steele glaubten, dass Menschen von Natur aus gut sind, aber in die Irre geführt werden können. Mit Stücken wie The Conscious Lovers und Love's Last Shift versuchten sie, an die edlen Gefühle des Publikums zu appellieren, um die Zuschauer zu reformieren. [70] [71]

Restaurierung spektakulär Bearbeiten

Die Restaurierung spektakulär, oder aufwendig inszenierte "Maschinenspiele", die in der Restaurationszeit des späten 17. "fliegende" Schauspieler und Feuerwerk. Diese Shows hatten immer einen schlechten Ruf als vulgäre und kommerzielle Bedrohung für das witzige, "legitime" Restaurationsdrama, sie zogen jedoch Londoner in beispielloser Zahl an und ließen sie geblendet und begeistert zurück.

Im Grunde heimisch und mit Wurzeln in der Hofmaske des frühen 17. Ihre Vielfalt ist jedoch so unordentlich, dass die meisten Theaterhistoriker daran verzweifeln, sie überhaupt als Genre zu definieren. [72] Nur eine Handvoll Werke dieser Zeit werden gewöhnlich als "Oper" bezeichnet, da die musikalische Dimension der meisten von ihnen dem Visuellen untergeordnet ist. Es waren Spektakel und Kulissen, die die Menge anzogen, wie viele Kommentare im Tagebuch des Theaterliebhabers Samuel Pepys zeigen. [73] Der Aufwand für immer aufwendigere szenische Produktionen trieb die beiden konkurrierenden Theatergruppen in eine gefährliche Spirale riesiger Ausgaben und entsprechend enormer Verluste oder Gewinne. Ein Fiasko wie das von John Dryden Albion und Albanius würde ein Unternehmen ernsthaft verschulden, während Blockbuster wie der von Thomas Shadwell Psyche oder Drydens König Arthur würde es für lange Zeit bequem ins Schwarze schreiben. [74]

Neoklassisches Theater Bearbeiten

Der Neoklassizismus war im 18. Jahrhundert die dominierende Theaterform. Sie verlangte Anstand und rigoroses Festhalten an den klassischen Einheiten. Neoklassizistisches Theater wie auch die Zeit zeichnet sich durch seine Grandiosität aus. Die Kostüme und Kulissen waren kompliziert und aufwendig. Das Schauspiel ist geprägt von großen Gesten und Melodramen. Das neoklassische Theater umfasst die Restaurations-, Augustan- und Johnstinian-Zeit. In gewisser Hinsicht folgt das neoklassische Zeitalter direkt auf die Zeit der Renaissance.

Theater des frühen 18. Jahrhunderts – sexuelle Farcen der Restauration wurden von politisch-satirischen Komödien abgelöst, 1737 verabschiedete das Parlament den Stage Licensing Act, der eine staatliche Zensur öffentlicher Aufführungen einführte und die Zahl der Theater in London auf zwei beschränkte.

Theater des 19. Jahrhunderts Bearbeiten

Das Theater im 19. Jahrhundert gliedert sich in zwei Teile: früh und spät. Die Frühzeit war geprägt von Melodram und Romantik.

Von Frankreich aus wurde das Melodram zur beliebtesten Theaterform. August von Kotzebues Misanthropie und Reue (1789) wird oft als das erste melodramatische Stück angesehen. Die Stücke von Kotzebue und René Charles Guilbert de Pixérécourt etablierten das Melodram als dominierende dramatische Form des frühen 19. Jahrhunderts. [75]

In Deutschland gab es einen Trend zu historischer Genauigkeit bei Kostümen und Kulissen, eine Revolution in der Theaterarchitektur und die Einführung der Theaterform der deutschen Romantik. Beeinflusst von Strömungen in der Philosophie und den bildenden Künsten des 19. Jahrhunderts waren deutsche Schriftsteller zunehmend von ihrer germanischen Vergangenheit fasziniert und hatten einen wachsenden Sinn für Nationalismus. Die Stücke von Gotthold Ephraim Lessing, Johann Wolfgang von Goethe, Friedrich Schiller und anderen Sturm und Drang Dramatiker inspirierten einen wachsenden Glauben an Gefühle und Instinkte als Richtlinien für moralisches Verhalten.

In Großbritannien waren Percy Bysshe Shelley und Lord Byron die wichtigsten Dramatiker ihrer Zeit, obwohl Shelleys Stücke erst später im Jahrhundert aufgeführt wurden. In den kleineren Theatern waren Burletta und Melodram am beliebtesten. Kotzebues Stücke wurden ins Englische übersetzt und die von Thomas Holcroft Eine mysteriöse Geschichte war das erste von vielen englischen Melodramen. Pierce Egan, Douglas William Jerrold, Edward Fitzball und John Baldwin Buckstone leiteten einen Trend zu moderneren und ländlichen Geschichten anstelle der üblichen historischen oder fantastischen Melodramen ein. James Sheridan Knowles und Edward Bulwer-Lytton etablierten ein "gentlemanly" Drama, das begann, das frühere Prestige des Theaters bei der Aristokratie wiederherzustellen. [76]

In der späteren Zeit des 19. Jahrhunderts entstanden zwei gegensätzliche Arten von Drama: Realismus und Nichtrealismus, wie der Symbolismus und Vorläufer des Expressionismus.

Der Realismus begann im 19. Jahrhundert in Russland früher als anderswo in Europa und nahm eine kompromisslosere Form an. [77] Beginnend mit den Stücken von Ivan Turgenev (der "häusliche Details benutzte, um innere Unruhen zu offenbaren"), Aleksandr Ostrovsky (der Russlands erster professioneller Dramatiker war), Aleksey Pisemsky (dessen Ein bitteres Schicksal (1859) antizipierte den Naturalismus) und Leo Tolstoi (dessen Die Macht der Dunkelheit (1886) ist "eines der effektivsten naturalistischen Stücke"), eine Tradition des psychologischen Realismus in Russland, die mit der Gründung des Moskauer Kunsttheaters durch Konstantin Stanislavski und Vladimir Nemirovich-Dantschenko ihren Höhepunkt fand. [78]

Die bedeutendste theatralische Kraft im späteren Deutschland des 19. Jahrhunderts war die von Georg II., Herzog von Sachsen-Meiningen und seinem Meininger Ensemble unter der Leitung von Ludwig Chronegk. Die Produktionen des Ensembles werden oft als die historisch genauesten des 19. Jahrhunderts angesehen, obwohl sein Hauptziel darin bestand, den Interessen des Dramatikers zu dienen. Das Meininger Ensemble steht am Anfang der neuen Bewegung hin zu einer einheitlichen Produktion (oder wie Richard Wagner die Gesamtkunstwerk) und der Aufstieg des Regisseurs (auf Kosten des Schauspielers) zum dominierenden Künstler im Theater. [79]

Naturalismus, eine Theaterbewegung, die aus Charles Darwins Die Entstehung der Arten (1859) und zeitgenössischen politischen und wirtschaftlichen Bedingungen, fand seinen Hauptvertreter in Émile Zola. Die Verwirklichung von Zolas Ideen wurde durch einen Mangel an fähigen Dramatikern behindert, die naturalistische Dramen schreiben. André Antoine entstand in den 1880er Jahren mit seinem Théâtre Libre die nur Mitgliedern zugänglich war und daher von der Zensur ausgenommen war. Er gewann schnell die Zustimmung von Zola und begann, naturalistische Werke und andere ausländische realistische Stücke zu inszenieren. [80]

In Großbritannien waren Melodramen, leichte Komödien, Opern, Shakespeare und klassische englische Dramen, viktorianische Burleske, Pantomimen, Übersetzungen französischer Farcen und ab den 1860er Jahren französische Operetten weiterhin beliebt. So erfolgreich waren die komischen Opern von Gilbert und Sullivan, wie zum Beispiel H.M.S. Schürze (1878) und Das Mikado (1885), dass sie das Publikum für das Musiktheater stark erweiterten. [81] Dies, zusammen mit einer stark verbesserten Straßenbeleuchtung und Transportmöglichkeiten in London und New York, führte zu einem späten viktorianischen und edwardianischen Theaterbauboom im West End und am Broadway. Später leitete die Arbeit von Henry Arthur Jones und Arthur Wing Pinero eine neue Richtung auf der englischen Bühne ein.

Während ihre Arbeit den Weg ebnete, verdankt sich die Entwicklung bedeutenderer Dramen vor allem dem Dramatiker Henrik Ibsen. Ibsen wurde 1828 in Norwegen geboren. Er schrieb fünfundzwanzig Theaterstücke, von denen die bekanntesten sind Ein Puppenhaus (1879), Geister (1881), Die Wildente (1884), und Hedda Gabler (1890). Außerdem sind seine Werke Rosmersholm (1886) und Wenn wir tot erwachen (1899) wecken ein Gefühl für mysteriöse Kräfte am Werk des menschlichen Schicksals, das ein Hauptthema der Symbolik und des sogenannten "Theaters des Absurden" werden sollte. [ Zitat benötigt ]

Nach Ibsen erlebte das britische Theater mit den Werken von George Bernard Shaw, Oscar Wilde, John Galsworthy, William Butler Yeats und Harley Granville Barker eine Revitalisierung. Im Gegensatz zu den meisten düsteren und äußerst ernsten Werken ihrer Zeitgenossen schrieben Shaw und Wilde hauptsächlich in Comicform. Edwardianische Musikkomödien waren äußerst beliebt, trafen den Geschmack der Mittelschicht in den schwulen Neunzigern [82] und bedienten die Vorliebe der Öffentlichkeit für eskapistische Unterhaltung während des Ersten Weltkriegs.

Theater des 20. Jahrhunderts Bearbeiten

Während ein Großteil des Theaters des 20. Jahrhunderts die Projekte des Realismus und Naturalismus fortsetzte und erweiterte, gab es auch viele experimentelle Theater, die diese Konventionen ablehnten. Diese Experimente sind Teil der modernistischen und postmodernen Bewegungen und umfassten Formen des politischen Theaters sowie eher ästhetisch orientierte Arbeiten. Beispiele sind: Episches Theater, das Theater der Grausamkeit und das sogenannte "Theater des Absurden".

Der Begriff Theaterpraktiker wurde verwendet, um jemanden zu beschreiben, der sowohl Theateraufführungen kreiert als auch einen theoretischen Diskurs produziert, der seine praktische Arbeit prägt. [83] Ein Theaterpraktiker kann ein Regisseur, ein Dramatiker, ein Schauspieler oder – charakteristischerweise – oft eine Kombination dieser traditionell getrennten Rollen sein. "Theaterpraxis" beschreibt die gemeinsame Arbeit verschiedener Theaterpraktiker. [84] Es wird verwendet, um die Theaterpraxis von Konstantin Stanislavskis Entwicklung seines "Systems" über Vsevolod Meyerholds Biomechanik, Bertolt Brechts Epos und Jerzy Grotowskis Armentheater bis in die Gegenwart zu beschreiben, mit zeitgenössischen Theaterpraktikern wie Augusto Boal mit seinem Theater der Unterdrückten, Dario Fos Volkstheater, Eugenio Barbas Theateranthropologie und Anne Bogarts Standpunkte. [85]

Eine Reihe von ästhetischen Bewegungen wurden im 20. Jahrhundert fortgesetzt oder entstanden, darunter:

Nach der großen Popularität der britischen edwardianischen Musikkomödien dominierte das amerikanische Musiktheater die Musicalbühne, beginnend mit den Musicals des Princess Theatre, gefolgt von den Werken der Gershwin-Brüder Cole Porter, Jerome Kern, Rodgers und Hart und später Rodgers und Hammerstein.

1752 bis 1895 Romantik Bearbeiten

Während des größten Teils der Geschichte wurden englische Belletristik und Theater getrennt, aber diese beiden Kunstformen sind miteinander verbunden. [86] Wenn sie jedoch nicht lernen, Hand in Hand zu arbeiten, kann dies der Kunstform schaden. [87] Die Prosa der englischen Literatur und die Geschichten, die sie erzählt, müssen aufgeführt werden, und das Theater hat diese Fähigkeit. [88] Von Anfang an war das amerikanische Theater einzigartig und vielfältig und spiegelte die Gesellschaft wider, als Amerika seiner nationalen Identität nachjagte. [89] Das allererste Stück, das 1752 in Williamsburg Virginia aufgeführt wurde, war Shakespeares "Der Kaufmann von Venedig". [90] Aufgrund einer starken christlichen Gesellschaft wurde das Theater von 1774 bis 1789 verboten. [91] Dieser gesellschaftliche Standard war darauf zurückzuführen, dass die Bibel heilig war und alle anderen Ablenkungen (Unterhaltung) als unangemessen, leichtfertig (ohne Zweck) angesehen wurden und sinnlich (lustig). [92] Während des Verbots versteckte sich das Theater oft, indem es sich selbst als moralische Vorlesungen betitelte. [93] Das Theater machte wegen des Revolutionskrieges eine kurze Pause, wurde aber nach Kriegsende 1781 schnell wieder aufgenommen. [91] Das Theater begann sich nach Westen auszubreiten, und oft hatten Städte Theater, bevor sie Bürgersteige oder Abwasserkanäle hatten. [94] Es gab schon früh mehrere führende professionelle Theaterensembles, aber eine der einflussreichsten war in Philadelphia (1794–1815), jedoch hatte die Kompanie aufgrund des Theaterverbots wacklige Wurzeln. [91]

Als das Land expandierte, ging auch das Theater nach dem Krieg von 1812 nach Westen. [91] Viele der neuen Theater wurden von der Gemeinde betrieben, aber in New Orleans hatten die Franzosen 1791 ein professionelles Theater gegründet. [91] Mehrere Truppen brachen ab und gründeten ein Theater in Cincinnati, Ohio. [91] Das erste offizielle Westtheater entstand 1815, als Samuel Drake (1769–1854) seine professionelle Theatergruppe von Albany nach Pittsburgh zum Ohio River und nach Kentucky brachte. [91] Zusammen mit dieser Runde nahm er die Truppe manchmal nach Lexington, Louisville und Frankfurt mit. [91] Manchmal führte er die Truppe nach Ohio, Indiana, Tennessee und Missouri. [91] Während es Zirkelreitenstruppen gab, saßen ständigere Theatergemeinschaften im Westen oft an Flüssen, so dass es einen einfachen Bootszugang gab. [91] Während dieser Zeit befanden sich nur wenige Theater über dem Ohio River, und tatsächlich hatte Chicago bis 1833 kein permanentes Theater. [91] Aufgrund der turbulenten Zeiten in Amerika und der kriegsbedingten Wirtschaftskrise wurde das Theater während seine expansivste Zeit, erlebte Insolvenz und Führungswechsel. [91] Auch die meisten frühen amerikanischen Theater hatten großen europäischen Einfluss, weil viele der Schauspieler in England geboren und ausgebildet waren. [91] Zwischen 1800 und 1850 starb die neoklassische Philosophie fast vollständig unter der Romantik, die einen großen Einfluss auf das amerikanische Theater des 19. Jahrhunderts hatte, das den "edlen Wilden" vergötterte. [91] Aufgrund neuer psychologischer Entdeckungen und Schauspielmethoden würde die Romantik schließlich den Realismus hervorbringen. [91] Dieser Trend zum Realismus trat zwischen 1870 und 1895 auf. [91]

1895 bis 1945 Realismus Bearbeiten

In dieser Ära des Theaters wechselt der moralische Held zum modernen Menschen, der ein Produkt seiner Umwelt ist. [95] Diese große Verschiebung ist zum Teil auf den Bürgerkrieg zurückzuführen, da Amerika nun mit seinem eigenen Blut befleckt war und seine Unschuld verloren hatte. [96]

1945 bis 1990 Moderne Bearbeiten

Während dieser Theaterperiode entstand Hollywood und bedrohte das amerikanische Theater. [97] Das Theater ging in dieser Zeit jedoch nicht zurück, sondern wurde weltweit bekannt und beachtet. [97]

Nordafrikanisches Theater Bearbeiten

Altägyptische Quasi-Theaterveranstaltungen Bearbeiten

Das früheste aufgezeichnete quasi-theatralische Ereignis stammt aus dem Jahr 2000 v. Chr. mit den "Leidensspielen" des alten Ägyptens. Die Geschichte des Gottes Osiris wurde jährlich auf Festivals in der gesamten Zivilisation aufgeführt. [98]

Westafrikanisches Theater Bearbeiten

Ghanaisches Theater Bearbeiten

Das moderne Theater in Ghana entstand im frühen 20. Jahrhundert. [99] Es entstand zunächst als literarischer Kommentar zur Kolonialisierung Afrikas durch Europa. [99] Zu den frühesten Arbeiten, in denen dies zu sehen ist, gehört Die Blinkards geschrieben von Kobina Sekyi im Jahr 1915. Die Blinkards ist eine unverhohlene Satire über die Afrikaner, die die ihnen vermittelte europäische Kultur annahmen. Darin erniedrigt Sekyi drei Personengruppen: jeden Europäer, jeden, der die Europäer nachahmt, und den reichen afrikanischen Kakaobauern. Diese plötzliche Rebellion war jedoch erst der Anfang des ghanaischen Literaturtheaters. [99]

Ein Stück, das in seiner satirischen Sicht Ähnlichkeit hat, ist Anowa. Geschrieben von der ghanaischen Autorin Ama Ata Aidoo, beginnt es damit, dass die gleichnamige Heldin Anowa die Heiratsanträge ihrer vielen arrangierten Freier ablehnt. Sie besteht darauf, ihre eigenen Entscheidungen zu treffen, wen sie heiraten wird. Das Stück betont die Notwendigkeit der Gleichstellung der Geschlechter und des Respekts für Frauen. [99] Dieses Ideal der Unabhängigkeit sowie der Gleichheit führt Anowa auf einen gewundenen Weg des Glücks und des Elends. Anowa wählt einen eigenen Mann zum Heiraten. Anowa unterstützt ihren Mann Kofi sowohl physisch als auch emotional. Durch ihre Unterstützung gedeiht Kofi reich, wird aber als spirituelles Wesen arm. Durch seine Vermögensanhäufung verliert sich Kofi darin. Seine einst glückliche Ehe mit Anowa ändert sich, als er beginnt, Sklaven anzuheuern, anstatt selbst zu arbeiten. Für Anowa ergibt dies keinen Sinn, denn es macht Kofi nicht besser als die europäischen Kolonisten, die sie für die Art und Weise verabscheut, wie sie die Menschen in Afrika ihrer Meinung nach ausgenutzt hat. Ihre Ehe ist kinderlos, was vermutlich auf ein Ritual zurückzuführen ist, bei dem Kofi seine Männlichkeit gegen Reichtum eingetauscht hat. Anowas Anblick von Kofis Sklavenbesitz und der Unfähigkeit, ein Kind zu bekommen, führt dazu, dass sie Selbstmord begeht. [99] Der Name Anowa bedeutet "überlegene moralische Kraft", während Kofis nur "Am Freitag geboren" bedeutet. Dieser Unterschied sogar in der Grundlage ihrer Namen scheint die moralische Überlegenheit der Frauen in einer von Männern geführten Gesellschaft zu implizieren. [99]

Ein weiteres wichtiges Spiel ist Die Hochzeit von Anansewa, geschrieben 1975 von Efua Sutherland. Das gesamte Stück basiert auf einer mündlichen Akan-Tradition namens Anansesem (Volksmärchen). Die Hauptfigur des Stücks ist Ananse (die Spinne). Die Qualitäten von Ananse sind einer der am weitesten verbreiteten Teile des Stücks. Ananse ist gerissen, egoistisch, hat einen großen Einblick in die menschliche und tierische Natur, ist ehrgeizig, eloquent und einfallsreich. Indem er zu viel von sich selbst in alles steckt, was er tut, ruiniert Ananse jeden seiner Pläne und wird arm. [99] Ananse wird im Stück als eine Art Jedermann verwendet. Er ist übertrieben geschrieben, um den Prozess der Selbstprüfung zu forcieren. Ananse wird verwendet, um ein Gespräch über einen Wandel in der Gesellschaft aller Leser anzuregen. Das Stück erzählt von Ananse, der versucht, seine Tochter Anansewa gleichzeitig mit einer Auswahl reicher Häuptlinge oder einer anderen Art wohlhabender Verehrer zu verheiraten, um Geld zu sammeln. Schließlich kommen alle Freier gleichzeitig zu ihm und er muss all seine List einsetzen, um die Situation zu entschärfen. [99] Der Erzähler erzählt nicht nur, sondern inszeniert, reagiert und kommentiert die Handlung der Geschichte. Daneben wird Mbuguous verwendet, Mbuguous ist der Name für eine sehr spezialisierte Sekte der ghanaischen Theatertechnik, die eine Beteiligung des Publikums ermöglicht. Die Mbugues dieser Geschichte sind Lieder, die die Geschichte verschönern oder sie kommentieren. Spontaneität durch diese Technik sowie Improvisation werden genug verwendet, um jedem Standard des modernen Theaters gerecht zu werden. [99]

Yoruba-Theater Bearbeiten

In seiner bahnbrechenden Studie über das Yoruba-Theater führte Joel Adedeji seine Ursprünge auf die Maskerade des Egungun (der "Ahnenkult") zurück. [100] Die traditionelle Zeremonie gipfelt in der Essenz der Maskerade, bei der angenommen wird, dass die Vorfahren in die Welt der Lebenden zurückkehren, um ihre Nachkommen zu besuchen. [101] Zusätzlich zu seinem rituellen Ursprung kann das Yoruba-Theater "auf die 'theatrogene' Natur einer Reihe von Gottheiten im Yoruba-Pantheon zurückgeführt werden, wie z Eisen und Technik, [102] und Sango die Gottheit des Sturms", deren Ehrfurcht "von Drama und Theater und der symbolischen Gesamtrelevanz in ihrer relativen Interpretation" durchdrungen ist. [103]

Die Theatertradition von Aláàrìnjó entsprang der Egungun-Maskerade im 16. Jahrhundert. Das Aláàrìnjó war eine Truppe reisender Künstler, deren maskierte Gestalten einen Hauch von Mystik ausstrahlten. Sie schufen kurze, satirische Szenen, die sich auf eine Reihe etablierter stereotyper Charaktere stützten. Ihre Auftritte nutzten Pantomime, Musik und Akrobatik. Die Aláàrìnjó-Tradition beeinflusste das populäre Wandertheater, das in den 1950er bis 1980er Jahren die am weitesten verbreitete und am weitesten entwickelte Theaterform in Nigeria war. In den 1990er Jahren zog das beliebte Wandertheater ins Fernsehen und Film über und gibt nur noch selten Live-Auftritte. [104] [105]

Auch in Nigeria entwickelte sich in den 1950er Jahren das "Total Theatre". Es verwendete nicht-naturalistische Techniken, surrealistische physische Bilder und übte einen flexiblen Gebrauch der Sprache aus. Dramatiker, die Mitte der 1970er Jahre schrieben, bedienten sich einiger dieser Techniken, artikulierten sie jedoch mit "einer radikalen Einschätzung der Probleme der Gesellschaft". [106]

Traditionelle Aufführungsweisen haben die Hauptfiguren des zeitgenössischen nigerianischen Theaters stark beeinflusst. Die Arbeit von Hubert Ogunde (manchmal als "Vater des zeitgenössischen Yoruban-Theaters" bezeichnet) wurde von der Aláàrìnjó-Tradition und den Egungun-Maskeraden geprägt. [107] Wole Soyinka, der "allgemein als Afrikas größter lebender Dramatiker anerkannt ist", gibt der Gottheit Ogun in seinem Werk eine komplexe metaphysische Bedeutung. [108] In seinem Essay "The Fourth Stage" (1973) [109] kontrastiert Soyinka das Yoruba-Drama mit dem klassischen athenischen Drama und bezieht sich beide auf die Analyse des deutschen Philosophen Friedrich Nietzsche aus dem 19. Die Geburt der Tragödie (1872). Ogun sei "eine Gesamtheit der dionysischen, apollinischen und prometheischen Tugenden". [110]

Zu den Befürwortern des Wandertheaters in Nigeria zählen Duro Ladipo und Moses Olaiya (ein beliebter Comic-Act). Diese Praktizierenden trugen viel zum Feld des afrikanischen Theaters während der Zeit der Mischung und des Experimentierens des indigenen mit dem westlichen Theater bei.

Theater der afrikanischen Diaspora Bearbeiten

Afroamerikanisches Theater Bearbeiten

Die Geschichte des afroamerikanischen Theaters hat einen doppelten Ursprung. Die erste hat ihre Wurzeln im lokalen Theater, in dem Afroamerikaner in Hütten und Parks auftraten. Ihre Aufführungen (Volksgeschichten, Lieder, Musik und Tanz) waren in der afrikanischen Kultur verwurzelt, bevor sie von der amerikanischen Umgebung beeinflusst wurden. Das African Grove Theatre war das erste afroamerikanische Theater, das 1821 von William Henry Brown ISBN 0521465850 gegründet wurde


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Inhalt

Der Ursprung des Wortes „Tangram“ ist unklar. Eine Vermutung besagt, dass es sich um eine Verbindung des griechischen Elements '-gram' handelt, das von . abgeleitet ist μμα („geschriebenes Zeichen, Buchstabe, das Gezeichnete“), wobei das „tan-“-Element verschiedentlich als chinesisch vermutet wird bräunen 'verlängern' oder Kantonesisch Seetang 'Chinesisch'. [4] Alternativ kann das Wort vom archaischen englischen "Tangram" abgeleitet sein, was "ein seltsames, kompliziert erfundenes Ding" bedeutet. [5]

In beiden Fällen wird angenommen, dass die erste bekannte Verwendung des Wortes im Buch von 1848 zu finden ist Geometrisches Puzzle für die Kleinen von dem Mathematiker und zukünftigen Präsidenten der Harvard University, Thomas Hill, der den Begriff wahrscheinlich in derselben Arbeit geprägt hat. Hill förderte das Wort energisch in zahlreichen Artikeln, die sich für die Verwendung des Puzzles in der Bildung einsetzten, und im Jahr 1864 erhielt es die offizielle Anerkennung in englischer Sprache, als es in Noah Websters . aufgenommen wurde Amerikanisches Wörterbuch. [6]

Ursprünge Bearbeiten

Die frühen Jahre des Versuchs, das Tangram zu datieren, wurden durch die populäre, aber betrügerisch geschriebene Geschichte des berühmten Puzzlemachers Samuel Loyd in seinem 1908 Das achte Buch von Tan. Dieses Werk enthält viele skurrile Merkmale, die unter zeitgenössischen Gelehrten, die versuchten, den Bericht zu überprüfen, sowohl Interesse als auch Misstrauen weckten. 1910 war klar, dass es sich um einen Scherz handelte. In einem aus diesem Jahr datierten Brief des Herausgebers des Oxford Dictionary, Sir James Murray im Namen einer Reihe chinesischer Gelehrter, an den prominenten Rätsellisten Henry Dudeney heißt es: "Das Ergebnis war, zu zeigen, dass der Mann Tan, der Gott Tan und das Buch Tan sind der chinesischen Literatur, Geschichte oder Tradition völlig unbekannt." [5] Zusammen mit seinen vielen seltsamen Details Das achte Buch von Tans Das Entstehungsdatum für das Puzzle von 4000 Jahren in der Antike musste als völlig unbegründet und falsch angesehen werden.

Der historische chinesische Erfinder des Tangram ist unbekannt, außer unter dem Pseudonym Yang-cho-chu-shih (dämlicher Einsiedler). Es wird angenommen, dass das Puzzle ursprünglich in einem Buch mit dem Titel eingeführt wurde Ch'i chi'iao t'u die bereits 1815 von Shan-chiao in seinem Buch als verschollen gemeldet wurde Neue Figuren des Tangram. Dennoch wird allgemein angenommen, dass die Ursprünge des Puzzles rund 20 Jahre früher liegen. [7]

Trotz seiner relativ jungen Gründung gibt es in China eine viel ältere Tradition der Sezierungsunterhaltung, die wahrscheinlich eine Rolle bei seiner Inspiration gespielt hat. Insbesondere die modularen Banketttische der Song-Dynastie haben eine unheimliche Ähnlichkeit mit den Spielfiguren des Tangram, und es gab Bücher, die sich darauf konzentrierten, sie zu gefälligen Mustern zusammenzustellen. [8]

Der prominente Mathematiker des dritten Jahrhunderts, Liu Hui, hat in seinen Werken Konstruktionsbeweise verwendet, von denen einige eine auffallende Ähnlichkeit mit den später entwickelten Banketttischen aufweisen, die ihrerseits das Tangram vorwegzunehmen scheinen. Obwohl es keinen Grund zu der Annahme gibt, dass Tangrams beim Beweis des Satzes des Pythagoras verwendet wurden, wie manchmal berichtet wird, ist es wahrscheinlich, dass diese Art der geometrischen Argumentation einen Einfluss auf das chinesische Kulturleben ausübte, der direkt zum Rätsel führte. [9]

Die westliche Welt erreichen (1815-1820er) Bearbeiten

Das früheste erhaltene Tangram wurde 1802 dem Reeder und Kongressabgeordneten Francis Waln aus Philadelphia überreicht, aber erst über ein Jahrzehnt später wurde das westliche Publikum im Allgemeinen dem Rätsel ausgesetzt. [1] Im Jahr 1815 erhielt der amerikanische Kapitän M. Donnaldson zwei Bücher des Autors Sang-Hsia-koi zu diesem Thema (ein Problem- und ein Lösungsbuch), als sein Schiff, Händler dort angedockt. Sie wurden dann im Februar 1816 mit dem Schiff nach Philadelphia gebracht. Das erste in Amerika veröffentlichte Tangram-Buch basierte auf dem von Donnaldson mitgebrachten Paar. [10]

Das Puzzle erreichte schließlich England, wo es sehr in Mode kam. Die Begeisterung breitete sich schnell auf andere europäische Länder aus. Dies war hauptsächlich auf ein Paar britische Tangram-Bücher zurückzuführen, Das modische chinesische Puzzle, und das dazugehörige Lösungsbuch, Taste. [11] Bald wurden Tangram-Sets in großer Zahl aus China exportiert, die aus verschiedenen Materialien hergestellt wurden, von Glas über Holz bis hin zu Schildpatt. [12]

Viele dieser ungewöhnlichen und exquisiten Tangram-Sets fanden ihren Weg nach Dänemark. Das dänische Interesse an Tangrams explodierte um 1818, als zwei Bücher über das Puzzle veröffentlicht wurden, zu viel Enthusiasmus. [13] Die erste davon war Mandarinen (Über das chinesische Spiel). Dies wurde von einem Studenten der Universität Kopenhagen geschrieben, ein nicht-fiktionales Werk über die Geschichte und Popularität von Tangrams. Der Zweite, Det nye chinesiske Gaadespil (Das neue chinesische Puzzlespiel), bestand aus 339 Puzzles, die kopiert wurden von Das achte Buch Tan, sowie ein Original. [13]

Ein Faktor, der zur Popularität des Spiels in Europa beigetragen hat, war, dass die katholische Kirche zwar viele Formen der Erholung am Sabbat verbot, aber keine Einwände gegen Puzzlespiele wie das Tangram hatte. [14]

Zweite Begeisterung in Deutschland (1891-1920er Jahre) Bearbeiten

Tangrams wurden erstmals um 1891 von dem Industriellen Friedrich Adolf Richter der deutschen Öffentlichkeit vorgestellt. [15] Die Sets wurden aus Stein oder falschem Steingut hergestellt [16] und unter dem Namen "The Anchor Puzzle" vermarktet. [fünfzehn]

Auf internationaler Ebene erlebte der Erste Weltkrieg ein starkes Wiederaufleben des Interesses an Tangrams an der Heimatfront und in den Schützengräben beider Seiten. In dieser Zeit ging es gelegentlich unter dem Namen „The Sphinx“ zu einem alternativen Titel für die „Anchor Puzzle“-Sets. [17] [18]

Ein Tangram-Paradoxon ist ein Zerlegungs-Trugschluss: Zwei Figuren, die aus den gleichen Teilen zusammengesetzt sind, von denen eine wie eine richtige Untermenge der anderen zu sein scheint. [19] Ein berühmtes Paradox ist das der beiden Mönche, das Dudeney zugeschrieben wird und aus zwei ähnlichen Formen besteht, einer mit und der anderen ohne Fuß. [20] In Wirklichkeit wird der Bereich des Fußes in der zweiten Abbildung durch einen subtil größeren Körper ausgeglichen. Ein weiteres Tangram-Paradoxon wird von Sam Loyd in . vorgeschlagen Das 8. Buch von Tan: [21]

Die siebte und achte Figur stellen das mysteriöse Quadrat dar, das aus sieben Teilen gebaut wurde: dann mit einer abgeschnittenen Ecke und immer noch dieselben sieben Teile verwendet. [22]

Das Zwei-Mönch-Paradoxon – zwei ähnliche Formen, aber einer fehlt ein Fuß:

Das Tangram-Paradoxon des Magic Dice Cup – aus Sam Loyds Buch Das 8. Buch von Tan (1903). [21] Jeder dieser Becher wurde unter Verwendung der gleichen sieben geometrischen Formen zusammengestellt. Aber die erste Tasse ist ganz, und die anderen enthalten Stellen unterschiedlicher Größe. (Beachten Sie, dass der linke etwas kürzer ist als die anderen beiden. Der in der Mitte ist etwas breiter als der rechte und der linke noch schmaler.) [23]

Abgeschnittenes quadratisches Tangram-Paradox – aus Loyds Buch Das achte Buch Tan [21] (1903):

Allein aus Texten des 19. [24] Fu Traing Wang und Chuan-Chin Hsiung bewiesen 1942, dass es nur dreizehn konvexe Tangram-Konfigurationen gibt (Konfigurationssegmente, die zwischen zwei beliebigen Punkten am Rand der Konfiguration gezogen werden, gehen immer durch das Innere der Konfiguration, dh Konfigurationen ohne Aussparungen im Umriss ). [25] [26]

Bei der Wahl einer Maßeinheit, so dass die sieben Teile zu einem Quadrat mit einer Seiteneinheit und einer Fläche von einer Quadrateinheit zusammengesetzt werden können, sind die sieben Teile: [27]

  • 2 große rechtwinklige Dreiecke (Hypotenuse 1, Seiten √ 2 / 2 , Fläche
  • 1 / 4 )
  • 1 mittelgroßes rechtwinkliges Dreieck (Hypotenuse)
  • √ 2 / 2 , Seiten
  • 1 / 2 , Bereich
  • 1 / 8 )
  • 2 kleine rechtwinklige Dreiecke (Hypotenuse)
  • 1 / 2 , Seiten
  • √ 2 / 4 , Bereich
  • 1 / 16 )
  • 1 Quadrat (Seiten
  • √ 2 / 4 , Bereich
  • 1 / 8 )
  • 1 Parallelogramm (Seiten von
  • 1 / 2 und
  • √ 2 / 4 , Höhe von
  • 1 / 4 , Bereich
  • 1 / 8 )

Von diesen sieben Teilen ist das Parallelogramm insofern einzigartig, als es keine Reflexionssymmetrie, sondern nur Rotationssymmetrie aufweist, und daher kann sein Spiegelbild nur durch Umdrehen erhalten werden. Daher ist es das einzige Stück, das beim Formen bestimmter Formen möglicherweise umgedreht werden muss.


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Stab-Puzzles aus Holz.

Warum halten mich Hunderte von Menschen für ihre Und warum bin ich so begierig, von ihrem Elend zu erfahren und ihr frustriertes Stöhnen zu hören? Ich bin Steve Richardson, auch bekannt als The Chief Tormentor. Seit 1974 sind meine Kohorten und ich die Vordenker hinter den meisten wunderschönen, die meisten erfinderisch, und ohne Frage die meisten herausfordernd Puzzles, die heute in der Welt zu finden sind – die berühmten Stave-Rätsel.

Unsere Hingabe an das Puzzlen hat die Idee des Puzzles von einer sehr einfachen Abwechslung in eine ausdrucksstarke, unterhaltsame und ärgerliche Kunstform verwandelt. In allen Häusern sind Stave-Rätsel gesammelt und geschätzt als einzigartig und kostbare Erbstücke. Und nebenbei haben wir viele enge Beziehungen zu den Menschen aufgebaut, die unsere Besessenheit teilen. Menschen, die den Kampf und die Befriedigung erlebt haben, so schöne und herausfordernde Rätsel zu lösen, dass sie es kaum erwarten können, mit ihrem nächsten zu beginnen! Die von Stave-Rätseln inspirieren Briefe, Anrufe, Geschenke, Bestechungsgelder und Streiche weit über das hinaus, was Sie von einem normalen Geschäft erwarten würden.


14 der absolut besten Puzzles, laut Jigsaw-Enthusiasten

Die tollsten Puzzles für Erwachsene und Familien.

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In unserer hektischen, zunehmend digitalen Welt fordern Rätsel dein Gehirn heraus und beruhigen dich, während sie deinem Geist etwas geben, auf das er sich konzentrieren kann, das nichts mit der Arbeit, der realen Welt oder den damit verbundenen Herausforderungen zu tun hat. Und Puzzles sind nicht nur Spaß und Spiele: Eine Studie aus dem Jahr 2014 ergab, dass die Arbeit an Spielen wie Puzzles die räumlichen Fähigkeiten verbessern kann.

Eine andere von der Yale University angeführte Studie ergab, dass das gemeinsame Erstellen eines Puzzles Menschen helfen kann, ihre Zusammenarbeit und Kooperationsfähigkeiten zu verbessern. Noch mehr Studien haben gezeigt, dass das Lösen von Rätseln die Gedächtnisleistung steigern und die Wahrscheinlichkeit verringern kann, an Demenz und Alzheimer zu erkranken. Wenn das nicht alles gute Gründe sind, ein Puzzle in die Hand zu nehmen, wissen wir nicht, wie viel mehr Überzeugung Sie brauchen.

Also wenn du suchst ein neues Hobby haben, deinen Geist herausfordern oder eine Indoor-Aktivität für die Kinder brauchen, wir haben einige der besten Rätsel online zusammengestellt, also sind Sie nur ein paar Klicks davon entfernt, diese fantastischen Vorteile für das Gehirn zu nutzen. Wenn Sie schon dabei sind, sollten Sie sich auch unsere Lieblings-Brettspiele, Denksportaufgaben und Roadtrip-Spiele ansehen.


Schau das Video: Hard Puzzle. A Level 10 Jigsaw Puzzle. Puzzle World (Kann 2022).


Bemerkungen:

  1. Fenrizuru

    Verstehe nicht ganz was das bedeutet.

  2. Clive

    Zwischen uns sagen Sie, Sie sollten versuchen, Google.com anzusehen

  3. Yozshuk

    wenig

  4. Zuzragore

    Es ist ein bemerkenswertes, ziemlich nützliches Stück

  5. Math

    Nichts Ernstes, denke ich.

  6. Yigol

    Du liegst absolut richtig. Darin ist es auch für mich, dass es ein sehr guter Gedanke ist. Ganz mit Ihnen werde ich zustimmen.

  7. Ruben

    Ich möchte mit Ihnen zu diesem Thema sprechen.



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